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Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973)


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Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte2 el 8 de abril de 1973 en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie» en Mougins (Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo),1 a fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807.

De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923. Pablo empezó a pintar desde edad temprana; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo, primera pintura al óleo8 9 de la que siempre se negó a separarse.

En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888. El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada». «Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.» En Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.6 En La Coruña hizo su primera exposición con 13 años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano «La Coruña», «Azul y Blanco» o «Torre de Hércules»

El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.

A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.

Picasso

En 1911 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de un círculo de amigos distinguidos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser parte de una banda internacional. Apollinaire señaló a su amigo Picasso, que también fue llevado a un interrogatorio, pero ambos fueron exonerados más tarde.

Primeras pinturas

Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona), en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.18 En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.

En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,20 pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.

Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.

Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.

Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,24 donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.

En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida. En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901. También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.

Entre Barcelona y París.

El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas, cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.

Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad. Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo del Greco.

Entre Barcelona y París

Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Reina Sofía, Madrid)en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París. Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite. Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo Pushkin, Moscú), Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York) y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga) y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).

A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer40 y La macarra (composición alegórica),41 propiedad del Museo Picasso de Barcelona.

En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.

De esa fecha data un Retrato de Germaine que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie’s en 2006.En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.

La vida

En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts), uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas. La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés. La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo), Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.), El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago), El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia), y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París) se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.

Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona, donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)que finalizó en la primavera de 1904.

París, Bateau Lavoir. El período rosa

El edificio del Bateau-Lavoir fue nombrado así por el poeta Max Jacob porque su estructura de madera le recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago) e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905). En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.

La bohemia del Lapin Agile

En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por el Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York) o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona), un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera. Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Museo Pushkin, Moscú), La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington), Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia) y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).

Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.

En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis, una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.66 Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París), que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.68

Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane), y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),70 una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.

Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono64 al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.

Primitivismo ibérico

En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein, lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico. Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie. Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.

Protocubismo

En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein71 trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez. Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.» Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,75 lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia), cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.

El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York), en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón

La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.

A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):80 la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar. Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.

Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,c pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico. Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista, que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario

Las señoritas de Aviñón

Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)85 supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.

El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas del Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París; su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier, 1969, p. , su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.

Hacia el cubismo

La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907. aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana), un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo), iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo; también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York) En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)89 y Desnudo con toalla (colección privada, París). El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)91 de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse. La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.

Cubismo

Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies. Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Cubismo cezannesco

En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Academie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L’Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.

Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),finalizado a finales de primavera, podría ser una conmemoración de la muerte de Wieghels.

Durante el verano, Braque elaboró en L’Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado. Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.96 En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.

Matisse bautiza el Cubismo. Período verde

Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.97 Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Hermitage, San Petersburgo), donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.

El banquete de Rousseau

Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba. El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:99 Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York), Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d’Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq). También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París), que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).

Cubismo analítico

Retorno a Horta de San Juan

Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)104 en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de San Juan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).107 La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).108 También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);109 La fábrica de Horta (Museo del Hermitage, San Petersburgo) y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Nueva Galería Nacional, Berlín). Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.

El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.

Traslado al bulevar de Clichy

En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Serguéi Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malévich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.

En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (Museo Picasso de Barcelona114 inspirada en las telas que pintó en Horta.105 Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.

Los retratos cubistas

Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago), pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú), Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis) y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago), en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrude Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.

Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo; en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler119 que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente, como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).

El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l’œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.

Reconocimiento del cubismo

Picasso viajó a Céret, un pueblo francés situado en la región histórica del Rosellón, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico (‘L’Indépendant’) (colección privada, Ascona, Suiza).125 El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.

A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida, Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.128 Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.129 En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París), creado en la primavera de las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.

Cubismo hermético

Entre Céret y Sorgues

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.

Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino (‘J’aime Eva’) (Museo de Arte de Columbus, Ohio), donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos. Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L’ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín (‘Jolie Eva’) (Nueva Galería Estatal de Stuttgart), en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).134 Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.

Traslado al bulevar Raspail

En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea). el endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés, en respuesta al trabajo de Braque en este medio, aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):137 sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s’est engagé[e] (ha empezado la batalla).

A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages. al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés139 en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstración y mayor colorido.

A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.

Cubismo sintético

Cubismo poético

Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York), en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio de Montmartre. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético

Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York), que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.

Cubismo surrealista

En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.143 El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York), de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,146 pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.

Cubismo puntillista y cubismo frío

A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914. En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París), que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.

De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París), que introdujo el periodo llamado cubismo frío, donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.

Enfermedad y muerte de Eva

En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),150 en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),151 de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York), una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

Los Ballets Rusos

En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresó herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),155 también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Victor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.

Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,156 y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).

El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.

Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.

Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.154 Entre mayo y junio realizó un realista Autorretrato (Museo Picasso, París) y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)

Estancia en Barcelona

Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturrino le dieron un banquete de bienvenida en las Galerías Layetanes en julio. Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)160 y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga); Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista; en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)163 y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).164 También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.

En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.

Periodo duquesa

La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que terminó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición. Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo Picasso, París) en el estilo neoclásico de Ingres; Olga insistía en que sus retratos fueran reconocibles.

Entre abril y mayo se mudó con Olga al Hotel Lutetia, un hotel de moda de primera clase en el bulevar Raspail; su estilo de vida cambió, frecuentaba el círculo de los Ballets Rusos y se movía entre la alta sociedad. El 12 de julio se casó con Olga, primero en la ceremonia legal requerida y luego en una misa de tres horas en la Iglesia Ortodoxa Rusa de la calle Daru, en París. Sus familias no acudieron, y Picasso pidió a Jean Cocteau, Max Jacob y Apollinaire que actuaran como testigos. Tras la boda, Olga se negó a ir a Montrouge, diciendo que no volvería jamás a esa casa «que olía a demasiadas mujeres». El 30 de julio llegaban a Biarritz en luna de miel; permanecieron en la Villa La Mimoseraie, de su amiga chilena Eugenia Errázuriz. Allí desarrolló temas marinos, como Las bañistas (Museo Picasso, París),168 en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo del Greco. Su anfitriona le presentó a los marchantes de arte Georges Wildenstein y Paul Rosenberg; Rosenberg, en nombre de Wildenstein, hizo un contrato con Picasso. Realizó algunos retratos al estilo neoclásico de Ingres de sus mujeres y de la sociedad pudiente que venía de visita.

A finales de septiembre volvió con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza. El 8 de octubre Picasso alquiló un gran apartamento en la rue de La Boëtie. Es probable que conociera en aquella época a Louis Aragon, y a través de éste y Apollinaire a André Breton. Poco después, el 9 de noviembre de 1918, dos días antes de que se firmara el armisticio de Rethondes que ponía fin a la Primera Guerra Mundial, murió Apollinaire de gripe española en su apartamento del bulevar Saint-Germain. Desde entonces, Picasso visitó en esa fecha cada año la tumba de su amigo en el cementerio del Père-Lachaise.

El sombrero de tres picos

Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)169 y La siesta (MoMA, Nueva York)170 en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.

La llegada de los Ballets Rusos a Londres tras la guerra coincidió con un momento en que interesarse por el arte, especialmente en arte de vanguardia, estaba de moda. El ballet permitía combinar el prestigio de los grandes bailarines con el escándalo de los jóvenes artistas revolucionarios, lo que tanto agradaba a esnobs como atraía a los intelectuales.172 En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla. Durante los tres meses que estuvo en Londres realizó numerosos bocetos, dibujos y acuarelas para los decorados, el vestuario y el telón, que pintó personalmente asistido por Vladimir Polunin y su esposa Elizabeth. Cuando no estaban ocupados con los ensayos y pruebas del ballet se relacionaban con la sociedad inglesa, donde Picasso conoció a muchos artistas y escritores.

El estreno de El sombrero de tres picos en el Alhambra Theatre el 22 de julio de 1919 fue un enorme éxito que hizo que en poco tiempo se abrieran escuelas de danza española en Londres. Massine había aprendido los ritmos del flamenco y los aplicó en la coreografía de los bailarines, cuyo vestuario se adaptaba a la acción. Picasso había utilizado instintivamente curvas y zig-zags, motivos característicos de los carros de los campesinos españoles, ritmos que descienden probablemente de los arabescos caligráficos árabes. El contraste de verdes, rosas, rojo y negro evocaban igualmente España. El crítico Jean Bernier escribió: «todo el vestuario está, sin excepción, lleno de calidez y fuerza, templado por un gusto por la dignidad que es muy andaluz».

Acompañando al éxito del ballet vino la vida social; Picasso y Olga, para deleite de ésta, fueron invitados a una serie de fiestas de la alta sociedad. Picasso encargó trajes en los mejores sastres y aparecía impecablemente vestido en las recepciones de moda. En agosto Olga y Picasso volvieron a París, y de allí marcharon a Saint-Raphaël, en la Costa Azul; es probable que en el trayecto en tren Picasso observara la escena de cosecha que describió en La siesta. El tema de las ventanas en Saint-Raphaël, que trabajó ese verano en muchas acuarelas y dibujos, persistió en la obra de Picasso a su retorno en otoño a París hasta inicios de 1920.

Pulcinella

Instalado en su apartamento de la rue de la Boëtie, Picasso se fue distanciando de la bohemia en la que vivía antes de la guerra; su vida personal era más tranquila, aunque se le podía ver vestido elegantemente en cócteles o comiendo fuera acompañado de Olga, vestida de Chanel. Su vinculación a los Ballets Rusos y a los marchantes Léonce y Paul Rosenberg le proporcionó una atención más favorable de la crítica y una mayor visibilidad.

En diciembre de 1919 Diágilev, de nuevo en París tras la temporada de Londres, le invitó a colaborar en un nuevo ballet inspirado en la Commedia dell’Arte, Pulcinella, con música de Stravinsky. Diágilev rechazó los primeros bocetos por ser demasiado modernos y recargados, posteriormente Picasso los simplificaría. A principios de 1920 desarrolló un gran número de bocetos y estudios para Pulcinella.

El 23 de enero de 1920 se representó El sombrero de tres picos en el Théâtre National de l’Opéra de París, al que invitó a su amigo Max Jacob, al que veía con menos frecuencia. Yendo hacia el teatro Jacob fue golpeado por un automóvil y hospitalizado; Picasso le visitó frecuentemente en el hospital, pero empezaron a verse menos a partir de entonces, dado que Jacob buscaba una vida social menos bulliciosa y pública.

