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Archive for the ‘Cinema’ Category

Estrenos de cine 25 de agosto

Posted by Catacultural On agost - 23 - 2017


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  • Género: Drama
  • Fecha de estreno: 25/08/2017
  • Director: Calin Peter Netzer
  • Actores: Diana Cavallioti, Adrian Titieni y Vlad Ivanov.
 Calin Peter Netzer reflexiona sobre la dependencia en las relaciones amorosas en este drama sobre el turbulento, y abocado al fracaso, romance entre un hombre y una mujer en la Rumanía de la represión comunista.

En lugar del Sr. Stein

En lugar del Sr. Stein
  • Género: Comedia romántica
  • Fecha de estreno: 25/08/2017
  • Director: Stéphane Robelin
  • Actores: Pierre Richard, Fanny Valette, Stéphane Bissot, Macha Méril, Gustave Kervern y Pierre Kiwitt.
 El espíritu de Cyrano de Bergerac toma Internet a través de un jubilado para el que su sobrina contrata un profesor de informática. Todo se complicará cuando el anciano ponga la foto del joven en una web para encontrar pareja y empiece a charlar con una chica.
El movimiento
  • Género: Drama
  • Fecha de estreno: 25/08/2017
  • Director: Benjamín Naishtat
  • Actores: Pablo Cedrón, Céline Latil, Francisco Lumerman, Marcelo Pompei, Alberto Suarez

Benjamín Naishtat dirige un thriller con dosis de drama ambientado en la Pampa del siglo XIX, un páramo en el que gobierna la anarquía y donde grupos armados someten a los pocos campesinos que ahí viven. Un ambicioso y cruel hombre intentará instaurar un nuevo orden.

Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas

 

 Secuela de las aventuras del cazatesoros patrio en la que visitará la Alhambra en busca de pistas sobre el paradero del mítico tesoro del rey Midas. Para encontrarlo, y rescatar a su amiga Sara, contará con la ayuda de un variopinto grupo de personajes.
Verónica

 

 Paco Plaza abandona momentáneamente el terror de muertos vivientes de la saga Rec por una cinta de exorcismos que se basa libremente en el conocido como Expediente Vallecas, uno de los casos más relevantes en el ámbito de la parapsicología de nuestro país.
Una cita en el parque

Diane Keaton y Brendan Gleeson protagonizan esta cinta, entre el drama y la comedia romántica, que se basa en la historia del llamado ermitaño de Hampstead. En el parque londinense se encontrarán una mujer cuya vida se desmorona y este hombre, al que quieren desahuciar.

Barbara Goldbach (Queens, Nueva York, 27 de agosto de 1947)

Posted by Catacultural On agost - 27 - 2016


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Barbara Goldbach (Queens, Nueva York, 27 de agosto de 1947), conocida artísticamente como Barbara Bach, es una modelo y actriz estadounidense. Fue la chica Bond de la película La espía que me amó. Está casada con quien fue baterista de The Beatles, Ringo Starr.

Es hija de padre judío y madre católica-irlandesa. A los 16 años dejó la escuela para convertirse en modelo, alcanzando el rango de top-model a los 17 años. Un año después abrevió su apellido a “Bach” y empezó una meteórica carrera teniendo mucho éxito como modelo en su natal América trabajando con la famosa Ford Models. Su rostro comenzó a ser frecuente en revistas de moda, especialmente en la revista “Seventeen”. Se convirtió en una super modelo en los años 60 y 70 (con unas medidas de 90-60-90, una figura perfecta). Conoció a un industrial italiano, Augusto Gregorini, con quien contrajo matrimonio en 1968 y se trasladó a vivir a Roma. Barbara hizo distintos papeles en películas italianas, empezando por su debut con un pequeño papel en La Odisea 1969 (Las aventuras de Ulises) de Dino de Laurentis, también intervino en Il Mio Monsignore, La tarantula del ventre nero, Bambol e di vetri, Maschio ruspanti, Paolo di caldo y Last chance. Se separó de Augusto Gregorini en 1975 y regresó a los Estados Unidos, consiguiendo el divorcio legalmente en 1978.

Barbara hizo una prueba para el productor-director Tony Richardson para una futura película. Pero esa película nunca llegó a hacerse. Sin embargo en 1976, el productor de Bond “Cubby” Broccoli casualmente la vio en ese video y se quedó impresionado. “Creo,” dijo Broccoli, “que he estado buscando durante toda mi vida una actriz que tenga esa forma de mirar tan peculiar como Barbara Bach”. Y fue entonces en 1977, el papel de Barbara como Anya Amasova (Agente XXX) en la película La espía que me amó (The Spy Who Loved Me) el que la catapultó a la fama internacional y la convirtió en un símbolo sexual. Su papel es considerado el más importante que se ha creado para cualquier chica Bond protagonista. Su papel en la película dio pie a la creación de una muñeca que tuvo mucho éxito (una figura de acción tipo madelman dentro de una colección de muñecas y cochecitos del merchandising promocionando esta película). Barbara tenía 27 años, tenía un bellísimo rostro y un cuerpo de infarto, pero fue su saber estar y su talento lo que atrajo al productor Cubby Broccoli.

En 1978 Barbara interpretó a una guerrera yugoslava llamada Marizza en Fuerza 10 de Navarone (interviniendo también en esta película Edward Fox, Harrison Ford y Robert Shaw) una continuación de la historia de Los Cañones de Navarone, teniendo Barbara un papel destacado.

En 1978-79 la exitosa serie de TV Los ángeles de Charlie estaba buscando una sustituta para Kate Jackson (Sabrina en la serie). 15.000 bellezas, modelos y actrices se presentaron para el papel, después de meses y meses de pruebas y más pruebas solo dos favoritas quedaron finalmente: Barbara Bach y Shelley Hack. El 13 de abril de 1979, el New York Daily News y muchas revistas del mundo informaron que Barbara Bach era el nuevo Ángel de Charlie, incluso la prestigiosa revista española Hola lo anunció en portada, sin embargo fue rechazada en la última prueba por los productores por resultar demasiado sofisticada y europea para el papel.

Barbara Bach contrajo primeras nupcias con Augusto Gregorini en 1968, un empresario italiano que había conocido dos años antes. De esta unión nacieron dos hijos, Francesca (en 1968) y Gianni (en 1972). En la actualidad, Francesca Gregorini se dedica a la música y cine. Bach y Gregorini se divorciaron en 1978.

Ringo Starr conoció a Bach en 1980 en México, durante la filmación de la cinta El Cavernícola (Caveman). Se enamoraron al instante. Ringo siempre dijo que lo suyo con Barbara fue un auténtico flechazo. El 27 de abril de 1981 contrajeron matrimonio. Desde mediados de los años 1980, Bach ha estado inactiva tanto como modelo como actriz. En los últimos años se ha dedicado a acompañar a Ringo en sus actuaciones y a participar en obras sociales y de caridad, como la lucha contra el SIDA y la fundación “El ángel rumano” que fue fundada por ella y por las otras tres esposas de los Beatles, Olivia Harrison, Linda McCartney y Yoko Ono.


