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La biblioteca secreta Haruki Murakami


La biblioteca secreta Haruki Murakami

9788494291807

El muchacho, en apariencia, solo quiere devolver dos libros y rebuscar un poco entre las estanterías. Pero en la sala de lectura se topa con el extraño bibliotecario, un anciano furibundo que lo introduce en el laberinto de la biblioteca y allí, lo encierra. En la mazmorra de papel recibe…

El muchacho, en apariencia, solo quiere devolver dos libros y rebuscar un poco entre las estanterías. Pero en la sala de lectura se topa con el extraño bibliotecario, un anciano furibundo que lo introduce en el laberinto de la biblioteca y allí, lo encierra. En la mazmorra de papel recibe deliciosos manjares, servidos por un misterioso hombre-oveja y una bella muchacha muda. Poco a poco percibe que los límites entre los objetos, las personas y los espacios son cada vez más difusos. La biblioteca secreta es una pesadilla kafkiana y al mismo tiempo una sensible historia sobre la pérdida y la soledad. Murakami construye a través de su habitual estilo, cargado de símbolos tan familiares como herméticos, una historia sutil acompañada por las turbadoras ilustraciones de Kat Menschik.

Ficha detallada : La biblioteca secreta

Autor
Haruki Murakami

Ilustración
Kat Menschik

Editor
Libros del zorro rojo

Fecha de lanzamiento
05/11/2014

ISBN
9788494291807

EAN
978-8494291807

Adeline Virginia Woolf (Stephen de soltera); (Londres, 25 de enero de 1882 – Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941)


Virginia Woolf

VirginiaWoolf

Adeline Virginia Woolf (Stephen de soltera); (Londres, 25 de enero de 1882 – Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941) fue una novelista, ensayista, escritora de cartas, editora, feminista y escritora de cuentos británica, considerada como una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX.

Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura significativa en la sociedad literaria de Londres y un miembro del grupo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando: una biografía (1928), Las olas (1931), y su largo ensayo Una habitación propia (1929), con su famosa sentencia «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción». Fue redescubierta durante la década de 1970, gracias a este ensayo, uno de los textos más citados del movimiento feminista, que expone las dificultades de las mujeres para consagrarse a la escritura en un mundo dominado por los hombres.

Virginia Woolf nació con el nombre de Adeline Virginia Stephen en Londres en 1882. Su padre era el novelista, historiador, ensayista, biógrafo y montañero Sir Leslie Stephen (1832-1904).4 La madre, una belleza famosa, Julia Prinsep Jackson (1846-1895) era la segunda esposa de su padre; había nacido en la India, hija del Dr. John y Maria Pattle Jackson y más tarde se había trasladado a Inglaterra con su madre, donde sirvió de modelo para los pintores prerrafaelitas como Edward Burne-Jones.5 Sus padres habían estado casados previamente y habían enviudado, y, en consecuencia, el hogar tenía hijos de los tres matrimonios. Leslie tenía una hija de su primera esposa, Minny Thackeray: Laura Makepeace Stephen, que fue declarada mentalmente incapaz y vivió con la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico en 1891.6 Julia tenía tres hijos de su primer marido, Herbert Duckworth: George (1868-1934), Stella (1869-1897) y Gerald Duckworth (1870-1937). Leslie y Julia tuvieron otros cuatro hijos juntos: Vanessa Stephen (1879), Thoby Stephen (1880), Virginia (1882), y Adrian Stephen (1883).

La joven Virginia fue educada por sus padres en su literario y bien relacionado hogar del número 22 de Hyde Park Gate, Kensington. Asiduos visitantes al domicilio de los Stephen fueron, por ejemplo, Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James y Edward Burne-Jones. Aunque no fue a la escuela, Woolf recibió clases de profesores particulares y de su padre. La eminencia de Sir Leslie Stephen como editor, crítico y biógrafo, y su relación con William Thackeray (era el viudo de la hija menor de Thackeray), significaba que sus hijos fueron criados en un entorno lleno de las influencias de la sociedad literaria victoriana. Henry James, George Henry Lewes, Julia Margaret Cameron (tía de Julia Stephen) y James Russell Lowell, que fue el padrino honorífico de Virginia, estaban entre los visitantes de la casa. Julia Stephen estaba igualmente bien relacionada. Descendía de una camarera de María Antonieta, provenía de una familia de famosas bellezas, que dejaron su impronta en la sociedad victoriana como modelos para los artistas prerrafaelistas y los primeros fotógrafos. Además, acompañando a estas influencias, estaba la inmensa biblioteca en la casa de los Stephen, de la que Virginia y Vanessa (a diferencia de sus hermanos, que recibieron una educación formal) aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Sin embargo, según las memorias de Woolf, sus recuerdos más vívidos de la infancia no fueron de Londres sino de St Ives en Cornualles, donde la familia pasó sus vacaciones de verano entre 1882 y 1894. La casa de veraneo de los Stephen, Talland House, tenía vistas a la playa de Porthminster y al faro de Godrevy. Todavía se alza en el mismo lugar, aunque en cierta medida alterada. Recuerdos de esas vacaciones familiares e impresiones del paisaje, especialmente el faro de Godrevy, impregnaron la ficción que Woolf escribió en años posteriores, principalmente Al faro.

Pronto padeció Virginia la primera de sus depresiones, con la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando Virginia tenía trece años de edad, y la de su medio hermana Stella dos años después, quien había tomado las riendas del hogar familiar tras la muerte de Julia Stephen, pero abandonó la casa paterna para casarse con Jack Hills y falleció durante la luna de miel, a causa de una peritonitis.

La muerte de su padre por cáncer en 1904 provocó un ataque alarmante y fue brevemente ingresada. Sus crisis nerviosas y posteriores períodos recurrentes de depresión, los modernos eruditos (incluido su sobrino y biógrafo, Quentin Bell) han sugerido, estuvieron también influidos por los abusos deshonestos que ella y su hermana Vanessa padecieron a manos de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth8 (que Woolf recuerda en sus ensayos autobiográficos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate). Las circunstancias exactas no se conocen bien, pero se cree que contribuyeron al problema psicológico que sufrió la autora, un trastorno bipolar. En su texto autobiográfico A Sketch of the Past, la propia Virginia Woolf solo aludió a estas desdichadas experiencias de forma velada, de acuerdo con la rígida moral de la época victoriana. Su biógrafa Hermione Lee escribió que: «Las pruebas son suficientes, pero también lo bastante ambiguas como para posibilitar interpretaciones psicobiográficas contradictorias, que presentan imágenes completamente diferentes de la vida interior de Virginia Woolf».

A lo largo de su vida, Woolf se vio acosada por periódicos cambios de humor y enfermedades asociadas. Aunque esta inestabilidad a menudo influyó en su vida social, su productividad literaria continuó con pocas interrupciones hasta su suicidio.

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Después de la muerte de su padre, y segunda crisis nerviosa de Virginia, Vanessa y Adrian vendieron el número 22 de Hyde Park Gate y compraron una casa en el número 46 de Gordon Square en Bloomsbury. Se estableció con su hermana Vanessa –pintora que se casaría con el crítico Clive Bell – y sus dos hermanos en el barrio londinense de Bloomsbury, que se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury.11 Tras estudios en King’s College de Cambridge,12 y King’s College de Londres, Woolf conoció a Lytton Strachey, Clive Bell, Rupert Brooke, Saxon Sydney-Turner, Duncan Grant y Leonard Woolf. Varios miembros del grupo de Bloomsbury atrajeron notoriedad en 1910 con el Dreadnought hoax, en el que Virginia participó disfrazada de un miembro de la familia real abisinia. Su charla completa en 1940 sobre el engaño del Dreadnought ha sido descubierta recientemente y está publicada en las memorias recogidas en la versión extensa de The Platform of Time (2008). Los artistas del grupo de Bloomsbury compartían ciertos criterios estéticos. Mostraban cierto rechazo hacia la clase media alta a la que pertenecían, y se consideraban herederos de las teorías estecistas de Walter Pater que tuvieron resonancia a finales de siglo XIX. Dentro de este grupo hubo intensas relaciones intelectuales, pero también emotivas y personales. Formaron parte de él, la pintora Dora Carrington y los escritores Gerald Brenan y Lytton Strachey, entre otros.

En 1912, cuando contaba treinta años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y miembro también del grupo de Bloomsbury. A pesar de su bajo rango social y económico – Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un “judío sin un céntimo” – la pareja compartió un lazo muy fuerte. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: «Hacer el amor — después de 25 años que no podemos tolerar el estar separados … ver que es un enorme placer ser deseado: una esposa. Y nuestro matrimonio tan completo». Los dos colaboraron también profesionalmente, fundando juntos en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot, Sigmund Freud, Laurens van der Post y otros.13 La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson. Después de un comienzo tentativo, comenzaron una relación sexual que duró la mayor parte de los años 1920.14 En 1928, Woolf regaló a Sackville-West la obra Orlando, una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos. Nigel Nicolson, hijo de Vita Sackville-West, la consideró «la carta de amor más larga y encantadora en la historia de la literatura»14 Después de que acabara su romance, las dos mujeres siguieron siendo amigas hasta la muerte de Woolf en 1941. Virginia Woolf también permaneció estrechamente relacionada con sus parientes supervivientes, Adrian y Vanessa; Thoby había muerto de enfermedad a los veintiséis años de edad.

Durante su vida, sufrió una enfermedad mental hoy conocida como trastorno bipolar. Después de acabar el manuscrito de una última novela (publicada póstumamente), Entre actos, Woolf padeció una depresión parecida a la que había tenido anteriormente. El estallido de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz y la fría acogida que tuvo su biografía sobre su amigo Roger Fry empeoraron su condición hasta que se vio incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó. Se puso su abrigo, llenó sus bolsillos con piedras y se lanzó al río Ouse cerca de su casa y se ahogó. Su cuerpo no fue encontrado hasta el 18 de abril. Su esposo enterró sus restos incinerados bajo un árbol en Rodmell, Sussex.

En su última nota a su marido escribió:

I feel certain I am going mad again. I feel we can’t go through another of those terrible times. And I shan’t recover this time. I begin to hear voices, and I can’t concentrate. So I am doing what seems the best thing to do. You have given me the greatest possible happiness. You have been in every way all that anyone could be. I don’t think two people could have been happier till this terrible disease came. I can’t fight any longer. I know that I am spoiling your life, that without me you could work. And you will I know. You see I can’t even write properly. I can’t read. What I want to say is I owe all the happiness of my life to you. You have been entirely patient with me and incredibly good. I want to say that everybody knows it. If anybody could have saved me it would have been you. Everything has gone from me but the certainty of your goodness. I can’t go on spoiling your life any longer. I don’t think two people could have been happier than we have been. Siento que voy a enloquecer de nuevo. Creo que no podemos pasar otra vez por una de esas épocas terribles. Y no puedo recuperarme esta vez. Comienzo a oír voces, y no puedo concentrarme. Así que hago lo que me parece lo mejor que puedo hacer. Tú me has dado la máxima felicidad posible. Has sido en todos los sentidos todo lo que cualquiera podría ser. Creo que dos personas no pueden ser más felices hasta que vino esta terrible enfermedad. No puedo luchar más. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí tú podrás trabajar. Lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiera escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirlo —todo el mundo lo sabe. Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo. V.

Woolf comenzó a escribir profesionalmente en 1905, inicialmente para el Times Literary Supplement con una pieza de periodismo sobre Haworth, hogar de la familia Brontë. Su primera novela, Fin de viaje, se publicó en 1915 por la editorial de su medio hermano, Gerald Duckworth and Company Ltd. En esta novela, como en Noche y día la escritora ya se muestra dispuesta a romper los esquemas narrativos precedentes, pero apenas merecieron consideración por parte de la crítica. Sólo tras la publicación de La señora Dalloway y Al faro, los críticos comenzaron a elogiar su originalidad literaria. En estas obras destacan la maestría técnica y el afán experimental de la autora, quien introducía imágenes propias de la poesía en sus narraciones.

