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Cinema

Mary Louise Streep (Summit, Nueva Jersey, Estados Unidos, 22 de junio de 1949),


51st Annual Academy Awards

Mary Louise Streep (Summit, Nueva Jersey, Estados Unidos, 22 de junio de 1949), mejor conocida como Meryl Streep, es una laureada actriz estadounidense de teatro, cine y televisión, candidata en 19 ocasiones al premio Óscar. Es considerada una de «las mejores actrices de todos los tiempos», siendo reconocida en ocasiones como «la mejor del mundo».

Debutó en las tablas con The Playboy of Seville en 1971 y fue nominada posteriormente al premio Tony por Recuerdo de dos lunes y 27 vagones llenos de algodón en 1976. Debutó en la pantalla chica con The Deadliest Season y en el cine con Julia en 1977. En 1978, recibió el premio Emmy por su protagónico en la serie Holocausto y fue candidata por primera vez al Óscar por The Deer Hunter el mismo año, premio que ganó posteriormente por las cintas Kramer vs. Kramer (1979), La decisión de Sophie (1982) y La dama de hierro (2011). Streep ostenta el mayor número de nominaciones a este galardón, diecinueve, más que ningún otro actor o actriz en la historia.

Pertenece al pequeño grupo de actores, seis en total, que han ganado el Óscar en al menos tres ocasiones de forma competitiva. También fue candidata gracias a las cintas: La mujer del teniente francés, Silkwood, Out of Africa, Un llanto en la oscuridad, Postcards from the Edge, The Bridges Of Madison County, Adaptation, The Devil Wears Prada, La duda y Agosto, entre otras. En 2003 volvió al teatro con La gaviota, tras 20 años de ausencia y en 2004 realizó una destacada aparición en la cinta de HBO Angels in America, por la que fue distinguida con otro Emmy.

Meryl Streep es conocida por el tecnicismo, la solidez, la amplia expresividad y los distintos dialectos que le impregna a sus personajes. Ha recibido 29 nominaciones a los Globo de Oro, siendo ocho veces ganadora, acumulando así el mayor número de candidaturas que ninguna otra persona en la historia. Su larga carrera también le ha dado dos SAG, dos BAFTA y cinco nominaciones a los Grammy. En 2004 fue homenajeada por el American Film Institute por su contribución a la cultura estadounidense a través de las artes interpretativas, siendo la actriz más joven en ser distinguida. En 2010 fue reconocida con la Medalla Nacional de las Artes por parte de Barack Obama.

Barcelona Creative Commons Film Festival DEL 25 AL 29 DE JUNY DEL 2019



DEL 25 AL 29 DE JUNY DEL 2019
La 10a edició del Barcelona Creative Commons Film Festival aposta per una cultura de transformació i en moviment constant

Enguany se celebra la 10a edició d’aquest festival referent del cinema i la cultura lliure i impulsor de CC World Xarxa de Comuns Audiovisuals.

La imatge d’enguany creada pel dissenyador Javier Jaen dóna forma visual al pèndol de Newton per reivindicar una cultura que no es crea ni es destrueix, sinó que es transforma.

Idrissa: crònica d’una mort qualsevol de Metromuster, un dels documentals destacats d’aquesta edició.

El festival tindrà lloc del 25 al 29 de juny al MACBA i en altres espais de la ciutat. 

Cartell BccN 2019
Idrissa: crònica d’una mort qualsevol de Metromuster
Barcelona, 22 de maig del 2019 · El Barcelona Creative Commons Film Festival (BccN) celebrarà la seva 10a edició del 25 al 29 de juny al MACBA principalment però també en altres espais de la ciutat. El festival aproparà el públic a les darreres obres audiovisuals més destacades en l’encreuament del cinema i la cultura lliure i transformadora.

Diu la ciència que l’energia no es crea ni es destrueix, simplement es transforma. Potser passa alguna cosa similar amb la cultura. Amb el pèndol de Newton com a metàfora, Javier Jaén ha dissenyat el cartell de la 10a edició del BccN Barcelona Creative Commons Film Festival, reivindicant una cultura que es transforma i que viu en constant moviment. Tal i com l’energia travessa els cossos provocant el moviment als seus extrems, al festival es transmeten històries que, essent viscudes localment, provoquen l’efecte papallona i creen un ressò més enllà de les seves fronteres, esdevenint lluites compartides.

El BccN 2019, estarà farcit d’històries que ens toquen, transformen i mobilitzen, com la del film Idrissa: crònica d’una mort qualsevol de la productora Metromuster, que es podrà veure juntament amb una vintena més de projeccions, debats, tallers i espectacles.

Alguns dels eixos conceptuals d’enguany seran la lluita pel dret a l’habitatge, la defensa de la salut comunitària, la protecció dels béns comuns, la resistència a l’augment incontrolat del turisme de les ciutats, la denúncia del racisme i la intolerància. Els organitzadors del festival asseguren que “serà una desena edició on tornarem a fer èmfasi en consignes repetides aquesta anys anteriors com que “no callarem”, que copiar és la única manera d’aprendre o que compartir pot ser revolucionari en el sistema de mercat en el que vivim. Consignes que ens han acompanyat i ho seguiran fent perquè ens atrevim a dir que la cultura tampoc “no pot ser creada ni destruïda, sinó transformada i sobretot transformadora”.

Com cada any, totes les activitats del festival són de lliure accés fins a completar aforament. Algunes requeriran inscripció prèvia al web del festival. En les properes setmanes publicarem la programació completa i els noms de les persones convidades al BccN 2019.

8ª edició de Cinema Lliure a la Platja Del 27 de juny a l’1 d’agost


CINEMA LLIURE A LA PLATJA 2019 – 8a EDICIÓ
AVANTGUARDA – CINEMA – ALTERNATIU – GRATUÏT
DEL 27 DE JUNY A L’1 D’AGOST
A PARTIR DE LES 21:00H

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Del 27 de juny a l’1 d’agost arriba la 8ª edició de Cinema Lliure a la Platja, la mostra gratuïta de cinema independent que se celebra a les platges de Barcelona, Badalona, El Prat de Llobregat i Mataró a partir de les 21 hores. Aquest any, Palamós s’uneix a una de les cites més esperades de l’estiu.