LOS CASOS DE VICTORIA
UN FILM DE JUSTINE TRIET
CON VIRGINIE EFIRAVINCENT LACOSTE Y MELVIL POUPAUD
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La directora y guionista Justine Triet ha conseguido hacerse un nombre en la nueva generación de realizadores franceses con tan solo dos películas en su haber, La Batalla de Solferino y Los casos de Victoria, que inauguró la Semana de la crítica del 69º Festival de Cannes y se estrenará en España el 1 de septiembre. Protagonizada por una sensacional Virginie Efira, Triet firma una comedia romántica con personalidad propia y un gran encanto, nominada en cinco categorías a los premios César (mejor película, mejor guion, mejor actriz y mejor actor secundario, con dos de sus actores).

Los casos de Victoria

Victoria Spick (Virginie Efira), brillante abogada penalista en pleno vacío sentimental, acude a una boda donde se encuentra con su amigo Vincent (Melvil Poupaud) y Sam (Vincent Lacoste), un ex narcotraficante al que ella ha ayudado. Al día siguiente, Vincent es acusado de intento de asesinato por su compañera. El único testigo de la escena es el perro de la víctima. Victoria acepta a regañadientes defender a Vincent mientras que contrata a Sam de asistente personal. Esto es el comienzo de una serie de complicaciones para Victoria.

Virginie Efira, en estado de gracia

Los casos de Victoria supone la consagración definitiva de la actriz belga Virginie Efira en la pantalla grande. Conocida en Francia por sus papeles en la televisión y las comedias románticas (20 años no importan, Un hombre de altura o Pastel de pera con lavanda), en manos de Triet interpreta el mejor personaje de su carrera, Victoria Spick, una abogada con dos hijas que intenta mantenerse a flote. Después de trabajar con Paul Verhoeven en Elle, protagonizará su nueva película, Blessed Virgin, un drama ambientado en el siglo XVII sobre las obsesiones, los dilemas y los obstáculos de una monja lesbiana. También encabezará el reparto de Continuer, del director belga Joachim Lafosse (Los caballeros blancosDespués de nosotros).

Heroínas en tiempos modernos

Las dos películas de Triet parten de un lugar similar: el de las contradicciones de una mujer fuerte y atrapada en una normalidad desestructurada, un caos en el que intenta encajar su actividad profesional y su vida personal. La Batalla de Solferino, su opera prima, fue presentada en el Festival de Cannes en 2013, en la programación de ACID (Association pour le cinéma indépendant et sa diffusion). Una periodista de la televisión francesa debe cubrir la jornada electoral del 6 de mayo de 2012, que enfrentó al entonces presidente Nikolas Sarkozy con el aspirante socialista François Hollande. Aparece Vincent, su ex, para ver a sus hijas; la guinda a un día tormentoso en el que pedirá a gritos unas vacaciones de su vida.

Críticas

Absolutamente fascinante.
Libération

Una comedia romántica precisa y brillante.
Le Monde

Virginie Efira ilumina la pantalla.
Le Figaró

Una superheroína en tiempos modernos. 
Una comedia hilarante.
Télérama

La consagración definitiva de Virginie Efira en la pantalla grande.
Cinemanía

Libertad de tono y una originalidad que desarman.

El País

Poderoso retrato de una mujer desconcertada y cautivadora. Se asoma desde una perspectiva clarividente a las encrucijadas de la feminidad contemporánea.

Caimán CDC

Los casos de Victoria

Estreno en España: 01.09.2017
Distribución: La Aventura Audiovisual
Via Augusta, 8, 1ª pl. 08006 Barcelona.


‘La forma del agua’, de Guillermo del Toro, inaugurarà Sitges 2017

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El padrí del 50è aniversari obrirà el certamen amb un conte fantàstic ambientat en la Guerra Freda

El Festival de Sitges aixecarà el teló de la seva 50a edició amb La forma del agua, l’esperat últim film escrit i dirigit pel cineasta mexicà Guillermo del Toro, que exerceix de padrí del cinquantenari. El certamen s’inaugurarà el proper 5 d’octubre amb una programació que reunirà les últimes tendències del cinema fantàstic i celebrarà 50 anys de passió pel gènere.

En un inquietant laboratori d’alta seguretat, durant la Guerra Freda, es produeix una connexió insòlita entre dos mons, aparentment allunyats. La vida de la solitària Elisa, treballadora del laboratori, canvia per complet quan descobreix un experiment classificat com a secret. La cinta de Guillermo del Toro està protagonitzada per Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg i Octavia Spencer, i compta amb una banda sonora creada per Alexandre Desplat. El film s’estrenarà a l’Estat espanyol al gener del 2018.

Amant de les criatures fantàstiques i amic de Sitges, Del Toro va inaugurar el Festival l’any 2006 amb El laberinto del fauno, tot i que la seva primera visita al certamen va ser el 1993, quan va obtenir el premi al millor guió per Cronos, la seva opera prima.

4a MOSTRA DE CINEMA DIA DE BRASIL ( del 14 al 17 de setembre)

Posted by Catacultural On juliol - 19 - 2017


4a MOSTRA DE CINEMA DIA DE BRASIL

 

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El festival Dia de Brasil s’estén una setmana després de l’esdeveniment amb la 4ª Mostra de Cinema Dia de Brasil, que tindrà lloc del 14 al 17 de setembre en els Cinemes Girona de Barcelona. 

La mostra acosta aquest any cinc pel·lícules produïdes recentment al país. Tres films de ficció: Mulher do Pai de Cristiane OliveiraPer Ter Onde Ir de Jorane Castro i Animal Político de Tuão; i dos documentals: Martírio de Vincent Carelli, Ernesto de Carvalho i Tita; i Jonas e o Circo Sem Lona, de Paula Gomes, pel·lícula seleccionada especialment per al públic infantil. Tots ells han estat seleccionats per festivals internacionals com el Festival de Berlín, el Festival Mar del Plata, el Festival du Film Independent de Bordeaux i altres festivals de cinema de tot el món. Pots ampliar informació de la mostra aquí.


 

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Sophia Loren, nombre artístico de Sofia Villani Scicolone] (Roma, Italia, 20 de septiembre de 1934), es una actriz italiana ganadora de unos 50 premios internacionales, entre ellos dos premios Óscar —uno de ellos honorífico—[1] y un premio BAFTA; asimismo, ha sido candidata varias veces a los Globos de Oro.

Su carrera comenzó en 1950, cuando llamó la atención del productor Carlo Ponti, quien más tarde se convirtió en su marido. Desde entonces, Sophia Loren ha actuado en decenas de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan las producciones El pistolero de Cheyenne, Dos mujeres —por la cual ganó 22 premios, entre ellos su primer Óscar— y El Cid.