Igor Stravinsky en 1921. El músico ruso colaboró con Picasso en varias ocasiones, tanto para los Ballets Rusos como en la publicación de sus composiciones. Picasso dibujó en 1920 un Retrato de Igor Stravinsky (Museo Picasso, París).
La idea de Massine para el ballet derivaba de las representaciones callejeras que vieron en el viaje que realizaron en 1917 a Nápoles. Junto a Diágilev, desarrollaron el libreto sobre la base de antiguos textos napolitanos; la música de Stravinsky es un arreglo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. Los primeros bocetos de Picasso eran de un estilo pseudorococó que, tras el rechazo inicial de Diágilev, simplificó en un estilo similar al cubismo con grandes superficies planas en azul, gris y blanco, sobre el que destacaba el vestuario de los personajes, basados en el estilo de los personajes tradicionales de la Commedia dell’Arte. Pulcinella se estrenó en el Théâtre National de l’Opéra de París en 15 de mayo de 1920.

Este estilo de los decorados de Pulcinella se extendió a la pintura de Picasso, como puede verse en Pulcinella con una guitarra delante de un telón (Massine saludando); los colores son vivos pero no estridentes, y la superficie pintada se volvió completamente plana.Durante el verano en Juan-les-Pins siguió desarrollando este estilo y temática en una serie de gouaches coloristas, geométricos y planos sobre la Commedia dell’Arte, como Pierrot y arlequín (Galería Nacional de Arte, Washington). En septiembre, aún en Juan-les-Pins, produjo una serie de dibujos y acuarelas sobre un tema de la antigüedad mediterránea, un episodio del intento de rapto de Deyanira, mujer de Hércules, por el centauro Neso, inspirados en los frescos pompeyanos que vio en su viaje a Nápoles

Cuadro flamenco

El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo. En primavera inició los estudios para Cuadro flamenco, otro ballet de Diágilev, quien en esta ocasión contrató un grupo de ocho bailarines y cantantes andaluces para los que Falla hizo un arreglo de música popular. En principio había sido encargado al también español Juan Gris, pero Picasso, aduciendo que éste estaba enfermo y no tendría tiempo para desarrollar el proyecto con un plazo tan corto, se le adelantó presentando la idea que abandonó en Pulcinella de una cortina con ornamentos rococós y los proscenios con parejas observando el espectáculo, como puede verse en Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, París). La relación con Gris se enfrió a consecuencia de ello, situación que se mantuvo hasta su fallecimiento en 1927. El 22 de mayo se estrenó la obra, en el Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La cubierta del programa estaba ilustrada con cuatro desnudos en la playa en un estilo neoclásico similar a otras obras del mismo tiempo. A su vuelta a París, continuó con trabajos en el estilo monumental neoclásico.

Durante el verano, evitando el calor del sur de Francia, se trasladó con Olga y Pablo a Fontainebleau. El verano en Fontainebleau fue prolífico, con una mayoría de obras en el estilo escultural neoclásico. Los temas principales son madre y niño y mujeres en una fuente; puede verse en Madre e hijo en la orilla del mar (Instituto de Arte de Chicago), y Tres mujeres en la fuente (Museo de la Orangerie, París),182 con vestidos y peinados grecorromanos. También creó dos obras maestras del estilo cubista sintético: Músicos con máscaras (MoMA, Nueva York) y Músicos con máscaras (Tres músicos) (Museo de Arte de Filadelfia);184 el tema rememora su colaboración con los Ballets Rusos, particularmente algunos de los estudios para arlequines y pierrots de Pulcinella.

Antígona

En 1922 Breton, asesor de Jacques Doucet en cuestiones de arte, comenzó a convencerle de la importancia de incorporar grandes obras de Picasso a su colección de arte moderno, que llevaría en 1924 a la adquisión de Las señoritas de Aviñón. En junio, durante una visita a Dinard (Bretaña), pintó Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera) (Museo Picasso, París).una idealización de las figuras monumentales que pintó en 1921 con un nuevo elemento, el tratamiento del movimiento, que posteriormente sirvió de modelo para el telón de Le Train Bleu de Diágilev en 1924. También realizó algunos bocetos de su hijo y de su mujer y su hijo juntos, como puede verse en Familia a orillas del mar (Museo Picasso, París). El 20 de diciembre de 1922 se estrenó la adaptación modernizada de Jean Cocteau de la Antígona de Sófocles en el Théâtre de l’Atelier, en Montmartre (París). La obra contó con decorado de Picasso, vestuario de Coco Chanel y música de Arthur Honegger.

Léonide Massine, coreógrafo que colaboró habitualmente con Picasso en las producciones de los Ballets Rusos de Diágilev. Su Mercure fue el último ballet en el que trabajaría Picasso.
En 1923 Picasso continuó con el tema del arlequín; realizó varios retratos de Jacint Salvadó disfrazado de arlequín en un estilo menos monumental y más lírico. También realizó retratos de su hijo Pablo y de su mujer Olga; y el Retrato de Doña María (la madre del artista) (colección privada).189 Ese verano volvió de nuevo a la Riviera, instalándose en Antibes con Olga y Pablo. Realizó La flauta de Pan (Museo Picasso, París), así como varios dibujos y bocetos sobre el mismo tema. En Antibes visitó mucha de la sociedad que pasaba sus vacaciones, como el pintor Gerald Murphy y su esposa Sarah (que aparece en sus dibujos) y el conde Étienne de Beaumont y su esposa; Beaumont le pidió que diseñara el decorado y vestuario para Mercure, que se estrenaría el verano de 1924.

Mercure

El coreógrafo Léonide Massine había abandonado los Ballets Rusos para producir un ballet para el conde Étienne de Beaumont en una serie de espectáculos privados conocidos como Les Soirées de Paris en verano de 1924, con objeto de ayudar a la aristocracia rusa. Con música de Erik Satie y decorados y vestuario de Picasso, Massine produjo Mercure, el ballet más extraño y original desde Parade. Los planos angulares y líneas rectas de Parade fueron reemplazadas por líneas curvas y onduladas, siluetas sinuosas en el decorado y el diseño de vestuario. El estreno de Mercure el 18 de junio en el Théâtre de la Cigale fue mal recibido por la crítica y el público. Algunos de los surrealistas criticaron que Picasso se involucrara en un proyecto burgués en ayuda de la aristocracia, pero Breton salió al paso defendiendo el trabajo artístico de Picasso, proclamando en su ensayo Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso) «En lo que a mí respecta, considero la colaboración de Picasso en Mercure como el evento artístico más importante en los últimos años».

Dos días después se estrenó Le train bleu, última colaboración con los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev, en el Teatro de los Campos Elíseos. El telón fue pintado por el pintor de escenarios Alexander Shervashidze, a partir del gouache de Picasso Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera).186 El propio Picasso firmó el telón «Dedicado a Diágilev Picasso 24».

En el verano de 1924 se instaló en la Villa La Vigie, en Juan-les-Pins. Picasso desarrolló en un cuaderno de bocetos una serie de dibujos pre-surrealistas, constelaciones de líneas y puntos, que fueron utilizados años después para una edición ilustrada preparada por Ambroise Vollard de Le Chef-d’œuvre Inconnu de Honoré de Balzac.192 Para celebrar los cumpleaños de su hijo, Picasso realizaba retratos del niño cada año; en 1924 pintó La polémica en torno a las Soirées de Paris creció durante el verano y provocó un cisma entre los ex-dadás, enfrentando al grupo de Breton contra otro que giraba alrededor de Ivan Goll. En octubre Breton publicó el Manifiesto surrealista, en el que perfiló las consecuencias artísticas de la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud. El término surrealismo, que acuñara Apollinaire en 1917, fue adoptado por Breton como nombre de su grupo. Aunque Picasso nunca se unió oficialmente al movimiento surrealista, su obra fue muy admirada por Breton, tanto como fue por Tristan Tzara y los dadaístas. La obra de Picasso aparece reproducida en ocho de los once números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 y 1929.

Surrealismo

Periodo surrealista

Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.

André Breton fue un gran admirador del arte de Picasso, al que consideró como un exponente del Surrealismo, pese a que nunca se uniera oficialmente al movimiento.
En 1925 pintó, para el cuarto cumpleaños de su hijo, Pablo de pierrot (El hijo del artista) (Museo Picasso, París), en un estilo naturalista similar al retrato de arlquín que pintó el año anterior. También pintó La danza (Tate Modern, Londres); Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.

La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. Antítesis de sus dibujos clásicos sobre la danza, el carácter expresionista del cuadro simbolizaba la creciente irritación de Picasso hacia Olga y las mujeres en general; herido por la muerte de su amigo Ramón Pichot, creía que su mujer Germaine, que había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyó a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él. Al dolor por la muerte de Pichot se une la del músico Erik Satie en julio. En verano pintó, en Juan-les-Pins, El beso (Museo Picasso, París),de un espíritu más agresivo aún que La danza. El motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer y no en la escultura, encontraría continuidad en su obra posterior. Las cualidades irracionales de esta serie de obras, así como las de las primeras obras cubistas, eran las que Breton encontraba análogas a la teoría del automatismo practicada por los artistas surrealistas.

En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta «cubista» ha cometido mucho ese error». En noviembre se produjo la «Exposition: La Peinture Surréaliste», en la Galerie Pierre de París, en la que se expusieron dos de las pinturas del primer cubismo de Picasso, así como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray y Pierre Roy; Breton y Robert Desnos escribieron el prefacio del catálogo. La reseña de la exposición de Maurice Raynal en L’intransigeant decía: «¡El «padre del cubismo» se ha convertido en el hijo adoptivo de los surrealistas! Picasso acompañó en noviembre a su madre, que había pasado las vacaciones con ellos en la costa, a Barcelona. Allí conoció a Dalí, y visitó su primera exposición en solitario en la Galería Dalmau.

Cubismo curvilíneo

En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista.198 Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París) y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París),200 obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Realizó también varios retratos con cierto parecido a Marie-Thérèse Walter, una joven adolescente que según algunos autores presumiblemente conoció por vez primera a principios de 1925 en la Estación de París Saint-Lazare. Asimismo continuó trabajando el motivo de las cabezas superpuestas.

