Rita Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 – Nueva York, 14 de mayo de 1987)


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Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 – Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, ocupa el puesto 19º en la lista de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Nació en Nueva York, hija de emigrantes: su padre era el bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de Castilleja de la Cuesta1 (Sevilla, en España), pero nacido en el seno de una familia originaria de Paradas (provincia de Sevilla), y su madre era Volga Margaret Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés.2 Su padre era pariente del escritor Rafael Cansinos Assens (traductor al castellano de las obras completas de Goethe, Balzac, Tolstói y Dostoievski, entre otros).

Su padre apreció su talento natural, por lo que empezó su carrera como bailarina junto a él con su nombre real, Rita Cansino (tanto Marga como Rita son los diminutivos habituales de Margarita), a la edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933 como miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del eximio compositor José Iturbi y a las influencias del diplomático español en Estados Unidos Lázaro Bartolomé y López de Queralta (conocido como Lázaro Bartolomé Queralt).3 Desde 1935 participó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza y por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportando a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.

Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella. Poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla. En este film compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.

Rita ingresó triunfante tras esos éxitos en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol, indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del momento.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al ser de los primeros en trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó también The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair.

Gilda

  1946: Rita Hayworth (1918 - 1987) plays the sexy title role in the wartime film noir 'Gilda', directed by Charles Vidor. (Photo by Robert Coburn Sr.)

 

 

 

 

 

 

 

 

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve (solo se quita un guante), y después una bofetada. Estas dos imágenes fueron en la época consideradas demasiado atrevidas en algunos países, que censuraron el filme, que a pesar de ello consiguió récords de taquilla en todo el mundo. La bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense; se la propinó a Rita su pareja en el film, Glenn Ford, y aunque ahora se cuestiona como ejemplo de machismo, hay que aclarar que en una escena previa Rita había golpeado igualmente a Glenn Ford.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada “gravemente peligrosa” por la Iglesia Católica, debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini en ese mismo 1946. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su segundo matrimonio, con el célebre director Orson Welles, entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional continuaba en racha y en 1947 rueda junto a su todavía marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día poco valorado, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghái.

La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como sex symbol en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz inolvidable: «Nunca hubo una mujer como Gilda», era el eslogan de la película.

Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor ‘Carmen’ del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical y único rotundo triunfo de la actriz ya en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Rita nunca fue nominada a los premios Óscar, pero asistió a la 36ª ceremonia de dichos premios para entregar el galardón a la mejor dirección en 1964, antes de que en la siguiente década empezara a tener problemas de memoria.

A finales la década de 1960 y principios de la de 1970 solo trabajó ya ocasionalmente en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer prematura, que le impedía memorizar bien los guiones.

De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson, que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Cuidada y acompañada en sus últimos años por su hija Yasmine, Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer en su apartamento de Manhattan. El servicio fúnebre para Hayworth se llevó a cabo el 19 de mayo de 1987 en la iglesia del Buen Pastor, en Beverly Hills. Los portadores del féretro fueron los actores Ricardo Montalbán, Glenn Ford, Don Ameche y el coreógrafo Hermes Pan. Fue enterrada en el cementerio de Santa Cruz, Culver City.

Se casó cinco veces: con Edward Judson, con el famoso director Orson Welles (con quien tuvo a su hija Rebeca), con el príncipe iraní Ali Khan (con quien tuvo a su hija Yasmine Aga Khan), con el cantante y actor Dick Haymes y con el director James Hill.
Para trabajar en el cine tuvo que someterse a dieta para adelgazar un poco, tratamientos electrolíquidos y mediante electrodepilación se le amplió la frente y se acentuó el pico del pelo.
A los cincuenta años empezó a enfermar de alzheimer. Algo que, al no estar diagnosticado por aquel entonces, se confundió con el alcoholismo. Falleció a los 68 años (1987), víctima de esta enfermedad que se le tardó veinte años en diagnosticar. Está enterrada en el Cementerio de Holy Cross (California).
Está considerada una de las estrellas indiscutibles de la historia del cine y de la época dorada de Hollywood. Una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Exactamente en el 1645 de Vine Street.

A partir del estreno de su obra icónica, Gilda, Rita Hayworth empezó a captar todas las miradas. La escena donde ella, sensualmente, desnudaba su brazo retirando su guante, la convirtió en símbolo erótico. Dicha escena fue considerada peligrosa por la Iglesia católica. Estimada por unos y criticada por otros, despertó todo tipo de polémicas. Otra de las escenas más recordadas del filme es cuando le propinaba una sonora bofetada su compañero de reparto Glenn Ford, que se quedaría impresa en la retina de todos los espectadores de la época. En la película interpretaba canciones como «Put the blame on Mame» y «Amado mío» y sus contoneos la confirmaban como una sex symbol de la época dorada de Hollywood. De hecho, su nombre fue el elegido para la primera bomba atómica controlada de Estados Unidos. El estilo de femme fatal que irradia Gilda, con aquel vestido –ya todo un clásico- tan ceñido, los guantes, y sus populares pitillos hicieron todo un icono de estilismo del momento y todavía vuelven ahora como moda. La actriz llegó a afirmar: «los hombres se van a la cama con Gilda y se despiertan conmigo». Los productores y directores que reclamaban la estrella, se preocuparon de que este éxito la persiguiera por siempre jamás y cómo es habitual en el proceso de mitificación, desplegaron una espectacular campaña publicitaria de la actriz, pero sobre todo del personaje. Empezó a ser portada de numerosas revistas, productos, anuncios y carteles. Este fenómeno llegó a tal punto que incluso se pidió una expedición a los Andes para enterrar una copia del film y que se conservara en caso de que hubiera un posible desastre nuclear. Después de meses y meses de publicidad, aquel público dividido, ya no lo estaba. Todo el mundo hablaba de ella. Gilda ya no sólo era una película, era un símbolo, algo con que todos los americanos de la época habían aprendido a convivir e idolatrar. Había nacido una marca y un mito, que después de prácticamente setenta años, sigue patente.

Filmografía

La nave de Satan (1935)
Charlie Chan en Egipto (1935)
Contrabando humano (1936)
Juego mortal (1937)
Siempre hay una mujer (1938)
Sólo los ángeles tienen alas (1939)
Una dama en cuestión (1940)
La pelirroja (1941)
Sangre y arena (1941)
Desde aquel beso (1941)
Mi chica favorita (1942)
Bailando nace el amor (1942)
Las modelos (1944)
Esta noche y todas las noches (1945)
Gilda (1946)
La diosa de la danza (1946), de Alexander Hall
La dama de Shanghái (1947)
Los amores de Carmen (1948)
La dama de Trinidad (1952)
Salomé (1953)
La bella del Pacífico (1953)
Fuego escondido (1957)
Pal Joey (1957)
Mesas separadas (1958)
Llegaron a Cordura (1959)
Sangre en primera página (1959)
El último chantaje (1962)
El fabuloso mundo del circo (1964)
Las flores del diablo (1966)
El aventurero (1967)
La ira de Dios (1972)

La dotzena edició del Say It Loud comptarà amb artistes com Little Simz, Johnny Osbourne, Combo Chimbita, The Heatwave feat. Ras Demo i Delvon Lamarr Organ Trio La programació s’extendrà del 17 al 26 d’octubre en diversos espais de la ciutat


La dotzena edició del Say It Loud comptarà amb artistes com Little Simz, Johnny Osbourne, Combo Chimbita, The Heatwave feat. Ras Demo i Delvon Lamarr Organ Trio

Un any més la imatge és obra de Joan Negrescolor, que ha treballat una estètica pròpia que recull l’ànima del Say It Loud i el context on neix i creix.

El gruix de la programació tindrà lloc el 18 i 19 d’octubre a la Fabra i Coats, espai referent de creació i cultura i, també, de l’economia social, dos eixos que defineixen el Say It Loud.

La programació s’extendrà del 17 al 26 d’octubre en diversos espais de la ciutat. Ja es poden comprar abonaments a www.sayitloud.cat

SALA DE PREMSA
Dimecres 3 de juliol del 2019 · El Say It Loud, Festival de música i cultura negra de Barcelona ha presentat la imatge de la 12a edició i alguns dels artistes que formaran part de la programació. El festival, que tindrà lloc del 17 al 26 d’octubre en diversos espais de la ciutat, vol acostar propostes internacionals i nacionals de hip hop, reggae, jazz, soul i afrobeat i posar així al centre la cultura i la comunitat que l’envolta. Els plats forts de la programació tindran lloc el 18 i 19 d’octubre a la Fabra i Coats amb noms propis com Little Simz, Johnny Osbourne, Combo Chimbita, The Heatwave feat. Ras Demo i Delvon Lamarr Organ Trio. 
La imatge de la 12a edició

Un any més, la imatge és obra de Joan Negrescolor, que dona continuïtat i consolida la línia que el festival va arrancar ja fa un parell d’anys, treballant una estètica pròpia que recull l’ànima del Say It Loud i el context on neix i creix.

Aquest any, la imatge ens trasllada directament al món fabril. Una fàbrica que ens recorda a espais com Can Batlló, La Farinera del Clot o la Fàbrica Fabra i Coats, l’espai que acollirà durant dos dies seguits el gruix de la nostra programació d’enguany. La seva teulada es transforma màgicament en un element molt característic del món musical i una eina imprescindible per a la nostra feina quotidiana: una taula de so, plena de faders, d’envios i de retorns on tots els mecanismes es mesclen i interactuen entre si per donar-li a cada peça que emana d’ella una personalitat única.

La fàbrica, amb la seva xemeneia, símbol històric de la classe treballadora, ens recorda d’on venim i, a la vegada, què volem ser. Un espai d’acollida, de comunitat i creació de vincles i connexions, on la música i la cultura sigui l’eix vertebrador de la cooperació i les idees transformadores.

 Els destacats de la programació

Little Simz, Johnny Osbourne, Combo Chimbita, The Heatwave feat. Ras Demo i Delvon Lamarr Organ Trio són alguns dels destacats de la programació que acturan a la Fabra i Coats el 18 i 19 d’octubre.

La rapera i actriu Simbi Ajikawo, artísticament coneguda com Little Simz, és una de les joves raperes amb més talent de tot el Regne Unit. Arriba al Say It Loud per presentar el seu tercer treball “Grey Area”, un disc que consolida la seva carrera que, fins ara, no ha tingut la repercussió que es mereix. Dona, jove i negra, Simz aprofita la música per defensar i reivindicar els seus drets i rapeja sense embuts i amb total honestedat.

Johnny Osbourne, conegut com ‘The Dancehall Godfather’ és un dels artistes més sol·licitats per tallar “dubplates” i el pare de veritables himnes com “Buddy Bye”, “Ice Cream Love” o “Water Pumping”. Arriba al Say It Loud acompanyat per a l’ocasió per Fatta, un dels selectors més reconeguts de París i membre del mític Sound francès ‘Soul Stereo’.

Actuaran per primer cop a Barcelona, Combo Chimbita, formació colombiana radicada a Nova York. És una de les bandes per descobrir a l’edició d’enguany del Say It Loud. Presentaran el seu segon treball “Ahomale”, publicat recentment en el mític segell Anti-Records, un viatge musical per la fusió de ritmes caribenys, rock, electrònica i psicodèlia amb lletres plenes de misticisme folklòric.