Es una de las actrices más destacadas de la segunda mitad del siglo XX y considerada como una de las grandes estrellas del cine. En 1999, el American Film Institute la declaró como una de las intérpretes más importantes de todos los tiempos y una de las últimas leyendas supervivientes del cine clásico de Hollywood


imagesCAWA94Q8Romy Schneider

Romy Schneider (Viena, 23 de septiembre de 1938 – París, 29 de mayo de 1982) fue una actriz nacida en Austria, de nacionalidad alemana y francesa. Realizó una carrera artística destacada. Representó el papel de la emperatriz Isabel de Baviera en la trilogía Sissi, Sissi emperatriz y El destino de Sissi, y recibió el premio César a la mejor actriz en dos oportunidades, por sus interpretaciones en las películas Lo importante es amar (1976) y A Simple Story (Una vida de mujer, 1978).

Romy Schneider nace durante la ocupación de la Alemania Nazi en Austria. Poseía también la ciudadanía francesa. Sus padres eran los actores Wolf Albach-Retty y Magda Schneider, que trabajó con ella en algunas películas. Por su lugar de nacimiento y ascendencia paterna, también podría considerarse austriaca, sin embargo nunca solicitó la ciudadanía austriaca y mantuvo la nacionalidad alemana de su madre, Magda Schneider.

Su primera película la realiza a los 15 años junto a su madre en Lilas blancas, asimismo canta el tema musical de la película. Después de esa película toma el apellido de su madre y cambia su nombre a Romy Schneider.

Las películas que siguen son de corte romántico por los que se hizo famosa en toda Europa: Los jóvenes años de una reina, La panadera y el emperador, Christine, Sissi, Sissi emperatriz y El destino de Sissi, la mayoría ambientados en la Viena imperial.

A partir de 1960 comenzó a trabajar en un cine más maduro compartiendo cartel con actores como Alain Delon y Jack Lemmon, y bajo las órdenes de directores como Claude Sautet, Claude Chabrol, Orson Welles y Luchino Visconti. Con este último rodó Ludwig en 1972, en la que vuelve a interpretar a la emperatriz Sissi.

El 5 de julio de 1981, su hijo mayor David, muere trágicamente a la edad de 14 años: trepando las rejas de su casa, resbala y queda atravesado por una de ellas que le perfora los intestinos. La actriz jamás se recuperaría de este golpe.

Al año siguiente termina de filmar su última película – Testimonio de mujer. Romy pide que al final de la película aparezca la dedicatoria: “Para David y su padre”.

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Durante toda su vida los medios, sobre todo los oficiales de la España franquista, ocultaron la estrecha relación que sus padres mantuvieron con el entorno de Hitler.
Romy Schneider, gran fumadora, desolada y solitaria, intenta ahogar su pena en el alcohol. El 29 de mayo de 1982 -a los 43 años- la encuentran muerta en su apartamento de París. Como no se practicó la autopsia nunca se supo si murió producto de una crisis cardíaca o de un suicidio con una mezcla de alcohol y barbitúricos. Está enterrada -junto a su hijo David- en el cementerio de Boissy-sans-Avoir (Yvelines, Francia), a 50 km de París.

En 1990 el periódico austriaco Kurier creó los Romy TV Award en honor de la actriz.

En 2003 fue elegida en el puesto 78 de los 100 más grandes personajes de habla alemana de la historia en el programa de televisión Unsere Besten, siendo la segunda actriz elegida tras Marlene Dietrich, que ocupó el puesto 50.

La Warner Bros. comenzó a preparar una película acerca de su vida cuyo título iba a ser Eine Frau wie Romy (‘Una mujer como Romy’), que tendría a la actriz Yvonne Catterfeld como protagonista. El estreno estaba previsto para la primavera de 2009, si bien el proyecto parece haber sido abandonado por problemas de financiación y de gestión de derechos.

Filmografía

Durante su carrera, Romy Schneider recibe dos premios César a la mejor actriz: el primero en 1974 por Lo importante es amar de Andrzej Zulawski y el segundo en 1978 por Una vida de mujer de Claude Sautet.
1953: Lilas blancas, de Hans Deppe.
1953: Fuego de artificio (Feuerwerk) de Kurt Hoffmann.
1954: Los jóvenes años de una reina, de Ernst Marischka.
1955: Mi primer amor (Der letzte Mann), de Harald Braun.
1955: Sissi, de Ernst Marischka.
1956: Kitty (Kitty und die große Welt), de Alfred Weidenmann.
1956: Sissi Emperatriz, de Ernst Marischka.
1957: Monpti, de Helmut Käutner.
1957: El destino de Sissi, de Ernst Marischka.
1958: Eva (Die Halbzarte), de Rolf Thiele.
1958: Scampolo, de Alfred Weidenmann.
1958: Muchachas de uniforme (Mädchen in Uniform), de Géza von Radványi.
1958: Amoríos (Christine), de Pierre Gaspard-Huit.
1959: La panadera y el emperador, de Axel von Ambesser.
1959: Katia, de Robert Siodmak.
1961: Boccaccio ’70, de Luchino Visconti.
1962: El Proceso, de Orson Welles.
1962: Los Vencedores, de Carl Foreman.
1963: El Cardenal, de Otto Preminger.
1964: L’Enfer, de Henri-Georges Clouzot.
1964: Préstame tu marido (Good Neighbor Sam), de David Swift.
1965: ¿Qué tal, Pussycat?, de Clive Donner.
1966: La ladrona, de Jean Chapot.
1965: Las 10:30 de una noche de verano, de Jules Dassin.
1968: La piscina de Jacques Deray.
1970: Las cosas de la vida, de Claude Sautet.
1970: La califa, de Alberto Bevilacqua.
1970: ¿Quién?, de Léonard Keigel.
1970: Mi hijo, mi amor, de John Newland.
1971: Max y los chatarrreros, de Claude Sautet.
1971: Bloomfield, de Richard Harris.
1971: El asesinato de Trotsky, de Joseph Losey.
1972: César y Rosalía, de Claude Sautet.
1972: Luis II de Baviera (Ludwig), de Luchino Visconti.
1973: El tren, de Pierre Granier-Deferre.
1973: El cordero enardecido (Le mouton à 5 pattes), de Michel Deville.
1974: Un amor de lluvia, de Jean-Claude Brialy.
1974: El trío infernal, de Francis Girod.
1974: Lo importante es amar, de Andrzej Zulawski.
1974: Inocentes con manos sucias, de Claude Chabrol.
1975: El Viejo Fusil, de Robert Enrico.
1976: Mado, de Claude Sautet.
1976: Una mujer en la ventana, de Pierre Granier-Deferre.
1978: Una vida de mujer, de Claude Sautet.
1979: Lazos de sangre (Bloodline), de Terence Young.
1979: Una mujer singular (Clair de femme) de Costa-Gavras
1979: La Muerte en directo de Bertrand Tavernier.
1980: La banquera de Francis Girod.
1981: Fantasma de amor de Dino Risi.
1981: Detención provisional (Garde à vue), de Claude Miller.
1982: Testimonio de mujer (La Passante du Sans-Souci), de J. Rouffio.