En abril recibió la visita en su estudio de Dalí; pese a la mutua admiración, los dos artistas no llegaron a ser grandes amigos. Su recomendación a Diágilev de trabajar con Miró y Max Ernst los decorados y vestuario de su Romeo y Julieta llevó a que éstos fueran amenazados de expulsión del grupo surrealista, contrario a la colaboración con «una producción burguesa para la alta sociedad».

Bañistas biomórficas

En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, una joven rubia de diecisiete años de edad, frente a las Galeries Lafayette de París (aunque algunos autores sitúan la fecha dos años antes). En seis meses se convirtieron en amantes. Aunque mantuvieron su relación en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya en 1935, las referencias a Marie-Thérèse aparecieron en su obra poco tiempo después de conocerla. La tensión marital con Olga creció, su vida se volvía muy complicada intentando mantener el secreto de su relación. Pasó un infeliz verano en Cannes añorando a Marie-Thérèse mientras Olga se resentía porque Picasso nunca estaba presente en las reuniones sociales que organizaba

A finales de verano ejecutó un álbum de dibujos, Carnet des Métamorphoses, en el que dotó a bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en Bañista en la cabina (Figura femenina) (Museo Picasso, París). Aunque probablemente se trata de estudios para un monumento a Apollinaire, Christian Zervos escribió en 1929 que Picasso los propuso como monumentos para la Croisette, el elegante paseo que separa la playa de los grandes hoteles en Cannes.

Picasso volvió a la escultura en 1928 de la mano de González, con quien aprendió a trabajar el metal. Hijo de una familia de orfebres catalanes, González aprendió a forjar y soldar en el taller de su familia, pero quería ser pintor y marchó a París en 1900. Tenía ya cincuenta años cuando decidió consagrarse a la escultura, coincidiendo con su colaboración con Picasso en el Monumento a Apollinaire (1928), pero pese a lo tardío de su vocación, se convirtió en un referente de la escultura contemporánea, «padre indiscutible» de la escultura en hierro del siglo XX. Su lenguaje escultórico, basado en el ensamblaje de elementos lineales y planos vacíos que dibujan en el espacio, fue dominante entre las décadas de 1930 y 1950.

En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.) Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del Minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.

En marzo de 1928 retomó su amistad con el escultor Julio González, cuyo estudio de la rue de Médéah visitó frecuentemente para continuar aprendiendo técnicas de soldadura. En junio realizó su primera escultura tridimensional desde 1914, el bronce Metamorfosis I (Bañista) [Personaje femenino] (Museo Picasso, París), a partir de dibujos de Marie-Thérèse completados en 1927.

En verano se instaló con Olga y Pablo en Dinard, en la Bretaña francesa; en secreto, hospedó a Marie-Thérèse en un campamento de verano para niños cercano, y la inició en sus prácticas sexuales sadomasoquistas preferidas.205 Continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas en cuadros y dibujos, como Bañista y cabina (MoMA, Nueva York), y una serie de estudios sobre construcciones en metal soldado, en la línea de las constelaciones de puntos unidos por una red de líneas, de cara a un futuro monumento a Apollinaire. De vuelta en París, en otoño trabajó con González sobre este proyecto en una serie de maquetas realizadas con varillas de hierro,208 que Kahnweiler describió como «dibujos en el espacio». Las maquetas fueron rechazadas por el comité encargado del monumento por considerarlas demasiado radicales e inapropiadas.

Nit de musicals: Swing Broadway (26 de juliol)


 

Nit de musicals: Swing Broadway

                   

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Barcelona Jazz Orchestra / Paco Mir

Després d’omplir el Teatre Grec en l’edició de 2015, torna al festival per tercer any consecutiu la gran cita estiuenca amb el teatre musical, enguany a ritme de swing i a partir d’una història creada i dirigida per Paco Mir.

Música

Data
26/07
Espai
Horari
22 h
 
El públic barceloní té fam de teatre musical i la prova és una Nit de musicals que va néixer el 2014 i que, després d’haver obtingut una resposta excepcional del públic, torna ara convertida en una cita ineludible del festival. Un any més, l’espectacle té una personalitat pròpia que en aquesta edició marca Paco Mir, un home de teatre especialment conegut per la seva feina amb Tricicle però que també treballa en solitari i que, al Grec, ja ha dirigit en els últims anys muntatges com El sopar dels idiotes (1998) o La banqueta (2013). La revista Teatralnet organitza una vetllada que fondrà veu i coreografies i que promet emocionar els espectadors i espectadores amb un repertori format per temes coneguts de musicals nord-americans com Gypsy, Guys and Dolls, Victor Victòria o Kiss me Kate, entre d’altres. Els interpreta la big band Barcelona Jazz Orquestra, que farà sonar els temes cantats per una tria excepcional d’intèrprets i ballats per una companyia de ball especialment creada per a l’ocasió. Nit de teatre i música amb tot el swing de Broadway. Una coproducció del Grec 2016 Festival de Barcelona i Teatralnet Produccions.  Amb el patrocini de Renault

 
 

Direcció i dramatúrgia
Paco Mir
Interpretació
Ivan Labanda, Mercè Martínez, Marta Ribera, Xavier Duch i d’altres per determinar. Amb la col∙laboració de la Companyia Bratislava (Anna Arena, Laura Pau, Mònica Portillo i Albert Ruiz).
Ballarins
per determinar
Direcció musical
Andreu Gallén
Interpretació musical
Barcelona Jazz Orchestra
Direcció de la Barcelona Jazz Orquestra
Dani Alonso
Escenografia i vestuari
Marc Udina
Coreografia
Maria Bossy
Orquestració
Jordi Cornudella
Traducció de les cançons
David Pintó
Disseny d’il·luminació
Ignasi Morros
Disseny de so / concepció sonora
Joan Gil
Direcció tècnica
Joan Segura
Caracterització
Toni Santos
Producció executiva
Teatralnet Produccions
Producció
Albert Miret
Disseny del cartell
Franbkie de Leonardis
Fotografia
David Ruano
Comunicació
Carmen Vicente
Xarxes socials i enregistraments en vídeo
Ángeles Castuera i Albert Martí (Teatralnet Multimèdia)

David DeMaría presentarà les seves noves cançons a la sala BARTS el divendres 21 d’octubre (21h.)


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David DeMaría presentarà les seves noves cançons a la sala BARTS el divendres 21 d’octubre (21h.)

Entrades a la venda divendres 8 d’abril a les 10:00 a theproject.es
David DeMaría té nou disc, el desè àlbum d’estudi en la seva carrera ni més ni menys, i lluny dels tòpics promocionals l’artista gadità lliura al 2016 la seva obra més rodona i també la més personal en els seus gairebé 20 anys de carrera com a artista en solitari. David es troba per fi al Séptimo Cielo.

 

Séptimo Cielo, títol del nou disc, desborda en matisos i amplitud de colors i definitivament marca la línia que ha estat buscant durant tots aquests anys. No hi ha dubte que David DeMaría ha construït un registre propi creant una marca fidel a les seves arrels i a un estil inimitable. Amb aquesta desena entrega és quan definitivament apareix un artista únic.

En aquest nou treball vol seguir trobant còmode amb el que canta i amb el que escriu, buscar aquest llenguatge propi a través de les cançons «evitando ‘gustar’ al rebelde en busca de consuelo para su causa, al cantante jondo que no seré, al rockero que no convenceré, al dj que nunca se planteará pinchar mis temas o al temido precipicio de la desmesurada opinión actual”. David i les seves arrels estan en la música espanyola i així mostra orgullós les seves influències, que abraca des Golpes Bajos a Radio Futura, des d’El Último de la Fila a Ketama o Antonio Vega o de Manolo Tena a Alarma a la fusió de Triana.

El procés de gravació del disc ha estat lent i meticulós, un enregistrament estirada al llarg dels mesos en què si alguna cosa abunda són les cançons, petites obres d’orfebreria fabricades per un artesà que ha après a ser feliç amb poques coses.

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@DavidDeMaria

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David DeMaría presentará sus nuevas canciones en la sala BARTS el viernes 21 de octubre (21h.)

Entradas a la venta el viernes 8 de abril a las 10:00 en theproject.es

David DeMaría tiene nuevo disco, el décimo álbum de estudio en su carrera ni más ni menos, y lejos de los tópicos promocionales el artista gaditano entrega en 2016 su obra más redonda y también la más personal en sus casi 20 años de carrera como artista en solitario. David se encuentra por fin en el Séptimo Cielo.

Séptimo Cielo, título del nuevo disco, rebosa en matices y amplitud de colores y definitivamente marca la línea que ha estado buscando durante todos estos años. No cabe duda que David DeMaría ha construido un registro propio creando una marca fiel a sus raíces y a un estilo inimitable. Con esta décima entrega es cuando definitivamente aparece un artista único.

En este nuevo trabajo quiere seguir encontrándose cómodo con lo que canta y con lo que escribe, buscar ese lenguaje propio a través de las canciones “evitando ‘gustar’ al rebelde en busca de consuelo para su causa, al cantante jondo que no seré, al rockero que no convenceré, al dj que nunca se planteará pinchar mis temas o al temido precipicio de la desmesurada opinión actual”. David y sus raíces están en la música española y así muestra orgulloso sus influencias, que abraza desde Golpes Bajos a Radio Futura, desde El Último de la Fila a Ketama o Antonio Vega o de Manolo Tena en Alarma a la fusión de Triana.

El proceso de grabación del disco ha sido lento y meticuloso, una grabación estirada a lo largo de los meses en la que si algo abunda son las canciones, pequeñas obras de orfebrería fabricadas por un artesano que ha aprendido a ser feliz con pocas cosas.

Daviddemariaoficial

@DavidDeMaria

Properes presentacions i signatures de L’amor fora de mapa, la nova novel·la de Roc Casagran


portada_llibre_alta_400_01Properes presentacions i signatures de L’amor fora de mapa, la nova novel·la de Roc Casagran

L’amor fora de mapa, a punt d’arribar a la quarta edició en només dos mesos des de la seva publicació, escalfa motors per la Diada Sant Jordi

PROPERES PRESENTACIONS DE L’AMOR FORA DE MAPA

Dilluns 18 d’abril de 2016 – 19.00h

Dòria Llibres – Mataró [C/ Argentona, 24]

Presentació de L’amor fora de mapa, amb Roc Casagran i Pau Benítez. Entrada gratuïta.

Dimecres 20 d’abril del 2016 – 19.00h

Llibreria l’Odissea – Vilafranca del Penedès [C/ Font, 26]

Presentació de L’amor fora de mapa, amb Roc Casagran i Aina Torres. Entrada gratuïta.