La obra de Woolf puede entenderse como un diálogo con Bloomsbury, particularmente su tendencia (informada por G.E. Moore, entre otros) hacia el racionalismo doctrinario.20 Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia. Influida por la filosofía de Henri Bergson[cita requerida], Woolf experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual, en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje, como en su relación con el tiempo histórico y colectivo. Así, Orlando (1928) constituye una fantasía libre, basada en algunos pasajes de la vida de Vita Sackville-West, en que la protagonista vive cinco siglos de la historia inglesa. Se distingue del resto de novelas al intentar representar a una persona real, hacer “Una biografía”, como dice el subtítulo. En Las olas (1931) las reflexiones de los seis protagonistas se asemejan a recitativos y crean un ambiente de poema en prosa.

La última obra de Woolf, Entre actos (1941) resume y magnifica sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre temas del flujo del tiempo y de la vida. Es el más lírico de sus libros, escrito principalmente en verso.

Escribió asimismo una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que resaltó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora. En Una habitación propia revela la evolución de su pensamiento feminista. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush) y otra sobre el crítico R. Fry (Fry). Asimismo, junto a E. M. Forster, llegó a escribir una carta a varios periódicos ingleses sobre el efecto que la censura tenía sobre el ánimo de los escritores, a raíz del intento del Sunday Express de condenar la novela de temática lésbica El pozo de la soledad (The Well of Loneliness, en inglés), de Hall.

La obra novelística de Virginia Woolf recibe influjos de Marcel Proust, James Joyce, Dorothy Richardson, Katherine Mansfield y posiblemente Henry James. Lo que le es realmente característico, lo que la hace prominente entre sus contemporáneos es precisamente que trató de hallar un camino nuevo para la novela, apartándose y dejando de lado el realismo imperante y abandonando la convención de la historia así como la tradicional descripción de los personajes.

Woolf siguió publicando novelas y ensayos como un intelectual pública con éxito tanto de crítica como de público. Gran parte de su obra la publicó a través de la Hogarth Press. Ha sido saludada como una de las grandes novelistas del siglo XX y una de las más destacadas modernistas.

Woolf está considerada una de las grandes renovadoras del idioma inglés. En sus obras ella experimentó con la corriente de pensamiento y lo psicológico subyacente así como los motivos emocionales de los personajes. La reputación de Woolf declinó profundamente después de la Segunda Guerra Mundial, pero su eminencia fue restablecida con el auge de la crítica feminista en los años 1970.

Su obra fue criticada por epitomar el estrecho mundo de la intelectualidad inglesa de clase media. Algunos críticos juzgaban que carecía de universalidad y hondura, sin el poder de comunicar nada de relevancia emotiva o ética al desilusionado lector medio, cansado de los estetas de los años veinte. También la criticaron por anti-semita, a pesar de estar felizmente casada con un judío. Este antisemitismo se saca del hecho de que ella a menudo escribió sobre personajes judíos en arquetipos y generalizaciones estereotípicos.28 El creciente antisemitismo de los años veinte y treinta tuvo una influencia inevitable en Virginia Woolf. Escribió en su diario, “No me gusta la voz judía; no me gusta la risa judía.” Sin embargo, en una carta de 1930 al compositor Ethel Smyth, citada en la biografía de Nigel Nicolson, Virginia Woolf, recuerda que presumía del judaísmo de Leonard confirmando sus tendencias snob, “Cómo odié casarme con un judío – Menuda snob que era, pues ellos tienen una inmensa vitalidad.”29 En otra carta a su querida amiga Ethel Smyth, Virginia da una mordaz denuncia del Cristianismo, apuntando a su “egotismo” con pretensiones de superioridad moral y afirmando que “mi judío tiene más religión en la uña de un pie –más amor humano, en un pelo.”30 Virginia y su esposo Leonard Woolf realmente odiaban y temieron al fascismo de los años treinta con su antisemitismo sabiendo que ellos estaban en la lista negra de Hitler. Su libro de 1938 Tres guineas era una censura al fascismo.

Las peculiaridades de Virginia Woolf como escritora de ficción han tendido a oscurecer su fuerza central: Woolf es sin duda la más grande novelista lírica en el idioma inglés. Sus novelas son altamente experimentales: una narrativa, frecuentemente sin acontecimientos y lugares comunes, se refracta – y a veces casi se disuelve—en la conciencia receptiva de los personajes. Un intenso lirismo y virtuosismo estilístico se funden para crear un mundo abundante con impresiones auditivas y visuales.

Recientemente, los estudios sobre Virginia Woolf se han centrado en temas feministas y lésbicos en su obra, como en la colección de 1997 o ensayos críticos, Virginia Woolf: Lesbian Readings, edición de Eileen Barrett y Patricia Cramer. Más controvertidamente, Louise A. DeSalvo interpreta la mayor parte de la vida y carrera de Woolf a través de la lente del abuso sexual incestuoso que experimentó Woolf cuando joven en su libro de 1989 Virginia Woolf: The Impact of Childhood Sexual Abuse on her Life and Work.

La ficción de Woolf también se estudia por su penetración en temas como neurosis de guerra, guerra, clase y la moderna sociedad británica. Sus mejores obras de no ficción, Una habitación propia (1929) y Tres guineas (1938), examinan las dificultades que las escritoras e intelectuales tienen que afrontar porque los hombres tienen un poder legal y económico desproporcionado, y el futuro de las mujeres en la educación y la sociedad.

El libro de Irene Coates Quién teme a Leonard Woolf: un caso por la cordura de Virginia Woolf asume la tesis de que el tratamiento que Leonard Woolf dio a su esposa fomentó su mala salud y al final fue el responsable de su muerte. La tesis, no aceptada por la familia de Leonard, ha sido ampliamente investigada y llena algunos de los vacíos en el relato habitual de la vida de Virginia Woolf. Por el contrario, el libro de Victoria Glendinning Leonard Woolf: A Biography, que tiene aún más amplia investigación y está apoyado en testimonios contemporáneos, argumenta que Leonard Woolf no sólo apoyó ampliamente a su esposa, sino que la permitió vivir todo ese tiempo proporcionándola la vida y la atmósfera que necesitaba para vivir y escribir. Relatos del supuesto anti-semitismo de Virginia (Leonard fue un judío secular) no sólo se toman en su contexto histórico sino gravemente exagerados. Los propios diarios de Virginia apoyan este punto de vista del matrimonio de los Woolf.

En vida de Virginia Woolf apareció al menos una biografía. El primer estudio autorizado de su vida se publicó en 1972 por su sobrino, Quentin Bell. En 1992, Thomas Caramagno publicó el libro The Flight of the Mind: Virginia Woolf’s Art and Maniac-Depressive Illness. La biografía de Hermione Lee Virginia Woolf (1996) proporciona un examen riguroso y fidedigno de la vida y obra de Woolf. En 2001 Louise DeSalvo y Mitchell A. Leaska editaron The Letters of Vita Sackville-West and Virginia Woolf. La obra de Julia Briggs, Virginia Woolf: An Inner Life, publicada en 2005, es el examen más reciente de la vida de Woolf. Se centra en los escritos de Woolf, incluyendo sus novelas y sus comentarios sobre el proceso creativo, para arrojar luz sobre su vida. El libro de Thomas Szasz My Madness Saved Me: The Madness and Marriage of Virginia Woolf (ISBN:0-7658-0321-6) se publicó en 2006.

La obra de Rita Martin Flores no me pongan (2006) considera los últimos minutos de la vida de Woolf para debatir temas polémicos como la bisexualidad, el judaísmo y la guerra. Escrito en castellano, la obra fue interpretada en Miami con dirección de la actriz Miriam Bermúdez.

En el cine

¿Quién teme a Virginia Woolf? fue una obra de teatro estadounidense (1962) de Edward Albee y una película (1966) dirigida por Mike Nichols (guion de Ernest Lehman adaptado a partir de la obra). Virginia Woolf no aparece como un personaje. Según la obra de teatro, el título de la obra — que es sobre una pareja casada universitaria alcohólica y disfuncional — se refiere a una broma académica sobre «¿Quién teme vivir la vida sin falsas ilusiones?».
Virginia Woolf es un personaje en la película Las horas (2002), dirigida por el director Stephen Daldry y basada en la novela homónima de Michael Cunningham, gira en torno al libro de Virginia Woolf titulado La señora Dalloway. Por su interpretación de la escritora, Nicole Kidman se llevó un Oscar a la mejor actriz.

Bibliografía

Novelas

Fin de viaje (The Voyage Out, 1915).
Noche y día (Night and Day, 1919).
El cuarto de Jacob (Jacob’s Room, 1922).
La señora Dalloway (Mrs. Dalloway, 1925).
Al faro (To the Lighthouse, 1927).
Orlando (1928).
Las olas (The Waves, 1931).
Los años (The Years, 1937).
Entre actos (Between the Acts, 1941).

Colecciones de cuentos

Kew Gardens (1919)
Monday or Tuesday (1921)
The New Dress (1924)
A Haunted House and Other Short Stories (1944). La casa encantada se publicó en 1983 por Editorial Lumen, ISBN 978-84-264-1135-8
Mrs. Dalloway’s Party (1973). Editorial Lumen publicó La señora Dalloway recibe en 1983, ISBN 978-84-264-2934-6
The Complete Shorter Fiction (1985). En ella se publicó por primera vez el relato Phyllis and Rosamond («Phyllis y Rosamond»), que se incluye, precedido de nota biográfica, en la pág. 481 ss de la antología Cuando se abrió la puerta. Cuentos de la Nueva Mujer (1882-1914), Alba Editorial, Clasica maior, 2008, ISBN 978-84-8428-418-5.

Alianza Editorial ha publicado los Relatos completos en 1994, ISBN 978-84-206-3277-3 y en 2008, ISBN 978-84-206-5992-3, traducidos por Catalina Martínez Muñoz y edición de Susan Dick.

Los cuentos de Virginia Woolf han sido, además, objeto de otras publicaciones y antologías en español:
La niñera Lugton, cuento infantil, se publicó por Editorial Debate en 1992, ISBN 978-84-7444-578-7. También conocido como «La cortina de la niñera Lugton».
Una rosa sin espinas, Editorial Planeta, 1999, ISBN 978-84-08-03275-5
La viuda y el loro, en tono humorístico, Editorial Debate, 1989, ISBN 978-84-7444-328-8 y Gadir Editorial, 2009, ISBN 978-84-935237-4-9.
La sociedad se ha publicado junto con La inocentada del acorazado, obra de su hermano Adrian Stephen, por Valdemar en 1999, ISBN 978-84-7702-293-0

“Biografías

Virginia Woolf publicó tres libros a los que ella subtituló “Una biografía”:
Orlando: A Biography (1928, normalmente se la considera una novela, inspirada por la vida de Vita Sackville-West)
Flush: A Biography (Flush, 1933). Es una obra aún más explícita de transgénero: un cuento de ficción como “corriente de conciencia” obra de Flush, un perro; no ficción en el sentido de narrar la historia de la propietaria del perro, Elizabeth Barrett Browning). Editado en España por: Ediciones Destino en 1956 ISBN 978-84-233-0393-9, en 1988 ISBN 978-84-233-1647-2, en 1991 ISBN 978-84-233-2031-8, en 1991 ISBN 978-84-233-1006-7, en 2003 ISBN 978-84-233-3509-1; Salvat Editores, en 1971 ISBN 978-84-345-7289-8, en 1983 ISBN 978-84-345-8053-4 y en 1986 ISBN 978-84-345-8310-8 y Jorge A. Mestas en 2008 ISBN 978-84-95311-98-6