Christopher Reeve

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Christopher D’Olier Reeve (Nueva York, 25 de septiembre de 1952- Mount Kisco, 10 de octubre de 2004) fue un actor, director de cine y activista estadounidense, adquirió la fama mundial como actor al interpretar al hombre de acero en las películas basadas en el popular personaje de cómics, Superman y también es recordado por su personaje de Richard Collier en la película Pide al tiempo que vuelva.

Tras el divorcio de sus padres en 1956, él y su hermano Benjamin (1953), crecieron en Princeton, Nueva Jersey, a cargo de su madre, que se volvió a casar unos años después y le dio otros dos hermanos, Jeff y Kevin.

Reeve estudió en la Princeton Day School, donde trabajaba de ayudante del director de la orquesta del instituto, además de cantar en un coro local como barítono, y de trabajar desde la adolescencia, debutó como actor con quince años en el Williamstown Theatre Festival.

Continuó su formación artística en la Universidad de Cornell, en la que antes de graduarse, en 1974, fue uno de los dos actores seleccionados (el otro era su amigo (Robin Williams) para estudiar arte dramático en la Juilliard School de Nueva York.

Tras debutar en Broadway en 1976, en la obra A Matter of Gravity junto a Katharine Hepburn, Reeve obtuvo el rol del villano Ben Harper en la novela For Love or Life y un papel menor en la cinta Gray lady down en 1976. Se dedicó a trabajar en obras de Broadway que lo satisfacían como actor, pero no mucho económicamente, por lo que Reeve pensó en dejar la actuación y trabajar junto a su padre, en ese momento se enteró del casting para buscar a Superman.

Escogido para Superman

Siendo un deportista, excelente nadador, aficionado al hockey sobre hielo y la equitación, piloto licenciado, gracias a su físico de 1,93 metros de estatura, y una apariencia de chico lozano y bonachón cuyos rasgos se parecían asombrosamente al héroe del cómic, se enteró de la realización de esta película y decidió presentarse al casting, el director de la cinta quería un actor desconocido en la gran pantalla y parecido al personaje físicamente, vio a Chris y de inmediato obtuvo el papel de Clark Kent y el héroe, para la película Superman (1978), de Richard Donner, haciendo creíble la campaña para la publicidad que decía “Creerás que un hombre puede volar”. Éxito total en taquilla y convertido en una estrella mundial, Christopher Reeve rodó otras tres secuelas de la saga: Superman II en 1980, Superman III en 1983 y Superman IV en 1987, la menos exitosa de la serie.

Inicios en el activismo

Con su ocupada agenda y aprovechando la fama mundial que había adquirido luego de rodar la primera película de Superman, ese mismo año Christopher se convirtió en activista y trabajaba por causas sociales, apoyó y contribuyó en las Olimpiadas especiales, asistía como invitado a conferencias, reuniones y daba charlas sobre los problemas sociales, enfermos, discapacitados y personas con parálisis que necesitan ayuda. Trabajó por el medio ambiente y también visitaba hospitales de niños enfermos cuyos últimos deseos eran conocerlo. Se reunió varias veces con el presidente de Estados Unidos en ese entonces durante la ceremonia de las Olimpiadas de niños especiales. Y desde 1982 ya contribuía con los pioneros de la “Fundación Americana de Parálisis”, sin imaginarse que 13 años después él tendría la misma condición de quienes defendía. Desde entonces Chris se convirtió en un activista para toda su vida.

En 1979, actuó junto a Jane Seymour en Somewhere in Time, estrenada en 1980, que si bien no fue un éxito de taquilla, se convirtió en una película clásica de culto y con muchos fans. En 1982 trabajo en dos cintas “Death trap” basada en una famosa pieza teatral y “Monsignor” en donde interpretó a un sacerdote que mantiene una relación amorosa con la esposa de su hermano, un oficial nazi.

Aunque recibió buenas críticas por su trabajo en “Las Bostonianas” de James Ivory y como el Conde Vronski en Anna Karenina, gran parte de sus esperanzas estaban cifradas en “Street Smart”, donde encarnaba a un inescrupuloso reportero que inventaba noticias para ganar fama. La cinta no fue un éxito en taquilla y los críticos no determinaron su actuación, enfocándose más en su co-estrella, Morgan Freeman, quien fue nominado a un Oscar por este papel en 1988.

Reeve se compró una nueva casa que ocupó con su flamante esposa, la agente de modelos británica Gae Exton, a quien conoció durante el rodaje de Superman, casándose en 1979. Madre de sus dos primeros hijos, Matthew (1979) y Alexandra (1982). El actor se divorció de su primera esposa a principios de 1987. Meses después el 30 de junio de 1987 en Williamstown, Massachusetts, en un bar nocturno, Dana Morosini estaba actuando y cantando durante el Festival de Teatro de Williamstown. Christopher estaba sentado en una mesa delante y se presentó a Dana después del espectáculo. Su noviazgo comenzó poco tiempo después de que se conocieron, cinco años más tarde, el 11 de abril de 1992, se casó con la actriz, en una boda al aire libre en una tarde, en su granja en el sur de Williamstown, Massachusetts. Fue una boda pequeña con sólo la familia y unos 45 invitados. Ambos escribieron sus propios votos de la boda e intercambiaron anillos de oro simples entre sí. Dana llevaba el anillo de matrimonio de Christopher alrededor de su cuello. No tuvieron una luna de miel porque Dana estaba actuando en una obra de teatro en Nueva York, y Chris estaba promoviendo una nueva película. De ese matrimonio nace su tercer hijo Will (1992). Adquirieron una casa de campo del siglo XIX con siete acres cerca de Bedford Village, Condado de Westchester, Nueva York. Dana Reeve se convirtió en su fiel e incondicional compañera hasta el final. Ambos participaban y colaboraban en causas para los necesitados y por el medio ambiente.

Trabajos en la televisión y última película para el cine

En 1985 Reeve presentó el documental televisivo Dinosaurios, que el canal CBS emitió en Estados Unidos en noviembre de 1985. En España ese documental fue emitido por TVE1 (cadena hoy en día rebautizada como La 1) el día de Navidad de 1987.1

Tras pasar una temporada dedicado a los filmes de televisión, Reeve volvió a la pantalla grande en 1993, como el Senador Jack Lewis en el filme Lo que queda del día, donde la crítica lo reconoció como un actor hábil y recursivo que sirvió de apoyo a los estelares del filme, Anthony Hopkins y Emma Thompson.

En 1994, actuó en la comedia “Speechless” junto a Geena Davis y Michael Keaton, siendo para muchos curiosa la reunión en la pantalla grande de los intérpretes de Superman y Batman. Ese mismo año actuó en el filme de HBO “Above Suspicion”, donde encarnó a un detective que queda invalido tras recibir un disparo. En 1995 se estrena su última película antes de su accidente, Village of the Damned, dirigida por John Carpenter, siendo una nueva versión de la película original de 1963.