BARCELONA – Platja de Sant Sebastià
BADALONA – Platja del Pont del Petroli
EL PRAT DE LLOBREGAT – Platja del Prat
MATARÓ – Platja del Callao
PALAMÓS – Platja Gran de Palamós

Aquest any s’emetran 6 pel·lícules, 5 seleccionades per l’organització i una última, LA TRIA,
que podrà triar el públic a través del web entre tres propostes que publicarem més endavant i que serà la que tancarà la mostra. Aquesta és la programació del 2019 de Cinema Lliure a la Platja* a Barcelona:

Dijous 27 de juny – “Viaje al cuarto de una madre” dirigida per Celia Rico – 91’
Dijous 4 de juliol – “Bienvenida a Montparnasse” dirigida per Léonor Serraille – 97’
Dijous 11 de juliol – “Kubo y las dos cuerdas mágicas” dirigida per Travis Knight – 101’
Dijous 18 de juliol – “LETO” dirigida per Kirill Serebrennikov – 128’
Dijous 25 de juliol – “Carmen y Lola” dirigida per Arantxa Echevarria – 103’
Dijous 1 d’agost – EL PÚBLIC TRIA!

*tots els films són en versió original amb subtítols

Com cada any, apostem per programar pel·lícules de cinema independent de qualitat que han sigut guardonades o han obtingut un ressò destacat tot i que no han gaudit d’un circuit comercial extens. Aquest és el cas del “Viaje al cuarto de una madre” i “Carmen y Lola” films amb una mirada genuïna que copsen la lluita pel canvi en realitats on la tradició i la família no deixen avançar a les protagonistes. “Bienvenida a Montparnasse” i “LETO” són dos films estacats a nivell internacional conduits per talent jove i que han passat desapercebuts en les nostres sales de cinema. Ens fa molta il·lusió que els nostres usuaris gaudeixin d’allò que succeix també a nivell del cinema europeu. Per últim, la sessió familiar pels menuts i aquells que vulguin gaudir de l’animació en stop-motion de “Kubo y las dos cuerdas mágicas”.

Des de l’organització, es procura que l’equip artístic del film, directorxs o productorxs,
assisteixen a la projecció, que sempre tindrà lloc a partir de les 21 hores, quan caigui
el sol.

A més, abans de la projecció de cada pel·lícula, s’emetrà un curtmetratge seleccionat per
FILMETS Badalona Film Festival i també, en una de les sessions projectarem el curtmetratge uanyador de la convocatòria oberta a escoles de cinema de Catalunya. Els curtmetratges d’aquesta edició aglutinen tota mena de gèneres: stop motion, comèdia, drama, animació i ficció… i la majoria també han viatjat a festivals importants d’altres països.

 

Programació 2019: http://cinemalliure.com/

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El Sala Montjuïc més cinèfil a partir del 8 de juliol


No et perdis les pelis més cinèfiles d’aquesta edició

Sempre arriba un moment durant l’estiu en el qual un amic, una amiga o algun crushet demana que li recomanis quina pel·lícula de Sala Montjuïc aniries a veure aquesta edició. I tu com a cinèfil reconegut, no els vols decebre. Segur que tu tens el teu criteri, però nosaltres et proposem 4 títols especialment interessants, que segur que no els deixaran indiferents.
Fes clic al play per veure el tràiler de Cold War. 
La millor pel·lícula europea i una de les més premiades de l’any 

 

LADY BIRD

Dilluns 8/07

Per a cinèfils d’esperit jove

Greta Gerwig en estat de pur relatant amb fluïdesa els dubtes i anhels d’una noia que s’ofega en el petit món en el qual ha crescut. Una semi-autobiografia executada amb una captivadora i bella modèstia, única i encantadora. Una mirada nostàlgica a l’adolescència.

Més info i entrades

CARAS Y LUGARES

Dilluns 22/07

Per a fans del documental social

Homenatge a l’Agnès Varda, cineasta emblemàtica de la Nouvelle Vague que ens ha deixat aquest any. Veterania i joventut en un recorregut humà i inoblidable. Un testimoni vivencial, un exercici assagístic i un escenari per a la trobada entre iguals.

Més info i entrades

COLD WAR

Dilluns 1/07

Per als cercadors d’obres mestres

Una obra extraordinària del director polonès Pawel Pawlikowski, on cada escena, cada pla, cada instant d’aquesta tràgica història, és una obra d’art que podries quedar-te admirant durant hores. Sí, és així de bona. Un immediat clàssic.

Més info i entrades

ISLA DE PERROS

Divendres 12/07

Per a hipsters fans de l’animació

Wes Anderson, un dels màxims exponents del cinema indie i d’autor nord-americà del canvi de mil·lenni, ens porta Isla de perros, una pel·lícula d’animació stop-motion amb rerefons de crítica al capitalisme.

Més info i entrades

 

Programació completa i entrades
I per cinèfila, l’assistent més veterana i fidel del cinema a la fresca, i protagonista de la campanya d’aquesta edició: la Núria Rius. Ella té 83 anys i des de que va conèixer Sala Montjuïc no s’ha perdut cap sessió, convertint-se en un personatge mític i entranyable de les nits d’estiu al castell.

Fes clic al vídeo per conèixer la seva opinió sobre algunes pel·lícules que ha vist a Sala Montjuïc durant aquesta anys

 

Informació pràctica

 

Horaris
Obertura: 20.30 h
Inici del concert: 20.45 h
Inici de la projecció: 22.00 h

Ubicació
Fossat de Santa Eulàlia del Castell de Montjuïc.
Pots arribar-hi amb autobús o vehicle propi.

Entrades
Entrada general: 6,50 €
Abonament 3 sessions: 17 €
Abonament 5 sessions: 22 €
Lloguer gandula: 3,25 €
Visita al castell: 5 €
Entrada + Eco-pícnic: 11 €
Sala Montjuïc és un projecte de MODIband Projectes Culturals, que compta amb el suport de l’Ajuntament de Barcelona i el Festival Grec.
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#summeriscoming

Sala Montjuïc – MODIband
www.salamontjuic.org
info@salamontjuic.org

Harrison Ford (Chicago, 13 de julio de 1942)


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Harrison Ford (Chicago, 13 de julio de 1942) actor estadounidense de cine y televisión.