Además, el final de Flush aparece en la selección de relatos breves Las mejores historias sobre perros, Ediciones Siruela, 2005, ISBN 978-84-7844-889-0, junto con otros de Chesterton, Jack London, Hugh Walpole o Rudyard Kipling.
Roger Fry: A Biography (Roger Fry: una biografía, 1940). Normalmente se la considera no ficción; no obstante, se advierte que “La habilidad novelística [de Woolf] jugó en contra de su talento como biógrafa, porque sus observaciones impresionistas encajaban mal con la necesidad simultánea de reunir una multitud de hechos.”33 ) Ha sido editada por Edhasa en 1984 con el título de Roger Fry, ISBN 978-84-350-0446-6

Libros de no ficción

Modern Fiction (1919)
The Common Reader (El lector común, 1925. Traducido por Editorial Lumen en 2009, ISBN 978-84-264-1699-5
A Room of One’s Own (Una habitación propia, 1929). Publicada en España por Seix Barral en 1997 ISBN 978-84-322-3038-7, en 1997 ISBN 978-84-322-1521-6, en 2008 ISBN 978-84-322-1789-0 y en 2009 ISBN 978-84-322-1964-1, y por Círculo de Lectores en 2004 ISBN 978-84-672-0617-3. Publicada también con el título de Un cuarto propio en 1991 por Ediciones Júcar, ISBN 978-84-334-2817-2: en 2003 or la Editorial Horas y Horas, ISBN 978-84-96004-02-3 y en 2007 por Alianza Editorial, ISBN 978-84-206-5526-0
On Being Ill (1930)
The London Scene (1931). Londres ha sido publicada por Editorial Lumen en 2005 y por Viena Ediciones en 2008 ISBN 978-84-8330-476-1; Escenas de Londres fue publicada por Editorial Lumen en 1986 ISBN 978-84-264-2973-5
The Common Reader: Second Series (1932)
Three Guineas (Tres guineas, 1938). Publicado por Editorial Lumen en 1980 ISBN 978-84-264-4006-8, 1983 ISBN 978-84-264-1133-4 y 1999 ISBN 978-84-264-4954-2
The Death of the Moth and Other Essays (1942). Traducido al castellano en 2009 por Luïsa Moreno Llort para la editorial Capitán Swing Libros como La muerte de la polilla y otros escritos (índice aquí).
The Moment and Other Essays (1947)
The Captain’s Death Bed And Other Essays (1950)
Granite and Rainbow (1958)
Books and Portraits (1978)
Women And Writing (Las mujeres y la literatura, 1979). Publicado en España en 1981 por Editorial Lumen ISBN 978-84-264-4013-6
Collected Essays (cuatro volúmenes)

Teatro
Freshwater: A Comedy (interpretado en 1923, revisado en 1935, y publicado en 1976). Freshwater fue publicado en España por Editorial Lumen en 1980, ISBN 978-84-264-2957-5

III Concurs de microrelats de tema marítim: Pirates!


III Concurs de microrelats de tema marítim: Pirates!
(12/01/2015 – 19/04/2015)

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L’MMB ha organitzat la III Edició del Concurs de microrelats de tema marítim, enguany dedicat als Pirates.

Aquest concurs, que té la voluntat de contribuir al coneixement de la cultura marítima, està adreçat a qualsevol persona major de 10 anys, i es vertebra a partir d’un blog des del qual es poden llegir els relats participants, però que també permet a qui ho vulgui enviar les seves obres.

La iniciativa compta amb el patrocini de Casa del Libro i la col·laboració de la Xarxa de Museus Marítims de la Costa Catalana, la Xarxa de Biblioteques de la Diputació de Barcelona, el Servei de Biblioteques de Barcelona, el Servei de Biblioteques del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Seix Barral, Editorial Planeta, Ariel, Espasa i Ediciones Destino.

Ja podeu enviar els vostres relats. L’edat mínima dels participants és de 10 anys. Data límit de participació, 19 d’abril. Per a més informació sobre el concurs consulteu el Blog del Concurs.

http://microrelatsmmb.blogspot.com.es/

Coco Chanel (Saumur, 19 de agosto de 1883 – París, 10 de enero de 1971)


Coco Chanel

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Coco Chanel, seudónimo de Gabrielle Bonheur Chanel (Saumur, 19 de agosto de 1883 – París, 10 de enero de 1971), fue una diseñadora de moda francesa creadora de la marca Chanel y el traje sastre femenino. Es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las 100 personas más influyentes del siglo XX de la revista Time.

Fue una de las modistas más prolíficas de la historia y una de las más innovadoras durante la Primera Guerra Mundial. Estableció un quiebre con la opulenta y poco práctica elegancia de la Belle Époque y creó una línea de ropa informal, sencilla y cómoda.3 También se consolidó como diseñadora de bolsos, perfumes, sombreros y joyas. De hecho, su fragancia exclusiva, Chanel Nº5, se convirtió en un producto emblemático y fue mundialmente conocido.

Criada en un hospicio de monjas, fue conocida por su firme determinación, ambición y vitalidad que aplicaba a su vida profesional y social. Alcanzó éxito como empresaria y prominencia social en la década de 1910 gracias a los contactos que formó a lo largo de su trabajo. Altamente competitiva, su personalidad oportunista la llevó a tomar decisiones cuestionadas que generaron controversia y dañaron su reputación, especialmente su posición durante la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial

Gabrielle Bonheur Chanel nació en el Hospital de Caridad de las Hermanas de la Providencia en Saumur, Francia, como la hija de una madre soltera, Eugénie «Jeanne» Devolle, que se desempeñaba como lavandera. Su padre, Albert Chanel, era un vendedor ambulante que comerciaba ropa interior y uniformes a lo largo de los centros comerciales del país8 mientras su esposa e hijos vivían en condiciones precarias. En 1884, persuadido con dinero, se casó con Jeanne Devolle. Al nacer Gabrielle fue inscrita equivocadamente con el apellido Chasnel, posiblemente por un error en la transcripción. Como Devolle estaba demasiado enferma y su padre alegaba falta de tiempo por su trabajo para corregir la errata, el apellido de la bebé permaneció mal escrito. El matrimonio tuvo otros seis hijos: dos mujeres, Julia-Berthe (1882-1912) y Antoinette (1887-1920), y cuatro varones, Alphonse (1885-1953), Lucien (1889-1941), Augustin (1891-1941) y Pierre (nacido y muerto en 1891).

En 1895, cuando Gabrielle contaba con doce años, su madre murió a causa de una bronquitis a la edad de 31 años después de haber transcurrido años en condiciones de miseria y con episodios de asma. Su padre envió a sus tres hijos varones a trabajar como jornaleros agrícolas con una familia campesina y a sus dos hijas a un convento de Aubazine, Corrèze, cuya orden religiosa, la Congregación del Sagrado Corazón de María, fue fundada para «asistir a los pobres y rechazados, incluyendo la gestión de hogares para niñas huérfanas y abandonadas».12 Su padre murió en 1909 y Gabrielle permaneció en el orfanato, donde recibió una estricta disciplina y aprendió a coser, bordar a mano y planchar. Luego de atravesar su adolescencia en el convento, se trasladó a una pensión reservada para las niñas católicas en la ciudad de Moulins.

«Durante mi infancia sólo ansié ser amada. Todos los días pensaba en cómo quitarme la vida, aunque, en el fondo, ya estaba muerta. Sólo el orgullo me salvó».

Con el correr de los años, Chanel no aceptaría su pasado e inventaría otras historias al alegar orígenes nobles con el fin de ocultar su condición humilde. De hecho afirmó que cuando su madre falleció, su padre viajó a América en busca de fortuna y ella quedó al cuidado de dos tías insensibles. También declaró haber nacido en 1893 en lugar de 1883 y que su madre había muerto cuando contaba con dos años en lugar de doce.

Después de haber aprendido costura durante seis años en Aubazine, Chanel logró conseguir un empleo como costurera y a su vez, incursionaba como cantante en un cabaré frecuentado por oficiales de caballería. Realizó su debut sobre los escenarios como cantante en un café-concert en un pabellón de Moulins llamado «La Rotonde». Fue una de las tantas chicas denominadas poseuses, aquellas que entretienen al público entre los cambios de vestuario de los artistas principales.16 El dinero recaudado era aquel que obtenían al pasar el plato entre el público como apreciación por su interpretación. Fue por aquella época que Gabrielle recibió el apodo de «Coco», posiblemente por dos canciones de su repertorio que llegaron a identificarla: «Ko ko ri ko» y «Qui qu’a vu Coco?», una tonadilla popular que narraba la historia de una muchacha que había perdido a su perro Coco. Otras versiones indican que podría ser por cocotte, un término francés que hace referencia a la mujer mantenida.Como intérprete irradiaba un encanto juvenil que fascinaba a los militares habituales del cabaré.

Para 1906, se hallaba en Vichy, una ciudad turística que contaba con una gran cantidad de salas de concierto, teatros y cafés donde esperaba encontrar su éxito como intérprete.18 Sus encantos juveniles y físicos impresionaron a aquellos que le realizaron pruebas pero su voz de canto no era perfecta y eso no le permitió hallar trabajo.19 Obligada a encontrar un empleo, decidió ingresar en el «Grande Grille», cuya labor ahí fue repartir vasos de agua mineral supuestamente curativa con el fin de promocionar la ciudad de Vichy. Cuando la temporada veraniega terminó, regresó a Moulins y por consiguiente a su antiguo trabajo en «La Rotonde», aunque desesperanzada de consagrarse como actriz.

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En Moulins, Chanel conoció al exoficial de caballería y rico heredero textil francés, Étienne Balsan. Con 23 años se convirtió en su amante y suplantó como favorita a la cortesana Émilienne d’Alençon. Durante los siguientes tres años, vivieron juntos en su castillo Royallieu cerca de Compiègne, una zona destacada por su bosque de senderos ecuestres y la vida de caza y polo. Su estilo de vida le permitió a Chanel llevar una vida de riqueza y ocio, y fomentar su carácter social en fiestas de alto prestigio. El biógrafo Justine Picardie sugirió que el sobrino de la diseñadora de moda, André Palasse, supuestamente hijo único de su hermana Julia-Berthe que decidió suicidarse, era en realidad el primogénito de Chanel y Balsan.

En 1908, comenzó un romance con uno de los mejores amigos de Balsan, el capitán inglés Arthur Edward «Boy» Capel.25 Durante sus últimos años, Chanel recordó: «Dos caballeros estaban pujando por mi pequeño cuerpo caliente». Capel, un miembro rico de la clase alta inglesa, la instaló en un apartamento en París y financió sus primeras tiendas. El diseño de la botella de la fragancia Chanel Nº5 tiene dos orígenes probables atribuibles a las sensibilidades de diseño sofisticadas de Capel. Se cree que Chanel adoptó las líneas rectangulares biseladas de las botellas de tocador Charvet que Capel llevaba en su caja de cuero de viaje o el estilo de su decantador de whisky que admiraba tanto que deseaba reproducirlo en un «cristal delicado, caro y exquisito». La pareja pasó tiempo juntos en diversos centros turísticos de moda tales como Deauville pero Capel nunca le fue fiel. Permanecieron juntos durante nueve años e incluso continuaron su relación luego del casamiento de Capel con la aristócrata inglesa lady Diana Wyndham en 1918. Su prematura muerte en un accidente automovilístico a fines de 1919 fue uno de los acontecimientos más devastadores en su vida. Abatida por el dolor, comenzó a utilizar prendas negras en señal de luto y al poco tiempo diseñó el denominado «pequeño vestido negro», que se presentó en 1926 y fue calificado por Vogue como el «atuendo que todo el mundo usará». El vestido negro, disponible sólo en ese color, fue inmediatamente un éxito y ha sido el epítome de la elegancia sencilla desde entonces. Luego del deceso, se encargó personalmente de construir un monumento en el lugar del accidente al que solía visitar en los últimos años para depositarle flores en su memoria.32 En 1945, Chanel, que residía en Suiza, confió a su amigo Paul Morand: «Su muerte fue un golpe terrible para mí. Al perder a Capel, lo perdí todo. Tengo que decir que lo que siguió no fue una vida de felicidad».