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Accidente

El 22 de mayo de 1995, la vida del actor cambió para siempre. Durante un concurso de equitación con salto de obstáculos en Culppeper, (Virginia), al intentar superar un obstáculo, Christopher Reeve cayó de su caballo, tuvo una fuerte caída, cayó de cabeza rompiéndose el cuello y quedándose sin poder respirar, lo que le provocó la fractura de dos vértebras cervicales y le seccionó la médula espinal, perdiendo la movilidad total de su cuerpo y desde entonces permaneció en una silla de ruedas, con respiración asistida. Tras ser sometido a una peligrosa operación, sólo pudo recuperar la movilidad de los dedos de su mano izquierda, que consiguió articular con mucho esfuerzo. Los médicos salvaron la vida de Reeve pero anunciaron que la lesión era de carácter irreversible. Christopher pasó 6 meses en el Instituto de Rehabilitación Kessler en New Jersey, mientras Dana transformó la casa para adecuarse a la nueva realidad familiar.

Después del accidente y creación de su Fundación

El actor no se ocultó de los medios, y gracias al apoyo y amor incondicional de su esposa, él se sobrepuso y no dejó que su autoestima cayera, siguió trabajando y continuó su labor de activista social, colaboró con entusiasmo desmesurado con asociaciones como la Unesco, para contribuir por causas similares a la suya. También asistía al Senado a pesar de su estado para intentar que éste permitiera trabajar con células madre embrionarias a los investigadores para intentar conseguir el mayor deseo de Reeve, volver a caminar.

Buscó la ayuda de la APF (Fundación Americana de Parálisis) y les prestó su nombre y financiación y finalmente lo convirtió en “The Christopher Reeve Foundation” que luego pasaría a llamarse Christopher and Dana Reeve Foundation, organización caritativa dedicada al cultivo de células madres y ayuda a las personas que han quedado parapléjicos o tetrapléjicos como él, ya sea por causas naturales o en accidentes. Su esposa Dana fue apoyo fundamental para que Reeve pudiese recuperarse emocionalmente en los primeros difíciles momentos de esta dura etapa de su vida. Ella permaneció como incondicional compañera hasta su deceso, ganándose la estima, el respeto y la admiración por su abnegación y coraje. También la fundación trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas que viven con discapacidades. El actor asumió la presidencia de la fundación y colaboró junto con su esposa con programas de becas que otorgaron más de $ 16 millones a organizaciones que ayudan a las personas que viven con parálisis, no solo eso, sino que también colocaron en la fundación un Centro de Recursos para la Parálisis, que ha llegado a ayudar a decenas de miles de personas que viven con parálisis y a sus familias a conseguir los instrumentos útiles y necesarios para el estilo de vida para las personas con esta lesión.

Dana adecuó la casa en la granja para la nueva situación de su marido y dejó en segundo plano su carrera. Christopher Reeve, gracias a los cuidados y amor de hogar, logró asumir su condición de discapacitado y realizó muchas conferencias desde entonces. Dana apoyó públicamente al senador John Kerry como candidato a la presidencia; sin embargo, George Bush Jr suspendió en 2001 el uso del dinero de los contribuyentes para el estudio de células embrionarias.

Discurso en los Premios Oscar de 1996

En Marzo de 1996, un año después de su accidente, durante la ceremonia de entrega de los Premios Oscar, más recuperado y logrando hablar con mayor facilidad, el actor fue presentado sobre el escenario en su silla de ruedas, fue aclamado por todos los actores asistentes, en donde Christopher pidió a la industria cinematográfica que dedicara un poco más de tiempo y esfuerzos para prestar más atención a los problemas sociales en que se encuentran miles de personas.

Debut como director y trabajos de actuación posteriores

En 1997, dos años después de su accidente, Reeve debuta como director con el filme para TV “In the Gloaming”, que narra el drama de un joven enfermo con Sida quien va a pasar sus últimos días en compañía de su familia. Al año siguiente protagoniza “La Ventana de Enfrente”, junto a Daryl Hannah, un remake del clásico de Alfred Hitchcock “La Ventana Indiscreta” para la televisión. Participó como invitado en las series “Sesame Street”, “The Practice” y como invitado especial en un par de episodios de la serie Smallville como Virgil Swann, un científico que le dio a Clark Kent

Estrella en el paseo de la fama de Hollywood

En 1997 el club de fans del actor y de la película Somewhere in time encabezaron el proyecto “A star for Christopher Reeve”, pagaron y Reeve obtuvo su estrella en el paseo de la fama de Hollywood. En la ceremonia asistieron el actor, su esposa, hijos y su compañera y coprotagonista en el filme ” Somewhere in time “, la actriz Jane Seymour quien ofreció un pequeño discurso acerca de su gran amigo Christopher y su merecida estrella.

Primer libro autobiográfico

Reeve escribe su autobiografía titulada “Still Me” en español “Sigo siendo yo” publicado en 1998, la cual estuvo encabezando las listas de libros más vendidos en ese año, mientras que la versión en audio del libro obtuvo en 1999 el premio Grammy al mejor álbum narrado. En este libro él escribió que poco tiempo después del accidente le sugirió a su esposa: “Tal vez deberías dejarme y tal vez yo debería suicidarme, a lo que ella respondió: «Te diré una cosa, te apoyaré en todo lo que quieras hacer, porque es tu vida y tu decisión. Pero quiero que sepas que estaré contigo para siempre, toda la vida, hasta el final. Sigues siendo tú y te amo»”, Christopher dijo: “Esas fueron las palabras que salvaron mi vida”.El actor nunca mas pensó en suicidarse y el título de su autobiografía lleva ese nombre debido a aquellas palabras de su esposa.

Últimos eventos en público, trabajos y segundo libro

En el 2000 durante un evento en New York con motivo de una premiere especial de la película “Somewhere in time”, Christopher y Jane Seymour asistieron junto a los otros actores de la película y el club de fans del film, en donde dio un discurso.

Reeve no renunció a la lucha y sus conferencias fueron un ejemplo de su lucha contra la adversidad. Continuó realizando charlas e incluso apoyaba a su esposa en varias actividades de índole profesional. Siempre estuvo a la vanguardia como estandarte de los estudios para la cura de la parálisis de la médula espinal. Reeve incluso llegó a ofrecer su cuerpo para experimentos de neurotransmisores; en uno de ellos le implantaron celdas electrónicas que generaban pulsos eléctricos que estimulaban la reacción refleja y que le hacían mover sus extremidades de manera robótica. Aunque hizo una presentación en público, esto no prosperó en el futuro.

Reeve seguía sometiéndose a tratamientos y continuaba su labor de activismo, asistiendo y dando conferencias, ya que a pesar de no poder moverse, podía hablar perfectamente y respirar con ayuda de respiradores en una sección de su cuello. Chris siguió concienciando sobre lo que necesitan las personas que tienen esta lesión que les impide moverse.

En 2002 publica otro libro llamado “Nothing is Impossible: Reflections on a New Life”, publicado en España en 2003 con el título “Todo es posible” en el que expuso asimismo sus experiencias tras su accidente y los factores que lo llevaron a seguir adelante.