Debe su notoriedad a su colaboración con el guionista, productor y director George Lucas, que fue el primero en darle la posibilidad de consagrarse como actor. Sus papeles de Han Solo en la trilogía original de Star Wars y de Indiana Jones lo elevaron al nivel de estrella internacional. Aunque un fracaso inicial en taquilla, la película de Ridley Scott Blade Runner, donde desempeña el papel del cazador de replicantes Rick Deckard, terminó convirtiéndose en una película de culto de la ciencia ficción. Con más de cinco mil seiscientos millones de dólares recaudados en todo el mundo por sus películas, Ford es el actor con mayores ingresos en taquilla de la historia.1 En 1998 fue elegido, con cincuenta y seis años, el hombre vivo más sexy del mundo por la revista estadounidense People, y en 1995 por la británica Empire como uno de los cien actores más sexy de la historia (en el puesto 15).

Mundialmente famoso por sus papeles en películas de acción y aventuras, fue galardonado con el premio Cecil B. DeMille en reconocimiento a su trayectoria cinematográfica en la gala de los Globos de Oro de 2002 y con el César honorífico al conjunto de su carrera en 2010; en 1994 la National Association of Theatre Owners le otorgó el título de «Estrella del siglo del box-office».3 Además de las distinciones personales recibidas, seis de las películas en las que trabajó figuran en el National Film Registry, y cinco están clasificadas en el «top 100» del American Film Institute.

Ha puesto su notoriedad al servicio de la conservación de la naturaleza y de la preservación del medioambiente, sensibilizando particularmente sobre la situación crítica de deforestación de los bosques tropicales

Donald McNicol Sutherland, OC (Saint John, Nuevo Brunswick, 17 de julio de 1935)


 

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Donald McNicol SutherlandOC (Saint JohnNuevo Brunswick17 de julio de 1935)  actor de cinecanadiense. Sutherland es uno de los actores más versátiles de la escena hollywoodiense y una de las leyendas vivas del cine. Con variadas caracterizaciones y facilidad de interpretar varios géneros, que van desde lo terrorífico a la comedia, pasando por el humor negro, y logrando de manera superlativa un gran registro dramático. Sutherland ha protagonizado interpretaciones de personajes con una mezcla consistente de naturaleza turbulenta y honesta. Es el padre del famoso actor Kiefer Sutherland.

Biografía

Nació en Saint John, Nuevo Brunswick. Cursó estudios de ingeniería y arte dramático en la Universidad de Toronto, y posteriormente en 1958 se trasladó a Londres para continuar sus estudios en la Academia de Música y Arte Dramático de Londres (LAMDA).

Primeros papeles

A los trece años participó en una cinta de terror italiana y luego como actor a principios de los años 1960 en pequeños papeles en películas y en la televisión, para más tarde conseguir algunos papeles destacables en películas de terror con Christopher Lee como Castle of the Living Dead o Dr. Terror’s House of Horrors.

Primeros éxitos

Más adelante conseguiría sus primeros éxitos con los Doce del patíbulo (1967), pero donde alcanza la fama y el estrellato, es como un soldado norteamericano en Corea, en la exitosa comedia M*A*S*H (1970) al lado de Elliot Gould dirigida por Robert Altman. Luego ese mismo año trabajó en otro exitoso film: Los violentos de Kelly junto aClint Eastwood.

Al año siguiente realizó uno de sus mejores roles en Klute (1971) junto a Jane Fonda y filmó en Venecia la notableDon’t Look Now, un clásico moderno. La década del ’70 lo vio muy atareado haciendo roles importantes como en el triller de horror psicológico Amenaza en la sombra de 1973, o la premiada The Eagle Has Landed (Ha llegado el águila, 1976) donde compartió la escena con Robert Duvall y el genial Michael Caine.

Con Fellini y Bertolucci

En 1976 se puso bajo las órdenes del genial director Federico Fellini para ponerse la piel del famoso seductor italiano Giacomo Casanova en el film Casanova. Ese mismo año y aprovechando su estancia italiana, Sutherland actúa en la superproducción Novecento (o 1900), un largometraje épico acerca del fascismo italiano, dirigido porBernardo Bertolucci, y donde recibió buenas críticas por su trabajo.

En 1978 participó en la exitosa película de ciencia ficción La invasión de los ultracuerpos, un remake del original de 1956, junto a Jeff GoldblumLeonard Nimoy y su amigo Robert Duvall.

Décadas de 1980 y 1990

Comenzando la década del 80, fue aplaudida su interpretación de un padre devastado por la pérdida de su hijo en la ganadora de los premios Oscar, Gente corriente (1980) de Robert Redford.

El año 1981 marcó el regreso de Sutherland a los escenarios teatrales. El acontecimiento tuvo lugar en Broadway y la obra elegida fue una adaptación de Edward Albee de la conocida Lolita, de Vladimir Nabokov.

En 1985 trabaja en el film Revolución junto a Al Pacino aunque la película no tuvo éxito de taquilla ni de critica. En 1989 fue premiado por su actuación en el drama Una árida estación blanca, que tomaba lugar durante el Apartheidde Sudáfrica, compartiendo la escena con Marlon Brando y Susan Sarandon.

En estos años Sutherland empieza a aceptar papeles secundarios, aunque con importancia argumental, en varias producciones de éxito. En 1991 encarnó al maniático piromaniaco Ronald Bartel en la película Llamaradas donde Robert De Niro y Kurt Russell deben hacer lo imposible para detenerlo. Oliver Stone lo eligió para que participara en su film JFK (1991) acerca de la vida de John F. Kennedy y su misterioso asesinato. El mismo contó con Kevin Costner como protagonista y la participación de Tommy Lee JonesKevin BaconGary Oldman y Joe Pesci. En 1993 protagonizó la exitosa Seis grados de separación, un largometraje donde trabajó junto a Will Smith hacia el comienzo de su carrera en el cine.