The Heatwave és un dels projectes més actius en el panorama dancehall internacional de l’última dècada amb Gabriel “Heatwave” com a màxim responsable. La seva frenètica activitat com djs, promotors i productors els ha dut a girar per clubs i festivals de mig món, produir temes i remixes per artistes consagrats com Stylo G, Mavado, Tippa Irie, Mr Lexx o Popcaan i capitanejar algunes de les sessions regulars més explosives en el mític Notting Hill Carnival o en els seus esdeveniments regulars Hot WUK i Showtime. Per aquesta ocasió arriben acompanyats al Say It Loud del veterà MC Ras Demo aka Demolition Man, conegut per la seva versatilitat al micro que combina estructures melòdiques amb estil “fast talk”.

I finalment, Delvon Lamarr Organ Trio, amb una barreja contagiosa de soul, jazz i rhythm & blues, és  una de les bandes de referència en aquest estil. Els seus grooves intensos, els seus sons exuberants i unes improvisacions fresques i vibrants, denoten una innegable química entre els components de la banda. Aquest trio de Seattle, amb Lamarr a l’orgue Hammond B-3, Jimmy James a la guitarra i Michael Duffy a la batería, evoca un so instrumental amb una sensibilitat virtuosa i pionera en el seu primer disc, ‘Close But No Cigar’, publicat el passat 2018. Treball que va aparèixer destacat a les principals llistes de jazz dels USA del mateix any.

El nou format del festival

El gruix de la programació tindrà lloc el 18 i 19 d’octubre a la Fabra i Coats, espai referent de creació i cultura i, també, de l’economia social, dos eixos que defineixen el Say It Loud. Aquests dos dies comptaran amb programacions llargues de set hores aproximadament i amb dos escenaris, un escenari i un sound system, que s’aniran alternant. En aquest sentit, des del festival esperen confluència de públics diferents en un mateix dia, ja que les programació oferirà diversos gèneres. Al llarg del festival, del 17 al 16 d’octubre també tindran lloc altres activitats i concerts en espais com la Farinera o l’Harmonia, en el marc de la FESC.

SAY IT LOUD

Say It Loud entén la cultura com a un fet intrínsec a totes les persones i les comunitats, sovint relegat a un segon terme o concebut només com a un element accessori. El projecte vol posar la cultura al bell mig del quadre i vol reivindicar el paper que l’art té com a vertebrador de les comunitats i de les idees transformadores. Per aquesta raó la proposta no es limita només a una sèrie de concerts, si no que s’amplia amb les xerrades, les exposicions, els tallers o les projeccions, per mostrar així tota la riquesa i la influència de la música i la cultura afroamericana en una ciutat mediterrània del segle XXI.

Say It Loud és el festival d’economia social impulsat per la cooperativa Quesoni Cooperatova i realitzat en equipaments públics de la ciutat: La Farinera del Clot, Fàbrica de Creació Fabra i Coats i Ateneu l’Harmonia, entre d’altres espais, també acolliran activitats del Say it Loud.

SAY IT LOUD AL PATI!
 
DISSABTE 6 I DIUMENGE 7 DE JULIOL  · 19 H  ·  PATI DE LA SEU DEL DISTRICTE DE NOU BARRIS  · CONCERTS GRATUÏTS

El proper cap de setmana del 6 i 7 de juliol, el Say It Louds’instal·la al Pati de la Seu del Districte de Nou Barris, dins del cicle de “L’Estiu, al Pati”. Arriba la summer editiondel Say It Loud amb una programació de luxe, gratuïta, per a tots els públics i en un entorn immillorable!

Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973)


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Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte2 el 8 de abril de 1973 en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» en Mougins (Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo),1 a fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807.

De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923. Pablo empezó a pintar desde edad temprana; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo, primera pintura al óleo8 9 de la que siempre se negó a separarse.

En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888. El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada». «Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.» En Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.6 En La Coruña hizo su primera exposición con 13 años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano “La Coruña”, “Azul y Blanco” o “Torre de Hércules”

El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.

A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.

Picasso

En 1911 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de un círculo de amigos distinguidos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser parte de una banda internacional. Apollinaire señaló a su amigo Picasso, que también fue llevado a un interrogatorio, pero ambos fueron exonerados más tarde.

Primeras pinturas

Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona), en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.18 En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.

En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,20 pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.

Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.

Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.

Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,24 donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.

En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida. En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901. También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.

Entre Barcelona y París.

El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas, cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.

Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad. Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo del Greco.

Entre Barcelona y París

Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Reina Sofía, Madrid)en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París. Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite. Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo Pushkin, Moscú), Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York) y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga) y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).

A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer40 y La macarra (composición alegórica),41 propiedad del Museo Picasso de Barcelona.

En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.

De esa fecha data un Retrato de Germaine que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie’s en 2006.En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.

La vida

En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts), uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas. La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés. La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo), Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.), El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago), El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia), y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París) se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.

Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona, donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)que finalizó en la primavera de 1904.

París, Bateau Lavoir. El período rosa

El edificio del Bateau-Lavoir fue nombrado así por el poeta Max Jacob porque su estructura de madera le recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago) e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905). En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.

La bohemia del Lapin Agile

En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por el Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York) o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona), un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera. Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Museo Pushkin, Moscú), La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington), Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia) y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).

Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.

En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis, una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.66 Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París), que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.68

Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane), y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),70 una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.

Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono64 al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.

Primitivismo ibérico

En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein, lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico. Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie. Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.

Protocubismo

En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein71 trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez. Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.» Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,75 lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia), cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.

El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York), en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón

La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.

A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):80 la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar. Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.

Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,c pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico. Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista, que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario

Las señoritas de Aviñón

Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)85 supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.

El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas del Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París; su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier, 1969, p. , su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.

Hacia el cubismo

La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907. aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana), un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo), iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo; también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York) En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)89 y Desnudo con toalla (colección privada, París). El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)91 de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse. La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.

Cubismo

Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies. Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Cubismo cezannesco

En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Academie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L’Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.

Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),finalizado a finales de primavera, podría ser una conmemoración de la muerte de Wieghels.

Durante el verano, Braque elaboró en L’Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado. Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.96 En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.

Matisse bautiza el Cubismo. Período verde

Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.97 Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Hermitage, San Petersburgo), donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.

El banquete de Rousseau

Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba. El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:99 Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York), Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d’Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq). También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París), que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).

Cubismo analítico

Retorno a Horta de San Juan

Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)104 en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de San Juan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).107 La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).108 También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);109 La fábrica de Horta (Museo del Hermitage, San Petersburgo) y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Nueva Galería Nacional, Berlín). Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.

El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.

Traslado al bulevar de Clichy

En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Serguéi Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malévich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.

En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (Museo Picasso de Barcelona114 inspirada en las telas que pintó en Horta.105 Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.

Los retratos cubistas

Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago), pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú), Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis) y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago), en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrude Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.

Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo; en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler119 que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente, como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).

El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l’œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.

Reconocimiento del cubismo

Picasso viajó a Céret, un pueblo francés situado en la región histórica del Rosellón, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico (‘L’Indépendant’) (colección privada, Ascona, Suiza).125 El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.

A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida, Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.128 Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.129 En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París), creado en la primavera de las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.

Cubismo hermético

Entre Céret y Sorgues

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.

Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino (‘J’aime Eva’) (Museo de Arte de Columbus, Ohio), donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos. Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L’ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín (‘Jolie Eva’) (Nueva Galería Estatal de Stuttgart), en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).134 Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.

Traslado al bulevar Raspail

En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea). el endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés, en respuesta al trabajo de Braque en este medio, aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):137 sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s’est engagé[e] (ha empezado la batalla).

A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages. al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés139 en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstración y mayor colorido.

A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.

Cubismo sintético

Cubismo poético

Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York), en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio de Montmartre. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético

Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York), que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.

Cubismo surrealista

En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.143 El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York), de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,146 pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.

Cubismo puntillista y cubismo frío

A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914. En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París), que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.

De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París), que introdujo el periodo llamado cubismo frío, donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.

Enfermedad y muerte de Eva

En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),150 en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),151 de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York), una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

Los Ballets Rusos

En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresó herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),155 también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Victor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.

Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,156 y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).

El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.

Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.

Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.154 Entre mayo y junio realizó un realista Autorretrato (Museo Picasso, París) y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)

Estancia en Barcelona

Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturrino le dieron un banquete de bienvenida en las Galerías Layetanes en julio. Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)160 y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga); Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista; en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)163 y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).164 También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.

En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.

Periodo duquesa

La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que terminó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición. Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo Picasso, París) en el estilo neoclásico de Ingres; Olga insistía en que sus retratos fueran reconocibles.

Entre abril y mayo se mudó con Olga al Hotel Lutetia, un hotel de moda de primera clase en el bulevar Raspail; su estilo de vida cambió, frecuentaba el círculo de los Ballets Rusos y se movía entre la alta sociedad. El 12 de julio se casó con Olga, primero en la ceremonia legal requerida y luego en una misa de tres horas en la Iglesia Ortodoxa Rusa de la calle Daru, en París. Sus familias no acudieron, y Picasso pidió a Jean Cocteau, Max Jacob y Apollinaire que actuaran como testigos. Tras la boda, Olga se negó a ir a Montrouge, diciendo que no volvería jamás a esa casa «que olía a demasiadas mujeres». El 30 de julio llegaban a Biarritz en luna de miel; permanecieron en la Villa La Mimoseraie, de su amiga chilena Eugenia Errázuriz. Allí desarrolló temas marinos, como Las bañistas (Museo Picasso, París),168 en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo del Greco. Su anfitriona le presentó a los marchantes de arte Georges Wildenstein y Paul Rosenberg; Rosenberg, en nombre de Wildenstein, hizo un contrato con Picasso. Realizó algunos retratos al estilo neoclásico de Ingres de sus mujeres y de la sociedad pudiente que venía de visita.

A finales de septiembre volvió con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza. El 8 de octubre Picasso alquiló un gran apartamento en la rue de La Boëtie. Es probable que conociera en aquella época a Louis Aragon, y a través de éste y Apollinaire a André Breton. Poco después, el 9 de noviembre de 1918, dos días antes de que se firmara el armisticio de Rethondes que ponía fin a la Primera Guerra Mundial, murió Apollinaire de gripe española en su apartamento del bulevar Saint-Germain. Desde entonces, Picasso visitó en esa fecha cada año la tumba de su amigo en el cementerio del Père-Lachaise.

El sombrero de tres picos

Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)169 y La siesta (MoMA, Nueva York)170 en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.

La llegada de los Ballets Rusos a Londres tras la guerra coincidió con un momento en que interesarse por el arte, especialmente en arte de vanguardia, estaba de moda. El ballet permitía combinar el prestigio de los grandes bailarines con el escándalo de los jóvenes artistas revolucionarios, lo que tanto agradaba a esnobs como atraía a los intelectuales.172 En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla. Durante los tres meses que estuvo en Londres realizó numerosos bocetos, dibujos y acuarelas para los decorados, el vestuario y el telón, que pintó personalmente asistido por Vladimir Polunin y su esposa Elizabeth. Cuando no estaban ocupados con los ensayos y pruebas del ballet se relacionaban con la sociedad inglesa, donde Picasso conoció a muchos artistas y escritores.

El estreno de El sombrero de tres picos en el Alhambra Theatre el 22 de julio de 1919 fue un enorme éxito que hizo que en poco tiempo se abrieran escuelas de danza española en Londres. Massine había aprendido los ritmos del flamenco y los aplicó en la coreografía de los bailarines, cuyo vestuario se adaptaba a la acción. Picasso había utilizado instintivamente curvas y zig-zags, motivos característicos de los carros de los campesinos españoles, ritmos que descienden probablemente de los arabescos caligráficos árabes. El contraste de verdes, rosas, rojo y negro evocaban igualmente España. El crítico Jean Bernier escribió: «todo el vestuario está, sin excepción, lleno de calidez y fuerza, templado por un gusto por la dignidad que es muy andaluz».