A principios del 2004, dirige “The Brook Ellison Story” para el canal A&E, una película hecha para televisión sobre la vida del joven discapacitado Brooke Ellison, el primer tetrapléjico que se gradúa en la Universidad de Harvard. Su esposa fue una de las protagonistas en esta película.

Fallecimiento

Al pasar el tiempo, su organismo se deterioraba, le aparecieron escaras y sus músculos sin uso comenzaron a atrofiarse. Se hizo susceptible de sufrir infecciones, una de ellas fue peor que las demás. En octubre de 2004 le estaban tratando por un problema de hipotensión causado por sepsis. Por primera vez Dana tuvo que alejarse de su esposo para asistir a un compromiso profesional y momentos después, siendo 9 de octubre, Chris tuvo un ataque cardíaco después de recibir un antibiótico para la infección. Entra en coma sostenido y es llevado al Hospital North Westchester en Mount Kisco, (Nueva York). Dieciocho horas después, el domingo 10 de octubre de 2004, fallece a los 52 años. Dana pudo llegar rápidamente justo unas horas antes de que Christopher falleciera. Su doctor, John McDonald, dijo que fue una reacción adversa al antibiótico lo que provocó su deceso. En la Iglesia Unitaria de Westport (Connecticut), donde él y su esposa habían asistido con regularidad, se celebró un servicio conmemorativo.

Chris estaba codirigiendo el filme animado “Everyone’s a Hero” (Todos son un Héroe), que fue estrenado en 2006, dos años después de su muerte.

Un año después de su muerte, la fundación creada por él, junto a la Universidad de California (EE. UU.), consiguió reparar lesiones medulares de ratones usando células madre provenientes del tejido nervioso de seres humanos.

Posterior a su fallecimiento

Después de la muerte de su esposo, Dana asumió la presidencia de la fundación y dijo que la misión que su marido le había dejado era una lucha interminable e imperecedera, y así continuó trabajando. Sin embargo, un año más tarde Dana fue diagnosticada de un tumor maligno en el pulmón, siendo no fumadora. A causa de ello, falleció 17 meses después, en marzo de 2006. Entonces Peter D. Kiernan III se convirtió en Presidente de la fundación.

El 11 de marzo de 2007, la Fundación anunció que cambió su nombre por el de Christopher & Dana Reeve Foundation en el primer aniversario de la muerte de Dana Reeve. El cambio, según un comunicado de prensa de la Fundación, fue reflejar la “Asociación, el coraje y la compasión de los Reeve” ya que ambos lucharon y trabajaron por salir adelante ante la adversidad de sus enfermedades y ayudaron a las personas necesitadas a través de la fundación. Peter T. Wilderotter, ex vicepresidente de la Fundación de Desarrollo, fue nombrado su presidente en marzo de 2007. La fundación sigue trabajando y ayudando a quienes lo necesitan, agotando todos sus recursos y esfuerzos para mejorar la calidad de vida de personas discapacitadas, con parálisis y en memoria de sus pioneros, la familia Reeve. Hasta principios de 2013, la Fundación había otorgado más de $ 110 millones de dólares (USD) en becas de investigación y más de $ 16 millones en subsidios para mejorar la calidad de vida de personas discapacitadas y con parálisis.

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Reeve poseía una altura 1,93 m (6 ft 4 in) y su verdadero color de cabello era rubio, él lo tiñó de negro, se puso lentes para cubrir sus ojos celestes y así presentarse al casting y que le vieran parecido a Clark Kent. Durante su adolescencia tuvo problemas musculares debido a su altura, padeció asma y en ciertas épocas de su vida tuvo alopecia. Durante el rodaje de Superman, conoció a la exmodelo y publicista británica Gae Exton con quien convivió durante una década y tuvo dos hijos: Matthew y Alexandra.

Tras separarse de Exton en el verano de 1987, Reeve conoció en el Festival de Teatro de Williamstown presentándose en la mesa a la joven Dana Morosini, una actriz y cantante de quien se enamoró y con quien contrajo matrimonio en 1992. De dicha unión nació su tercer hijo, Will.

Siendo una persona bastante accesible y amistosa, mantuvo una gran amistad durante toda su vida con el también actor Robin Williams, quien fue compañero de estudios en Julliard y quien acompañó al actor hasta su muerte. Asimismo mantuvo una larga amistad con su compañera de rodaje en Superman, la actriz Margot Kidder, el director Richard Donner y su coestrella de Somewhere in Time, Jane Seymour, quien bautizó a uno de sus hijos “Christopher” en homenaje al actor. Igualmente mantenía una estrecha relación de amistad con Gene Hackman, compañero de rodaje en la saga de Superman.

Su esposa Dana Reeve le sobrevivió dos años más, ya que se le diagnosticó cáncer de pulmón sin haber sido fumadora. Luchó contra su mal hasta el 7 de marzo de 2006, fecha en la que falleció a los 44 años de edad. Dana había ganado reconocimiento internacional con la fundación que había patrocinado, pero el gobierno de George W. Bush redujo ostensiblemente los fondos y prácticamente paralizó el tema del uso de células madre. Christopher Reeve fue un firme opositor a Bush y a las jerarquías católicas, a los que acusaba de frenar las investigaciones sobre dichas células con las cuales los que padecen su condición podrían haber tenido mejoras.

Christopher Reeve fue una persona muy amable toda su vida, un gran apasionado por colaborar con las personas que mas necesitan y sobre todo con los niños especiales y personas enfermas, discapacitadas. Fue un activista toda su vida. Al ganar fama mundial por interpretar a Superman, ese mismo año comenzó a preocuparse y trabajar en labor social, apoyando muchas causas y aportando dinero para fundaciones que trabajaban por los enfermos.

Luego de su accidente y gracias al apoyo incondicional de su esposa pudo salir adelante, el cuenta en su libro que luego del accidente, fueron las primeras palabras de su esposa las que le salvaron la vida.

Christopher luchó por cumplir sus metas hasta el último día de su vida, junto a su esposa, su empeño y coraje sirvieron de ejemplo máximo a su esposa cuando fue diagnosticada de cáncer. La fundación que crearon ambos sigue hasta la actualidad ayudando a personas con parálisis.

Filantropía y activismo

Chris fue un activista durante toda su vida. Al hacerse famoso interpretando a Superman, apoyó las Olimpiadas Especiales, colaboro con la fundación americana de parálisis, el medio ambiente, hacía trabajo social y visitaba niños y personas con enfermedades terminales cuyo último deseo era verlo en persona. En 1987, viajó a Chile por invitación del escritor Ariel Dorfman para liderar protestas contra las amenazas de muerte a escritores, sindicalistas y artistas que se oponían al gobierno de Augusto Pinochet. En 1989 se unió a otros artistas como Susan Sarandon, Glenn Close, Alec Baldwin y Ron Silver para fundar “Coalición Creativa”, un grupo de artistas que ayudaban a los menos favorecidos e impulsaban labores culturales y ecológicas. Como vicepresidente del grupo, en 1993, ayudó a descontaminar una playa californiana bajo el auspicio del entonces vicepresidente de los Estados Unidos, Al Gore. Asistía continuamente y participaba como orador en eventos sobre labor social y las personas mas necesitadas, luego de su accidente continuó haciéndolo en compañía de su esposa.