Chanel recibió lecciones por parte de dos de los mejores asistentes de Lucienne Rabatte, un popular diseñador de sombreros cloché que había trabajado para Maison Lewis. Comenzó a confeccionar sombreros mientras vivía con Balsan, inicialmente como un entretenimiento que luego derivó en un negocio comercial de notable aceptación entre sus clientes, muchos de los cuales eran allegados de su amante. Chanel solía llevar puestas sus propias creaciones a las carreras de caballos y llamar la atención de los presentes con su peculiar estilo de vestir. Sus conjuntos vanguardistas, muchas veces conformados por pantalones de montar y poleras, contrastaban con los vestidos elegantes de la época. Se convirtió en fabricante de sombreros en 1909 e inauguró una boutique financiada por Balsan en la planta baja de su departamento de soltero en el Boulevard Malesherbes.36 37 Al año siguiente estableció su casa de moda, «Chanel Modes», sobre el número 21 de la calle rue Cambon en París.38 Su carrera como sombrerera floreció cuando la actriz de teatro Gabrielle Dorziat utilizó sus modelos en la obra de teatro Bel Ami de 1912, dirigida por F. Noziere, y posteriormente en Les Modes.

En 1913, abrió una boutique financiada por Arthur Capel en Deauville, donde introdujo ropa casual de lujo orientada hacia el ocio y al deporte.40 Los modelos fueron diseñados con tejidos de bajo costo como el jersey y el tricot, usado sobre todo para la ropa interior de los hombres. Tenía una localización privilegiada en una calle de moda en el centro de la ciudad, donde vendía sombreros, chaquetas, suéteres y las denominadas marinières (blusa estilo marinero). Tuvo el apoyo de dos integrantes de su familia: su hermana Antoinette y Adrienne Chanel, una tía casi de la misma edad que la diseñadora que el abuelo de Coco había tenido casi hacia el final de su vida.41 Adrienne y Antoinette fueron llamadas para modelar sus diseños y solían transitar la ciudad a diario y dar paseos en barco con el fin de promocionar las creaciones de su pariente. The New Yorker publicó: «Las damas de Deauville despertaron una mañana y descubrieron una diferencia impactante de elegancia entre su propia ropa y la moda Chanel»,31 mientras que Women’s Wear predijo un gran éxito para sus suéteres de jersey de lana.

Decidida a recrear el éxito que había tenido en Deauville, Chanel inauguró un nuevo local en una villa frente a un casino de Biarritz en 1915. La ciudad, situada en la Costa Vasca y frecuentada por clientes españoles ricos, tuvo la condición de neutralidad durante la Primera Guerra Mundial, lo que le permitió convertirse en una zona de excelencia para adinerados y exiliados de sus países por hostilidades. Tan solo un año después de su inauguración el negocio había tenido tanto éxito que Chanel decidió reintegrarle (por voluntad propia) a Capel el dinero que le había prestado como inversión inicial.46 Poco después, conoció en Biarritz al gran duque Demetrio Románov de Rusia, con quien tuvo un interludio romántico y mantuvo una estrecha relación muchos años después.

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En febrero de 1916, con ocasión de la presentación de su primera colección en otoño, sus sacos deportivos aparecieron por primera vez en la revista Vogue. Al poco tiempo, sus modelos comenzaron a venderse en las grandes tiendas departamentales de Estados Unidos.31 43 En 1918, estableció su casa de moda con más de 300 empleados en una propiedad situada en el número 31 de la calle rue Cambon38 en uno de los barrios más populares de París. Al año siguiente fue registrada oficialmente como couturière y en 1921 inauguró una boutique de moda que ofrecía ropa, sombreros, accesorios y más tarde, joyas y perfumes.

Ese año Chanel modeló el logotipo «CC» de su empresa que se ha mantenido hasta la actualidad. Existen tres teorías respecto a las influencias que marcaron el diseño. El emblema de la entrada al castillo Château de Crémat de su amiga Irène Bratz posiblemente haya sido la inspiración del logo. Otras versiones indican que los ventanales de la iglesia de Aubazine del orfanato donde pasó su infancia o el monograma del rey Enrique II de Francia y Catalina de Médicis pudieron haber tenido influencia al momento de la producción de la insignia de la marca Chanel.

Su consolidación en el mundo de la moda significó el declive de la carrera de Paul Poiret, que se resistió a la practicidad, racionalización y simplificación estilística que modistos como Chanel propusieron en esos años. Los modelos sencillos y elegantes de la diseñadora con acabados de costura discretos hacían que los de Poiret parecieran desaliñados e incorrectamente elaborados en comparación. El hecho llevó a que Jean Cocteau satiriza los diseños obsoletos de Poiret a través de su caricatura animada «Poiret sale, Chanel entra». Finalmente su empresa de moda quebró a fines de los años de 1920.

En la primavera de 1920, aproximadamente en mayo, la diseñadora conoció al compositor Ígor Stravinsky gracias al empresario de los Ballets Rusos, Serguéi Diáguilev. Durante el verano se enteró que la familia de Stravinsky estaba buscando un lugar para vivir y los hospedó momentáneamente en su vivienda, «Bel Respiro», en el suburbio parisino de Garches, hasta que se establecieran definitivamente en una residencia más adecuada.53 Los Stravinsky permanecieron ahí hasta mayo de 1921. Chanel, por su parte, protegió de pérdidas económicas a la nueva producción de Stravinsky, La consagración de la primavera (1920), mediante un presente anónimo enviado a Diáguilev que consistía en 300 000 FRF Diáguilev la convocó en 1924 para el diseño del vestuario de su espectáculo de ballet Le Train Bleu en el Teatro de los Campos Elíseos.

En 1921, colaboró con el perfumista Ernest Beaux en la creación de su primer perfume, Chanel Nº 5, que rápidamente se convirtió en un éxito. Basado en el perfume de jazmín, la fragancia fue la primera en llevar el nombre de un diseñador y fue envasada en una botella de cristal creada por la propia Chane Rápidamente, la Societé des Parfums Chanel pasó a vender otras fragancias, como el Chanel Nº 22, el 31 Rue Cambon, el Gardenia y 28 la Pausa. En 1922, durante las carreras de Longchamp, el fundador de las Galeries Lafayette Haussmann, Théophile Bader, le presentó al empresario Pierre Wertheimer. Bader estaba interesado en la presentación de la fragancia Chanel Nº5 en su tienda departamental. En 1924, la diseñadora creó la entidad corporativa Parfums Chanel luego de llevar a cabo un acuerdo con los hermanos Wertheimer, Pierre y Paul, directores de la eminente casa de perfumes y cosméticos Bourgeois desde 1917. Los Wertheimer acordaron proporcionar la financiación completa para la producción, comercialización y distribución del perfume. Ellos recibirían el 70 % de las ganancias y Bader una cuota del 20 %, mientras que Chanel el 10 % restante. Enfadada con el arreglo, retiró su participación de cualquier operación comercial y luchó durante más de veinte años para obtener el control total de la compañía.58 59 Posteriormente se refirió a Pierre como el «bandido que me estafó».60 Su fábrica textil de punto de lana, Tricots Chanel (luego renombrada a Tissus Chanel), fue establecida en 1928 en Asnières bajo la dirección del poeta y dibujante ruso Iliazd.

Chanel mantuvo una relación significativa con el poeta Pierre Reverdy y el ilustrador y diseñador Paul Iribe. Luego de finalizar su romanece con Reverdy en 1926, ambos continuaron con una amistad que perduró por cuarenta años. La diseñadora fue un componente primordial en su producción poética al reforzar su confianza, apoyar su capacidad creativa y mitigar su inestabilidad financiera al comprar en secreto sus manuscritos por medio de su editor.62 Con Iribe estableció su primera colección pública de joyería, «Bijoux de Diamants», a pedido de la International Guild of Diamond Merchants en 1932. Mantuvieron un profundo vínculo hasta su repentina muerte en 193563 y compartieron las mismas políticas reaccionarias. De hecho, Chanel financió su periódico antirepublicano y ultranacionalista mensual, Le Témoin, que alimentó el miedo irracional de los extranjeros y promovió el antisemitismo.64 65 En 1936, un año después de la finalización de la publicación, la diseñadora se desvió hacia el extremo opuesto al financiar la revista radical izquierdista de Pierre Lestringuez, Futur.

Una de sus amistades más largas y duraderas fue con Misia Sert, una miembro destacada de la élite parisina y esposa del pintor español José María Sert.67 Se sintió atraída por Chanel al conocer su «genio, ingenio letal, sarcasmo y destructividad maníaca, que intrigó y consternó a todos».68 Ambas mujeres, criadas en conventos, mantuvieron una amistad basada en intereses compartidos, confidencias y consumo de drogas.69 70 Para 1935, la diseñadora se había convertido en una consumidora adictiva de drogas al inyectarse tres dosis de morfina diarias hasta el final de su vida. De acuerdo con el periodista norteamericano Chandler Burr, el biofísico Luca Turin relató una historia apócrifa en la que aseguró que la diseñadora fue apodada «Coco» debido a que realizaba las mejores fiestas de cocaína de París.

La escritora Colette, que pertenecía a los mismos círculos sociales que Chanel, ofreció una descripción caprichosa de la modista en el trabajo de su taller que figuró en Prisons et Paradis (1932): «Si cada rostro humano tiene una semejanza con un animal, entonces Madmoiselle Chanel es un pequeño toro negro. Ese mechón de cabello negro rizado, el atributo de los terneros, cae sobre su frente y llega hasta sus párpados y baila con cualquier movimiento de su cabeza».

En 1923, Vera Bate Lombardi,supuestamente hija ilegítima del marqués de Cambridge, le proporcionó a Chanel la entrada a los más altos niveles de la sociedad británica. Le presentó ese mismo año en Monte Carlo al duque de Westminster, Hugh Richard Arthur Grosvenor, conocido en la intimidad como «Bendor». Durante el romance de diez años que mantuvo con el aristócrata, Chanel recibió joyas extravagantes y una casa en el prestigioso distrito londinense de Mayfair. Otros rumores indican que el príncipe de Gales Eduardo de Windsor (posterior rey de Gran Bretaña Eduardo VIII) mantuvo un breve amorío con la diseñadora a pesar de la implicancia con su primo, el duque. Años después, Diana Vreeland, editora de Vogue, insistiría en que «la apasionada, centrada y ferozmente independiente Chanel» y «el príncipe tuvieron un gran momento romántico juntos».A través de Grosvenor la diseñadora conoció a uno de sus colaboradores más cercanos, Winston Churchill, que la definió como una «mujer de personalidad fuerte, muy capaz y agradable» y con quien forjó una amistad de por vida. En 1927, Grosvenor le otorgó a la modista una parcela de tierra que había comprado en Roquebrune-Cap-Martin, lugar en el que construyó su villa «La Pausa», para la cual contrató al arquitecto Robert Streitz. Las ideas de Streitz para la elaboración de la escalera y el patio estaban inspiradas en elementos de diseño de Aubazine, el orfanato en el que pasó su juventud.80 81 Cuando se le preguntó por qué no se había casado con el duque, la diseñadora respondió: «Han habido muchas duquesas de Westminster. Chanel hay una sola».