SIGNATURES DE LLIBRES. DIADA DE SANT JORDI [Barcelona i Sabadell]

23 d’abril del 2016

10h – Esmorzar d’escriptors a l’Hotel Regina [C/ Bergara, 4, Barcelona]

11h – FNAC Triangle [Plaça de Catalunya, 4, Barcelona]

12 h – Ateneu Barcelonès [Carrer de la Canuda, 6, Barcelona]

13h – Llibreria A peu de pàgina [Carrer Major de Sarrià, 50, Barcelona]

16h – Abacus Sabadell [Carrer de les Tres Creus, 86-88, Sabadell]

17h – Parada ANC Sabadell [Mercat Central de Sabadell]

18h – Parada col·lectiva llibreries de Sabadell [Mercat Central de Sabadell]

L’amor fora de mapa, la nova novel·la del sabadellenc Roc Casagran que publica l’editorial Sembra Llibres, està a punt d’arribar a la quarta edició només dos mesos després de la seva publicació. Quatre anys després de l’èxit d’Ara que estem junts, l’emergent escriptor ens presenta una esplèndida novel·la que es planteja les maneres d’estimar i relacionar-se. Ens parla sobre la bellesa i l’angoixa, l’atracció i la prohibició, l’autenticitat i el desconcert. Un mapa dibuixat amb els sentiments fragmentats de tres ànimes d’uns trenta-i-pocs anys que tracten de sobreviure envoltats en les incerteses i les crisis que minen els temps actuals.

Amb la sensibilitat i l’habilitat que el caracteritza, Roc Casagran, una de les veus amb més projecció de les nostres lletres, ens ofereix en aquesta novel·la un laberint afectiu embolcallat de versos i cançons en què les pors i els desitjos més íntims són les brúixoles dels protagonistes. La trama narrativa, que comença a Alacant i acaba a Prada “construint el país sencer”, en paraules de l’autor, entrellaça un total de catorze poemes. Mireia Vives i Borja Penalba els han musicat i n’han fet un disc que porta el mateix nom que la novel·la i que ha estat editat pel segell discogràfic Mésdemil.

Amb L’amor fora de mapa, Sembra Llibres, que la passada primavera va editar No ens calia estudiar tant de Marta Rojals, un dels llibres més venuts en Sant Jordi, continua proposant al seu catàleg una acurada selecció d’obres singulars amb capacitat per seduir un públic lector ampli i divers.

30è Festival Castell de Peralada (del 7 de juliol al 16 d´agost 2016)


 

 

Constel·lació de veus al 30è Festival Castell de Peralada 

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· El festival compleix 30 anys fidel al seu públic amb una programació que emocionarà i en la que destaca la nova producció operística Turandot, de Giacomo Puccini

 

· Una gala lírica pel 30è aniversari aplegarà en un mateix escenari primeres veus del panorama internacional com Sondra Radvanovsky, Eva-Maria Westbroek, Carlos Álvarez, Marcelo Álvarez i Leo Nucci, sota la direcció d’escena de Ruggero Raimondi

 

· Roberto Bolle i Ailey II faran les delícies dels amants de la dansa i l’estiu musical portarà a Peralada, Ezio Bosso, en el que serà el seu debut a l’Estat Espanyol. Simply Red que també celebra el seu 30è aniversari no faltarà a la cita de Peralada  

 

Aquest estiu es podran veure 23 espectacles que, des de diverses disciplines artístiques, donaran veu a la cultura que es fa a casa nostra i a nivell internacional. Nits d’òpera, de lírica, de dansa, de pop, de jazz… o de lectures dramatitzades que donaran forma a un Festival que celebra tres dècades en les que s’ha convertit en el referent dels festivals d’estiu, en tot un clàssic. El Festival, ha sabut trobar la fórmula per, sota un mateix paraigües, presentar una programació variada en la que s’ofereixen espectacles per a tots els gustos i preferències culturals. 

 

Aquest 2016 arribaran a Peralada grans artistes del panorama internacional i nacional, amb estrenes absolutes i actuacions que en alguns casos seran úniques a Catalunya o a l’Estat. El pressupost del festival 2016 és de 4,2 milions d’euros.

 

La presidenta del Festival Castell de Peralada, Carmen Mateu de Suqué, ha manifestat que aquesta 30a edició serà única “estem davant d’un any de celebracions, on hem preparat un 30è Festival únic amb la participació de grans artistes i companyies. La producció pròpia del Festival, serà protagonista. Des de l’Associació seguim recolzant a talents consolidats i als emergents, tot sempre, amb la voluntat de seguir sent un referent internacional.”

 

El director del Festival, Oriol Aguilà, ha explicat que “ la millor notícia d’aquesta edició és que hem arribat a aquest 30è aniversari. No ha estat fàcil donat que es fa des de la iniciativa privada, però aquí estem i com sempre marcant un tret diferencial amb altres certàmens d’estiu, per la diversificació del programa, per la seva qualitat i per la seva excel·lència”.  Aguilà ha afegit que “és un Festival amb una gran fidelitat i això el fa diferent. Fidelitat amb els artistes que ens han acompanyat durant aquestes tres dècades i que han creat una bona marca de festival. Hem tingut artistes consagrats i d’altres pels quals el festival ha estat la seva plataforma i que ara són grans veus del panorama musical. Fidelitat en la promoció de l’òpera, de la lírica, de la dansa. Fidelitat amb el públic, amb la vila de Peralada i l’Empordà… Fidelitat amb les produccions pròpies i fidelitat amb els tallers de l’Empordà que, per tercer any consecutiu, construiran  l’escenografia de la producció d’aquest any.”

 

La Generalitat de Catalunya ha anunciat aquesta setmana que concedeix la Creu de Sant Jordi, una de les màximes distincions que atorga aquesta institució, al Festival Castell de Peralada. En aquest sentit, Isabel Suqué Mateu, presidenta del Comitè del 30 Aniversari i directora de la Fundació Castell de Peralada, ha manifestat que “agraïm a la Generalitat de Catalunya la concessió de la creu de Sant Jordi al Festival de Peralada. Per nosaltres és un motiu de satisfacció que volem compartir amb tothom.”

 

La 30a edició del Festival de Peralada aixecarà el teló la nit del 7 de juliol,

amb el concert de Lang Lang, el pianista xinès més mediàtic del moment.

 

Un dels grans moments d’aquesta edició del festival serà l’estrena de la producció pròpia 2016, l’òpera Turandot, de Puccini. Amb direcció d’escena a càrrec de Mario Gas i amb escenografia de Paco Azorín, aquest títol es representarà per primera vegada al Festival i novament construïda totalment en tallers de l’Empordà. Turandot s’afegeix a la llarga llista de produccions pròpies del Festival, en la seva clara aposta per la cultura des de la iniciativa privada. 

 

Tots els aniversaris tenen el seu moment més emotiu i en aquest cas el trobarem a la gala lírica del 30è aniversari. Serà una nit amb actuacions úniques i extraordinàries en les que coincidiran en l’escenari de l’Auditori del Parc del Castell grans veus de la lírica nacional i internacional  com són les de  Sondra Radvanovsky, Eva-Maria Westbroek, Carlos Álvarez, Marcelo Álvarez i Leo Nucci. Els acompanyarà l’Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, amb direcció musical de Daniele Rustioni i direcció escènica de Ruggero Raimondi. 

 

Aquesta edició aplega un gran nombre de les millors veus líriques del moment com Iréne

Theorin, Sondra Radvanovsky, Eva-Maria Westbroek, Marcelo Álvarez, Carlos Álvarez, Leo Nucci, Ruggero Raimondi, Roberto Aronica, Bryan Hymel, Olga Peretyatko, Anita Rachvelishvili o Xavier Sabata.

 

També s’estrenarà un nou encàrrec del Festival, la producció de butxaca Combattimento, un concert escenificat dedicat a la música de Claudio Monterverdi, amb direcció musical de Fausto Nardi i direcció escènica de Joan Anton Rechi. 

 

La Dansa, una altra de les passions del Festival de Peralada, presenta aquest any dos espectacles de primer nivell. Per una banda, la gran estrella de la dansa, Roberto Bolle, oferirà la gala Roberto Bolle and Friends. També serà present aquest estiu la companyia Ailey II, una impactant i sorprenent nova generació de ballarins provinent dels Estats Units.

 

Les nits de l’Estiu Musical portaran fins a l’Auditori del Parc del Castell de Peralada grans noms propis com Simply Red, Diana Krall, Seal, Pink Martini, Ezio Bosso, La Unión, Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Miquel Rios i Víctor Manuel amb l’espectacle El gusto es nuestro, 20 años i The Original Blues Brothers Band.

 

Alfonso Vilallonga i Marco Mezquida, també seran presents en aquesta 30a edició amb l’espectacle J’ai deux amours. Aquesta actuació es fa en el marc del cicle Paral·lels, que també inclou activitats com una lectura dramatitzada de El Quixot, en el que és un homenatge del festival a Miquel de Cervantes, l’any que es commemoren els 400 anys de la seva mort. Participaran actors com Josep Maria Pou, Maife Gil i Camilo García sota la direcció de Carles Canut. Aquest cicle també portarà fins a Peralada el concert Albert-Alberto. Demestres i Guinovart, en el qual es podran escoltar les composicions d’ambdós autors, incloses dues estrenes. 

 

 

Tortell Poltrona, torna a l’Auditori del Parc del Castell amb Grinyols, en la nit del Petit Peralada. 

 

Un any més, el Festival de Peralada sortirà dels seus escenaris habituals per portar la música als carrers de la vila de Peralada. La Festa de la Música comptarà aquest any amb la participació d’Albert Guinovart, Sara Blanch i el Cor Infantil Amics de la Unió sota la direcció d’escena de Marc MontserratDrukker, que commemoren l’any Granados. 

 

El cartell del Festival 2016 està dedicat a Turandot i és obra de l’artista català, Perico Pastor. Amb una llarga trajectòria arreu del món exposant i publicant les seves il·lustracions i quadres, ha dissenyat el cartell del 30è aniversari del Festival inspirant-se en el personatge de la princesa Turandot, en el seu temperament i en la seva història. Al cartell, d’una gran vistositat,  domina el vermell, que és el color del vestit de Turandot i també el de la passió i el de la sang. Al cartell tampoc hi falta l’or, amb el que Perico Pastor ha volgut mostrar el caràcter fred del personatge en el amor i alhora el seu temperament volcànic.