Creó la Christopher and Dana Reeve Paralysis Foundation, organización caritativa, dedicada a la búsqueda de tratamientos y curas para la parálisis causada por lesión de la médula espinal y otros trastornos neurológicos. También trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas que viven con discapacidades. El actor asumió la presidencia de la fundación y colaboró junto con su esposa con programas de becas que otorgaron más de $ 16 millones a organizaciones que ayudan a las personas que viven con parálisis, no solo eso, sino que también colocaron en la fundación un Centro de Recursos para la Parálisis, que ha llegado a ayudar a decenas de miles de personas que viven con parálisis y a sus familias a conseguir los instrumentos útiles y necesarios para el estilo de vida para las personas con esta lesión. Además de luchar por el desarrollo de la investigación de la cura de enfermedades usando células madre, apoya a quienes han quedado parapléjicos o tetrapléjicos como él, ya sea por causas naturales o en accidentes.

El legado de Superman

Al pasar el tiempo, los fans del personaje del cómic Superman y demás personas, han escogido al actor Christopher Reeve como el mejor Superman de toda la historia y hasta la actualidad. Se lo consideran como el actor que mejor interpretó el papel de Clark Kent y que hasta ahora no ha sido superado, ya que el actor ha sido el único que interpretó correctamente las características del personaje, combinándolos con el sentido del humor, timidez e ingenuidad que caracterizan a Clark Kent. De igual manera se lo considera como el que mejor ha interpretado al héroe Superman, mostrando los verdaderos valores que posee este personaje para con la humanidad y la injusticia.

 

 

Filmografía

Love of Life, 1974-1976 (serie de TV).
Gray lady down, 1978.
Superman, 1978.
Superman II, 1980.
Pide al tiempo que vuelva, 1980.
Deathtrap, 1982.
Monseñor, 1982.
Superman III, 1983.
Las bostonianas, 1984.
Anna Karenina 1985
The aviator, 1985.
Superman IV, 1987.
Street Smart, 1987.
Switching channels, 1988.
Earthday birthday, 1990.
Noises off, 1992.
Lo que queda del día, 1993.
Speechless, 1994.
El pueblo de los malditos, 1995.
Above suspicion, 1995.
A step toward tomorrow, 1996.
La ventana de enfrente, 1998 (TV).
Smallville, 2002 (TV).
The practice, 2003 (TV).

Brigitte Anne-Marie Bardot (París, 28 de septiembre de 1934)

Posted by Catacultural On setembre - 28 - 2016


Brigitte Bardot

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Brigitte Anne-Marie Bardot (París, 28 de septiembre de 1934) actriz y cantante francesa, icono de la moda y símbolo sexual de mediados del siglo XX. Además es activista de derechos de los animales, fundadora y presidenta de la fundación que lleva su nombre.

Figura femenina de los años 1950 y 1960, fue una estrella mundial y musa de los más grandes artistas de su época, por lo que inexorablemente se convirtió en un símbolo sexual. Con 48 películas en su haber y más de 80 canciones en 21 años de carrera, Brigitte Bardot, también conocida por las iniciales “BB”, es una de las artistas francesas más exitosas. Es asimismo una de las estrellas del cine europeo más reconocidas después de la II Guerra Mundial. Bardot puso fin a su carrera como actriz en 1974 para dedicarse a la defensa de los animales.

Hugh Michael Jackman Watson (Sídney, 12 de octubre de 1968)

Posted by Catacultural On octubre - 12 - 2016


 

Hugh Jackman

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Hugh Michael Jackman Watson (Sídney, 12 de octubre de 1968) conocido como Hugh Jackman, esactor de cine, teatro y televisión australiano.

Jackman ha ganado el reconocimiento internacional por sus papeles en películas relevantes, especialmente en el género de superhéroe y en los personajes de romance. Su papel más reconocido es el de Wolverine en la serie de películas de X-Men, así como por sus papeles principales; en la romántica comedia Kate & Leopold (2001), la película de acción-terror Van Helsing (2004) , el drama mágico-temático The Prestige (2006), el drama romántico Australia (2008), el drama de ciencia ficción Gigantes de Acero (2011), la versión cinematográfica de Los Miserables (2012), y el thriller Prisioneros (2013). Su trabajo en Les Misérables le valió su primera nominación al premio de la Academia en la calidad de Mejor Actor y su primer Globo de Oro al Mejor actor de Comedia o Musical, en 2013. En teatro, ganó un premio Tony por su papel en The Boy From Oz.

Ha sido el presentador de los Premios Tony en cuatro ocasiones, obteniendo un premio Emmy por dicha función, así como dirigió la gala de los Premios Óscar en 2009, mismo año desde que goza de una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.[4] En 2013 recibió el Premio Donostia por su por su trayectoria cinematográfica en la 61 edición del Festival de San Sebastián


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Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 – Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, ocupa el puesto 19º en la lista de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Nació en Nueva York, hija de emigrantes: su padre era el bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de Castilleja de la Cuesta1 (Sevilla, en España), pero nacido en el seno de una familia originaria de Paradas (provincia de Sevilla), y su madre era Volga Margaret Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés.2 Su padre era pariente del escritor Rafael Cansinos Assens (traductor al castellano de las obras completas de Goethe, Balzac, Tolstói y Dostoievski, entre otros).

Su padre apreció su talento natural, por lo que empezó su carrera como bailarina junto a él con su nombre real, Rita Cansino (tanto Marga como Rita son los diminutivos habituales de Margarita), a la edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933 como miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del eximio compositor José Iturbi y a las influencias del diplomático español en Estados Unidos Lázaro Bartolomé y López de Queralta (conocido como Lázaro Bartolomé Queralt).3 Desde 1935 participó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza y por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportando a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.

Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella. Poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla. En este film compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.

Rita ingresó triunfante tras esos éxitos en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol, indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del momento.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al ser de los primeros en trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó también The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair.

Gilda

  1946: Rita Hayworth (1918 - 1987) plays the sexy title role in the wartime film noir 'Gilda', directed by Charles Vidor. (Photo by Robert Coburn Sr.)

 

 

 

 

 

 

 

 

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve (solo se quita un guante), y después una bofetada. Estas dos imágenes fueron en la época consideradas demasiado atrevidas en algunos países, que censuraron el filme, que a pesar de ello consiguió récords de taquilla en todo el mundo. La bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense; se la propinó a Rita su pareja en el film, Glenn Ford, y aunque ahora se cuestiona como ejemplo de machismo, hay que aclarar que en una escena previa Rita había golpeado igualmente a Glenn Ford.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada “gravemente peligrosa” por la Iglesia Católica, debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini en ese mismo 1946. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su segundo matrimonio, con el célebre director Orson Welles, entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional continuaba en racha y en 1947 rueda junto a su todavía marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día poco valorado, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghái.