En 1931, durante su estadía en Monte Carlo, conoció a Samuel Goldwyn a través de Demetrio Románov, primo del zar de Rusia Nicolás II. Goldwyn ofreció a Chanel una propuesta laboral de un millón USD que incluía diseñar el vestuario para las estrellas de MGM dos veces al año en Hollywood. Luego de aceptar la oferta, viajó acompañada de Misia Sert a Estados Unidos, donde confeccionó la ropa de Gloria Swanson en Tonight or Never (1931) y de Ina Claire en The Greeks Had A Word for Them (1932). Por otra parte, Greta Garbo y Marlene Dietrich se convirtieron en clientas privadas. Su experiencia en la producción de vestuario para películas norteamericanas le generó una aversión por la industria del cine y la cultura de Hollywood, a las que calificó de «infantiles».85 La diseñadora declaró: «Hollywood es la capital del mal gusto… y es vulgar».86 The New Yorker especuló con que había abandonado su trabajo debido a que «sus vestidos no eran lo suficientemente sensacionales. Ella hizo que una dama se vea como una dama. Hollywood quiere una dama que se vea como dos damas».87 Sin embargo, continuó realizando diseños para el cine pero esta vez para películas francesas, entre ellas La regla del juego (1939) de Jean Renoir,84 en la que figuró como La Maison Chanel. La diseñadora, consciente de las aspiraciones del joven italiano Luchino Visconti para trabajar en cine, le presentó a Renoir, quien quedó ampliamente impresionado y lo contrató para su próximo proyecto cinematográfico

Su empresa llegó a contar con 4000 empleados y 28 000 unidades de venta anuales para 1935. A medida que avanzaba la década, su lugar de privilegio en el mundo de la alta costura se vio amenazado. Sus diseños para la industria del cine hollywodense habían fracasado y no habían engrandecido su reputación como esperaba. Por el contrario, comenzó a existir una alta rivalidad con la prestigiosa diseñadora Elsa Schiaparelli, cuyos innovadores diseños estaban repletos de detalles festivos y surrealistas, lo que la llevó a cosechar elogios de la crítica y generar entusiasmo en el mundo de la moda.90 Luego de sentir que estaba perdiendo prestigio, Chanel colaboró en la obra teatral Oedipe Rex de Jean Cocteau, con quien había trabajado en Orphée (1926)31 y Antigone (1927, basada en la tragedia homónima de Sófocles). Los trajes diseñados para Oedipe Rex fueron ridiculizados y criticados severamente por la prensa: «Envueltos en vendajes, los actores parecían momias ambulantes o víctimas de algún terrible accidente».

En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, cerró todas sus tiendas pero mantuvo abierta su boutique en el número 31 de la calle rue Cambon con perfumes y accesorios disponibles solamente. Alegó que no era momento para la moda y 3000 empleadas perdieron sus puestos de trabajo. Al cerrar la casa central de moda, confesó públicamente su posición política y comenzaron a circular detalles de su vida personal. Su aversión por los judíos y homosexuales, según informes inculcada en sus años de convento y agudizada por sus relaciones con las élites sociales, había consolidado sus creencias. De hecho, compartió con la mayor parte de su entorno que los judíos eran una amenaza bolchevique para Europa. Durante la ocupación alemana, Chanel residía en el Hotel Ritz, que se destacó por ser el lugar preferido de residencia de los oficiales militares alemanes de alta jerarquía. Su relación amorosa con Hans Gunther von Dincklage, un oficial alemán que había sido operario de la inteligencia militar desde 1920,94 posibilitó su estadía en el Hotel Ritz.

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La Segunda Guerra Mundial, específicamente la toma nazi de todas las propiedades de judíos y empresas comerciales, le proporcionó la posibilidad de ser la única destinataria de todas las ganancias generadas por su compañía de perfumes y su producto más vendido, Chanel Nº5. Los directores de la empresa en ese momento, los Wertheimer, eran judíos, por lo que Chanel utilizó su condición de «aria» para solicitar a las autoridades alemanas ser la única propietaria de la empresa. El 5 de mayo de 1941, le escribió al administrador del gobierno encargado de resolver la enajenación de los bienes financieros judíos. Sus motivos para la posesión de la empresa fueron que Parfums Chanel «continúa siendo propiedad de judíos» y había sido legalmente «abandonada» por los dueños. La diseñadora escribió: «Yo tengo un derecho indiscutible de prioridad… las ganancias que he recibido de mis creaciones desde la fundación de este negocio… son desproporcionales… [y] ustedes pueden ayudar a solucionar en parte los prejuicios que he sufrido en el curso de estos 17 años».

Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, el mundo de los negocios seguía con interés y cierta aprensión la lucha legal en curso por el control de Parfums Chanel. La modista no se había percatado de que los Wertheimer, anticipando las medidas nazis contra los judíos, en mayo de 1940 habían otorgado de forma legal el control de la compañía a Félix Amiot, un industrial cristiano y hombre de negocios francés.100 4 Al finalizar la guerra, Amiot otorgó el control de nuevo a los Wertheimer.Las partes involucradas en el procedimiento legal eran conscientes de que la afiliación nazi de la diseñadora en tiempos de guerra dañaría seriamente su reputación y el estatus de la marca Chanel si se hiciera pública.

La revista Forbes resumió el dilema que enfrentaban los Wertheimer: [Es una preocupación de Pierre W.] el cómo una «lucha legal podría destapar las actividades de Chanel durante la guerra y arruinar su imagen y su negocio».Finalmente, los trámites procesales concluyeron con la toma de una decisión de común acuerdo que incluyó la renegociación del contrato original de 1924. El 17 de mayo de 1947, la diseñadora recibió ganancias de las ventas del Chanel Nº5 en tiempos de guerra, en una suma equivalente a 400 000 USD. A partir de ese momento su beneficio económico fue enorme y sus ingresos rondaron los 25 millones USD anuales, lo que la convirtió en una de las mujeres más ricas del mundo. Además, Pierre Wertheimer acordó una disposición inusual propuesta por la propia Chanel en la que aceptó pagar todos los gastos que la diseñadora realizara —desde los triviales a los más costosos— por el resto de su vida.

Documentos de archivo desclasificados descubiertos por Hal Vaughan revelaron que la Prefectura de Policía francesa tenía un escrito sobre Chanel en el que fue descrita como: «Costurera y perfumista. Seudónimo: Westminster. Agente de referencia: F 7124. Señalado como sospechoso en el archivo».17 Para Vaughan, «era una facilitadora. Conocía a todo el mundo [...] Y ayudó a los nazis… Todo lo que ella hizo era una paradoja. Era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschilds, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra». El activista antinazi Serge Klarsfeld declaró que «no significa que porque tenga un número de espía, esté necesariamente implicada de forma personal. Algunos informantes tenían número sin ser conscientes de ello».1 Vaughan estableció que Chanel se involucró con la causa alemana ya desde 1941 y trabajó para el general Walter Schellenberg, jefe de inteligencia de las SS, quien coordinó sus relaciones comerciales con las autoridades de la ocupación.

Al final de la guerra, Schellenberg fue juzgado por el Tribunal Militar de Núremberg y condenado a seis años de prisión por crímenes de guerra. Fue puesto en libertad en 1951 debido a una enfermedad hepática incurable y se refugió en Italia. La diseñadora pagó los gastos cotidianos y de atención médica de Schellenberg, apoyado económicamente por su esposa y familia, y financió su funeral en 1952.

En 1943, Chanel viajó a Berlín con Dincklage para reunirse con el Reichsführer-SS Heinrich Himmler y formular una estrategia.A fines de 1943 o principios de 1944, ella y su superior SS Schellenberg idearon un plan con el fin de presionar a Gran Bretaña para que pusiera fin a las hostilidades con Alemania. Gracias a ello consiguió la liberación de su sobrino, André Palasse, detenido en un campo de prisioneros de guerra en Alemania Cuando fue interrogado por la inteligencia británica al finalizar la guerra, Schellenberg sostuvo que Chanel era «una persona que conocía a Churchill lo suficiente como para llevar a cabo negociaciones políticas con él». Para esta misión, denominada Operación Modellhout, reclutaron a Vera Bate Lombardi en un nuevo intento por establecer contacto con Londres y negociar un tratado de paz antes del ingreso de las tropas rusas a Berlín. El conde Joseph von Ledebur-Wicheln, un agente nazi que desertó al Servicio Secreto Británico en 1944, recordó una reunión que tuvo con Dincklage a principios de 1943.114 Dincklage propuso un incentivo que la tentara y le informó a von Ledebur que la participación de Chanel en la operación estaría asegurada si se incluyera a Lombardi en la misma: «La Abwehr tenía primero que traer de Francia a una joven italiana [Lombardi]. Coco Chanel se adhirió a causa de sus vicios lésbicos…»

Sin darse cuenta de las maquinaciones de Schellenberg y su amiga, Lombardi les siguió su juego inconsciente como víctima y creyó que el próximo viaje a España sería un viaje de negocios para explorar las posibilidades de establecer una sede de su casa de alta costura en Madrid. El papel de Lombardi era actuar como intermediaria y entregar una carta escrita por Chanel al primer ministro Winston Churchill enviada por medio de la embajada británica en Madrid. Finalmente la operación fue un fracaso y archivos de inteligencia británicos revelaron que todo se descubrió cuando Lombardi a su llegada procedió a denunciar a Chanel y al resto como espías nazis.

En septiembre de 1944, Chanel fue llamada para ser interrogada por el Comité de Purga de la Francia Libre, el épuration. El comité, sin ninguna evidencia documentada de su actividad como colaboradora, se vio obligado a liberarla luego de tres horas. De acuerdo con su sobrina nieta, Gabrielle Palasse Labrunie, cuando la diseñadora volvió a su casa dijo: «Churchill me había liberado».Existe una entrevista inédita que data de septiembre de 1944 en la que Malcolm Muggeridge, luego un agente de inteligencia de la MI6 Británica, la entrevistó después de su comparecencia ante los investigadores de la Francia Libre. Muggeridge la cuestionó deliberadamente por sus políticas y actividades en tiempos de guerra, a lo que la diseñadora dijo: «Es curioso como han evolucionado mis sentimientos. Al principio, sus conductas me indignaron. Ahora, prácticamente siento pena por esos rufianes. Uno debe abstenerse de desprecio por los ejemplares más bajos de la humanidad… »

La medida en la que Churchill intervino se convirtió en un tema de especulación chismosa. Algunos afirman que Churchill instruyó a Duff Cooper, embajador británico en el gobierno provisional francés, para proteger a la diseñadora.Finalmente, presionada para declaraciones en Francia ante los investigadores en 1949, Chanel dejó su residencia de Suiza para hacer frente al testimonio dado en contra de ella en el juicio por crímenes de guerra del barón Louis de Vaufreland, un traidor francés y agente de inteligencia alemán de alto rango.118 Negó todas las acusaciones y posteriormente, su amigo y biógrafo Marcel Haedrich ofreció una estimación elocuente de su colaboración con el régimen nazi: «Si uno tomara en serio las pocas revelaciones que Mademoiselle Chanel se permitió hacer a sí misma acerca de esos años negros de la ocupación, los dientes de uno sufrirían dentera»

La divulgación de Vaughan del contenido de los documentos desclasificados de la inteligencia militar y la posterior polémica generada poco después de la publicación de su libro en agosto de 2011, llevó a la Casa Chanel a emitir un comunicado, parte del cual apareció en múltiples medios de comunicación. La corporación «negó la afirmación» (del espionaje) si bien admitió que «los funcionarios de la compañía habían leído sólo extractos del libro». «Lo cierto es que ella tuvo una relación con un aristócrata alemán durante la guerra. Está claro que no era el mejor momento para tener una historia de amor con un alemán aunque el barón von Dincklage era inglés por parte materna y ella lo conocía antes de la guerra», dijo el grupo Chanel en un comunicado.123 La casa de moda también negó que la diseñadora fuera antisemita al publicar que de ese modo «no hubiera tenido amigos judíos o vínculos con la familia de financieros Rothschild de haber sido así».