Acompañando al éxito del ballet vino la vida social; Picasso y Olga, para deleite de ésta, fueron invitados a una serie de fiestas de la alta sociedad. Picasso encargó trajes en los mejores sastres y aparecía impecablemente vestido en las recepciones de moda. En agosto Olga y Picasso volvieron a París, y de allí marcharon a Saint-Raphaël, en la Costa Azul; es probable que en el trayecto en tren Picasso observara la escena de cosecha que describió en La siesta. El tema de las ventanas en Saint-Raphaël, que trabajó ese verano en muchas acuarelas y dibujos, persistió en la obra de Picasso a su retorno en otoño a París hasta inicios de 1920.

Pulcinella

Instalado en su apartamento de la rue de la Boëtie, Picasso se fue distanciando de la bohemia en la que vivía antes de la guerra; su vida personal era más tranquila, aunque se le podía ver vestido elegantemente en cócteles o comiendo fuera acompañado de Olga, vestida de Chanel. Su vinculación a los Ballets Rusos y a los marchantes Léonce y Paul Rosenberg le proporcionó una atención más favorable de la crítica y una mayor visibilidad.

En diciembre de 1919 Diágilev, de nuevo en París tras la temporada de Londres, le invitó a colaborar en un nuevo ballet inspirado en la Commedia dell’Arte, Pulcinella, con música de Stravinsky. Diágilev rechazó los primeros bocetos por ser demasiado modernos y recargados, posteriormente Picasso los simplificaría. A principios de 1920 desarrolló un gran número de bocetos y estudios para Pulcinella.

El 23 de enero de 1920 se representó El sombrero de tres picos en el Théâtre National de l’Opéra de París, al que invitó a su amigo Max Jacob, al que veía con menos frecuencia. Yendo hacia el teatro Jacob fue golpeado por un automóvil y hospitalizado; Picasso le visitó frecuentemente en el hospital, pero empezaron a verse menos a partir de entonces, dado que Jacob buscaba una vida social menos bulliciosa y pública.

Igor Stravinsky en 1921. El músico ruso colaboró con Picasso en varias ocasiones, tanto para los Ballets Rusos como en la publicación de sus composiciones. Picasso dibujó en 1920 un Retrato de Igor Stravinsky (Museo Picasso, París).
La idea de Massine para el ballet derivaba de las representaciones callejeras que vieron en el viaje que realizaron en 1917 a Nápoles. Junto a Diágilev, desarrollaron el libreto sobre la base de antiguos textos napolitanos; la música de Stravinsky es un arreglo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. Los primeros bocetos de Picasso eran de un estilo pseudorococó que, tras el rechazo inicial de Diágilev, simplificó en un estilo similar al cubismo con grandes superficies planas en azul, gris y blanco, sobre el que destacaba el vestuario de los personajes, basados en el estilo de los personajes tradicionales de la Commedia dell’Arte. Pulcinella se estrenó en el Théâtre National de l’Opéra de París en 15 de mayo de 1920.

Este estilo de los decorados de Pulcinella se extendió a la pintura de Picasso, como puede verse en Pulcinella con una guitarra delante de un telón (Massine saludando); los colores son vivos pero no estridentes, y la superficie pintada se volvió completamente plana.Durante el verano en Juan-les-Pins siguió desarrollando este estilo y temática en una serie de gouaches coloristas, geométricos y planos sobre la Commedia dell’Arte, como Pierrot y arlequín (Galería Nacional de Arte, Washington). En septiembre, aún en Juan-les-Pins, produjo una serie de dibujos y acuarelas sobre un tema de la antigüedad mediterránea, un episodio del intento de rapto de Deyanira, mujer de Hércules, por el centauro Neso, inspirados en los frescos pompeyanos que vio en su viaje a Nápoles

Cuadro flamenco

El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo. En primavera inició los estudios para Cuadro flamenco, otro ballet de Diágilev, quien en esta ocasión contrató un grupo de ocho bailarines y cantantes andaluces para los que Falla hizo un arreglo de música popular. En principio había sido encargado al también español Juan Gris, pero Picasso, aduciendo que éste estaba enfermo y no tendría tiempo para desarrollar el proyecto con un plazo tan corto, se le adelantó presentando la idea que abandonó en Pulcinella de una cortina con ornamentos rococós y los proscenios con parejas observando el espectáculo, como puede verse en Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, París). La relación con Gris se enfrió a consecuencia de ello, situación que se mantuvo hasta su fallecimiento en 1927. El 22 de mayo se estrenó la obra, en el Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La cubierta del programa estaba ilustrada con cuatro desnudos en la playa en un estilo neoclásico similar a otras obras del mismo tiempo. A su vuelta a París, continuó con trabajos en el estilo monumental neoclásico.

Durante el verano, evitando el calor del sur de Francia, se trasladó con Olga y Pablo a Fontainebleau. El verano en Fontainebleau fue prolífico, con una mayoría de obras en el estilo escultural neoclásico. Los temas principales son madre y niño y mujeres en una fuente; puede verse en Madre e hijo en la orilla del mar (Instituto de Arte de Chicago), y Tres mujeres en la fuente (Museo de la Orangerie, París),182 con vestidos y peinados grecorromanos. También creó dos obras maestras del estilo cubista sintético: Músicos con máscaras (MoMA, Nueva York) y Músicos con máscaras (Tres músicos) (Museo de Arte de Filadelfia);184 el tema rememora su colaboración con los Ballets Rusos, particularmente algunos de los estudios para arlequines y pierrots de Pulcinella.

Antígona

En 1922 Breton, asesor de Jacques Doucet en cuestiones de arte, comenzó a convencerle de la importancia de incorporar grandes obras de Picasso a su colección de arte moderno, que llevaría en 1924 a la adquisión de Las señoritas de Aviñón. En junio, durante una visita a Dinard (Bretaña), pintó Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera) (Museo Picasso, París).una idealización de las figuras monumentales que pintó en 1921 con un nuevo elemento, el tratamiento del movimiento, que posteriormente sirvió de modelo para el telón de Le Train Bleu de Diágilev en 1924. También realizó algunos bocetos de su hijo y de su mujer y su hijo juntos, como puede verse en Familia a orillas del mar (Museo Picasso, París). El 20 de diciembre de 1922 se estrenó la adaptación modernizada de Jean Cocteau de la Antígona de Sófocles en el Théâtre de l’Atelier, en Montmartre (París). La obra contó con decorado de Picasso, vestuario de Coco Chanel y música de Arthur Honegger.

Léonide Massine, coreógrafo que colaboró habitualmente con Picasso en las producciones de los Ballets Rusos de Diágilev. Su Mercure fue el último ballet en el que trabajaría Picasso.
En 1923 Picasso continuó con el tema del arlequín; realizó varios retratos de Jacint Salvadó disfrazado de arlequín en un estilo menos monumental y más lírico. También realizó retratos de su hijo Pablo y de su mujer Olga; y el Retrato de Doña María (la madre del artista) (colección privada).189 Ese verano volvió de nuevo a la Riviera, instalándose en Antibes con Olga y Pablo. Realizó La flauta de Pan (Museo Picasso, París), así como varios dibujos y bocetos sobre el mismo tema. En Antibes visitó mucha de la sociedad que pasaba sus vacaciones, como el pintor Gerald Murphy y su esposa Sarah (que aparece en sus dibujos) y el conde Étienne de Beaumont y su esposa; Beaumont le pidió que diseñara el decorado y vestuario para Mercure, que se estrenaría el verano de 1924.

Mercure

El coreógrafo Léonide Massine había abandonado los Ballets Rusos para producir un ballet para el conde Étienne de Beaumont en una serie de espectáculos privados conocidos como Les Soirées de Paris en verano de 1924, con objeto de ayudar a la aristocracia rusa. Con música de Erik Satie y decorados y vestuario de Picasso, Massine produjo Mercure, el ballet más extraño y original desde Parade. Los planos angulares y líneas rectas de Parade fueron reemplazadas por líneas curvas y onduladas, siluetas sinuosas en el decorado y el diseño de vestuario. El estreno de Mercure el 18 de junio en el Théâtre de la Cigale fue mal recibido por la crítica y el público. Algunos de los surrealistas criticaron que Picasso se involucrara en un proyecto burgués en ayuda de la aristocracia, pero Breton salió al paso defendiendo el trabajo artístico de Picasso, proclamando en su ensayo Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso) «En lo que a mí respecta, considero la colaboración de Picasso en Mercure como el evento artístico más importante en los últimos años».

Dos días después se estrenó Le train bleu, última colaboración con los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev, en el Teatro de los Campos Elíseos. El telón fue pintado por el pintor de escenarios Alexander Shervashidze, a partir del gouache de Picasso Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera).186 El propio Picasso firmó el telón «Dedicado a Diágilev Picasso 24».

En el verano de 1924 se instaló en la Villa La Vigie, en Juan-les-Pins. Picasso desarrolló en un cuaderno de bocetos una serie de dibujos pre-surrealistas, constelaciones de líneas y puntos, que fueron utilizados años después para una edición ilustrada preparada por Ambroise Vollard de Le Chef-d’œuvre Inconnu de Honoré de Balzac.192 Para celebrar los cumpleaños de su hijo, Picasso realizaba retratos del niño cada año; en 1924 pintó La polémica en torno a las Soirées de Paris creció durante el verano y provocó un cisma entre los ex-dadás, enfrentando al grupo de Breton contra otro que giraba alrededor de Ivan Goll. En octubre Breton publicó el Manifiesto surrealista, en el que perfiló las consecuencias artísticas de la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud. El término surrealismo, que acuñara Apollinaire en 1917, fue adoptado por Breton como nombre de su grupo. Aunque Picasso nunca se unió oficialmente al movimiento surrealista, su obra fue muy admirada por Breton, tanto como fue por Tristan Tzara y los dadaístas. La obra de Picasso aparece reproducida en ocho de los once números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 y 1929.

Surrealismo

Periodo surrealista

Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.

André Breton fue un gran admirador del arte de Picasso, al que consideró como un exponente del Surrealismo, pese a que nunca se uniera oficialmente al movimiento.
En 1925 pintó, para el cuarto cumpleaños de su hijo, Pablo de pierrot (El hijo del artista) (Museo Picasso, París), en un estilo naturalista similar al retrato de arlquín que pintó el año anterior. También pintó La danza (Tate Modern, Londres); Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.

La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. Antítesis de sus dibujos clásicos sobre la danza, el carácter expresionista del cuadro simbolizaba la creciente irritación de Picasso hacia Olga y las mujeres en general; herido por la muerte de su amigo Ramón Pichot, creía que su mujer Germaine, que había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyó a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él. Al dolor por la muerte de Pichot se une la del músico Erik Satie en julio. En verano pintó, en Juan-les-Pins, El beso (Museo Picasso, París),de un espíritu más agresivo aún que La danza. El motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer y no en la escultura, encontraría continuidad en su obra posterior. Las cualidades irracionales de esta serie de obras, así como las de las primeras obras cubistas, eran las que Breton encontraba análogas a la teoría del automatismo practicada por los artistas surrealistas.