 

Aquest any, la Fundació Castell de Peralada, dins de la seva política de Responsabilitat

Corporativa, col·laborarà de nou en l’organització de la Nit de l’Alzheimer en benefici de la Fundació ACE, entitat privada dedicada a la diagnosi, tractament, recerca i suport a les persones amb la malaltia d’Alzheimer i altres demències.

 

Com ja és habitual, paral·lelament al Festival s’organitzen exposicions que es podran visitar en diversos espais del recinte del Castell de Peralada o de la vila peraladenca. Es tracta de l’exposició fotogràfica dels millors moments d’aquestes tres dècades de Festival 30 anys en imatges, que actualment es pot veure al Palau Robert de Barcelona, Festival Castell de Peralada, en dansa, que actualment s’exposa a Brussel·les, Cervantes 400 años, Els millors tenors del món i Santi Moix, ceràmiques negres

 

Amb l’objectiu de garantir un bon i còmode desplaçament  fins al recinte del Castell de Peralada, per segon any consecutiu hi haurà servei d’autobús del festival. Els dies d’actuació a l’Auditori del Parc del Castell, sortirà un autobús des de Barcelona en direcció a Peralada. Enguany també s’incorpora una nova ruta que cobreix diverses poblacions de l’Empordà com són Sant Feliu de Guíxols, Platja d’Aro, Palamós, Palafrugell i Peralada. 

 

El Festival, que té la certificació UNE-ISO 20121, es va convertir l’any passat en el primer esdeveniment musical a l’Estat que obtenia aquesta certificació de sostenibilitat en matèria mediambiental, social i econòmica amb el territori on duu a terme la seva activitat. El Festival genera un impacte econòmic superior a 12 milions d’euros per edició. 

 

Venda d’entrades a partir d’avui, divendres, 15 d’abril, a les 16:00h a: www.festivalperalada.com i al telèfon 902 37 47 37.

 

El Festival també ofereix la possibilitat d’adquirir abonaments per els espectacles. + info a:

www.festivalperalada.com 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PROGRAMACIÓ:

 

07.07_ LANG LANG             

08.07_ ALFONSO VILALLONGA i MARCO MEZQUIDA: J’ai deux amours

09.07_PINK MARTINI: Celebration

15.07_ GALA LÍRICA 30 ANIVERSARI

16.07_AILEY II

18.07_ OLGA PERETYATKO

22.07_ EL GUSTO ES NUESTRO, 20 AÑOS

23.07_ SEAL: 7

29.07_ ROBERTO BOLLE AND FRIENDS

30.07_ DIANA KRALL

01.08_ COMBATTIMENTO

02.08_ DON QUIJOTE

03.08_ ANITA RACHVELISHVILI

05.08_ BRYAN HYMEL

06.08_ ÒPERA: TURANDOT

07.08_ XAVIER SABATA: Alexandre el Gran, l’home que va conquerir el món

08.08_ ÒPERA: TURANDOT

09.08_ EZIO BOSSO

10.08_ LA UNIÓN

12.08_ TORTELL POLTRONA: Grinyols

13.08_ ALBERT-ALBERTO. DEMESTRES i GUINOVART

14.08_ FESTA DE LA MÚSICA

15.08_ THE ORIGINAL BLUES BROTHERS BAND

16.08_ SIMPLY RED

 

 

Patti Smith se incorpora al cartel del festival Jardins de Pedralbes, Actuará el 7 de julio a las 22h.


 

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Patti Smith se incorpora al cartel del festival Jardins de Pedralbes

Actuará el 7 de julio a las 22h.

Otros artistas del festival son The Cranberries, Tom Jones, Toquinho y Maria Creuza o Joan Baez, entre otros y tendrá lugar del 11 de junio al 16 de julio en Barcelona

Entradas a la venta a partir del jueves 21 de abril a las 10h en www.festivalpedralbes.com

 

Cantautora y poetisa convertida en un auténtico mito de la música popular

La cantautora Patti Smith cumple los 70 años convertida en un auténtico mito de la música popular. Y además en perfecto estado de forma, tal como certificaron los impresionante conciertos que ofreció el año pasado celebrando el cuarenta aniversario de la edición de su fundamental álbum “Horses”, uno de los más destacados del festival Primavera Sound y uno de los mejores del año. Ahora su largo pelo ya es gris pero su actitud sigue siendo la misma que cuando la retrató Robert Mapplethorpe.

Desde el primer verso de la primera canción, cuando en “Gloria” dice “Jesus died for somebody’s sin/but not mine”, deja claro que estamos ante la diosa del punk más iconoclasta. Pero antes que estrella del rock fue poeta, que absorbió de los beatniks en general y de Allen Ginsberg en particular. En el recuerdo queda un memorable recital que encabezó en el Palau de la Música en 2006, junto a otros poetas y activistas como Amiri Baraka o John Giorno, que acabó con ella cantando el emblemático “Power To The People”.

Esta devota de Rimbaud, que estuvo casada con el mítico guitarrista Fred ‘Sonic’ Smith (MC5) y ha sido musa de Tom Verlaine y Michael Stipe, sigue instalada en el Greenwich Village de Nueva York, un barrio del que sale de vez en cuando para ofrecer electrizantes actuaciones, que unen poder lírico, comprometido y concienciado, con la catarsis del rock que procura su banda de acompañamiento, siempre liderada por el inseparable guitarrista Lenny Kaye.

 

Más información y venta de entradas:  www.festivalpedralbes.com

De l’IPAM 2015, al Grec 2016 Festival de Barcelona (del 5 al 8 de juliol)


De l’IPAM 2015, al Grec 2016 Festival de Barcelona

 

 

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Del 5 al 8 de juliol, l’International Performing Arts Meeting celebrarà la quarta edició en el marc del Grec Festival de Barcelona i tornarà a aplegar professionals de les arts escèniques d’arreu del món en una cita destinada a generar nous projectes d’exhibició i producció, i fomentar la col·laboració d’artistes catalans amb creadors internacionals.

 

Un total de 16 projectes que van passar per l’IPAM en l’edició del 2015 es veuran aquest any al Festival d’estiu de Barcelona. Alguns d’aquests projectes que s’han materialitzat i formaran part de la programació d’enguany són l’espectacle Birdie sobre moviments i fluctuacions de tota mena, des de migracions humanes al moviment de les galàxies, passant pels fluxos de capitals, de l’Agrupación Señor Serrano; The Movement of Air de la Cie. Adien M & Claire B, on la tecnologia i el món digital es posen al servei de les arts escèniques; o Afasian – The last conference de loscorderos·sc, un muntatge d’avantguarda radical. També Joan Baixas recrearà en escena el món de l’artista Cildo Meireles a Daurrodó, i Inés Boza, SenZaTeMPo & Giulia Valle Group presentaran la proposta conjunta Eden Club, un espectacle d’alta intensitat visual i sonora.

 

Com a novetat d’aquest any, durant el Festival es podrà veure la instal·lació Mainbaum, signada per Jordi Galí i la Cie Arrangement Provisoire, i realitzada en col·laboració amb el Mercat de les Flors. Plegats crearan una peça d’arquitectura efímera a la plaça de Margarida Xirgu.

 

L’International Performing Arts Meeting (IPAM), que es va iniciar l’any 2013, consta d’un programa d’activitats que inclou representacions d’espectacles, presentacions de projectes escènics, taules rodones, xerrades i presentacions que tenen com a principals objectius generar espais de contacte i intercanvi entre les companyies, productors, programadors i institucions, a més de donar a conèixer els artistes del nostre país i fomentar la materialització de nous projectes artístics i l’intercanvi d’idees sobre la creació escènica. Tot plegat s’emmarca dins l’estratègia d’internacionalització del Festival, a través de la qual també es promou la programació d’espectacles com The hidden force de la companyia Toneelgroep Amsterdam que, amb la direcció d’Ivo van Hove, formarà part del programa del Grec Festival de Barcelona 2016.

 

De l’IPAM, la celebració dels 40 anys del Festival, i els actes especials previstos per celebrar-ho, així com de la programació específica al Teatre Grec, la programació musical, el MINIGREC i de totes les activitats Més Grec, Ramon Simó, director del Grec Festival de Barcelona, en parlarà en una roda de premsa prevista les properes setmanes.   

Podeu trobar més informació sobre l’IPAM en aquest enllaç.

EL FESTIVAL GREC DE BARCELONA CELEBRA EL SEU 40 ANIVERSARI, I TORNA AQUEST ESTIU AMB UNA PROGRAMACIÓ DE VERITABLE LUXE.


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EL FESTIVAL GREC DE BARCELONA CELEBRA EL SEU 40 ANIVERSARI, I TORNA AQUEST ESTIU AMB UNA PROGRAMACIÓ DE VERITABLE LUXE.

En l’apartat musical, TheProject presenta un total de 6 concerts, repartits entre l’amfiteatre Grec i la sala BARTS amb propostes per tots els gustos.

AMFITEATRE GREC

L’espectacular espai de Montjuïc serà testimoni del debut a Barcelona del britànic Benjamin Clementine el 12 de juliol. L’artista, sovint comparat amb referents del calibre de Nina Simone i Rufus Wainwright, presentarà At least for now (2015), el seu primer i aclamat disc. En canvi, la gran Estrella Morente necessita poques presentacions a aquestes alçades de la funció: és una de les veus més reconegudes del flamenc i tindrà una nova ocasió per demostrar-ho el 10 de juliol. A Jorge Drexler tampoc li cal gaire protocol: simplement és un dels cantautors més destacats dels últims temps, guanyador –entre altres premis- de 2 Grammy i 1 Oscar i vell conegut de Barcelona. L’uruguaià actuarà a l’amfiteatre Grec el 13 de juliol.

GREC AL BARTS

D’altra banda, la sala del Paral·lel acollirà tres propostes molt interessants. La sevillana Lole Montoya, la veu dels inoblidables Lole & Manuel, actuarà el 8 de juliol per estrenar Recuerdos. La música de ayer y hoy, acompanyada d’un elenc flamenc de luxe que inclourà, entre altres, els mestres de la guitarra Juan Habichuela i Juan José Suárez Paquete. El geni de les 6 cordes Steve Vai, considerat un dels millor guitarristes de la història, torna a BARTS el 21 de juliol dins del Passion and Warfare 25 Anniversary Tour, que celebra la seva obra cabdal. Per últim, els nord-americans St. Paul & The Broken Bones, una de les últimes sensacions de l’escena soul, descarregaran el seu arsenal de groove i rhythm’n’blues el 28 de juliol.