La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como sex symbol en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz inolvidable: «Nunca hubo una mujer como Gilda», era el eslogan de la película.

Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor ‘Carmen’ del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical y único rotundo triunfo de la actriz ya en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Rita nunca fue nominada a los premios Óscar, pero asistió a la 36ª ceremonia de dichos premios para entregar el galardón a la mejor dirección en 1964, antes de que en la siguiente década empezara a tener problemas de memoria.

A finales la década de 1960 y principios de la de 1970 solo trabajó ya ocasionalmente en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer prematura, que le impedía memorizar bien los guiones.

De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson, que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Cuidada y acompañada en sus últimos años por su hija Yasmine, Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer en su apartamento de Manhattan. El servicio fúnebre para Hayworth se llevó a cabo el 19 de mayo de 1987 en la iglesia del Buen Pastor, en Beverly Hills. Los portadores del féretro fueron los actores Ricardo Montalbán, Glenn Ford, Don Ameche y el coreógrafo Hermes Pan. Fue enterrada en el cementerio de Santa Cruz, Culver City.

Se casó cinco veces: con Edward Judson, con el famoso director Orson Welles (con quien tuvo a su hija Rebeca), con el príncipe iraní Ali Khan (con quien tuvo a su hija Yasmine Aga Khan), con el cantante y actor Dick Haymes y con el director James Hill.
Para trabajar en el cine tuvo que someterse a dieta para adelgazar un poco, tratamientos electrolíquidos y mediante electrodepilación se le amplió la frente y se acentuó el pico del pelo.
A los cincuenta años empezó a enfermar de alzheimer. Algo que, al no estar diagnosticado por aquel entonces, se confundió con el alcoholismo. Falleció a los 68 años (1987), víctima de esta enfermedad que se le tardó veinte años en diagnosticar. Está enterrada en el Cementerio de Holy Cross (California).
Está considerada una de las estrellas indiscutibles de la historia del cine y de la época dorada de Hollywood. Una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Exactamente en el 1645 de Vine Street.

A partir del estreno de su obra icónica, Gilda, Rita Hayworth empezó a captar todas las miradas. La escena donde ella, sensualmente, desnudaba su brazo retirando su guante, la convirtió en símbolo erótico. Dicha escena fue considerada peligrosa por la Iglesia católica. Estimada por unos y criticada por otros, despertó todo tipo de polémicas. Otra de las escenas más recordadas del filme es cuando le propinaba una sonora bofetada su compañero de reparto Glenn Ford, que se quedaría impresa en la retina de todos los espectadores de la época. En la película interpretaba canciones como «Put the blame on Mame» y «Amado mío» y sus contoneos la confirmaban como una sex symbol de la época dorada de Hollywood. De hecho, su nombre fue el elegido para la primera bomba atómica controlada de Estados Unidos. El estilo de femme fatal que irradia Gilda, con aquel vestido –ya todo un clásico- tan ceñido, los guantes, y sus populares pitillos hicieron todo un icono de estilismo del momento y todavía vuelven ahora como moda. La actriz llegó a afirmar: «los hombres se van a la cama con Gilda y se despiertan conmigo». Los productores y directores que reclamaban la estrella, se preocuparon de que este éxito la persiguiera por siempre jamás y cómo es habitual en el proceso de mitificación, desplegaron una espectacular campaña publicitaria de la actriz, pero sobre todo del personaje. Empezó a ser portada de numerosas revistas, productos, anuncios y carteles. Este fenómeno llegó a tal punto que incluso se pidió una expedición a los Andes para enterrar una copia del film y que se conservara en caso de que hubiera un posible desastre nuclear. Después de meses y meses de publicidad, aquel público dividido, ya no lo estaba. Todo el mundo hablaba de ella. Gilda ya no sólo era una película, era un símbolo, algo con que todos los americanos de la época habían aprendido a convivir e idolatrar. Había nacido una marca y un mito, que después de prácticamente setenta años, sigue patente.

Filmografía

La nave de Satan (1935)
Charlie Chan en Egipto (1935)
Contrabando humano (1936)
Juego mortal (1937)
Siempre hay una mujer (1938)
Sólo los ángeles tienen alas (1939)
Una dama en cuestión (1940)
La pelirroja (1941)
Sangre y arena (1941)
Desde aquel beso (1941)
Mi chica favorita (1942)
Bailando nace el amor (1942)
Las modelos (1944)
Esta noche y todas las noches (1945)
Gilda (1946)
La diosa de la danza (1946), de Alexander Hall
La dama de Shanghái (1947)
Los amores de Carmen (1948)
La dama de Trinidad (1952)
Salomé (1953)
La bella del Pacífico (1953)
Fuego escondido (1957)
Pal Joey (1957)
Mesas separadas (1958)
Llegaron a Cordura (1959)
Sangre en primera página (1959)
El último chantaje (1962)
El fabuloso mundo del circo (1964)
Las flores del diablo (1966)
El aventurero (1967)
La ira de Dios (1972)


CICLE CINEMA ALEMANY ACTUAL
Filmoteca de Catalunya · BCN
Del 19 octubre al 5 de novembre
Els films de Chris Kraus, Dani Levy i Andres Veiel primers confirmats de la 6a edició del Cicle de Cinema Alemany Actual de Barcelona
Arriba una nova edició del Cicle de cinema alemany actual de Barcelona que tindrà lloc del 19 d’octubre al 5 de novembre a la Filmoteca de Catalunya. El cicle presenta una selecció de les més interessants pel·lícules actuals d’Alemanya. Seran 10 de les millors obres de cinema d’autor i independent més original i innovador realitzades en l’últim any a Alemanya. Algunes sessions comptaran amb la presència de directors, actors o guionistes dels títols projectats.

La sisena edició del cicle Cinema alemany actual es consolida com una de les cites ineludibles de la col·laboració entre el Goethe Institut de Barcelona i la Filmoteca de Catalunya.

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 AVANÇAMENT PROGRAMACIÓ

La nova edició del cicle comptarà amb la projecció de Die Blumen von gestern (Les flors d’ahir) del director Chris Kraus, que ja va presentar el seu anterior film Poll (2011) a Barcelona. El seu últim film tracta la hilarant, satírica i alhora commovedora història d’un amour fou entre un historiador alemany especialitzat en temes de l’Holocaust i una jove francesa néta de supervivents jueus.

El director suís-alemany Dani Levy vindrà a Barcelona per presentar la seva pel·lícula Die Welt der Wunderlichs (El món dels Wunderlich). El film és una barreja entre road movie i screwball comedy. La protagonista és una jove, mare soltera i música fracassada, que lluita per una segona oportunitat a la vida, lluitant també amb els seus familiars que tenen diferents tipus de trastorns psíquics.

En aquesta sisena edició també es podrà veure el film Beuys, l’esperat documental d’Andres Veielsobre l’artista Joesph Beuys, que es va presentar en l’última edició de la Berlinale.

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