En 1995 interpretó el papel del Coronel Mayor Donald McClintock en el thriller Outbreak, donde un virus amenaza con borrar a la humanidad de la tierra en poco menos de tres días. El resto del elenco estuvo compuesto por actores de la talla de Dustin HoffmanKevin SpaceyRene RussoMorgan Freeman, y Cuba Gooding Jr. Al año siguiente en 1996 tuvo la oportunidad de compartir la escena con su hijo Kiefer, en Tiempo de matar, donde participaron junto a un elenco de grandes actores: Matthew McConaugheySandra BullockSamuel L. JacksonKevin SpaceyAshley Judd.

Desde 2000

Ya entrados en el nuevo milenio, actúo en grandes producciones como Cold Mountain en el 2003, junto a Nicole KidmanRenée ZellwegerNatalie Portman y otros grandes actores. Ese mismo año también actuó en The Italian Job una de las más exitosas películas de robos del año, donde hace de un mentor de ladrones profesionales, con la actuación de Mark WahlbergCharlize TheronEdward Norton y Seth Green. Esta fue una remake de la original de 1969, protagonizada porMichael Caine.

También se lo vio muy impactante en la serie de televisión Commander in Chief que comenzó su historia en el 2005 y finalizó luego de dos temporadas en el 2006. En esta oportunidad compartió pantalla con Geena Davis, la recordada actriz de Thelma y Louise. Ese mismo se involucró en la producción de Hollywood que llevó a la pantalla grande el clásico de Jane AustenOrgullo y prejuicio. La misma fue protagonizada por Keira Knightley y Sutherland hacia el papel de su padre.

Desde entonces y hasta la actualidad, ha trabajado en títulos como MaleficioLand of the BlindEn algún lugar de la memoria, drama que tuvo a Adam Sandler y Don Cheadle entre sus protagonistas; Como locos… a por el oro, con Kate Hudson y Matthew McConaughey; The MechanicLa legión del águilaMan on the Train, y también ha participado en tres entregas de la saga Los juegos del hambre, además de las cintas de próximo estreno Horrible BossesSofia y Jock.

Entre sus últimos trabajos televisivos, Donald ha trabajado entre el 2007 y el 2009 en la serie Dirty Sexy Money, en la cual interpretaba al carismático Tripp Darling, el poderoso magnate de los viñedos, implicado en más de tres escandalosos asesinatos. También fue, durante el 2010, el Conde Bartholomew en la miniserie original de la cadena Starz, The Pillars of the Earth.

Vida privada

Ha estado casado tres veces. Entre 1959 y 1966 con Lois Hardwick; más adelante con Shirley Douglas desde 1967 hasta 1970 con quien tuvo dos hijos, Rachel yKiefer Sutherland (actor y director, conocido sobre todo por su papel en la serie de televisión 24). Actualmente está casado con la actriz Francine Racette, con quien ha tenido tres hijos.

Fue nombrado oficial de la Orden de Canadá en 1978.

En 2011 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Barbara Goldbach (Queens, Nueva York, 27 de agosto de 1947)


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Barbara Goldbach (Queens, Nueva York, 27 de agosto de 1947), conocida artísticamente como Barbara Bach, es una modelo y actriz estadounidense. Fue la chica Bond de la película La espía que me amó. Está casada con quien fue baterista de The Beatles, Ringo Starr.

Es hija de padre judío y madre católica-irlandesa. A los 16 años dejó la escuela para convertirse en modelo, alcanzando el rango de top-model a los 17 años. Un año después abrevió su apellido a “Bach” y empezó una meteórica carrera teniendo mucho éxito como modelo en su natal América trabajando con la famosa Ford Models. Su rostro comenzó a ser frecuente en revistas de moda, especialmente en la revista “Seventeen”. Se convirtió en una super modelo en los años 60 y 70 (con unas medidas de 90-60-90, una figura perfecta). Conoció a un industrial italiano, Augusto Gregorini, con quien contrajo matrimonio en 1968 y se trasladó a vivir a Roma. Barbara hizo distintos papeles en películas italianas, empezando por su debut con un pequeño papel en La Odisea 1969 (Las aventuras de Ulises) de Dino de Laurentis, también intervino en Il Mio Monsignore, La tarantula del ventre nero, Bambol e di vetri, Maschio ruspanti, Paolo di caldo y Last chance. Se separó de Augusto Gregorini en 1975 y regresó a los Estados Unidos, consiguiendo el divorcio legalmente en 1978.

Barbara hizo una prueba para el productor-director Tony Richardson para una futura película. Pero esa película nunca llegó a hacerse. Sin embargo en 1976, el productor de Bond “Cubby” Broccoli casualmente la vio en ese video y se quedó impresionado. “Creo,” dijo Broccoli, “que he estado buscando durante toda mi vida una actriz que tenga esa forma de mirar tan peculiar como Barbara Bach”. Y fue entonces en 1977, el papel de Barbara como Anya Amasova (Agente XXX) en la película La espía que me amó (The Spy Who Loved Me) el que la catapultó a la fama internacional y la convirtió en un símbolo sexual. Su papel es considerado el más importante que se ha creado para cualquier chica Bond protagonista. Su papel en la película dio pie a la creación de una muñeca que tuvo mucho éxito (una figura de acción tipo madelman dentro de una colección de muñecas y cochecitos del merchandising promocionando esta película). Barbara tenía 27 años, tenía un bellísimo rostro y un cuerpo de infarto, pero fue su saber estar y su talento lo que atrajo al productor Cubby Broccoli.

En 1978 Barbara interpretó a una guerrera yugoslava llamada Marizza en Fuerza 10 de Navarone (interviniendo también en esta película Edward Fox, Harrison Ford y Robert Shaw) una continuación de la historia de Los Cañones de Navarone, teniendo Barbara un papel destacado.

En 1978-79 la exitosa serie de TV Los ángeles de Charlie estaba buscando una sustituta para Kate Jackson (Sabrina en la serie). 15.000 bellezas, modelos y actrices se presentaron para el papel, después de meses y meses de pruebas y más pruebas solo dos favoritas quedaron finalmente: Barbara Bach y Shelley Hack. El 13 de abril de 1979, el New York Daily News y muchas revistas del mundo informaron que Barbara Bach era el nuevo Ángel de Charlie, incluso la prestigiosa revista española Hola lo anunció en portada, sin embargo fue rechazada en la última prueba por los productores por resultar demasiado sofisticada y europea para el papel.