En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta “cubista” ha cometido mucho ese error». En noviembre se produjo la «Exposition: La Peinture Surréaliste», en la Galerie Pierre de París, en la que se expusieron dos de las pinturas del primer cubismo de Picasso, así como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray y Pierre Roy; Breton y Robert Desnos escribieron el prefacio del catálogo. La reseña de la exposición de Maurice Raynal en L’intransigeant decía: «¡El “padre del cubismo” se ha convertido en el hijo adoptivo de los surrealistas! Picasso acompañó en noviembre a su madre, que había pasado las vacaciones con ellos en la costa, a Barcelona. Allí conoció a Dalí, y visitó su primera exposición en solitario en la Galería Dalmau.

Cubismo curvilíneo

En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista.198 Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París) y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París),200 obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Realizó también varios retratos con cierto parecido a Marie-Thérèse Walter, una joven adolescente que según algunos autores presumiblemente conoció por vez primera a principios de 1925 en la Estación de París Saint-Lazare. Asimismo continuó trabajando el motivo de las cabezas superpuestas.

En abril recibió la visita en su estudio de Dalí; pese a la mutua admiración, los dos artistas no llegaron a ser grandes amigos. Su recomendación a Diágilev de trabajar con Miró y Max Ernst los decorados y vestuario de su Romeo y Julieta llevó a que éstos fueran amenazados de expulsión del grupo surrealista, contrario a la colaboración con «una producción burguesa para la alta sociedad».

Bañistas biomórficas

En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, una joven rubia de diecisiete años de edad, frente a las Galeries Lafayette de París (aunque algunos autores sitúan la fecha dos años antes). En seis meses se convirtieron en amantes. Aunque mantuvieron su relación en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya en 1935, las referencias a Marie-Thérèse aparecieron en su obra poco tiempo después de conocerla. La tensión marital con Olga creció, su vida se volvía muy complicada intentando mantener el secreto de su relación. Pasó un infeliz verano en Cannes añorando a Marie-Thérèse mientras Olga se resentía porque Picasso nunca estaba presente en las reuniones sociales que organizaba

A finales de verano ejecutó un álbum de dibujos, Carnet des Métamorphoses, en el que dotó a bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en Bañista en la cabina (Figura femenina) (Museo Picasso, París). Aunque probablemente se trata de estudios para un monumento a Apollinaire, Christian Zervos escribió en 1929 que Picasso los propuso como monumentos para la Croisette, el elegante paseo que separa la playa de los grandes hoteles en Cannes.

Picasso volvió a la escultura en 1928 de la mano de González, con quien aprendió a trabajar el metal. Hijo de una familia de orfebres catalanes, González aprendió a forjar y soldar en el taller de su familia, pero quería ser pintor y marchó a París en 1900. Tenía ya cincuenta años cuando decidió consagrarse a la escultura, coincidiendo con su colaboración con Picasso en el Monumento a Apollinaire (1928), pero pese a lo tardío de su vocación, se convirtió en un referente de la escultura contemporánea, «padre indiscutible» de la escultura en hierro del siglo XX. Su lenguaje escultórico, basado en el ensamblaje de elementos lineales y planos vacíos que dibujan en el espacio, fue dominante entre las décadas de 1930 y 1950.

En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.) Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del Minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.

En marzo de 1928 retomó su amistad con el escultor Julio González, cuyo estudio de la rue de Médéah visitó frecuentemente para continuar aprendiendo técnicas de soldadura. En junio realizó su primera escultura tridimensional desde 1914, el bronce Metamorfosis I (Bañista) [Personaje femenino] (Museo Picasso, París), a partir de dibujos de Marie-Thérèse completados en 1927.

En verano se instaló con Olga y Pablo en Dinard, en la Bretaña francesa; en secreto, hospedó a Marie-Thérèse en un campamento de verano para niños cercano, y la inició en sus prácticas sexuales sadomasoquistas preferidas.205 Continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas en cuadros y dibujos, como Bañista y cabina (MoMA, Nueva York), y una serie de estudios sobre construcciones en metal soldado, en la línea de las constelaciones de puntos unidos por una red de líneas, de cara a un futuro monumento a Apollinaire. De vuelta en París, en otoño trabajó con González sobre este proyecto en una serie de maquetas realizadas con varillas de hierro,208 que Kahnweiler describió como «dibujos en el espacio». Las maquetas fueron rechazadas por el comité encargado del monumento por considerarlas demasiado radicales e inapropiadas.

ESTOPA, NOU CONCERT AL PALAU SANT JORDI! 15 de desembre


 

En pràcticament un mes Estopa ha exhaurit totes les entrades pel Palau Sant Jordi el dissabte 14 de desembre i confirma una nova data, el dia següent, diumenge 15.

El grup que fa 3 anys que no actua a la ciutat comtal, arriba amb Gira FUEGO-20 Aniversari, la nova gira on els germans Muñoz celebraran els seus 20 anys de carrera musical presentant les cançons del seu nou disc i recordant els seus gran èxits, que han fet que Estopa, sigui un dels referents de la música nacional amb més de 5.000.000 de discos venuts a tot el món.

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En prácticamente un mes Estopa ha agotado todas las entradas para el Palau Sant Jordi el sábado 14 de diciembre y confirma una nueva fecha, el día siguiente, domingo 15.

El grupo que hace 3 años que no actúa en la ciudad condal, llega con la Gira FUEGO-20 Aniversario, la nueva gira donde los hermanos Muñoz celebrarán sus 20 años de carrera musical presentando las canciones de su nuevo disco y recordando sus grande éxitos, que han hecho que Estopa, sea uno de los referentes de la música nacional con más de 5.000.000 de discos vendidos en todo el mundo.

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Ellen Jaclyn Smith, conocida artísticamente como Jaclyn Smith (Houston, Texas, 26 de octubre de 1945),


 

Jaclyn Smith

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Ellen Jaclyn Smith, conocida artísticamente como Jaclyn Smith (HoustonTexas26 de octubre de 1945),  una actriz de cinetelevisión estadounidense. Su rol más importante es Kelly Garrett de la serie de televisión Los ángeles de Charlie.

En 1976, se convierte en uno de los rostros más célebres del planeta al interpretar el papel de la ex-policía y detective privado Kelly Garret en la que llegaría a convertirse en serie de culto Los ángeles de Charlie. Del elenco de actrices de la serie, ella fue la única que se mantuvo a lo largo de las cinco temporadas en que se emitió.

Tras la cancelación de la serie, ha protagonizado numerosas películas y realizó un cameo en la versión cinematográfica de Los ángeles de Charlie, retomando el papel que la hizo mundialmente famosa.

 

En cine ha realizado también algunos papeles interesantes, desde su debut en The adventurers (1980).

En 1985, además, se introdujo en el mundo de los negocios, al lanzar su propia línea de accesorios de ropa femenina.

En 2007, inició la transmisión de un reality show llamado Shear Genius (Descabellados en Latinoamérica), donde Jaclyn es la anfitriona. En 2009, se transmitió en Latinoamérica la segunda temporada del programa

Winona Ryder (Olmsted County, Minnesota, 29 de octubre de 1971)


 

Winona Ryder

 
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Winona Laura Horowitz  (Olmsted CountyMinnesota, 29 de octubre de 1971), más conocida como Winona Ryder, es una actriz estadounidense dos veces nominada al Óscar y ganadora de un Globo de Oro. Aunque su debut fue en Lucas (1986), su primer rol importante fue interpretando a Lydia, una adolescente de estética gótica, en la película Beetlejuice (1988). Winona Ryder es considerada un ícono de los años 1990.

Después de varias apariciones en la televisión y en la radio, apareció en el filme Escuela de jóvenes asesinos, en un papel tan criticado como aclamado. En 2000 recibió una estrella en el Paseo de la fama de HollywoodCalifornia

 

Nació como Winona Laura Horowitz en Olmsted CountyMinnesota. Su primer nombre se debe a la ciudad que limita con esta, Winona;y su segundo nombre, Laura, se le dio gracias a la amistad que tenían sus padres con la esposa de Aldous Huxley, Laura Huxley.

Su madre, Cindy Palmes (tiene ascendencia rumana) es autora, productora y editora de vídeo. Su padre, Michael Horowitz, al igual que su madre, es autor y editor, pero también es publicista y librero anticuario. A pesar de que su madre es budista y su padre ateo, ella se considera judía, debido a su ascendencia; ya que, sus abuelos eran judíos inmigrantes de Rusia, y parte de sus familiares murieron en el Holocausto.[cita requerida] Winona tiene un hermano menor, Yuri, un hermanastro mayor, Jubal, y una hermanastra menor, Sunyata.

En 1978, cuando tenía solo siete años de edad, ella y su familia se mudaron a Rainbow, una comunidad cerca de California, donde vivían junto a otras siete familias, en un terreno de 1.2 km2. En ese remoto lugar no había televisión, ni mucho menos electricidad, por lo que, en su tiempo libre, empezó a leer y se hizo una gran fanática de la clásica novela estudiantil The Catcher in the Rye del escritor J. D. Salinger.Por otra parte, su madre le proyectaba películas en una pantalla ubicada en el granero, que generó en Winona el interés por la actuación.

En 1981, junto con su familia, se mudó esta vez a PetalumaCalifornia. En su primera semana en el “Kenilworth Middle School”, fue golpeada por un grupo de chicos que pensaron que era un chico afeminado debido a su cabello corto y su carita angelical. A causa de esto, debió tomar clases en su casa. En 1983, cuando tenía doce, empezó a tomar clases de teatro en el American Conservatory Theater, en San Francisco. Ha revelado también que sufre de fobia al agua (acuafobia), debido a que cuando tenía 12 años de edad, casi se ahoga.[cita requerida]

Trayectoria

1985-1990[editar]

En 1985, Ryder envió una cinta, en donde recitaba un monólogo de la novela Franny and Zooey, para aparecer en el film Desert Bloom. La rechazaron, y le dieron el papel a Annabeth Gish.En 1986, David Seltzer, un guionista y director, notó su talento y la contrató para Lucas. Un día, recibió una llamada telefónica, en la que le preguntaban cómo quería que apareciera su nombre, porque el suyo no era muy vendible, en términos comerciales; ella respondió “Ryder”, por Mitch Ryder, un músico al que justo en ese momento estaba escuchando su padre.Su siguiente película fue Square Dance, donde su personaje adolescente crea un puente entre dos mundos diferentes —un campo en el medio de la nada y una gran ciudad. Ryder tuvo buena crítica por ese papel, que hasta la revista Times llamó a su trabajo “un notable debut”. Estas dos películas nunca salieron a la venta, por lo que no obtuvo gran popularidad.

Un tiempo después, el famoso director Tim Burton, la llamó para actuar en Beetlejuice, luego de quedar impresionado por su actuación en Lucas.En el film, ella interpreta a una adolescente gótica que sufre de depresión, Lydia Deetz. En la película, su familia se muda a una casa llena de fantasmas (interpretados por Geena DavisAlec Baldwin y Michael Keaton). Allí su personaje descubre a la única persona que tenía, al igual que ella, empatía hacia los fantasmas y su situación. El filme fue un gran éxito y su actuación recibió críticas muy positivas.

Ryder luego fue llamada para interpretar a “Verónica Sawyer”, en la película independiente Heathers. El film es una sátira sobre la vida adolescente, que gira alrededor de Verónica, un personaje quien está firmemente en contra de la violencia como manera de resolver conflictos, y que es forzado a elegir entre el bienestar de la sociedad o quedarse con su novio asesino, que mata estudiantes populares. Una vez aceptado este papel, su representante le advirtió que no lo hiciera porque según él, “destruiría su carrera”. Pero se equivocaba, ya que según el diario Washington Post, Ryder era “La actriz de Hollywood más impresionantemente ingenua, Ryder… hizo que amáramos los asesinatos adolescentes, una chica brillante y divertida, con un toque de Bonnie Parker en su interior. Es la protagonista joven más bonita y mejor preparada, desde la inocente Gregory’s Girl”.A continuación, ese mismo año, protagonizó Great Balls of Fire!, interpretando a la novia de trece años de Jerry Lee Lewis. La película fue un fracaso, y recibió críticas divididas. En abril de 1989, obtuvo el papel en el video musical de Mojo NixonDebbie Gibson Is Pregnant with My Two-Headed Love Child.