En una entrevista concedida a la agencia Associated Press, el autor Vaughan explicó el recorrido de su investigación: «Estaba buscando otra cosa cuando me encuentro con este documento que expresaba “Chanel es una agente nazi”… Entonces realmente empecé a escarbar todos los archivos, en los Estados Unidos, en Londres, en Berlín y en Roma y no encontré uno, sino 20, 30, 40 materiales de archivo absolutamente sólidos sobre Chanel y su amante, el barón Hans Gunther von Dincklage, que era un espía profesional de la Abwehr».124 Vaughan también se refirió a la incomodidad que produjeron las revelaciones proporcionadas por su libro: «Una gran cantidad de personas no desea que la emblemática figura de Gabrielle Coco Chanel, una de las grandes ídolos de Francia, sea destruída. Esto es definitivamente algo que mucha gente hubiera preferido dejar a un costado, olvidar…

En 1945, se trasladó a Lausana, Suiza, aunque regresó eventualmente a París en 1954. En 1953 vendió su villa «La Pausa» a Emery Reves y una réplica parcial de la vivienda fue construida en el Museo de Arte de Dallas, que contiene piezas del mobiliario original y alberga la colección de arte de Reves.81 A diferencia del período anterior a la guerra, en el que el mundo de la moda estaba dominado sólo por las mujeres, este comenzó a abrirse a nuevos géneros y el «New Look» de Christian Dior significó un éxito mundial125 al que le siguió el de Cristóbal Balenciaga, Robert Piguet y Jacques Fath.

Chanel estaba convencida de que las modistas femeninas se revelarían contra la estética «ilógica» ofrecida por los diseñadores masculinos y además, criticó las «fajas en la cintura, los sujetadores con relleno, las faldas pesadas y las chaquetas rígidas».126 Con más de setenta años y después de una ausencia de quince, sintió que era el momento para reincorporarse al mundo de la moda.6 El restablecimiento de su casa de alta costura en 1954 fue financiado por su viejo enemigo Pierre Wertheimer. Su nueva colección no fue bien recibida por los parisinos que sintieron que su reputación había sido dañada por su relación con los nazis durante la guerra. Sus nuevos trajes tweed y vestidos simples, que hicieron eco de los estilos aerodinámicos de los años previos a la guerra, fueron calificados por muchos críticos europeos como «pasados de moda».31 Sin embargo, sus modelos tuvieron una alta aceptación en Reino Unido y Estados Unidos, donde forjó nuevos clientes.5 La revista Vogue la definió como «la gran revolucionaria» y una «rebelde solitaria de la moda». Las actrices Elizabeth Taylor, Grace Kelly y Rita Hayworth fueron las primeras personalidades en utilizar sus nuevos modelos luego de su reingreso a la moda.

En la década de 1950, Chanel comenzó a trabajar con el orfebre Robert Goossens, que produjo algunas de las joyas más importantes de la carrera de la diseñadora, incluyendo piezas con perlas de imitación o piedras de cristal en su base, anillos y pendientes. El trabajo de Goossens también incluye prendedores trenzados de plata y oro con esmeraldas, colgantes y cruces bizantinas de cristal. Continuó trabajando con la Casa Chanel incluso después de la muerte de su fundadora y muchas de sus obras fueron reversionadas en formato fantasía para los desfiles de moda y presentaciones.128 Por otra parte, el fabricante de perfumes Henri Robert colaboró con Coco Chanel entre 1955 y 1974, período en el que diseñó fragancias reconocidas como Pour Monsieur, la primera fragancia para hombres de Chanel; Chanel Nº 19, nombrado así en honor al cumpleaños de Coco el 19 de agosto; y Cristalle Eau de Toilette.

En 1957, recibió el Neiman Marcus Fashion Award por parte de Stanley Marcus en reconocimiento a la «diseñadora más influyente del siglo» y en 1959 fue designada miembro del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su estilo fue nuevamente elegido para vestir a estrellas de cine como Romy Schneider y Jeanne Moreau en la película Les Amants (1958) de Louis Malle,y a Delphine Seyrig en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais,131 como así también a María Callas, Audrey Hepburn y la primera dama estadounidense Jackie Kennedy, que vestía uno de sus modelos el día del asesinato de su marido John F. Kennedy en 1968

Ante la popularización de la minifalda, creada por Mary Quant en 1964, Chanel la juzgó severamente mediante una declaración en la que afirmó que las rodillas eran la parte menos hermosa del cuerpo femenino por lo que había que mantenerlas cubiertas. Quant señaló que las rodillas eran un símbolo de juventud y por eso había que exhibirlas sin vergüenza alguna.

Según Edmonde Charles-Roux, se había convertido en una persona tirana y muy solitaria en sus últimos años. Ocasionalmente era frecuentada por Jacques Chazot, su confidente Lilou Marquand135 y la brasileña Aimée de Heeren, que se radicaba en París cuatro meses al año en el Hotel Meurice. Las viejas rivales solían compartir recuerdos felices de sus momentos con el duque de Westminster y caminar juntas por el centro de París.

Al comienzo de 1971 se hallaba enferma y debilitada, afectada por la artrosis y su adicción a la morfina, pero continuaba en el trabajo de su rutina habitual para la preparación del catálogo de primavera. En la tarde del sábado 9 de enero dio un largo paseo y al regresar a su casa, se sintió mal y se fue a su habitación temprano.138 Chanel murió al día siguiente a la edad de 87 años como consecuencia de un ataque cardíaco en el Hotel Ritz, donde había residido por más de treinta años.Sus últimas palabras fueron: «Bueno, así es como uno se muere». Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia de la Madeleine y sus modelos ocuparon la primera fila en la ceremonia. Su ataúd fue cubierto con flores blancas (camelias, gardenias, orquídeas, azaleas) y algunas rosas rojas. Sus restos fueron inhumados en el Bois-de-Vaux Cementery, en Lausana, Suiza.

Los sombreros negros, las perlas y su boquilla se convirtieron en distintivos de su estilo personal.
En 1915, la revista de moda Harper’s Bazaar comentó sobre sus diseños: «La mujer que no tiene al menos un Chanel está irremediablemente fuera de moda… En esta temporada el nombre de Chanel está en los labios de todas las compradoras». Su firme determinación y carácter, como así también su buena condición económica, la llevó a imponerse a la moda opulenta y rígida de principios del siglo XX y bajo su influencia, quedaron fuera de moda los aigrettes, el cabello largo, las faldas hobble, los corsés1 e instauró otro estilo más simple e innovador para las mujeres durante la Primera Guerra Mundial.3 Creadora del traje sastre femenino, la diseñadora francesa desarrolló una elegancia sencilla a lo largo de su carrera e introdujo las prendas en blanco y negro, los cinturones de cadena, las camisas de cuello y puños blancos, y las joyas de fantasía. En los años de 1920, fue considera la personificación de la «nueva mujer» independiente, sociable, recreativa e individualista. Dirigió su atención al público joven y rápidamente se convirtió en un ícono del estilo flapper.

Diseñadores como Paul Poiret y Mariano Fortuny introdujeron referencias étnicas en sus creaciones de alta costura, durante la década de 1900 y 1910.145 Chanel continuó con esta tendencia con diseños eslavos durante los años de 1920. Las puntillas y bordados de sus vestidos en estas épocas fueron elaborados exclusivamente por Kitmir, una casa de bordados fundada por la aristócrata rusa exiliada, la gran duquesa María Pávlovna, hermana de Demetrio Románov. La fusión de costura oriental con motivos folclóricos estilizados llevada a cabo por Kitmir se puso de relieve en sus primeras colecciones. Un vestido suyo de noche en 1922 era acompañado con un foulard sobre el cuello o la cabeza.Además del foulard, sus colecciones presentaron los escotes cuadrados y los abrigos largos con cinturón en alusión a los mujik rusos (campesinos).148 Todos los modelos eran bordados con cristales brillantes e incrustaciones de azabache.

Para la producción del traje Chanel, introdujo la utilización de la tela de jersey, un material de punto de lana, algodón o elementos sintéticos producido por la empresa Rodier, que originalmente producía esta tela para la confección exclusiva de ropa interior.38 Su traje de jersey de lana, conformado por una chaqueta de cardigan, una falda plisada y combinado con zapatos de tacón bajo, se convirtió en el preferido de la moda femenina costosa.

La camelia que introdujo como elemento decorativo en sus trajes estaba íntimamente relacionada con la obra literaria de Alexandre Dumas, La dama de las camelias, cuya historia había impresionado a la diseñadora desde su juventud. La flor en sí se había convertido en un símbolo de identificación para la cortesana que anunciaba su disponibilidad.152 Su primera aparición en un diseño suyo fue en un traje negro con adornos blancos en 1933.

«No pierdas el tiempo golpeando la pared, con la esperanza de transformarla en una puerta»

—Coco Chanel

El término de «pequeño vestido negro» es catalogado a menudo como una contribución de Chanel al léxico de la moda y como una prenda de ropa que se ha utilizado hasta la actualidad.154 155 156 Su primera confección fue hecha en seda fina, crepé y con mangas largas. En 1926, Vogue destacó su diseño y sus editores predijeron que se convertiría en «una suerte de uniforme para todas las mujeres con gusto»158 al incorporar una estética estandarizada que la revista comparó con el automóvil Ford negro de forma obicua. Esta mirada recibió críticas generalizadas por parte de periodistas masculinos que comentaron en forma de queja: «No más busto, no más estómago, no más cadera… La moda femenina de este momento del siglo XX será bautizada “cortar todo”».

En 1933, el diseñador Paul Iribe colaboró con Chanel en la creación de piezas de joyería extravagantes comisionadas por la Guild of Diamond Merchants. La colección realizada exclusivamente en diamante y platino fue exhibida públicamente y atrajo una gran audiencia, de aproximadamente 3000 concurrentes en el período de un mes.31 Obsesionada con las joyas costosas,31 La diseñadora convirtió la poco envidiada bijouterie de fantasía en codiciados accesorios y se asoció con el duque Fulco di Verdura para lanzar una línea de joyería. El brazalete blanco esmaltado con una cruz de Malta y piedras era su favorito y se transformó en una pieza representativa icónica del dúo Verdura-Chanel.

El modelo original del bolso Chanel fue hecho de jersey o cuero con un diseño exterior acolchado cosido a mano influenciado por las chaquetas que utilizaban los jinetes. La cadena que llevaba estaba inspirada en sus años de orfanato, donde los cuidadores de la abadía utilizaban cadenas en la cintura para guardar las llaves. El uniforme rojo del convento se ve reflejado en el interior del bolso.

Durante su prolongado tiempo de ocio en su juventud, solía tomar sol largos ratos y de esa manera convirtió no sólo a los bronceados en aceptables sino también en un símbolo que denotaba una vida de privilegio y esparcimiento. Históricamente la exposición al sol había estado relacionada con los trabajadores desafortunados condenados a una jornada de trabajo incesante a la intemperie mientras que la piel sumamente blanca era una muestra segura de la aristocracia.160 A mediados de la década de 1920, con la influencia de Chanel, las mujeres eran vistas en la playa sin un sombrero para protegerse de los rayos del sol. Además, fue una de las promotoras del uso del cabello corto como un signo de liberación femenina y un nuevo estilo de vida. La frase «Una mujer que se corta el pelo está por cambiar su vida» es atribuida a Chanel.

Coco Chanel fue una mujer hiperactiva, considerada de mal carácter y perfeccionista en su oficio. Su tendencia calculadora y oportunista la llevaron a manipular a sus contactos de la alta sociedad con el fin de lograr ventajas para su negocio, aunque prefería mantener relaciones discretas y estables en su ámbito íntimo.

Vaughan la definió como una «oportunista consumada… no creía en nada excepto en la moda. Ella creía en las ropas bonitas, en su negocio, y no le importaban ni Hitler ni las políticas del nazismo». Por otra parte, Justine Picardie manifestó que «era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschilds, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra»

La primera película sobre la diseñadora fue Chanel solitaria (1981), dirigida por George Kaczender y protagonizada por Marie-France Pisier, Timothy Dalton y Rutger Hauer.

La película para televisión norteamericana Coco Chanel salió al aire el 13 de septiembre de 2008 por Lifetime Television, protagonizada por Shirley MacLaine en el rol de Chanel a los 70 años. Dirigida por Christian Duguay, la película también estuvo protagonizada por Barbora Bobulova como la joven Chanel, Olivier Sitruk como Boy Capel, y Malcolm McDowell.166 El filme retrató sustancialmente sus primeros años en el convento, sus romances con Balsan y Capel, sus primeros años de carrera profesional y su polémico regreso a la moda en 1954. Sin embargo, pasó por alto su colaboración en las operaciones militares nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Audrey Tautou, vocera de Chanel SA desde 2008, interpretó a la joven Coco en una película titulada Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel), que fue lanzada el 22 de abril de 2009.