Entrades ja a la venda a heproject.es

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EL FESTIVAL GREC DE BARCELONA CELEBRA SU 40 ANIVERSARIO, Y VUELVE ESTE VERANO CON UNA PROGRAMACIÓN DE VERDADERO LUJO.

En el apartado musical, TheProject presenta un total de 6 conciertos, repartidos entre el Amfiteatre Grec y la sala BARTS con propuestas para todos los gustos.

AMFITEATRE GREC

El espectacular espacio de Montjuïc será testigo del debut en Barcelona del británico Benjamin Clementine el 12 de julio. El artista, a menudo comparado con referentes del calibre de Nina Simone y Rufus Wainwright, presentará At least for now (2015), su primer y aclamado disco. En cambio, la gran Estrella Morente necesita pocas presentaciones a estas alturas de la función: es una de las voces más reconocidas del flamenco y tendrá una nueva ocasión para demostrarlo el 10 de julio. A Jorge Drexler tampoco necesita mucho protocolo: simplemente es uno de los cantautores más destacados de los últimos tiempos, ganador -entre otros premios- de 2 Grammy y 1 Oscar y viejo conocido de Barcelona. El uruguayo actuará en el Amfiteatre Grec el 13 de julio.

GREC EN BARTS

Por otra parte, la sala del Paralelo acogerá tres propuestas muy interesantes. La sevillana Lole Montoya, la voz de los inolvidables Lole & Manuel, actuará el 8 de julio para estrenar Recuerdos. La música de ayer y hoy, acompañada de un elenco flamenco de lujo que incluirá, entre otros, los maestros de la guitarra Juan Habichuela y Juan José Suárez Paquete. El genio de las 6 cuerdas Steve Vai, considerado uno de los mejor guitarristas de la historia, vuelve a BARTS el 21 de julio dentro del Passion and Warfare 25 Anniversary Tour, que celebra su obra capital. Por último, los estadounidenses St. Paul & The Broken Bones, una de las últimas sensaciones de la escena soul, descargarán su arsenal de groove y rhythm’n’blues el 28 de julio.

Entrades ya a la venta en theproject.es

 

Una peça d’Arthur Miller obrirà el Grec 2016


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Una peça d’Arthur Miller obrirà el Grec 2016

 

 

 

 

El Grec Festival de Barcelona organitza enguany l’edició número 40 i ho celebra amb un dels grans dramaturgs del segle XX que, precisament, hauria fet cent anys l’any passat: Arthur Miller i la seva creació Les bruixes de Salem. El muntatge, dirigit per Andrés Lima, fundador de la companyia Animalario, obre l’edició de 2016 del festival (Teatre Grec; 1-5 juliol).

Ja s’han donat a conèixer els primers espectacles d’enguany, un avançament de la programació per al qual ja s’ha habilitat la venda de localitats. A finals de maig es farà pública la resta de la programació. De tota manera, si voleu assegurar-vos la vostra entrada per alguns dels concerts del Grec 2016, per al MiniGrec o per algún dels muntatges que podreu veure al Teatre Grec de Montjuïc, des d’ara mateix ja podeu comprar-les.

Les bruixes de Salem, interpretat per actors i actrius com Lluís Homar, Nora Navas, Míriam Alemany o Carme Sansa, entre d’altres, deixarà pas uns dies més tard, a la dansa de la Kibbutz Contemporary Dance Company que, els dies 8 i 9 de juliol, interpretarà, la coreografia de Rami Be’er If At All. També actuarà al teatre de Montjuïc l’Alonzo King Lines Ballet, gran renovador del llenguatge del ballet (15 i 16 de juliol), i la combinació de la dansa urbana dels Brodas Bros i la percussió dels Brincadeira. Totes dues companyies han creat l’espectacle Brinca Bros (30 de juliol, també al Teatre Grec). L’escenari de Montjuïc, per cert, acollirà el 21 de juliol les últimes representacions de Circus Klezmer, segurament la peça de circ contemporani català més internacional de la història.

El Teatre Grec acollirà bona part dels concerts del festival, amb estrelles com Estrella Morente (10 de juliol) i Mayte Martín (22 de juliol), però també amb Benjamin Clementine (la gran revelació musical del moment, 12 de juliol), Jorge Drexler (13 de juliol), Myles Sanko (13 de juliol) o, l’últim dia del festival, uns Manel que faran sonar els temes del seu nou disc, Jo competeixo (31 de juliol).

Cites clàssiques del festival com la Nit de tango (amb el Quinteto Real, 18 de juliol al Teatre Grec), la Nit de musicals (26 de juliol) o un concert de la Banda Municipal de Barcelona interpretant un programa que inclou l’Egmont de Beethoven amb la col·laboració de l’actor Àlex Casanovas (11 de juliol; Teatre Grec) tampoc no faltaran a la cita estiuenca.

Però la música del Grec 2016 s’estén també per molts d’altres escenaris de la ciutat, entre els quals un Jamboree que acull grans estrelles del jazz en una extensa programació (de l’1 al 23 de juliol) o el Harlem Jazz Club, on sonaran les músiques de Tori Sparks i Calamento (7 de juliol) i de Ray Cuza i el Septeto Sazonando de Cuba (28 de juliol).

A la sala Hiroshima sonaran durant el Grec el folk i el soul de Dorian Wood (10 de juliol) i el folk d’Scott Matthews (17 de juliol). I no gaire lluny d’allà, a la Sala Apolo, hi haurà les actuacions de Giant Sand (que s’acomiada dels escenaris) i d’Anthony Strong (14 i 22 de juliol respectivament).

La sala BARTS s’omplirà de sons indie i folk, entre els quals els de Lucy Rose (5 de juliol), Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (6 de juliol) i William Fitzsimmons (14 de juliol), tres artistes triats per votació del públic del Grec per actuar al festival en un procés de selecció organitzat per Cooncert. També passaran per la sala Lole Montoya (8 de juliol), l’argentí Gustavo Cordera (9 de juliol), el guitarrista Steve Vai (21 de juliol) i una tria de moderns artistes llatinoamericans que actuen (16 de juliol) a la tercera edició de l’Electropikal Fever Fest.

Com és habitual, els Jardins del Teatre Grec tornaran a acollir durant tot el mes uns concerts de petit format amb bandes i artistes emergents de l’escena musical catalana. Els mateixos jardins acolliran el 26 de juny una festa de presentació del MiniGrec, un cicle de teatre per a tots els públics que enguany inclou sis propostes de teatre, dansa i teatre d’objectes per als més petits.

Celebrant l’edició número 40 del Grec Festival de Barcelona, la plaça de Margarida Xirgu acull tot de propostes obertes i gratuïtes que van de les actuacions de l’Orquestra Plateria amb motiu del seu 40 aniversari (30 de juny) i de Chico Trujillo (31 de juliol), a l’espectacle de dansa (i futbol!) La Partida (21 i 22 de juliol) de la Companyia Vero Cendoya o les propostes de La Central del Circ (7 i 8 de juliol). L’espai serà escenari, fins i tot, d’una instal·lació artística de Jordi Galí i la Compagnie Arrangement Provisoire que, el 5 de juliol, construiran una estructura efímera al bell mig de la plaça.

I, com cada any, al festival s’afegiran tot d’activitats paral·leles que formen la secció MésGrec i que inclouen des de cites professionals com l’International Performing Arts Meeting (IPAM), el festival PIIGS o les propostes de l’Obrador Internacional de Dramatúrgia de la Sala Beckett, que estrena així els seves instal·lacions del Poblenou.

EL GUSTO ES NUESTRO 20 AÑOS, DE GIRA PER ESPANYA


EL GUSTO ES NUESTRO 20 AÑOS, DE GIRA PER ESPANYA

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9 únics concerts irrepetibles!

A causa del gran èxit en la venda d’entrades per als seus concerts a Madrid i Barcelona -amb les localitats pràcticament exhaurides- i les milers de peticions dels seus seguidors en altres punts de la península, El Gusto es nuestro 20 Años confirma una gira limitada de 9 concerts que visitarà les principals ciutats de la geografia espanyola i els festivals més emblemàtics de l’estiu.

Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Ana Belén i Miguel Ríos s’embarquen en una autèntica superproducció de luxe, amb pantalles d’alta definició i espectaculars efectes de llums, per oferir un repertori inigualable només a l’abast d’aquests quatre titans de la música espanyola.

Per descomptat, no faltarà cap d’aquests himnes: Hoy puede ser un gran día, España camisa blanca de mi esperanza, Bienvenidos, Solo pienso en ti, Cantares, Mediterráneo,La Puerta de Alcalá, Año 2000, Santa Lucia, Asturias, El hombre del piano, Fiesta, Lucía, Blues del autobús, Luna, Contamíname i tants d’altres …

A continuació, les dates de la gira que s’afegeixen a les ja confirmades a Madrid i Barcelona:

22 juliol> Peralada (Girona)

29 juliol> A Coruña

31 juliol> Cambrils (Tarragona)

5 agost> Starlite Marbella

16 setembre Granada

17 setembre> Sevilla

24 setembre>Valencia

1 octubre> Bilbao

14 octubre> Zaragoza

Entrades a la venda el dimecres 27 a les 10 del mati als canals habituals

Tota la informació a elgustoesnuestro20
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EL GUSTO ES NUESTRO 20 AÑOS, DE GIRA POR ESPAÑA

¡9 únicos conciertos irrepetibles!

Debido al gran éxito en la venta de entradas para sus conciertos en Madrid y Barcelona -con las localidades prácticamente agotadas- y a las miles de peticiones de sus seguidores en otros puntos de la península, El Gusto es Nuestro 20 Años confirma una gira limitada de 9 conciertos que visitará las principales ciudades de la geografía española y los festivales más emblemáticos del verano.

Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos se embarcan en una autentica superproducción de lujo, con pantallas de alta definición y espectaculares efectos de luces, para ofrecer un repertorio inigualable sólo al alcance de estos cuatro titanes de la música española.