A comienzos de la década de 1990, Ryder tuvo cuatro oportunidades de trabajo. La primera fue Edward Scissorhands en donde trabaja otra vez con Tim Burton, esta vez en el personaje de la novia de Edward, interpretado por Johnny Depp. Esta fue una película muy importante, que recaudó 56 millones de dólares en Estados Unidos y recibió muy buenas crítica.

Después, Francis Ford Coppola le ofreció un papel en El padrino III, pero tuvo que rechazarlo por agotamiento; entonces el papel fue dado a la hija de Coppola, Sofia Coppola. El tercer papel de Ryder ese año, fue en la comedia-drama Mermaids, junto con Cher y Christina Ricci. La película fue medianamente popular, pero su actuación fue otra vez aclamada y por eso consiguió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto. El crítico Roger Ebert del Chicago Sun-Times escribió: “Winona Ryder, en otro de sus alienados papeles, genera verdadero carisma”. Por su actuación, recibió una nominación a los Globos de Oro, por Mejor Actriz Secundaria.17 Winona, entonces, actuó junto a Cher y Christina Ricci, en el video The Shoop Shoop Song, uno de los temas que formó parte de la banda sonora de esta película. Después de Mermaids, se unió al reparto como protagonista en Welcome Home Roxy Carmichael como Dinky Bossetti.

1991-1995

En 1991, Ryder interpretó a una joven taxista que sueña con convertirse en mecánica, en la película de Jim JarmuschNight on Earth. Esta no fue un gran éxito, pero recibió muy buena crítica. Ryder, entonces, interpretó dos papeles en la película Drácula de Bram Stoker; uno como Mina Harker, el amor reencarnado de Drácula, y el otro, como el anterior amor de Drácula, la princesa Elisabeta. En 1993, se unió al reparto del melodrama La casa de los espíritus, situada en Chile de 1926, reflejando todos los problemas políticos de la época. Interpretó a la novia del personaje de Antonio Banderas. Esta película fue filmada en Dinamarca y en Portugal. El filme fue calificado pobremente y no tuvo éxito: La recaudación fue de solo 6 millones de dólares, mientras que el presupuesto gastado fue de 40 millones.Ryder también actuó en La edad de la inocencia con Michelle Pfeiffer y Daniel Day-Lewis, una película basada en una novela de Edith Wharton, y adaptada por el director Martin Scorsese, a quien Winona considera “el mejor director del mundo”.En esta película, interpreta a una joven atrapada en complots dentro de complots, en una sociedad donde cada una de las frases pronunciadas tiene por lo menos tres significados. Esto refleja los conflictos interpersonales y sociales dentro y alrededor de ella, vía escenas y declaraciones. Su papel en esta película, le hizo ganar un Globo de Oro a mejor actriz secundaria, y una nominación al Oscar por la misma categoría.

Su siguiente papel fue en un drama sobre la generación XReality Bites. Ahí, interpreta a una chica en busca de una dirección en su vida. Su actuación recibió muchos elogios, y se esperaba que la película fuera un gran éxito. Lamentablemente fue un fracaso.Sobre la película, Bruce Feldman de Universal dijo: “«Esto es una película sobre la Generación X, pero nosotros pensábamos que era una comedia»”. El estudio colocó anuncios en programas de televisión que tuvieran rangos de entre 12 y 34 años de edad y su presentador no usó en ningún momento la palabra “Generación X”. Un año después, en 1994, fue elegida para interpretar el papel principal de Josephine March en Mujercitas. La película fue un éxito, y recibió muy buenas críticas; Janet Maslin del New York Times escribió que el filme fue la mejor adaptación de esta novela, y también remarcó: “La señorita Ryder, que en este año también actuó en una fina comedia Reality Bites, actúa de “Jo” con chispa y confianza. Su presencia con espíritu le da a la película una pieza clave, atractivo, interpretando a la autoproclamada ‘cabeza de familia’ con acertada fidelidad”. Por este papel, recibió una nominación al Óscar como Mejor Actriz.Ese mismo año, participó en un episodio de los famosos dibujos animados, Los Simpson, como Allison Taylor, la rival de Lisa en inteligencia.

Luego, obtuvo un papel en How to Make an American Quilt, una adaptación de la novela del mismo nombre de Whitney Otto. Su co-estrella fue Anne Bancroft. Ryder, interpreta a una recién graduada que pasa su verano en la casa de sus abuelos, reflexionando sobre la reciente propuesta de matrimonio, por parte de su novio. La película no fue un éxito comercial y tampoco fue popular en las críticas.

1996-2000[editar]

Para 1996, actuó en Boys, una película en donde su personaje parece odiar a todo el mundo, con el único amor de su mejor amigo. La película no fue un éxito, y tuvo mayormente malas críticas.[cita requerida] Su siguiente actuación fue en Looking for Richard, que fue un fracaso, recaudando solamente 1 millón de dólares, y tuvo críticas buenas y malas. Ese año, también protagonizó la película The Crucible, junto a Daniel Day-Lewis y Joan Allen. Se esperaba que el filme fuera un éxito, pero fue un fracaso de taquilla.28 A pesar de esto, tuvo buenas críticas y la actuación de ella fue alabada otra vez.

En diciembre de 1996, Ryder aceptó el rol de robot humanoide en Alien: Resurrección, junto a Sigourney Weaver, que estuvo en toda la trilogía de esta película. El hermano de Winona, Suri, era un gran fan de esta serie de películas, y cuando se le ofreció el papel en la película ella aceptó. El filme se convirtió en un gran éxito, uno de los más grandes de la serie de películas de Alien, recaudando 161 millones de dólares. Ambos roles protagonistas tuvieron muy buenas críticas, y Ryder ganó un Blockbuster Entertainment Award como mejor actriz. Posteriormente, participó en Celebrity una película del famoso Woody Allen. Luego de que Drew Barrymore no aceptara, Ryder tomó su papel.El filme es una sátira de la vida de varios famosos.

En 1999, actuó en la película Girl, Interrupted, basada en la autobiografía de Susanna Kaysen. Fue actriz protagonista junto a Angelina Jolie y Brittany Murphy. Ryder interpretó a una chica con trastorno de personalidad, admitida en un hospital mental. La película fue un gran éxito, y recibió muy buenas críticas. Angelina Jolie ganó un Óscar a mejor actriz secundaria.

También en ese año, estuvo en la película de la famosa serie South Park, South Park: Bigger Longer & Uncut. El año siguiente, actuó en la comedia romántica Autumn in New York, junto al famoso actor Richard Gere. El filme se basaba en la relación entre un hombre mayor (Gere) y una mujer joven (Ryder). Esta película tuvo variadas críticas y fue un gran éxito, ya que recaudó 90 millones de dólares alrededor del mundo.

Un tiempo después, Ryder interpretó a una monja perteneciente a una sociedad secreta conectada indirectamente con la iglesia católica romana, en la película Poseídos. Fue un fracaso comercial, ya que Ryder se negó a hacer promoción de la película. Para el año 2000, apareció en la película Zoolander, de gran éxito y el 6 de octubre de ese año recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, resultando la 2.165 artista en recibir ese honor.

2001-2005

En el 2001, la actriz fue sorprendida robando en una tienda, hecho que afectó en cierto modo su popularidad. Para el 2002, Ryder apareció en dos filmes. El primero, una comedia romántica llamada Mr. Deeds, con el actor cómico Adam Sandler. Esta fue la película que más recaudó en toda su carrera, recaudando 126 millones de dólares sólo en los Estados Unidos, donde interpretó a una periodista de un programa de televisión, que termina enamorada del personaje de Sandler. La segunda película, fue el drama-ciencia ficción S1m0ne. En donde interpreta a una actriz muy famosa, que es reemplazada por una mujer en 3D. En esta película actúa junto a Al Pacino.

Según el libro Conversations with Woody Allen, el director indica que en el 2003 quería contar con la participación de Robert Downey Jr. y Ryder en la película Melinda y Melinda, sin embargo, el proyecto no se efectuó debido a que no pudo asegurar a ambos actores y establecer un contrato. Al respecto de esto, Allen comentó “nos rompió el corazón, ya había trabajado con Winona antes (en Celebrity) y pensamos que ella era perfecta y quería trabajar con ella otra vez”.

2006

 

Ryder en 2009.

En 2006 aceptó interpretar a Donna Hawthorne en la película A Scanner Darkly. Este filme está basado en la aclamada novela de Philip K. Dick. Esta vez fue la protagonista junto a Keanu ReevesRobert Downey Jr. y Woody Harrelson. Lo interesante es que la película fue transformada por un rotoscopio, lo que le da al filme un efecto de animación muy pocas veces visto. Ese mismo año apareció en la comedia The Darwin Awardsjunto a Joseph Fiennes. La película fue premiada en el Sundance Film Festival, el 25 de enero del 2006.

Ryder también confirmó en una entrevista para la revista Entertainment Weekly que iba a actuar en la comedia Sex and Death 101.La historia relata las odiseas sexuales del empresario Roderick Blank, interpretado por Simon Baker, quien recibe un misterioso correo electrónico en víspera de su boda, escuchando todo su pasado sexual. La película fue un éxito. Winona, también apareció en la comedia de David Wain, The Ten, junto a Jessica AlbaPaul RuddJustin TherouxFamke JanssenOliver Platt y Adam Brody. El filme, está centrado en diez historias, cada una inspirada en los diez mandamientos. Debutó en el Sundance Film Festival, el 10 de enero del 2007. Pero para el público debutó el 3 de agosto del 2007.

En el 2008 protagonizó, junto a Wes Bentley y Ray Romano, un drama romántico, The Last Word, en el que Wes interpreta a un escritor con un trabajo un tanto particular: escribir notas suicidas. Ella interpreta a la hermana de uno de ellos, que al conocer al escritor en el funeral decide iniciar una relación. También, apareció en la película The Informers. Posteriormente, junto a Robin Wright y Julianne Moore, actuó en The Private Lives of Pippa Lee. También participó en la película de Paramount PicturesStar Trek, como Amanda Grayson, la madre de Spock, originalmente interpretada por Jane Wyatt.40 En el 2010 hizo un papel secundario en la aclamada Black Swan como Beth; película que dio un Premio Óscar a Natalie Portman como mejor actriz el 27 de febrero de 2011.

Cara al 2012, Ryder tuvo tres lanzamientos. Por un lado The Letter, película que co protagonizó junto a James Franco,42 por otro lado Frankenweenie, tercera colaboración con Tim Burton, y por otro The Iceman,43 cinta basada en la historia real de Richard Kuklinski, un asesino en serie. Ryder da vida a su esposa. En 2013 apareció en un segmento llamado “Boston” de la serie de televisión de la Comedy Central Drunk History, donde dio vida a la religiosa Mary Dyer.44 Durante ese año, también se la pudo ver en la miniserie Show Me a Hero, donde encarnó a la presidenta del Consejo Municipal de Yonkers, y en el telefilme británico Turks & Caicos.