La película Coco Chanel & Igor Stravinsky, dirigida por Jan Kounen y protagonizada por Anna Mouglalis y Mads Mikkelsen, se refiere al supuesto romance entre Chanel y el compositor Ígor Stravinsky. La película está basada en la novela de 2002, Coco & Ígor de Chris Greenhalgh, y fue elegida para cerrar el Festival de Cine de Cannes de 2009.

En 2013, el director Karl Lagerfeld convocó a Geraldine Chaplin para interpretar a la diseñadora en un cortometraje de treinta minutos titulado El retorno, basado en el regreso de Chanel al mundo de la moda en los años de 1950. El breve filme, en el que intervinieron también Rupert Everett, Anna Mouglalis, Amanda Harlech y Kati Nescher, fue presentado en el Dallas Fair Park con motivo del desfile de la colección «Métiers d’Art».

Coco & Ígor es una novela escrita por Chris Greenhalgh, que narra el romance entre Chanel e Ígor Stravinsky y los logros creativos que surgieron de su aventura romántica. La novela fue publicada por primera vez en 2003.

En 2007, se publicó un libro para niños titulado Diferente como Coco, que relata la humilde infancia de Chanel y la crónica de cómo logró cambios bruscos en la industria de la moda.

El Evangelio según Coco Chanel: lecciones de vida de la mujer más elegante del mundo es una novela escrita por Karen Karbo y publicada en 2009, que narra los comienzos humildes y logros legendarios de Chanel.

El musical de Broadway Coco, con música de André Previn, guión y letras de Alan Jay Lerner, se estrenó el 18 de diciembre de 1969 y finalizó su temporada el 3 de octubre de 1970. Interpretada por Katharine Hepburn durante los primeros ocho meses y por Danielle Darrieux durante el resto de la temporada, recreó el momento en el que Chanel restablece su casa de alta costura entre 1953-1954. Al momento de su presentación, fue el espectáculo más costoso en la historia de Broadway con un presupuesto de 900 000 USD.

Activitat Catacultural: Un Cel de Poblet molt especial (13 de juny, 4 juliol, 1 d´agost, 29 d´agost)


El Cel de Poblet

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Un Cel de Poblet molt especial

 

 

Però aquí no s’acaba la cosa, també podreu tastar el nou menú Sopar del Cel de primavera-estiu!

SOPAR DEL CEL (d’abril a setembre)

La constel·lació d’Àries

Amanida de formatge de cabra amb vinagreta de fruits secs

Trobada entre Poseïdó i Ceres

Orada al forn amb patata confitada

Vegetarians:

Rissotto de bolets

La dolça Via Làctia

Pastís de crema catalana

Celler

Vi blanc Francolí D.O.Conca de Barberà Vi negre Rendé Masdéu D.O. Conca de Barberà

Pa, aigua i cafè o infusió

 

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El recolliment i el silenci, units a una gran nitidesa de l’aire, ens faran gaudir d’una observació singular dels estels, envoltats del conjunt monumental del monestir.

Poblet no es pot visitar amb presses: el programa inclou un sopar, pensat per als més exigents paladars amants de la bona cuina, i una introducció sobre astronomia, a càrrec del divulgador científic Alexandre Español. Coneixerem les diferents constel·lacions que la nit ens ofereix, la mitologia associada a cada una d’elles i les seves diferents interpretacions al llarg de la història de les civilitzacions.

Després de dormir a l’Hostatgeria i d’haver gaudit d’un bon esmorzar, l’activitat continuarà amb una visita guiada pel monestir o, per a aquells que ja l’hagin vist recentment, la possibilitat de passejar lliurement pels seus boscos i l’entorn de la Conca de Barberà (més informació a www.concadebarbera.info).

DATES 2015

(la data indicada correspon al primer dia d’activitat)

25 abril

23 maig

13 juny

4 juliol

1 agost

29 agost

26 setembre

31 octubre

21 novembre

12 desembre

Per a altres dates, si us plau contacti a info@catacultural.com

 

Horari de març a octubre

Primer dia

14.00 h A partir d’aquesta hora es pot fer el registre a l’Hostatgeria. 20.15 h Copa de cava de benvinguda. 20.30 h Introducció al Cel de Poblet: Què estem veient quan mirem al cel?

Opcional: Assistència a les “completes” a l’església del monestir. Els horaris de celebració de les “completes” varien segons l’època de l’any (entre les 20.30h i les 21h). Els agraïrem que ho consultin a www.poblet.cat o a la recepció de l’Hostatgeria.

21.00 h Sopar del Cel. Cuina monàstica amb elements de cuina contemporània. 22.45 h Observació astronòmica a través del telescopi (aconsellem portar roba d’abric). 24.00 h Retorn a l’Hostatgeria. S’oferiran infusions i galetes abans d’anar a dormir.

 

Segon dia

8.00 h-10.00 h Esmorzar. 11.30 h Reunió a la recepció per començar la visita guiada al monestir.

 

Sopar, allotjament i esmorzar a l’Hostatgeria de Poblet.

Adult: 95 € (allotjat en una habitació doble amb dos llits)
Nen: 55 € (de 3 a 12 anys)

Consulti el suplement per habitació individual i per llit de matrimoni.

Socis Catacultural 5% descompte (90,25€).

Els descomptes no són acumulables.

Si desitgen dinar dissabte i/o diumenge a l’Hostatgeria de Poblet, poden fer la seva reserva contactant amb l’Hostatgeria (telèfon 977 871 201). El preu de l’activitat no inclou els dinars. Preu especial menú dinar hostes participants de les activitats Sternalia: 19€ / persona.

Totes les activitats es realitzen en català. Per a altres idiomes, es prega que ho consultin a info@catacultural.com

Totes les activitats estan obertes als menors d’edat. No obstant això, són els pares els que poden valorar si el programa i l’horari són els idonis perquè els seus fills en puguin gaudir i integrar-se amb la resta de participants.

 

RESERVES

Per assistir a qualsevol de les activitats al Monestir de Poblet, prèviament caldrà fer la reserva i el pagament.

En el moment de realitzar la reserva s’haurà de triar l’activitat, el menú i especificar si es té alguna intolerància alimentària.

Informació i reserves:
info@catacultural.com Persones amb discapacitat: els preguem que consultin l’accessibilitat dels espais abans d’efectuar la reserva, a través dels mails indicats.

Possibilitat de realitzar l’activitat en exclusiva per a grups a partir de 10 persones.

Contacte: info@catacultural.com
XEC REGAL

Poden regalar a d’altres persones qualsevol de les activitats al Monestir de Poblet.

Els obsequiats poden triar el dia que prefereixin per gaudir de l’experiència dins de les dates en que es realitza l’activitat.

Si tenen dret a algun tipus de descompte, aquest es pot aplicar a la compra del xec regal pels mateixos mitjans.

ANUL·LACIONS I CANVIS DE RESERVES

1. Per canviar el dia de la reserva cal avisar amb 24h d’antelació, en cas contrari es perdrà el seu import sense dret a devolució.
2. L’anul·lació de la reserva no es pot fer via e-mail.
3. L’organització es reserva el dret d’anul·lar l’activitat per no assolir el mínim necessari. En aquests casos, s’oferirà una data alternativa.
4. L’observació del cel es pot anul·lar per causes meteorològiques, però l´activitat sencera no quedaria anul·lada únicament per aquest motiu. L´alternativa per després de sopar és una conferència col·loqui sobre astronomia i l´observació del cel podrà recuperar-se a Poblet un altre cap de setmana d’activitat o a Barcelona a l’Observatori Fabra. 5. En cas de no poder assistir a l’activitat, pot anul·lar la reserva amb 48 h d’antelació. En grups de més de 10 persones cal anular amb 4 dies d’antelació per tenir dret a la devolució de l’import. Les anul·lacions tenen un cost de 5€ per reserva en concepte de despeses de gestió. Per canviar el dia de la reserva cal avisar amb 24 h d’antelació, en cas contrari es perdrà el seu import sense dret a devolució. Sternalia es compromet a retornar l’import en un termini màxim de 10 dies naturals des del moment en que la persona ha facilitat el seu número de compte per a la devolució.

 

 

Arissa. L’ombra i el fotògraf, 1922-1936 (fins el 12 d´abril) CCCB – Centre de Cultura Contemporània de Barcelona


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Comissari/s
Valentín Vallhonrat, Rafael Levenfeld

Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) va ser probablement el fotògraf que va aplicar d’una manera més interessant els principis de la Nova Visió al nostre país i és un dels fotògrafs de referència del segle XX. La progressiva implantació dels principis de la typophoto, promoguts per Laszlo Moholy-Nagy, va propiciar el naixement d’un nou llenguatge visual en el qual la fotografia es va convertir en la substituta del dibuix, renovant el disseny de cartells, llibres, revistes i diaris. Arissa, impressor d’ofici, treballant des de Barcelona, es va inserir plenament en aquesta tendència.

La mostra que ara acull el CCCB es compon de més de 160 fotografies en blanc i negre que recorren la seva trajectòria professional a través de tres blocs estilístics: el pictorialisme, entre 1922 i 1928; l’evolució cap a les solucions visuals de la modernitat fins al començament dels anys trenta i la Nova Visió, des de 1930 fins al 1936, quan Arissa s’incorpora plenament a les avantguardes fotogràfiques.

Les fotografies de l’exposició provenen de les col·leccions de negatius preservats per la Fundación Telefónica i l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya i incorpora els escassos tiratges efectuats per l’autor que es conserven en paper. El projecte culmina els esforços de la Fundación Telefónica en la recuperació d’arxius fotogràfics, tasca iniciada amb l’Arxiu Fotogràfic de la Companyia i ampliada posteriorment amb fotògrafs com Luis Ramón Marín, Josep Brangulí (a qui el CCCB ja va dedicar una exposició l’any 2011) i Virxilio Vieitez.

Amb la presentació en paral·lel dels projectes Arissa. L’ombra i el fotògraf i Shadowland relacionem dues aventures artístiques que amb un segle de distància estan connectades per la investigació al voltant de la composició i la llum.

Observacions:

Espai taller. L’exposició inclou un espai taller amb diversos materials i escenes per finalitzar la visita amb una experiència fotogràfica a partir de la llum i l’ombra. Activitat disponible els caps de setmana i festius, gratuïta amb l’entrada a l’exposició.

CCCB – Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Montalegre, 5 – 08001 Barcelona

THE CHANCLETTESprorroguen IMPARABLES l’espectacle #DPUTUCOOL (fins el 29 de març) El Molino


THE CHANCLETTESprorroguen IMPARABLES l’espectacle #DPUTUCOOL

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Seguim a El Molino amb nous squetxos que estrenarem el 5 de febrer i que representarem fins el 29 de març.No tenim tota Barcelona farcida de cartells com The Hole 2. No hi ha ni un sol bus de l’àrea metropolitana que ens anuncii com Sister Act. No tenim constància que cap poble hagi preparat autocars de jubilats per baixar a veure’ns com a Mar i Cel. Ni tan sols som una versió teatral d’un èxit televisiu que arrossegui tones de “cervells inquiets” com… No cal que fem + amics!
The Chanclettes hem omplert El Molino, mes darrera mes, gràcies al boca-orella (que es veu que en castellà es diu boca-boca. Cosa que mai hem entés perque ens pensavem que el boca-boca te’l feia la Pamela Anderson quan mories ofegat a Vigilantes de la Playa…) Doncs bé, hem omplert perquè #DPutuCooL és l’únic cabaret contemporani cosmopolita amb denominació d’orígen que pots trobar a Catalunya.