Por supuesto, no faltará ninguno de estos himnos: Hoy puede ser un gran día, España camisa blanca de mi esperanza, Bienvenidos, Solo pienso en ti, Cantares, Mediterráneo,La Puerta de Alcalá, Año 2000, Santa Lucia, Asturias, El hombre del piano, Fiesta, Lucía, Blues del autobús, Luna, Contamíname y tantos otros…

A continuación, las fechas de la gira que se añaden a las ya confirmadas en Madrid y Barcelona:

22 julio> Peralada (Girona)

29 julio> A Coruña

31 julio> Cambrils (Tarragona)

5 agosto> Starlite Marbella

16 septiembre> Granada

17 septiembre> Sevilla

24 septiembre>Valencia

1 octubre> Bilbao

14 octubre> Zaragoza

Entradas a la venta el miércoles 27 de abril a las 10 de la mañana en los canales habituales

Toda la información en elgustoesnuestro20

De l’11 de juny al 12 de juliol Barcelona acollirà la quarta edició del Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes


 

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The Cranberries, Carlos Núñez & Celtic Legends, Juan Diego Flórez, Milky Chance, James Morrison, Miguel Bosé, Charles Aznavour, The Lumineeers, Paolo Conte, Tom Jones, Ara Malikian, George Benson, Toquinho + Maria Creuza, Joan Baez, M83 y José González integran la programación de este evento que se celebrará del 11 de junio al 12 de julio

Entradas a la venta a partir del lunes 11 de abril a las 10h en www.festivalpedralbes.com

La programación se complementa con el escenario Village con propuestas jóvenes de la escena musical

Una novedad destacada es la proyección de las películas “Indiana jones: En busca del arca perdida” y “The Artist” con sus bandas sonoras interpretadas en directo por la Orquestra Simfònica del Vallès dirigida por Ernst van Tiel

Y para toda la familia, actividades y música en horario diurno el El Día de la música by minimúsica y la jornada de SoundEAT! Music & Street Food

 

Del 11 de junio al 12 de julio Barcelona acogerá la cuarta edición del Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes. Este año contará con las actuaciones de The Cranberries, Carlos Núñez & Celtic Legends, Juan Diego Flórez, Milky Chance, James Morrison, Miguel Bosé, Charles Aznavour, The Lumineeers, Paolo Conte, Tom Jones, Ara Malikian, George Benson, Toquinho + Maria Creuza, Joan Baez, M83 y José González. Hay que destacar la programación del escenario Village donde actuarán diversos artistas de la joven escena musical los días de concierto a las 20.30h.

El Festival se abrirá el 11 de junio con un concierto del grupo irlandés The Cranberries liderado por la carismática cantante Dolores O’Riordan.  Su pop-rock alternativo llegaría más alto con el álbum “No Need To Argue” (1994) –producido por Stephen Street (The Smiths, Blur)- que incluye el mega-éxito y canción emblemática “Zombie”. Desde entonces han mantenido una trayectoria que les ha valido el favor del gran público.

El 12 de junio actuarán el gallego Carlos Núñez y el grupo irlandés Celtic Legends debutando en Pedralbes con un espectáculo conjunto de música y danza en el que se conectan diversos estilos de un tronco celta común. En escena se juntarán 12 bailarines y 3 músicos de Celtic Legends con la banda de Carlos Núñez para ofrecer espectaculares coreografías.

El tenor peruano Juan Diego Flórez actuará el 14 de junio, consagrado como uno de los más grandes tenores ligeros de todos los tiempos. Los elogios que recibe se deben a una bella voz en la que dominan las frecuencias altas en su estructura armónica, pudiendo alcanzar las dos octavas. Destaca en el dominio de las florituras del canto y en especial en la técnica ornamental denominada coloratura.

El día 15 de junio será el turno del dúo alemán Milky Chance  integrado por Clemens Rehbein, cantante e instrumentista, y Philipp Dausch, encargado de la parte electrónica y la producción. Estrenarán su esperado nuevo disco tras haberse hecho un nombre en el circuito alternativo combinando de manera magistral melancolía folk-pop y ritmos electrónicos bailables.

El cantautor británico James Morrison llegará a Pedraldes el 17 de junio para demostrar que el término “blue-eyed soul”, que se utiliza para referirse a la música soul interpretada por blancos, le va que ni pintado. Ahora que Ed Sheeran, George Ezra o James Bay siguen sus pasos, Morrison  ha vuelto con “Higher Than Here” para cultivar una preciosa y arenosa voz en elegantes melodías que no desentonaría en el repertorio de Adele o Sam Smith.

 

El 22 de junio, Miguel Bosé traerá su nuevo espectáculo “Amo Tour”, un innovador show de dos horas en el que, arropado por 8 músicos, una impactante escenografía y la última tecnología en luz, sonido y video, cantará temas de su último disco “Amo” y hará un recorrido por lo mejor de su repertorio.

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El legendario Charles Aznavour interpretará su inmortal cancionero el 25 de junio. Símbolo de la canción francesa y orgulloso de su origen armenio, se muestra en sus conciertos como un completo ‘entertainer’ que enamora con sus baladas y sus dotes teatrales, demostrando que es el último gran crooner europeo.

El grupo The Lumineers actuará el 26 de junio. Liderado por Wesley Schultz (cantante y guitarrista) y Jeremiah Fraites (batería), ambos compositores, estrenarán en Pedralbes su esperado segundo disco “Cleopatra” con un sonido ‘americana’ fuera del tiempo que aúna folk y canciones de trabajo con paisajes postmodernos.

 

El italiano Paolo Conte traerá su carismática mezcla entre canción y jazz el 28 de junio. Acompañado por su impecable macro banda solo basta que su voz ronca acometa la primera estrofa para introducirnos en un mundo de candilejas lleno de swing, con un repertorio en el que siempre suenan sus grandes clásicos, como “Dancing” o “Via con me”, mostrando la faceta de crooner y también el amor por el tango.    

 

La leyenda galesa, Sir Tom Jones, vuelve a Barcelona en un concierto exclusivo para el Festival de Pedralbes el 29 de junio. ‘La Voz’ viene con un nuevo álbum, «Long Lost Suitcase» tras sus aclamados «Praise and Blame» (2010) y «Spirit In The Room» (2012) en los que traslada a su campo una selección de algunas de sus canciones favoritas de Bob Dylan, Hank Williams, Rolling Stones, Led Zeppelin, Leonard Cohen, Willie Dixon o Los Lobos.

Ara Malikian, reputado violinista libanés de origen armenio afincado en nuestro país, viene a Pedralbes el 30 de junio a presentar el último álbum “15”, en el que versiona desde Radiohead a Los Secretos y Chambao. El programa del concierto incluye lo mejor de su carrera y composiciones nuevas con la idea de acercar la música clásica a todos los públicos, alternando piezas clásicas y adaptaciones del repertorio de la música popular del siglo XX.  

 

El guitarrista y cantante George Benson es toda una institución de la música popular. Su paso por el festival el 4 de julio servirá para constatar que es un virtuoso del jazz y un vocalista excelso con un sólido repertorio en el que seguro no faltarán grandes clásicos como “Nothing’s Gonna Change My Love For You”, “Kisses In The Moonlight” o la versión de “On Broadway”, sabiendo ser íntimo en las confidencias amorosas y seductor con el ritmo.

 

Toquinho y Maria Creuza traerán la saudade agridulce de la música brasileña el 8 de julio. Y para ello nada mejor que recordar las canciones del mítico álbum que grabaron con Vinicius de Moraes, poeta y gran artífice de la bossa nova, en Buenos Aires, en el café concierto La Fusa en 1970. Un puñado de clásicos entre los que se incluyen “Garota de Ipanema” y otros temas emblemáticos como “A felicidade” o “Lamento no morro”.

 

La canción protesta y el folk de Joan Baez están más vigentes que nunca tal como se podrá comprobar el 10 de julio. Viene para ofrecer una selección de su inmortal cancionero, escogiendo lo mejor y más representativo de sus más de cincuenta años de carrera. No faltaran tampoco las emblemáticas canciones en castellano haciendo bandera de su lucha contra las injusticias y a favor de los derechos humanos.

Detrás del proyecto M83 está el francés Anthony González que debutará con su grupo en Pedralbes el 11 de julio para estrenar el flamante nuevo disco “Junk”. Tras convertirse en una afamada estrella internacional, gracias a su ambicioso anterior álbum “Hurry Up, We’re Dreaming”, defenderá unas majestuosas y ensoñadoras canciones inspiradas por el synthpop de los años 80.

Cerrando el festival estará el cantautor sueco de origen argentino José González el 12 de julio. Convertido en emblema de la música indie desde su debut con “Veneer”, su carrera se solidificó primero con “In Our Nature” y ahora con la nueva entrega “Vestiges & Claws”. Todos ellos llenos de emocionantes melodías entre el folk y el pop, en un repertorio que mezcla canciones propias y exquisitas versiones.

La proyección de “Indiana Jones: En busca del arca perdida” se realizará el 19 de junio. La mítica película de aventuras realizada por Steven Spielberg y protagonizada por Harrison Ford se podrá revivir con la épica banda sonora que compuso John Williams interpretada en directo por la Orquestra Simfònica del Vallès a las órdenes del prestigioso director holandés Ernst van Tiel.

El pase de “The Artist” tendrá lugar el 2 y 3 de julio. Este homenaje al cine mudo que arrasó en los grandes festivales -obteniendo premios en Cannes, un Goya y cinco Oscars, entre ellos el de mejor película y mejor banda sonora. Su compositor, el francés Ludovic Bource, estará presente en el festival como pianista acompañado por la Orquestra Simfònica del Vallès y dirigido por Ernst van Tiel.

 

Espacio Village

Todos los días de concierto a las 20,30h y como aperitivo a las actuaciones estelares, el escenario Village acogerá una programación que reúne algunas de las propuestas musicales más jóvenes y más interesantes del panorama nacional. En esta edición actuarán, entre otros, el grupo Hazte Lapón (11 de junio), Pau Figueres (12 de junio) Santi Careta (25 de junio), Guillem Roma (28 de junio), Judit Neddermann (30 de junio), Sara Pi (4 de julio), Ferran Savall (8 de julio), Maria Arnal i Marcel Bagés (10 de julio) y Marion Harper (11 de julio).

El festival hará un guiño al público familiar en dos jornadas de su programación ubicadas en el entorno de los jardines. Ambas se realizarán al aire libre y en horario diurno.