En 2015 protagonizó, junto a Peter Sarsgaard, la película biográfica dramática Experimenter, donde encarnó a la esposa del psicólogo Stanley Milgram. La cinta se estrenó en octubre de dicho año y obtuvo críticas positivas.45 46 También apareció en una campaña publicitaria del diseñador Marc Jacobs.En 2016 participó en la serie de NetflixStranger Things, creada por los Hermanos Duffer.

Vida personal

Relaciones

Ryder ha tenido relaciones sentimentales con personalidades del espectáculo. La más famosa de todas ellas, fue con el actor Johnny Depp, con el cual estuvo tres años, desde julio de 1990. Durante su relación, Depp se tatuó la frase “Winona Forever” (Winona por siempre), en su brazo. Pero, después de su separación, lo alteró a “Wino Forever” (Borracho para siempre). También estuvo relacionada amorosamente con Dave Pirner y con el actor Matt Damon. Por esos años, también estuvo saliendo con el vocalista del grupo Revolter Routine, Julien Rivas. Winona luego declaró, que sin duda Johnny fue el amor más trascendente de su vida, y que en algún momento pensó en casarse. Sin olvidarse de la relación que mantuvo con Jay Kay, líder de Jamiroquai.

Matthew David McConaughey (Uvalde, 4 de noviembre de 1969)


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Matthew David McConaughey (Uvalde4 de noviembre de 1969)  actor y productor de cine y televisión estadounidense. Es ganador de un premio Óscar, un Globo de Oro y un SAG. Conocido por su participación en películas como Dazed and Confused (1993), A Time to Kill (1996), Contact (1997), Frailty (2001), We Are Marshall (2006), Killer Joe (2011), The Lincoln Lawyer (2011), Bernie (2012), Mud (2012), The Wolf of Wall Street(2013), Dallas Buyers Club (2013), Interstellar (2014) y The Free State of Jones (2016). De los roles televisivos que ha desempeñado, es especialmente reconocido por su interpretación de Rustin Rust Cohle, un detective de la Policía Estatal de Louisiana en la aclamada serie True Detective, de HBO.

 

Biografía

Matthew McConaughey nació el 4 de noviembre de 1969 en UvaldeTexas. Su madre Kay es profesora y su padre Jim, ya fallecido, era jugador profesional de fútbol americano. Tras acabar el instituto, Matthew se marchó a vivir a Australia durante el período de un año, trabajando como lavaplatos. Finalmente regresó a los Estados Unidos y se matriculó en derecho en la Universidad de AustinTexas. Antes de uno de sus exámenes descubrió un libro titulado The Greatest Salesman in the World y decidió cambiar su vocación de abogado a actor.

Carrera

Primeros años

Entre sus primeros papeles se encuentran Dazed and Confused (1993) en la cual aparecía junto a Ben AffleckRory Cochrane y otros actores más. Actualmente es considerada una película de culto. También The Return of the Texas Chainsaw Massacre (1994) en la que aparecía junto a Renée Zellweger; y la comedia dramática Boys on the Side(1995), protagonizada por Whoopi Goldberg y Drew Barrymore. También apareció en el drama Lone Star (1996), junto a Kris Kristofferson y Chris Cooper, dando vida a Buddy Deeds. El filme recaudó 12 millones USD en la taquilla americana. Y fue definido como una de las obras maestras de su director, John Sayles.

1996-2000

Su primera gran producción tuvo lugar con el thriller judicial basado en la novela homónima de John GrishamA Time to Kill (1996), donde compartía cartel con Sandra BullockSamuel L. Jackson y Kevin Spacey. Interpretaba a Jake Brigance, un joven abogado que defendía a un hombre negro, mientras era amenazado por el Ku Klux Klan. Peter Travers escribió que “McConaughey es dinamita, en una interpretación inteligente y sexy”. Fue un éxito en taquilla recaudando 152 millones USD en la taquilla internacional. Fue nominado a los Premios MTV.

Su siguiente aparición fue en la comedia de Bill Murray Larger than Life (1996). En 1997 tuvo dos roles, el primero de ellos fue junto a Jodie Foster en el film de Robert ZemeckisContact. La revista Rolling Stone la describió como “una emocionante aventura”. Acumuló 171 millones de USD en todo el mundo. El segundo de ellos fue en el drama histórico Amistad, dirigido por Steven Spielberg, y al lado de Morgan Freeman y Anthony Hopkins. Recaudó 44 millones de USD en Estados Unidos, siendo una de las producciones menos exitosas del director en territorio americano. En 1998 se puso a las órdenes de Richard Linklater en The Newton Boys en la que actuaba junto a Ethan Hawke. Apenas sumó 10 millones de USD en territorio estadounidense. Ese mismo año también apareció en el cortometraje Making Sandwiches, que supuso el debut como directora de Sandra Bullock.

Su siguiente proyecto en llegar a las pantallas fue la comedia EdTV, dirigida por Ron Howard, en la que daba vida a Ed Pekurny, un hombre que vivía 24 horas siendo grabado para un programa de televisión. A su lado aparecían Woody Harrelson y Ellen DeGeneres. Financiar el proyecto costó 80 millones de USD, pero únicamente recaudó 35 millones de la misma moneda durante su exhibición comercial en los cines de todo el mundo. El drama de acción, U-571, ambientado en un submarino fue su primera película de la década de 2000. Lo protagonizó junto a Bill Paxton y Harvey Keitel. Acumuló 127 millones de USD en las taquillas globales. La CNN la describió como “enormemente entretenida”.

2001-2010

En 2001 protagonizó la comedia romántica The Wedding Planner, en la que interpretaba al interés romántico de Jennifer López. Sumó 94 millones de USD en su exhibición mundial. Chicago Sun Times escribió que “hay momentos en los que la inventiva de la película es agonizante”.

En 2002 llegaron a los cines tres producciones protagonizadas por McConaughey, la primera de ellas fue Frailty, dirigida por Bill Paxton. Fue bien recibido por la crítica pero apenas sumó 17 millones de USD en todo el globo. La segunda fue el drama 13 Conversations About One Thing. El film no funcionó en taquilla al recaudar solo 3 millones de USD mundialmente. El último personaje de dicho año fue el de Denton Van Zan en Reign of Fire junto a Christian Bale. Recaudó 82 millones de USD en todo el mundo. Richard Roeper escribió que “no voy a tratar de argumentar que ‘Reign of Fire’ es una buena película, pero es terriblemente entretenida”.

Volvió al género de la comedia romántica, acompañado de Kate Hudson, en How to Lose a Guy in 10 Days (2003). La película fue número uno en la taquilla en EE. UU. y acumuló 177 millones de USD tras su exhibición mundial, USA Today dijo que “pocas risas y demasiados momentos predecibles”.

En 2005 dio vida a Dirk Pitt en la adaptación cinematográfica de Sahara. Junto a él estaban Penélope Cruz y Steve Zahn. Seattle Times dijo que era “una entretenida pero defectuosa cinta palomitera”. El costo del film fue de 130 millones de USD y en las taquillas acumuló 119 millones de la moneda antes citada. Posteriormente fue considerado un fracaso debido a la poca recaudación del film.

También llegó a los cines en 2005 el drama deportivo Two for the Money que protagonizó junto a Al Pacino y Rene Russo. No fue bien recibida por la prensa especializada y obtuvo 30 millones de USD en las taquillas globales. Su siguiente incursión en el cine fue We Are Marshall (2006). Wesley Morris la definió como “un raro drama deportivo, que te hace entender qué significa el fútbol para un pueblo”. Obtuvo 43 millones de USD en Estados Unidos.

Después llegaron varias comedias románticas, siendo la primera de ellas Failure to Launch (2006), junto a Sarah Jessica ParkerRoger Ebert definió los personajes como “estúpidos”. Sumó 128 millones de USD durante su exhibición mundial. Volvió a formar pareja con Kate Hudson en Fool’s Gold (2008), en este caso el filme acumuló 111 millones de USD en todo el mundo. Elizabeth Weitzman escribió que “nada es memorable en esta película, a menos que seas el orgulloso entrenador personal de McConaughey”. Ambas producciones fueron número uno en EE. UU. durante su primer fin de semana.

La última de ellas llegó en 2009 con Ghosts of Girlfriends Past, al lado de Jennifer Garner y Michael Douglas. Claudia Puig dijo que “la formularia historia se evapora tan rápido como el algodón de azúcar, y a menudo es empalagosa y de mal gusto”. Acumuló 102 millones de USD en todo el mundo.

2011-actualidad

El actor decidió dar un giro a su carrera y alejarse de las comedias románticas que le habían encumbrado. The Lincoln Lawyer (2011) fue la primera de ellas, interpretaba a un abogado cuyo despacho era un coche Lincoln. Acumuló 75 millones de USD en todo el mundo. Peter Howel dijo que “toda la historia se centra en McConaughey, pero él se la gana toda la atención”.

En 2012 llegaron a los cines cuatro producciones en las que el McConaughey formaba parte del reparto. Bernie fue la primera de ellas, en la cual tenía un personaje secundario. Sumó 9 millones de USD en EE. UU. y fue aclamada por la crítica. Después trabajó a las órdenes de Steven Soderbergh en la comedia Magic Mike, su interpretación fue alabada y se rumoreó una candidatura al Óscar al mejor actor de reparto, pero dicha nominación no tuvo lugar. El film fue número uno en taquilla con 39 millones de USD en su primer fin de semana, convirtiéndose en su mayor éxito en dicho período de tiempo. Finalmente acumuló 167 millones de USD en todo el mundo.

El thriller Killer Joe fue la tercera producción encabezada por el actor en llegar a los cines. Acumuló 3 millones de USD en todo el mundo. Roger Ebert dijo que la cinta le había “dejado sin palabras”. La última producción fue la adaptación al cine de la novela The Paperboy, dirigida por Lee Daniels, en ella interpretaba a un hombre homosexual. Formó parte de un reparto en el que aparecían Nicole KidmanZac Efron y John Cusack. Acumuló 1 millón de USD en todo el mundo. La actuación de McConaughey en Dallas Buyers Club, película estrenada en los Estados Unidos en 2013, le valió el Oscar a mejor actor. Allí encarna a Ron Woodroof, un electricista y hombre vinculado al rodeo al que le diagnostican sida y le comunican que le quedan 30 días de vida. McConaughey perdió 21 kilógramos para el rol, pasando de pesar 83 kg a pesar 62 kg. Más tarde estuvo en el reparto en The Wolf of Wall Street, en el cuál hizo el papel de Mark Hanna.

En 2014 se estrenó la premiada serie True Detective (de HBO) protagonizada por McConaughey, que encarna a Rustin Cole, un detective de policía de Luisiana, en la cuál consiguió una nominación para el Premio Emmy y para el Globo de Oro. En el mismo año protagonizó Interstellar de Christopher Nolan, en ella interpretaba a Joseph Cooper, un piloto, que al ver que la Tierra está llegando a su fin, emprende la difícil misión de salvar el planeta para garantizar el futuro de la raza humana. Su interpretación fue ensalzada aunque no fue nominado para el Oscar a mejor actor. La película fue un éxito con una recaudación de 675 millones de USD en todo el mundo.

Vida privada

McConaughey es un ávido fanático de los Texas LonghornsWashington Redskins y Houston Rockets2

El lema personal de McConaughey es “Just Keep Livin”. Su fundación se llama j.k. livin foundation (todo en minúscula), que “es dedicada a ayudar a adolescentes a llevar una vida activa y a hacer elecciones saludables para convertirse en mejores hombres y mujeres”.

Arrest

Matthew McConaughey y Camila Alves en 2010.