Barbara Bach contrajo primeras nupcias con Augusto Gregorini en 1968, un empresario italiano que había conocido dos años antes. De esta unión nacieron dos hijos, Francesca (en 1968) y Gianni (en 1972). En la actualidad, Francesca Gregorini se dedica a la música y cine. Bach y Gregorini se divorciaron en 1978.

Ringo Starr conoció a Bach en 1980 en México, durante la filmación de la cinta El Cavernícola (Caveman). Se enamoraron al instante. Ringo siempre dijo que lo suyo con Barbara fue un auténtico flechazo. El 27 de abril de 1981 contrajeron matrimonio. Desde mediados de los años 1980, Bach ha estado inactiva tanto como modelo como actriz. En los últimos años se ha dedicado a acompañar a Ringo en sus actuaciones y a participar en obras sociales y de caridad, como la lucha contra el SIDA y la fundación “El ángel rumano” que fue fundada por ella y por las otras tres esposas de los Beatles, Olivia Harrison, Linda McCartney y Yoko Ono.

Romy Schneider (Viena, 23 de septiembre de 1938 – París, 29 de mayo de 1982)


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Romy Schneider (Viena, 23 de septiembre de 1938 – París, 29 de mayo de 1982) fue una actriz nacida en Austria, de nacionalidad alemana y francesa. Realizó una carrera artística destacada. Representó el papel de la emperatriz Isabel de Baviera en la trilogía Sissi, Sissi emperatriz y El destino de Sissi, y recibió el premio César a la mejor actriz en dos oportunidades, por sus interpretaciones en las películas Lo importante es amar (1976) y A Simple Story (Una vida de mujer, 1978).

Romy Schneider nace durante la ocupación de la Alemania Nazi en Austria. Poseía también la ciudadanía francesa. Sus padres eran los actores Wolf Albach-Retty y Magda Schneider, que trabajó con ella en algunas películas. Por su lugar de nacimiento y ascendencia paterna, también podría considerarse austriaca, sin embargo nunca solicitó la ciudadanía austriaca y mantuvo la nacionalidad alemana de su madre, Magda Schneider.

Su primera película la realiza a los 15 años junto a su madre en Lilas blancas, asimismo canta el tema musical de la película. Después de esa película toma el apellido de su madre y cambia su nombre a Romy Schneider.

Las películas que siguen son de corte romántico por los que se hizo famosa en toda Europa: Los jóvenes años de una reina, La panadera y el emperador, Christine, Sissi, Sissi emperatriz y El destino de Sissi, la mayoría ambientados en la Viena imperial.

A partir de 1960 comenzó a trabajar en un cine más maduro compartiendo cartel con actores como Alain Delon y Jack Lemmon, y bajo las órdenes de directores como Claude Sautet, Claude Chabrol, Orson Welles y Luchino Visconti. Con este último rodó Ludwig en 1972, en la que vuelve a interpretar a la emperatriz Sissi.

El 5 de julio de 1981, su hijo mayor David, muere trágicamente a la edad de 14 años: trepando las rejas de su casa, resbala y queda atravesado por una de ellas que le perfora los intestinos. La actriz jamás se recuperaría de este golpe.

Al año siguiente termina de filmar su última película – Testimonio de mujer. Romy pide que al final de la película aparezca la dedicatoria: “Para David y su padre”.

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Durante toda su vida los medios, sobre todo los oficiales de la España franquista, ocultaron la estrecha relación que sus padres mantuvieron con el entorno de Hitler.
Romy Schneider, gran fumadora, desolada y solitaria, intenta ahogar su pena en el alcohol. El 29 de mayo de 1982 -a los 43 años- la encuentran muerta en su apartamento de París. Como no se practicó la autopsia nunca se supo si murió producto de una crisis cardíaca o de un suicidio con una mezcla de alcohol y barbitúricos. Está enterrada -junto a su hijo David- en el cementerio de Boissy-sans-Avoir (Yvelines, Francia), a 50 km de París.

En 1990 el periódico austriaco Kurier creó los Romy TV Award en honor de la actriz.

En 2003 fue elegida en el puesto 78 de los 100 más grandes personajes de habla alemana de la historia en el programa de televisión Unsere Besten, siendo la segunda actriz elegida tras Marlene Dietrich, que ocupó el puesto 50.

La Warner Bros. comenzó a preparar una película acerca de su vida cuyo título iba a ser Eine Frau wie Romy (‘Una mujer como Romy’), que tendría a la actriz Yvonne Catterfeld como protagonista. El estreno estaba previsto para la primavera de 2009, si bien el proyecto parece haber sido abandonado por problemas de financiación y de gestión de derechos.