Gracias al éxito de convocatoria del pasado año vuelve el Día de la Música by MiniMúsica (28 de junio) en el que habrá concierto y  diversos talleres y actividades relacionadas con la música, además de animaciones y merienda para los más pequeños. La entrada será gratuita hasta los 12 años.  Y por segunda vez, el festival acogerá la jornada gastro-musical by SoundEat!  (16 de julio) que reunirá en el entorno de los jardines la mejor escena emergente de dj’s con diferentes propuestas de cocina creativa entorno al exitoso modelo Truck Food.  Será el cierre del festival.

 

La oferta gastronómica para esta edición la irá a cargo de Nandu Jubany en el restaurante del Palau Reial y de Sauleda en el Village.

 

 

 

Más información y venta de entradas:  www.festivalpedralbes.com

 

 

The Cranberries, Carlos Núñez & Celtic Legends, Juan Diego Flórez, Milky Chance, James Morrison, Miguel Bosé, Charles Aznavour, The Lumineeers, Paolo Conte, Tom Jones, Ara Malikian, George Benson, Toquinho + Maria Creuza, Joan Baez, M83 i José González integren la programació, que es celebrarà de l’11 de juny al 12 de juliol

Entrades a la venda a partir del dilluns 11 d’abril a les 10h a www.festivalpedralbes.com 

L’escenari Village complementa l’oferta musical amb propostes de la jove escena musical a les 20,30h.

 

Com a novetat destacada, la projecció de la pel·lícula “Indiana Jones: En busca del arca perdida” y “The Artist” amb les bandes sonores originals interpretades en directe per l’Orquestra Simfònica del Vallès i dirigida per Ernst van Tiel

I per a tota la família, activitats i música en horari diürn El Dia de la música by minimúsica i la jornada de SoundEAT! Music & Street Food

De l’11 de juny al 12 de juliol  Barcelona acollirà la quarta edició del Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes. Aquest any comptarà amb les actuacions de The Cranberries, Carlos Núñez & Celtic Legends, Juan Diego Flórez, Milky Chance, James Morrison, Miguel Bosé, Charles Aznavour, The Lumineeers, Paolo Conte, Tom Jones, Ara Malikian, George Benson, Toquinho + Maria Creuza, Joan Baez, M83 i José González.

El festival s’obrirà l’ 11 de juny amb el grup irlandès  The Cranberries  liderat per la carismàtica cantant Dolores O’Riordan.  El seu pop-rock alternatiu arribaria al més alt amb l’àlbum “No Need To Argue” (1994) –produït per  Stephen Street (The Smiths, Blur)- que inclou el mega-èxit i cançó emblemàtica “Zombie”. Des d’aleshores han mantingut una trajectòria que els ha valgut el favor del gran públic.

El 12 de juny actuarà el gallec Carlos Núñez i el grup irlandès Celtic Legends debutant a Pedralbes amb un espectacle conjunt de música i dansa on es connecten diversos estils d’ un tronc celta comú. En escena s’ajuntaran 12 ballarins i 3 músics de Celtic Legends amb la banda de Carlos Núñez per a oferir espectaculars coreografies.

El tenor peruà Juan Diego Flórez actuarà el 14 de juny,  consagrat com un dels més grans tenors lleugers de tots el temps.  Els elogis rebuts es deuen a una bella veu on dominen les freqüències altes en la seva estructura harmònica, podent aconseguir les dues octaves. Destaca en el domini de les floritures del cant i en especial en la tècnica ornamental denominada  ‘coloratura’.

El 15 de juny serà el torn del duo alemany Milky Chance  integrat per Clemens Rehbein, cantant i instrumentista, i Philipp Dausch, encarregat de la part electrònica i la producció. Estrenaran el seu esperat nou disc després de fer-se un nom al circuit alternatiu combinant de manera magistral malenconia folk-pop i  ritmes electrònics ballables.

El cantautor britànic James Morrison arribarà a Pedralbes el 17 de juny per a demostrar que el terme ‘blue-eyed soul’, que s’utilitza per a referir-se a la música soul interpretada per blancs, li va que ni pintat.  Ara que Ed Sheeran, George Ezra o James Bay segueixen els seus passos, Morrison  ha tornat amb “Higher Than Here” per a cultivar una preciosa i arenosa veu en elegants melodies que no desentonarien al repertori d’ Adele o Sam Smith.

 

El 22 de juny,  Miguel Bosé portarà el seu nou espectacle “Amo Tour”, un innovador show de dues hores al qual,  envoltat de 8 músics, una impactant escenografia i l’última tecnologia en llum, so i vídeo, cantarà temes del seu darrer disc “Amo” i farà un recorregut pel millor del seu repertori.

 

El llegendari Charles Aznavour interpretarà  el seu immortal cançoner el 25 de juny. Símbol de la cançó francesa i orgullós del seu origen armeni, es mostra en els seus concerts com un complet ‘entertainer’ que enamora amb les seves balades i les seves dots teatrals, demostrant que és l’últim gran crooner europeu.

El grup The Lumineers actuarà el 26 de juny. Liderat per Wesley Schultz (cantant i guitarrista) i Jeremiah Fraites (bateria), ambdós compositors, estrenaran a Pedralbes el seu esperat segon disc “Cleopatra” amb un so ‘americana’ fora del temps que uneix folk i cançons de treball amb paisatges postmoderns.

 

L’ italià Paolo Conte  portarà la seva carismàtica mescla entre cançó i jazz el 28 de juny. Acompanyat per la seva impecable macro banda només necessita que la seva veu ronca emprengui la primera estrofa per a introduir-nos en un món de llums ple de swing, amb un repertori al qual sempre sonen els seus grans clàssics, com “Dancing” o “Via amb me”, mostrant la faceta de ‘crooner’ i també l’amor pel tango.    

 

La llegenda gal·lesa , Sir Tom Jones, torna Barcelona en un concert exclusiu per al Festival de Pedralbes el 29 de juny. ‘La Veu’ ve amb un nou àlbum, «Long Lost Suitcase» després dels seus aclamats «Praise and Blame» (2010) i «Spirit In The Room» (2012) on  trasllada al seu terreny una selecció d’algunes de les seves cançons favorites de Bob Dylan, Hank Williams, Rolling Stones, Led Zeppelin, Leonard Cohen, Willie Dixon o Los Lobos.

Ara Malikian, reputat violinista libanès d’origen armeni establert a Espanya, ve a Pedralbes el 30 de juny per a presentar l’últim àlbum “15”, al qual versiona des de Radiohead a Los Secretos i Chambao. El programa del concert inclou el millor de la seva carrera i composicions noves amb l’idea d’apropar la música clàssica a tots els públics, alternant peces clàssiques i adaptacions del repertori de la música popular del segle XX.  

 

El guitarrista i cantant George Benson és tota una institució de la música popular. El seu pas pel festival el 4 de juliol servirà per a constatar que es un virtuós del jazz i un cantant excels amb un sòlid repertori en què segur no faltaran grans clàssics com “Nothing’s Gonna Change My Love For You”, “Kisses In The Moonlight” o la versió de “On Broadway”, sabent ser íntim en les confidències amoroses i seductor amb el ritme.

 

Toquinho i Maria Creuza portaran la ‘saudade’ agredolça de la música brasilera el 8 de juliol. I per això res millor que recordar les cançons del mític àlbum que van gravar amb Vinicius de Moraes, poeta i gran artífex de la bossa nova, a Buenos Aires, al cafè concert La Fusa el 1970. Un grapat de clàssics entre els quals s’inclouen “Garota de Ipanema” i altres temes  emblemàtics como “A felicidade” o “Lamento no morro”.

 

La cançó protesta i el folk de Joan Baez estan més vigents que mai tal i com es podrà comprovar el 10 de Juliol. Ve per oferir una selecció del seu immortal cançoner triant el millor i més representatiu dels més dels seus cinquanta anys de carrera. No faltaran tampoc les emblemàtiques cançons en castellà fent bandera de la seva lluita contra les injustícies i a favor dels drets humans.

Al darrera del projecte M83 està el francès Anthony González de debutarà amb el seu grup a Pedralbes l’11 de Juliol per a estrenar el seu flamant nou disc “Junk”. Després de convertir-se en una afamada estrella internacional, gràcies al seu ambiciós anterior àlbum “Hurry Up, We’re Dreaming”, defensarà unes majestuoses i evocadores cançons inspirades en el synthpop dels anys 80.

Tancant el festival estarà el cantautor suec d’origen argentí José González el 12 de juliol. Convertit en emblema de la música indie des del seu debut amb “Veneer”, la seva carrera es va solidificar primer amb “In Our Nature” i ara amb la nova entrega “Vestiges & Claws”. Tots ells plens d’emocionants melodies entre el folk i el pop, en un repertori on es mesclen cançons pròpies i exquisides versions.

La projecció d’ “Indiana Jones: En busca del arca perdida”  es realitzarà 19 de juny. La mítica pel·lícula d’ aventures realitzada per Steven Spielberg i protagonitzada per Harrison Ford es podrà reviure amb l’èpica banda sonora que va compondre John Williams interpretada en directe per l’Orquestra Simfònica del Vallès a les ordres del prestigiós director holandès Ernst van Tiel.

Espai Village

Tots  els dies de concert les  20,30h i com aperitiu a les actuacions estel·lars, l’escenari Village acollirà una programació que reuneix algunes de les propostes musicals més joves i més interessants del panorama nacional. En aquesta edició actuaran, entre d’altres, el grup Hazte Lapón (11 de juny), Pau Figueres (12 de juny) Santi Careta (25 de juny), Guillem Roma (28 de juny), Judit Neddermann (30 de juny), Sara Pi (4 de juliol), Ferran Savall (8 de juliol), Maria Arnal i Marcel Bagés (10 de juliol) i Marion Harper (11 de juliol).

El festival dedicarà dues jornades al públic familiar: gràcies e l’èxit de convocatòria de les dues passades edicions torna el Dia de la Música by MiniMúsica (28 de juny) on hi hauran concerts i diversos tallers i activitats relacionades amb la música,  a més d’animacions i berenar pels més petits. L’entrada serà gratuïta fins els 12 anys.  Y per segon cop, el festival acollirà la jornada gastro-musical by SoundEat!  (16 de juliol) que reunirà a l’entorn dels jardins la millor escena emergent de dj’s amb diferents propostes de cuina creativa entorn a l’incipient model Truck Food. 

 

L’oferta gastronòmica anirà a càrrec de Nandu Jubany al restaurant del Palau Reial i de Sauleda al  Village.