The Chanclettes, amb Brigitta Lamoure & La Mega Pubilla com a hosteses d’honor, ens delecten amb un espaterrant show des del minut zero. Un retrat hilarant de la societat que ens envolta. Tots els desastres dels que els mitjans de comunicació ens fan partíceps es converteixen, amb The Chanclettes, en un fluxe de plaer i disbauxa a ritme de coreografies, paròdies i humor irreverent.

#DPutuCooL from The Chanclettes és un txou 100% original, 200% crazy-camp, 300% malicieux, 400% políglota + 1000% pixingFun.

The Chanclettes ONLY a l’ànima del Paral·lel: El Molino de Barcelona!!! Así que New York, Paris & London… Sorry, I’m a lady. Es pasiva!

El públic ha votat: ***** 9.1 “Extraordinario” (293 opinions a Atrápalo) i ADETCA ha espiat: 100% d’ocupació!

The Chanclettes (Josep Coll, Xavier Palomino i Josep Maria Portavella)és una companyia de teatre d’humor creadora del ‘túrmixplayback’: una barreja de cançons, films, anuncis i programes de televisió que les trans-muses interpreten amb perruques i talons. Amb més de 2000 actuacions a sales de Barcelona (El Molino, La Muntaner, La Villarroel, Bikini, Club Capitol, Teatreneu, Metro, Llantiol, …) i d’Espanya, i temporades televisives a programes de Júlia Otero, Jordi González o La Marató de TV3, han guanyat els premis Aplaudiment-Sebastià Gasch (2000) i l’Aste Nagusia de Bilbao (2004). La bona sintonia amb El Molino va començar quan en Portavella va assumir la direcció artística del primer espectacle del teatre, per a la seva reinauguració (octubre 2010-juliol 2011), i la posterior incorporació de tota la companyia durant el II Festival de Burlesque, així com a Les Golfes d’El Molino, l’any 2012. L’estiu del 2014 hi estrenen #DPutuCooL omplint durant 2 mesos seguits i fent segona temporada exitosa desembre i gener d’aquest any. Imparables!!!

La temporada expositiva del 2015 al Museu Picasso arranca amb l’exposició Picasso/Dalí. Dalí/Picasso (del 19/03/2015 al 28/06/2015).


El Museu Picasso celebra el seu primer aniversari com a Fundació, amb un balanç molt positiu i amb nous reptes per aquest 2015.
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La temporada expositiva del 2015 al Museu Picasso arranca amb l’exposició Picasso/Dalí. Dalí/Picasso, que estudia la relació poc coneguda entre Pablo Picasso i Salvador Dalí. Aquesta és la primera mostra dedicada a la relació entre dues de les figures fonamentals de l’art del segle XX, totes dues relacionades amb Barcelona i amb Catalunya, lloc on va començar aquesta història d’admiració d’un jove Dalí, per a un ja mestre Picasso.

En les funcions del Museu com a motor generador i transmissor de coneixement, el proper 30 de gener, tindrà lloc un seminari sobre el període blau de Picasso. Les ponències que s’hi presentaran tracten sobre l’estudi d’obres específiques d’aquest període, que han passat per un procés creatiu complex. Les ponents són conservadores-restauradores especialitzades en l’obra de Picasso de renom internacional.

El 12 de març el Museu, tornarà a reunir experts picassians d’arreu en la segona edició de la Conferència magistral Jaume Sabartés

Els veïns de dalt (del 19 de març al 17 de maig de 2015) Teatre Romea


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Els veïns de dalt

del 19 de març al 17 de maig de 2015
AUTOR I DIRECTOR: Cesc Gay

Sinopsi

Sens dubte, una de les aventures més grans i ambicioses que qualsevol de nosaltres pot arribar a experimentar en aquesta vida és la de viure en parella. Un repte majúscul, ple d’adversitats i obstacles en què la lluita s’esdevé en el dia a dia, les trinxeres són infinites i el consol davant les ferides i les esgarrinxades sofertes sovint és escàs o poc saludable. Així i tot, els homes i les dones seguim de forma inexplicable intentant-ho.

Per això mateix, estic convençut que sols amb ironia i sentit de l’humor és possible escriure sobre aquesta tragèdia que ens persegueix des dels orígens dels temps i de la qual no ens podem deslliurar.

I què hi tenen a veure els veïns de dalt amb tot això? Doncs que ells són els culpables que ara estigueu llegint aquestes línies.

Fa un parell d’anys, uns nous veïns van ocupar el pis de sobre on vivim amb la meva família. De seguida vam començar a sentir sorolls estranys, a qualsevol hora, sempre seguits d’una gran varietat de gemecs i esbufecs. Sens dubte per a mi va ser inspirador, i així, sense voler-ho, em van acabar regalant la que ha acabat sent la meva primera obra de teatre. Així que va per ells. Cesc Gay

Fitxa artística

AUTOR I DIRECTOR: Cesc Gay

REPARTIMENT:
Pere Arquillué
Àgata Roca
Nora Navas
Jordi Rico

PRODUCCIÓ: Teatre Romea, Elefant i Mola Produccions

Osa Helen Leighty (Kansas, 14 de marzo de 1894 — 7 de enero de 1953) fue una aventurera, naturalista y fotógrafa


Osa Johnson

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Osa Helen Leighty (Kansas, 14 de marzo de 1894 — 7 de enero de 1953) fue una aventurera, naturalista y fotógrafa estadounidense que junto al que fuera su primer marido (se casó en 1910), Martin Johnson, recorrió las Islas Salomón, Borneo y África filmando a los indígenas y la fauna salvaje de los lugares que visitaban. Fue precursora del documental etnográfico; hicieron el primer film sonoro realizado completamente en Áfica; los primeros en utilizar el aeroplano para filmar la vida salvaje y los primeros en filmar a tribus salvajes hostiles en los Mares del Sur y Borneo.

Principales documentales

Congorilla (1932);Filmada entera en el Congo; Estrenada el 7 de agosto de 1932
Wings Over Africa (1934)
Baboona (1935)
Children of Africa: educational film (1937)
Jungle Depths of Borneo (1937)
Borneo (documental) (1937)
Jungles Calling (1937)
I Married Adventure (1940)
African Paradise (1941)
Tulagi and the Solomons (1943)
Big Game Hunt (años 1950, para televisión)

Principales libros
Jungle Babies” (1930)
“Jungle Pets” (1932)
“Osa Johnson’s Jungle Friends” (1939)
“I Married Adventure; The Lives and Adventures of Martin and Osa Johnson” (1940)
“Pantaloons; Adventures of a Baby Elephant”; (941)
“Four Years in Paradise” (1941)
“Snowball; Adventures of a Young Gorilla” (1942)
“Bride in the Solomons” (1944)
“Tarnish; Adventures of a Young Lion” (1944)
“Last Adventure; The Martin Johnsons in Borneo” (1966)

El Teatre-Auditori Sant Cugat acollirà el proper 22 de febrer un concert solidari de veus femenines


frame veus femenines

El programa Acustik de La Vanguardia organitza aquest concert, que compta amb la col·laboració de l’Institut Català de les Dones

Els beneficis aniran destinats al programa ‘Trenquem el silenci’ de la Plataforma unitària contra les violències de gènere
La gira Acustik de La Vanguardia, programa que enguany està celebrant el seu cinquè aniversari, farà parada el proper diumenge 22 de febrer al Teatre-Auditori Sant Cugat per celebrar el concert solidari ‘Estimar no fa mal’, que té el suport del propi equipament cultural, de l’Institut Català de les Dones i de deu de les millors veus femenines del país. L’espectacle comptarà amb la participació musical de Lidia Guevara, Izah, Judit Neddermann, Joana Serrat, Marta Aguilera, Victoria Riba, The Mamzelles, Marion Harper, el cor Cantabile i la formació La Porta dels Somnis que farà la seva darrera aparició pública com a banda després de decidir posar punt i final a la seva carrera musical.

Totes les artistes s’uneixen amb la seva presència a la causa del concert que tindrà com a finalitat recollir fons pel programa ‘Trenquem el silenci’ de la Plataforma unitària contra les violències de gènere. L’espectacle tindrà un preu solidari de 5 euros.

Trenquem el silenci és un programa de prevenció de la Plataforma unitària contra les violències de gènere que es desenvolupa des de 2007 entre els més joves amb l’esperit de fer pedagogia per evitar la propagació de la violència masclista i poder facilitar eines de prevenció a centres educatius, AMPES i centres de lleure. Des de que es posar en marxa el programa, s’ha treballat amb 40 centres educatius de Catalunya.

La gira Acustik La Vanguardia va començar el passat any amb un espectacle musical al Teatre Municipal El Jardí que va servir per inaugurar el Festival Acústica de Figueres, i durant aquest 2015 té previst organitzar més concerts, tots ells amb finalitats solidàries, per recolzar els artistes del nostre país i celebrar els seus cinc anys d’emissió. L’espectacle de Sant Cugat unirà a algunes de les veus femenines més potents de Catalunya, emergents i consagrades, en un concert amb molta varietat musical i amb regals i participació del públic assistent. Des de que es va estrenar, per
l’Acustik han passat més de 400 artistes en un espai de referència pel sector i per la música en directe.

Per a més info i venda d’entrades: http://tasantcugat.cat/programacio/index.php?id=439&calendari=1

AMERICANA, el Festival que estrena el cinema Nord-Americà que no arriba a les multisales, torna més grand (del 19 al 22 de febrer)


AMERICANA, el Festival que estrena el cinema Nord-Americà

que no arriba a les multisales, torna més gran.

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· El Festival programa 16 pel·lícules inèdites a les nostres sales en la seva segona edició.

La segona edició d’AMERICANA, el Festival dedicat al cinema independent Nord-Americà que l’any passat va sorprendre a Barcelona aconseguint més de 2.400 espectadors en un cap de setmana, tindrà lloc del 19 al 22 del proper mes de febrer als cinemes Girona de la ciutat comtal.

AMERICANA va néixer per oferir la possibilitat de veure en pantalla gran algunes de les millors produccions nord-americanes recents que, per la seva condició d’independents, no havien arribat a estrenar-se comercialment al nostre país. En la seva primera edició, el Festival va esgotar vuit de les dotze sessions programades. Gràcies a l’empenta de la resposta del públic, Americana creix aquest any en nombre de sales i pel·lícules exhibides, presentant setze títols de gèneres i estils per a tots els gustos, i amb alguns objectius clars que oferir al públic.

NO PERDRE DE VISTA L’INDIE

Per poder abastar des de les produccions que compten ja amb un recorregut de festivals i premis, avalades per la crítica internacional, fins aquelles gairebé desconegudes realitzades més al marge de la indústria, la programació d’Americana s’articula en dues seccions diferents, TOPSi NEXT.

AMERICANA TOPS és una selecció d’obres de la collita indie més esperada; deu pel·lícules que han estat reconegudes, nominades o guardonades a festivals i premis de referència com South By Southwest, Sundance, Locarno, els Independent Spirit Awards o Cannes, entre d’altres. Nous directors conviuen en aquesta secció amb autors consagrats.

AMERICANA NEXT descobreix les petites joies d’autors que avui, d’alguna manera, recorden més a l’indie original pel risc que assumeixen en la forma d’explicar les seves històries i de realitzar les seves produccions.

NO OBLIDAR ELS REFERENTS

En col·laboració amb el Festival, del 10 al 24 de febrer la Filmoteca de Catalunya ofereix el cicle Els nous indies, una selecció dels títols i autors més influents de l’Indie dels anys 90. Autors que van canviar, amb les seves primeres obres, la manera d’entendre i fer cinema. El director de la Filmoteca de Catalunya, Esteve Riambau, presentarà la seva programació.

El Festival Americana pot celebrar una segona edició principalment gràcies al suport del Consolat General dels Estats Units d’Amèrica a Barcelona, a la seva ambaixada a Espanya i a Movistar. La Cònsol General dels Estats Units a Barcelona, Tanya C. Anderson, assistirà per explicar la seva col·laboració.

http://americanafilmfest.com/