El 26 de octubre de 1999, McConaughey fue arrestado en Austin, Texas, después de resistirse a la autoridad para que realizara dicho procedimiento, y por causa de haber generado disturbios a altas horas de la madrugada, con más el agravamiento por posesión de cannabis.El actor había estado tocando música de manera exageradamente estridente con un bongó mientras estaba desnudo en su propia casa. McConaughey negó los cargos por drogas (que fueron posteriormente retirados), pero fue acusado por perturbar la paz. Se declaró culpable y pagó una multa de $50.000.

Rescate de animales

McConaughey rescató a varias mascotas varadas después de la inundación de Nueva Orleans por el Huracán Katrina. En 2006, en Sherman Oaks, California, rescató a un gato, de propiedad de dos jóvenes, al que habían rociado con laca para luego intentar prenderle fuego.

Familia

McConaughey conoció a su pareja, la modelo brasileña y artista televisiva Camila Alves, en 2006, con quien actualmente convive en Malibú, California. Tienen tres hijos, Levi Alves McConaughey (nacido el 6 de julio de 2008), y Vida Alves McConaughey (nacida el 3 de enero de 2010).​

La pareja contrae matrimonio en junio de 2012. Un mes después, el nuevo matrimonio anuncia que está esperando su tercer hijo. El 28 de diciembre de 2012 a las 7:43 de la mañana dieron la bienvenida a su tercer hijo, Livingston Alves McConaughey.

La 9ª edición de MIRA ¤ SON Estrella Galicia, Digital Arts Festival, se celebrará del 5 al 9 de noviembre de 2019,


MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia anuncia dos  shows audiovisuales inéditos que se podrán ver en el Teatre Lliure durante la semana del festival
  • El festival, que celebra su 9ª edición del 5 al 9 de noviembre en Barcelona, amplía su programación a lo largo de casi una semana y se expande a otros espacios culturales de referencia de la ciudad con el objetivo de generar nuevas sinergias y programar shows exclusivos en diferentes formatos escénicos.
  • El miércoles 6 de noviembre, el Teatre Lliure de Gràcia acogerá la performance audiovisual del artista, coreógrafo y compositor Colin Self, quien presentará su último trabajo “Siblings”, acompañado de un trío de cuerdas y de 8 intérpretes; y “Sacred Horror in design” del compositor y artista iraní Sote, un show audiovisual en colaboración con Tarik Barri, Arash Boloure y Behrouz Pashaei que mezcla instrumentación persa acústica con electrónica contemporánea y visuales generados en directo.
  • MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia pone hoy a la venta los abonos de dos días y las entradas de día, así como las entradas para el doble concierto en del Teatre Lliure. Toda la información en www.mirafestival.com
La 9ª edición de MIRA ¤ SON Estrella Galicia, Digital Arts Festival, que se celebrará del 5 al 9 de noviembre de 2019, anuncia los dos primeros conciertos que tendrán lugar el miércoles 6 de noviembre en el Teatre Lliure de Gràcia como actividades paralelasde esta edición.

El festival, que este año alarga su programación durante casi una semana, se expande a otros espacios culturales de referencia de la ciudad con la voluntad de crear nuevas sinergias y programar shows exclusivos en diferentes formatos escénicos: el Teatre Lliure, L’Auditori e IDEAL, el primer centro de artes digitales de España que se inaugurará el próximo mes de octubre y del que MIRA forma parte del equipo de dirección artística.

El Teatre Lliure acogerá dos shows audiovisuales exclusivos. Colin Self, artista, vocalista, coreógrafo, compositor y presentará su último trabajo “Siblings”  (RVNG Intl., 2018), un álbum que marca la culminación de “Elation”, una ópera trans-feminista de seis partes sobre la transfiguración y la incertidumbre global inspirado en el trabajo de la pionera teórica feminista Donna Haraway. El resultado será un espectacular show audiovisual a modo de performance en el que el artista estará acompañado por un trío de cuerdas y un grupo de 8 intérpretes, y en el que explorará temas como la alienación, la empatía y el papel de la familia no biológica.

El segundo show audiovisual es “Sacred Horror in design”, del compositor y artista de música electrónica iraní Sote, un concierto que mezcla instrumentación acústica persa con electrónica contemporánea y visuales generados en directo de la mano del artistaTarik Barri -colaborador de Thom Yorke, Monolake o Nicolas Jaar- y dos de los músicos más activos de Teherán: Arash Boloure (santur) y Behrouz Pashaei (sitar). El proyecto preserva la belleza de la tradición al mismo tiempo que transforma los patrones existentes en formas únicas, fusionando de forma idealizada el patrimonio musical y visual de Irán con las técnicas de audio y vídeo más avanzadas.

Todas las entradas a la venta


La entrada para esta actividad paralela no está incluída en el abono del festival. Los poseedores del abono pueden obtener un código de descuento (hasta agotar existencias) mandando un email ainfo@mirafestival.com. El precio de las entradas es de 18,50 € sin abono y 12 € con abono y código de descuento.

Además, MIRA ¤ SON Estrella Galicia también pone hoy a la venta los abonos de dos días (viernes 8 y sábado 9 de noviembre) y las entradas de día (jueves 7, viernes 8 o sábado 10 de noviembre). Todas las entradas en www.mirafestival.com

En las próximas semanas se anunciarán más artistas de MIRA ¤ SON Estrella Galicia 2019 así como el programa de actividades paralelas.

Jane Austen (Steventon, 16 de diciembre de 1775 – Winchester, 18 de julio de 1817)


 

Jane Austen

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Jane Austen (Steventon16 de diciembre de 1775 – Winchester18 de julio de 1817) fue una destacada novelista británicaque vivió durante el período de la Regencia. La ironía que emplea para dotar de comicidad a sus novelas hace que Jane Austen sea considerada entre los «clásicos» de la novela inglesa, a la vez que su recepción va, incluso en la actualidad, más allá del interés académico, siendo sus obras leídas por un público más amplio.

Nació en la rectoría de Steventon (Hampshire). Su familia pertenecía a la burguesía agraria, contexto del que no salió y en el que sitúa todas sus obras, siempre en torno al matrimonio de su protagonista. La candidez de las obras de Austen, sin embargo, es meramente aparente, si bien puede interpretarse de varias maneras. Los círculos académicos siempre han considerado a Austen como una escritora conservadora, mientras que la crítica feminista más actual apunta que en su obra puede apreciarse una novelización del pensamiento de Mary Wollstonecraft sobre la educación de la mujer.

Ha sido llevada al cine en diferentes ocasiones, algunas veces reproducidas de forma fiel, como el clásico Más fuerte que el orgullo de 1940 dirigido por Robert Z. Leonard y protagonizada por Greer Garson y Laurence Olivier y en otras haciendo adaptaciones a la época actual, como es el caso de Clueless, adaptación libre de Emma, o bien Sentido y sensibilidad, de 1995; Mansfield Park, de 2000, y las versiones de Orgullo y prejuicio en 2004 (dirigida por Gurinder Chadha) y en 2005 (dirigida por Joe Wright). Sin embargo la versión más fiel y perfecta que hasta ahora se ha hecho del libro de Orgullo y prejuicio es la serie que presentó la BBC protagonizada por Colin Firth y Jenniffer Ehle. El interés que la obra de Jane Austen sigue despertando hoy en día muestra la vigencia de su pensamiento y la influencia que ha tenido en la literatura posterior. Su vida también ha sido llevada al cine con la película Becoming Jan

William Bradley Pitt (Shawnee, Oklahoma; 18 de diciembre de 1963)


Brad Pitt

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William Bradley Pitt (ShawneeOklahoma18 de diciembre de 1963), conocido como Brad Pitt, es un actor y productor de cine estadounidense. Además de por su trabajo interpretativo, por el que ha sido nominado en tres ocasiones a los Premios Óscar y en cuatro a los Premios Globo de Oro, su significativa presencia mediática se debe también a su consideración como uno de los hombres más atractivos del mundo.3

Pitt comenzó su carrera interpretativa al aparecer como invitado en programas de televisión, entre los cuales se incluye un papel en el serial televisivo de CBSDallas (1987). Posteriormente, obtuvo reconocimiento de la prensa con la interpretación del cowboy autoestopista que seduce al personaje de Geena Davis en la película Thelma & Louise(1991). Los primeros papeles protagónicos de Pitt en producciones de alto presupuesto fueron A River Runs Through It (1992) y Entrevista con el vampiro (1994). También participó junto con Anthony Hopkins en el drama Leyendas de pasión (1994), papel que le hizo obtener su primera nominación a los Premios Globo de Oro. En 1995 recibió aclamación de la crítica por sus interpretaciones en el filme de suspense Se7en y en el de ciencia ficción Doce monos, siendo esta última la que lo hizo ganar un Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de reparto» y una nominación al Premio Óscar. Cuatro años más tarde, protagonizó el éxito de culto Fight Club (1999), y poco después actuó en el exitoso filme Ocean’s Eleven (2001) en el papel de Rusty Ryan y lo mismo en sus secuelas, Ocean’s Twelve (2004) y Ocean’s Thirteen (2007). Sus máximos éxitos a nivel comercial han sido Troya (2004) y Sr. y Sra. Smith (2005). Pitt recibió su segunda nominación al premio de la Academia por su papel protagónico en la película El curioso caso de Benjamin Button (2008) y su tercera nominación cuatro años más tarde, en la misma categoría, por Moneyball (2011).

Tras una relación con la actriz Gwyneth Paltrow, Pitt estuvo casado con Jennifer Aniston durante cinco años. Sin embargo, después comenzó a convivir con Angelina Jolie, siendo esta una relación que obtuvo una amplia popularidad.5​ Tienen seis hijos, tres adoptados: Maddox, Zahara, Pax y tres biológicos: Shiloh, Knox y Vivienne. Desde que comenzó su relación con Jolie y mientras esta duró, se involucró en muchos emprendimientos sociales en los Estados Unidos y a nivel internacional. Pitt posee una compañía de producción llamada Plan B Entertainment, entre cuyos trabajos se cuentan la ganadora del Óscar a la «mejor película»The Departed (2007).

Sienna Rose Miller (Nueva York, Estados Unidos, 28 de diciembre de 1981)


 

Sienna Rose Miller (Nueva YorkEstados Unidos28 de diciembre de 1981) actriz, modelo y diseñadora de moda estadounidense-británica.

 

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Es más conocida por sus actuaciones en películas como Factory Girl (2006), interpretando a Edie SedgwickStardust (2007) dirigida por Matthew VaughnInterview (2007) dirigida por Steve Buscemi y la película para televisión The Girl (2012), donde interpretó a Tippi Hedren, por la cual recibió su primera nominación a los Globos de Oro en la categoría Mejor Actuación de una Actriz en una Mini-Serie o Película hecha para la televisión.

En 2006, diseñó una cápsula de moda para Pepe Jeans.

 

 

Miller nació en Nueva YorkEstados Unidos, pero a los 18 meses de edad se trasladó a ChelseaLondres, con su familia. Es hija de Edwin Miller, nacido en Pennsylvania, Estados Unidos, un banquero de inversión, y luego, un comerciante de arte chino, que luego se unió a un culto espiritual y escribió un libro de autoayuda, y de la modelo Josephine “Jo” Miller, nacida en Sudáfrica pero de sangre inglesa, que dirigió la Academia de Arte de Lee Strasberg en Nueva York, fue secretaria de David Bowie y luego se convirtió en una instructora de yoga. Sienna tiene una hermana mayor, Savanna, que es diseñadora de moda. Sus padres se separaron cuando ella tenía seis años de edad. Sienna y Savannah se trasladaron a Parsons Green con su madre, que estaba bajo tratamiento para el cáncer de mama. Su padre volvió a casarse tres veces. Uno de sus matrimonios fue con Kelly Hoppen, una diseñadora de interiores inglesa, con la que permanecería durante 15 años antes de divorciarse, luego trasladándose a las Islas Vírgenes. Debido a estos matrimonios, Sienna tiene dos medio-hermanos, Charles y Stephen; y una ex hermanastra, Natasha Corrett (hija de Hoppen).