Filmografía

Durante su carrera, Romy Schneider recibe dos premios César a la mejor actriz: el primero en 1974 por Lo importante es amar de Andrzej Zulawski y el segundo en 1978 por Una vida de mujer de Claude Sautet.
1953: Lilas blancas, de Hans Deppe.
1953: Fuego de artificio (Feuerwerk) de Kurt Hoffmann.
1954: Los jóvenes años de una reina, de Ernst Marischka.
1955: Mi primer amor (Der letzte Mann), de Harald Braun.
1955: Sissi, de Ernst Marischka.
1956: Kitty (Kitty und die große Welt), de Alfred Weidenmann.
1956: Sissi Emperatriz, de Ernst Marischka.
1957: Monpti, de Helmut Käutner.
1957: El destino de Sissi, de Ernst Marischka.
1958: Eva (Die Halbzarte), de Rolf Thiele.
1958: Scampolo, de Alfred Weidenmann.
1958: Muchachas de uniforme (Mädchen in Uniform), de Géza von Radványi.
1958: Amoríos (Christine), de Pierre Gaspard-Huit.
1959: La panadera y el emperador, de Axel von Ambesser.
1959: Katia, de Robert Siodmak.
1961: Boccaccio ’70, de Luchino Visconti.
1962: El Proceso, de Orson Welles.
1962: Los Vencedores, de Carl Foreman.
1963: El Cardenal, de Otto Preminger.
1964: L’Enfer, de Henri-Georges Clouzot.
1964: Préstame tu marido (Good Neighbor Sam), de David Swift.
1965: ¿Qué tal, Pussycat?, de Clive Donner.
1966: La ladrona, de Jean Chapot.
1965: Las 10:30 de una noche de verano, de Jules Dassin.
1968: La piscina de Jacques Deray.
1970: Las cosas de la vida, de Claude Sautet.
1970: La califa, de Alberto Bevilacqua.
1970: ¿Quién?, de Léonard Keigel.
1970: Mi hijo, mi amor, de John Newland.
1971: Max y los chatarrreros, de Claude Sautet.
1971: Bloomfield, de Richard Harris.
1971: El asesinato de Trotsky, de Joseph Losey.
1972: César y Rosalía, de Claude Sautet.
1972: Luis II de Baviera (Ludwig), de Luchino Visconti.
1973: El tren, de Pierre Granier-Deferre.
1973: El cordero enardecido (Le mouton à 5 pattes), de Michel Deville.
1974: Un amor de lluvia, de Jean-Claude Brialy.
1974: El trío infernal, de Francis Girod.
1974: Lo importante es amar, de Andrzej Zulawski.
1974: Inocentes con manos sucias, de Claude Chabrol.
1975: El Viejo Fusil, de Robert Enrico.
1976: Mado, de Claude Sautet.
1976: Una mujer en la ventana, de Pierre Granier-Deferre.
1978: Una vida de mujer, de Claude Sautet.
1979: Lazos de sangre (Bloodline), de Terence Young.
1979: Una mujer singular (Clair de femme) de Costa-Gavras
1979: La Muerte en directo de Bertrand Tavernier.
1980: La banquera de Francis Girod.
1981: Fantasma de amor de Dino Risi.
1981: Detención provisional (Garde à vue), de Claude Miller.
1982: Testimonio de mujer (La Passante du Sans-Souci), de J. Rouffio.

Brigitte Anne-Marie Bardot (París, 28 de septiembre de 1934)


Brigitte Bardot

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Brigitte Anne-Marie Bardot (París, 28 de septiembre de 1934) actriz y cantante francesa, icono de la moda y símbolo sexual de mediados del siglo XX. Además es activista de derechos de los animales, fundadora y presidenta de la fundación que lleva su nombre.

Figura femenina de los años 1950 y 1960, fue una estrella mundial y musa de los más grandes artistas de su época, por lo que inexorablemente se convirtió en un símbolo sexual. Con 48 películas en su haber y más de 80 canciones en 21 años de carrera, Brigitte Bardot, también conocida por las iniciales “BB”, es una de las artistas francesas más exitosas. Es asimismo una de las estrellas del cine europeo más reconocidas después de la II Guerra Mundial. Bardot puso fin a su carrera como actriz en 1974 para dedicarse a la defensa de los animales.

Sigourney Weaver nació en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos el 8 de octubre de 1949


Sigourney Weaver

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igourney Weaver nació en ManhattanNueva YorkEstados Unidos el 8 de octubre de 1949 . Hija de Pat Weaver, un productor ejecutivo de televisión, y de Elizabeth Inglis, una actriz británica que sacrificó su carrera para cuidar y hacerse cargo de su marido e hijos.  En su familia también destaca su tío, el actor y comedianteDoodles Weaver. Vivió en numerosos lugares durante su infancia. A la edad de trece años ya tenía una altura que era superior a la del resto, siendo motivo para que sus compañeros de clase se burlaran de ella.

En 1962 su familia se mudó a San Francisco, una experiencia nada agradable para ella. Posteriormente se mudaron al este de Connecticut, matriculándose en la Ethel Walker School, teniendo los mismos problemas que en el anterior colegio.

En 1963 cambió su nombre por Sigourney, después de leer The Great Gatsby escrita por F. Scott Fitzgerald. Actuó en algunas de las obras teatrales del colegio y en el verano de 1965 trabajó como actriz en una troupe. Al graduarse en la escuela, en 1967 estuvo durante un período de tiempo en Israel, donde conoció al reportero Aaron Lathman, con quien se comprometió, aunque rompieron su relación poco más tarde.

Ya en 1969 se matriculó en literatura inglesa en la Stanford University. Cuando terminó sus estudios entró en la Yale School of Drama en Nueva York, consiguiendo su debut en el teatro en el año 1973. El 1 de octubre de 1984 contrajo matrimonio con Jim Simpson, teniendo una hija en común, Charlotte Simpson nacida el 13 de abril de 1990. Habla varios idiomas, entre ellos el francés y el alemán. Actualmente reside en la ciudad de Nueva York o en Santa Bárbara.

Carrera

El debut de Sigourney Weaver se produjo con la película de Woody Allen Annie Hall (1977) en la que interpretaba un pequeño personaje al lado de Allen. Dos años más tarde la actriz apareció como la teniente Ripley en la primera parte de la saga Alien, titulada Alien (1979). Repitió el personaje en tres secuelas, Aliens (1986), Alien 3 (1992) y Alien Resurrection (1997), siendo también productora de las dos últimas. El crítico Roger Ebert expresó, a raíz de su participación en la película dirigida por James Cameron, que: “Weaver, que está en pantalla la mayoría del tiempo, realiza una fuerte y simpática interpretación. Ella es el hilo que mantiene todo unido.” Fue candidata al Óscar a la mejor actriz, convirtiéndose en una de las pocas actrices que han conseguido una candidatura a dicho premio por una película de terror.21​ Prosiguió su carrera con las exitosas Ghostbusters (1984) y secuela, Ghostbusters II (1989). En ambas películas coincidió con Bill MurrayDan Aykroyd y Rick Moranis.

Weaver y su padre Pat Weaver en 1989.