A los ocho años, Miller asistió a la Heathfield St Mary’s School, un internado en Ascot, BerkshireInglaterra. Cuando cumplió 18 años, volvió a Nueva York y se inscribió en la Academia de Arte de Lee Strasberg.5

Miller trabajó como modelo fotográfica con Tandy Anderson, de Select Model Management de Londres, y fue modelo para marcas como Coca-ColaVogue ItaliaPrada y posó en topless en el Calendario Pirelli 2003. En el mismo año fue portada de la revista British Vogue. Sienna también ha estado estrechamente asociada con el estilo de la moda que se conoció como boho chic. Miller firmó un contrato de dos años con Pepe Jeans London.La campaña publicitaria de los pantalones vaqueros apareció por primera vez en las revistas de marzo de 2006. En el mismo año posó para la revista Vanity Fair en topless y fumando un cigarrillo y volvió a ser tapa de la revista British Vogue. En 2007 fue tapa de la revista U.S. Vogue.

En 2009, fue embajadora del perfume de mujer BOSS Orange.9

En 2013 Sienna y su pareja Tom Sturridge fueronn la cara de la nueva campaña temporada Otoño / Invierno 2013/14 llamada “Trench Kisses” de la firma inglesa Burberry. La campaña fue fotografiada por Mario Testino y estuvo bajo la dirección creativa de Cristopher Bailey.

En el año 2001 hizo su debut en South Kensington, junto a Rupert Everett y Elle Macpherson, y más tarde tuvo un papel recurrente en la serie dramática de televisión Keen Eddie protagonizada por Mark Valley. En 2004, Miller tuvo un papel de apoyo en el remake de Alfie, con Jude Law y en Layer Cake junto a Daniel Craig.

En 2005 tuvo un papel protagonista junto a Heath Ledger en la película de época Casanova. Un año después protagonizó Factory Girl, una película basada en la vida de Edie Sedgwick, una muchacha de la alta sociedad en de la década de 1960 y la musa de Andy Warhol.

En 2007 protagonizó Interview dirigida por Steve Buscemi.19 20 21 Su actuación le valió una nominación como mejor actriz en los Independent Spirit Awards de ese año. También formó parte del reparto de la película de fantasía épica Stardust junto a Michelle Pfeiffer y Robert De Niro.

En 2008, Miller apareció en la versión cinematográfica de la novela el escritor Michael ChabonThe Mysteries of Pittsburgh, y filmó En el límite del amor, junto a Keira Knightley, quien interpreta a su amiga Vera Phillips, y a Matthew Rhys que interpreta a Dylan Thomas, su esposo en la ficción.

En 2009 trabajó en la adaptación de G.I. JoeG.I Joe: El origen de Cobra, interpretando a Ana Lewis / Baroness. La película recaudó 54 millones de dólares en EE. UU. en su primer fin de semana de estreno. El mismo año, Miller protagonizó la parodia de la película de Mamma Mia!Comic Relief, junto a las comediantes inglesas Dawn French y Jennifer Saunders.

En 2010 apareció en la película Hippie Hippie Shake, una producción de Working Title, protagonizada por Cillian Murphy, y desempeñó el papel protagonista de Patrick Marber After Miss Julie en Broadway.

En 2011, interpretó el papel de Patricia en la producción londinense de la trayectoria de bengala en el Theatre Royal Haymarket.

En 2012, Sienna interpretó 5 películas. Entre ellas está la película hecha para televisión The Girl, co-protagonizada por Toby Jones, por la cual obtuvo su primera nominación a los Globos de Oro en la categoría Mejor Actuación de una Actriz en una Mini-Serie o Película hecha para la televisión. La película trata sobre la turbulenta relación entre el cineasta Alfred Hitchcock y la actriz Tippi Hedren.

 

Savannah y Sienna Miller en 2009.

En 2013 Miller co-protagonizó A Case of You junto a Justin Long y Evan Rachel Wood. La película se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca de ese mismo año.

En 2014 formó parte del Foxcatcher, un film dramático dirigido por Bennett Miller y protagonizado por Steve CarellChanning Tatum y Mark Ruffalo que se encuentra basado en la autobiografía del medallista de oro olímpico de lucha libre Mark Schultz. La película se estrenó el 19 de mayo en el Festival de Cannes donde se encontraba seleccionada para competir por la Palma de Oro en la sección principal de la competencia.

Diseñadora de moda

En 2006, se anunció que Miller tendría que diseñar una cápsula de moda para Pepe Jeans, el proyecto se amplió más tarde al convertirse en una marca de moda completa. Se llama Twenty8Twelve, que debe su nombre a la fecha de nacimiento de Sienna y el respaldo financiero de Pepe Jeans. La colección, que Miller diseñó con su hermana Savannah, diseñadora de moda profesional, se puso en marcha en septiembre de 2007.

Filantropía

Miller es la embajadora mundial de International Medical Corps con los que viajó a la República Democrática del Congo en abril de 2009, y se mantiene un blog sobre sus experiencias. Sienna también visitó Haití con el grupo después del terremoto de Haití en 2010. Miller también trabajó junto a Global Cool durante su campaña Eco friendly en 2007.

Sienna es una embajadora de la sucursal del Reino Unido de Starlight Children’s Foundation, que trabaja con niños gravemente enfermos y sus familias, con viajes y estadías a hospitales de todo el mundo.

Además, Miller, apoya a Breast Cancer Haven, un centro de ayuda contra el cáncer de mama que ofrece un programa de ayuda gratuito, información y terapias complementarias para cualquier afectado por la enfermedad.

Vida privada

 

Sienna Miller en la entrega de los Premios BAFTA 2007

En 2004, durante la filmación de Alfie, Sienna conoció al actor británico Jude Law. La relación entre ambos fue frecuentemente objeto de entretenimiento para la prensa rosa. En la navidad de 2004 la pareja se comprometió. Sin embargo, el 18 de julio de 2005, Law se disculpó públicamente con Sienna por tener una aventura amorosa con Daisy Wright, la niñera de sus hijos con su ex esposa (la actriz inglesa Sadie Frost). Al mismo tiempo, se rumoreaba que Sienna estaba teniendo una relación con el amigo de Law, el también actor Daniel Craig.Después de intentar salvar su relación, Miller y Law finalmente se separaron el mes de noviembre del mismo año.

En junio del año 2007 empezó una relación con el actor británico Rhys Ifans. La pareja se comprometió en el año 2008, unos meses después del compromiso se informó que Miller había terminado la relación con Ifans. Ambos tienen un tatuaje de una golondrina en sus muñecas derecha.

En junio de 2008, Miller tuvo una relación muy publicitada con el actor Balthazar Getty. Más tarde, Sienna demandó a dos tabloides británicos por la publicación de fotos que muestran a ella y a Getty juntos.La relación concluyó en abril de 2009.

Desde el mes de agosto del año 2009 hasta octubre del mismo año, Sienna mantuvo una relación con DJ George Barker.

En diciembre de 2009 se dio a conocer que Miller y Jude Law, estaban saliendo nuevamente luego de reencontrarse, ya que ambos protagonizaban espectáculos en Broadway a finales de dicho año. Pasaron la Navidad de 2009 en Barbados, junto con tres de los hijos de Law. A comienzos de 2011 se anunció que la pareja había terminado nuevamente.

En febrero de 2011 Sienna empezó a salir con el actor británico Tom Sturridge. El 6 de enero de 2012 se informó que ambos estarían esperando la llegada de su primer hijo.la pareja se comprometió en febrero del mismo año y el 8 de julio Sienna dio a luz a su hija en Londres llamándola Marlowe Ottoline Layng.

Sienna posee dos pasaportes, el británico y estadounidense, y adquirió su licencia de conducir por primera vez en las Islas Vírgenes de los Estados Unidos, ya que era más fácil calificar allí, por lo tanto le permite conducir en los Estados Unidos y Reino Unido.

 

El dia de los inocentes (28 de diciembre)


Día de los Santos Inocentes

 
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Se trata de una tradicion qu
Día de celebración 28 de diciembre
Lugar de celebración Día Internacional
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El Día de los Santos Inocentes es la conmemoración de un episodio hagiográfico del cristianismola matanza de los niños menores de dos años nacidos en Belén (Judea), ordenada por el rey Herodes I el Grande con el fin de deshacerse del recién nacido Jesús de Nazaret.

 

 

Relato Bíblico

Artículo principal: Matanza de los Inocentes

La Iglesia católica recuerda este acontecimiento el 28 de diciembre, aunque de acuerdo con el Evangelio de Mateo, la matanza debió haber sucedido después de la visita de los Magos al rey Herodes I el Grande (uno o dos días después del 6 de enero), aunque también la fecha de la adoración de los Magos a Jesús no tiene una fecha dada exactamente en las escrituras.

Es muy corriente la explicación de la Navidad y demás fechas alrededor de esta como fechas arbitrarias, pues estas no figuran en los evangelios. Según el evangelio, Zacarias supo que Isabel estaba encinta de Juan el Bautista mientras cumplía con la obligación de quemar incienso en el Templo, que debía hacer cada grupo sacerdotal dos veces por año. Zacarías pertenecía al octavo grupo, el de Abías, lo cual nos da dos posibles fechas para la concepción de Juan el Bautista, una a mediados de mayo y otra a mediados de noviembre, ninguna de las cuales coincide con la tradición.

Evidencia histórica

No la hay. Ningún historiador de la época menciona el hecho. Ni Flavio Josefo (37101) en su obra Antigüedades judías, relata una matanza de niños por parte de Herodes I el Grande. No obstante, varios historiadores afirman que ese no es un argumento decisivo y que el episodio cuadra con la crueldad de Herodes, bien conocida y documentada.

Conmemoración, bromas e inocentadas

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En Hispanoamérica es costumbre realizar en esta fecha bromas de toda índole. Los medios de comunicación hacen bromas o tergiversan su contenido de tal modo que la información parezca real. Se trata de una libertad que se dan los agentes mediáticos para dar rienda suelta a su sentido del humor, oportunidad que solamente tienen una vez al año. Es tradición que los periódicos publiquen páginas enteras de noticias cómicas, con la advertencia de que es día de los inocentes, que van desde las que son una obvia mofa a cualquier suceso reciente, hasta las que parecen serias y engañan al lector desprevenido. El día de los inocentes se vive en todo el mundo hispanohablante.

En algunas zonas de América es importante no prestar ningún bien, sea objeto o dinero, pues el prestatario es libre de apropiarse de los bienes. Este tipo de festejo ha venido a menos en años recientes y ya no es usual que la gente pida prestado con la esperanza de que el prestador no recuerde la fecha y se le pueda hacer mofa con la muy popular frase: «Inocente palomita que te dejaste engañar» o su versión ampliada: «Inocente palomita que te dejaste engañar, sabiendo que en este día nada se puede prestar» o «Inocente palomita que te dejaste engañar, hoy día de los inocentes te dejaste engañar», «Que la inocencia te valga» o «Herodes mandó a Pilatos, Pilatos mandó a su gente; el que presta en este día pasará por inocente»;«Inocente palomita te dejaste engañar hoy por ser día 28 en nadie debes confiar».