Al final de la década interpretó dos de los papeles mejor valorados de su carrera profesional, ambos en 1988, en la comedia Working Girl, con Harrison Ford y Melanie Griffith, y en el drama Gorilas en la niebla, como Dian Fossey. Sobre su interpretación como Fossey el crítico Emanuel Levy comentó “Sigourney Weaver realiza una imponente interpretación, digna de Óscar”. Ganó el Globo de Oro por ambas interpretaciones, en las categorías de mejor actriz de reparto y mejor actriz en drama, respectivamente; y consiguió nuevas candidaturas a los Premios Óscar como mejor actriz y mejor actriz de reparto, siendo una de las pocas intérpretes que consigue en un mismo año dos nominaciones. En la década de los 90 apareció en películas como Copycat (1995) en la que interpretaba a Helen Hudson que padecía de agorafobia; o en La tormenta de hielo (1997), dirigida por Ang Lee y por la cual ganó una nueva candidatura al Globo de Oro como mejor actriz de reparto y ganó el BAFTA en la misma categoría. Le seguirían A Map of the World (1999), con Julianne Moore, por la que fue de nuevo candidata al Globo de Oro. Dan Lybarger señaló que: “Sigourney Weaver está excelente, incluso cuando la película es demasiado formal.”7​ Posteriormente protagonizó la comedia Heartbreakers (2001), compartiendo cartel con Jennifer Love Hewitt y Gene Hackman. En 2004 intervino en la cinta de M. Night Shyamalan The Village. Años más tarde formó parte del reparto coral del dramaInfamous (2006) dirigido por Douglas McGrath, en la que interpretaba a Babe Paley, íntima amiga de Truman Capote, en cuyo reparto también estaban Sandra BullockToby Jones o Gwyneth Paltrow.

Sigourney Weaver en 2008 en el estreno de Baby Mama.

Rodó en España, en la ciudad castellanoleonesa de Salamanca, la cinta de acciónVantage Point (2008), junto a Dennis Quaid y Matthew Fox. Ese mismo año prestó su voz al ordenador de Ship en el film animado WALL·E, que ganó el Óscar a la mejor película de animación.

Al año siguiente recibió nominaciones al Globo de Oro a la mejor actriz de miniserie o telefilme, al Emmy a la mejor actriz protagonista de miniserie o telefilme y al Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz de miniserie o telefilme por el telefilmePrayers for Bobby (2009). También en dos mil nueve volvió a trabajar a las órdenes de James Cameron en el film más taquillero de la historia del cine, Avatar, con más de 2.700 millones de dólares recaudados internacionalmente. Intervino en la comedia You Again (2010) donde trabajó con Jamie Lee Curtis y Betty White, de la que el crítico cinematográfico Lou Lumenick dijo: “You Again podría ser enseñada en las escuelas de cine como ejemplo de cómo no hacer una película. Y de cómo no humillar a los actores veteranos.”

Weaver en diciembre de 2009.

El 23 de septiembre de 2011 se estrenó la cinta de acción Abduction, protagonizada por Taylor Lautner, en la que interpretó a la Dra. Bennett.

A finales de 2011 interviene en la película cómica Vamps en la que también aparece Alicia Silverstone. En 2012 estrenó la cinta de acción Rampart, con Woody Harrelson,15​ The Cold Light of Day, junto a Bruce Willis,y el filme dirigido por el español Rodrigo Cortés titulado Red Lights, en cuyo reparto están Robert De Niro y Cillian Murphy. También protagonizó la miniserie Political Animals, emitida por la cadena USA Network entre julio y agosto de aquel año.

En 2014 retoma el papel de Ripley por primera vez en 17 años poniendo su voz en el video juego Alien: Isolation y confirma que aparecerá en las tres secuelas de Avatar, de James Cameron.

En 2014 Weaver aparece en el film Exodus: Gods and Kings, en el papel de Tuya, junto a Christian BaleJoel Edgerton, y Ben Kingsley.

En la Comic Con de Nueva York celebrada en octubre de 2016 se confirmó que Sigourney Weaver participará en Marvel’s The Defenders,​ que se estreno en Agosto de 2017.

Hugh Michael Jackman Watson (Sídney, 12 de octubre de 1968)


 

Hugh Jackman

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Hugh Michael Jackman Watson (Sídney, 12 de octubre de 1968) conocido como Hugh Jackman, esactor de cine, teatro y televisión australiano.

Jackman ha ganado el reconocimiento internacional por sus papeles en películas relevantes, especialmente en el género de superhéroe y en los personajes de romance. Su papel más reconocido es el de Wolverine en la serie de películas de X-Men, así como por sus papeles principales; en la romántica comedia Kate & Leopold (2001), la película de acción-terror Van Helsing (2004) , el drama mágico-temático The Prestige (2006), el drama romántico Australia (2008), el drama de ciencia ficción Gigantes de Acero (2011), la versión cinematográfica de Los Miserables (2012), y el thriller Prisioneros (2013). Su trabajo en Les Misérables le valió su primera nominación al premio de la Academia en la calidad de Mejor Actor y su primer Globo de Oro al Mejor actor de Comedia o Musical, en 2013. En teatro, ganó un premio Tony por su papel en The Boy From Oz.

Ha sido el presentador de los Premios Tony en cuatro ocasiones, obteniendo un premio Emmy por dicha función, así como dirigió la gala de los Premios Óscar en 2009, mismo año desde que goza de una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.[4] En 2013 recibió el Premio Donostia por su por su trayectoria cinematográfica en la 61 edición del Festival de San Sebastián

Rita Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 – Nueva York, 14 de mayo de 1987)


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Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 – Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, ocupa el puesto 19º en la lista de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Nació en Nueva York, hija de emigrantes: su padre era el bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de Castilleja de la Cuesta1 (Sevilla, en España), pero nacido en el seno de una familia originaria de Paradas (provincia de Sevilla), y su madre era Volga Margaret Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés.2 Su padre era pariente del escritor Rafael Cansinos Assens (traductor al castellano de las obras completas de Goethe, Balzac, Tolstói y Dostoievski, entre otros).

Su padre apreció su talento natural, por lo que empezó su carrera como bailarina junto a él con su nombre real, Rita Cansino (tanto Marga como Rita son los diminutivos habituales de Margarita), a la edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933 como miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del eximio compositor José Iturbi y a las influencias del diplomático español en Estados Unidos Lázaro Bartolomé y López de Queralta (conocido como Lázaro Bartolomé Queralt).3 Desde 1935 participó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza y por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportando a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.

Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella. Poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla. En este film compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.

Rita ingresó triunfante tras esos éxitos en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol, indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del momento.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al ser de los primeros en trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó también The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair.

Gilda

  1946: Rita Hayworth (1918 - 1987) plays the sexy title role in the wartime film noir 'Gilda', directed by Charles Vidor. (Photo by Robert Coburn Sr.)

 

 

 

 

 

 

 

 

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve (solo se quita un guante), y después una bofetada. Estas dos imágenes fueron en la época consideradas demasiado atrevidas en algunos países, que censuraron el filme, que a pesar de ello consiguió récords de taquilla en todo el mundo. La bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense; se la propinó a Rita su pareja en el film, Glenn Ford, y aunque ahora se cuestiona como ejemplo de machismo, hay que aclarar que en una escena previa Rita había golpeado igualmente a Glenn Ford.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada “gravemente peligrosa” por la Iglesia Católica, debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini en ese mismo 1946. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su segundo matrimonio, con el célebre director Orson Welles, entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional continuaba en racha y en 1947 rueda junto a su todavía marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día poco valorado, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghái.

La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como sex symbol en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz inolvidable: «Nunca hubo una mujer como Gilda», era el eslogan de la película.

Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor ‘Carmen’ del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical y único rotundo triunfo de la actriz ya en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Rita nunca fue nominada a los premios Óscar, pero asistió a la 36ª ceremonia de dichos premios para entregar el galardón a la mejor dirección en 1964, antes de que en la siguiente década empezara a tener problemas de memoria.

A finales la década de 1960 y principios de la de 1970 solo trabajó ya ocasionalmente en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer prematura, que le impedía memorizar bien los guiones.

De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson, que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Cuidada y acompañada en sus últimos años por su hija Yasmine, Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer en su apartamento de Manhattan. El servicio fúnebre para Hayworth se llevó a cabo el 19 de mayo de 1987 en la iglesia del Buen Pastor, en Beverly Hills. Los portadores del féretro fueron los actores Ricardo Montalbán, Glenn Ford, Don Ameche y el coreógrafo Hermes Pan. Fue enterrada en el cementerio de Santa Cruz, Culver City.

Se casó cinco veces: con Edward Judson, con el famoso director Orson Welles (con quien tuvo a su hija Rebeca), con el príncipe iraní Ali Khan (con quien tuvo a su hija Yasmine Aga Khan), con el cantante y actor Dick Haymes y con el director James Hill.
Para trabajar en el cine tuvo que someterse a dieta para adelgazar un poco, tratamientos electrolíquidos y mediante electrodepilación se le amplió la frente y se acentuó el pico del pelo.
A los cincuenta años empezó a enfermar de alzheimer. Algo que, al no estar diagnosticado por aquel entonces, se confundió con el alcoholismo. Falleció a los 68 años (1987), víctima de esta enfermedad que se le tardó veinte años en diagnosticar. Está enterrada en el Cementerio de Holy Cross (California).
Está considerada una de las estrellas indiscutibles de la historia del cine y de la época dorada de Hollywood. Una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Exactamente en el 1645 de Vine Street.

A partir del estreno de su obra icónica, Gilda, Rita Hayworth empezó a captar todas las miradas. La escena donde ella, sensualmente, desnudaba su brazo retirando su guante, la convirtió en símbolo erótico. Dicha escena fue considerada peligrosa por la Iglesia católica. Estimada por unos y criticada por otros, despertó todo tipo de polémicas. Otra de las escenas más recordadas del filme es cuando le propinaba una sonora bofetada su compañero de reparto Glenn Ford, que se quedaría impresa en la retina de todos los espectadores de la época. En la película interpretaba canciones como «Put the blame on Mame» y «Amado mío» y sus contoneos la confirmaban como una sex symbol de la época dorada de Hollywood. De hecho, su nombre fue el elegido para la primera bomba atómica controlada de Estados Unidos. El estilo de femme fatal que irradia Gilda, con aquel vestido –ya todo un clásico- tan ceñido, los guantes, y sus populares pitillos hicieron todo un icono de estilismo del momento y todavía vuelven ahora como moda. La actriz llegó a afirmar: «los hombres se van a la cama con Gilda y se despiertan conmigo». Los productores y directores que reclamaban la estrella, se preocuparon de que este éxito la persiguiera por siempre jamás y cómo es habitual en el proceso de mitificación, desplegaron una espectacular campaña publicitaria de la actriz, pero sobre todo del personaje. Empezó a ser portada de numerosas revistas, productos, anuncios y carteles. Este fenómeno llegó a tal punto que incluso se pidió una expedición a los Andes para enterrar una copia del film y que se conservara en caso de que hubiera un posible desastre nuclear. Después de meses y meses de publicidad, aquel público dividido, ya no lo estaba. Todo el mundo hablaba de ella. Gilda ya no sólo era una película, era un símbolo, algo con que todos los americanos de la época habían aprendido a convivir e idolatrar. Había nacido una marca y un mito, que después de prácticamente setenta años, sigue patente.

Filmografía

La nave de Satan (1935)
Charlie Chan en Egipto (1935)
Contrabando humano (1936)
Juego mortal (1937)
Siempre hay una mujer (1938)
Sólo los ángeles tienen alas (1939)
Una dama en cuestión (1940)
La pelirroja (1941)
Sangre y arena (1941)
Desde aquel beso (1941)
Mi chica favorita (1942)
Bailando nace el amor (1942)
Las modelos (1944)
Esta noche y todas las noches (1945)
Gilda (1946)
La diosa de la danza (1946), de Alexander Hall
La dama de Shanghái (1947)
Los amores de Carmen (1948)
La dama de Trinidad (1952)
Salomé (1953)
La bella del Pacífico (1953)
Fuego escondido (1957)
Pal Joey (1957)
Mesas separadas (1958)
Llegaron a Cordura (1959)
Sangre en primera página (1959)
El último chantaje (1962)
El fabuloso mundo del circo (1964)
Las flores del diablo (1966)
El aventurero (1967)
La ira de Dios (1972)