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EXPOSICIÓ: «DON EDDY» UN MESTRE DE L’HIPERREALISME AMERICÀ (11 FEBRER 2014 – 30 MARÇ 2014) MEAM [BARCELONA]


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El MEAM organitza la primera exposició a l’Estat de Don Eddy, un dels màxims
exponents de l’Hiperrealisme americà

 

La mostra recull vuit tríptics creats entre el 2005 i el 2011 i romandrà oberta de l’11 de febrer al 30 de març-

L’obra d’Eddy forma part d’importants col·leccions als Estats Units, entre elles les del MOMA i el Museu Whitney

El mestre americà va exposar a París el 1973 i des de llavors no ha tingut a Europa cap exposició individual

 

Don Eddy (Califòrnia, 1944) és un pintor afincat a Nova York que va obtenir el reconeixement inicial com a artista  hiperrealista durant els anys 60. Tot i ser un dels màxims exponents de la> seva generació i marcar tota una època, no ha exposat individualment mai a l’Estat.

 

Ara el MEAM (Museu Europeu d’Art Modern) presenta de l’11 de febrer al 30 de març vuit dels seus recents tríptics, creats entre el 2005 i el 2011:

Nostos I: There is no Road to Grace’s House (2005), A River Called In Lumen
Profero (2008), Last Few Tears (2008), Eon (2009), My Brother’s Keeper (2009),
Place Bandit IV (2009), Revelation Rain (2010) i Mono No Aware II
(2011).
Aquests darrers treballs del mestre americà s’han anat apartant del realisme fotogràfic, que havia caracteritzat les seves primeres etapes, per explorar el regne de la metafísica. Les seves peces gaudeixen d’una excel·lent  cotització al mercat de l’art actual.

En les seves primeres obres de la dècada dels 60 i 70, Eddy va retre homenatge als cotxes i el paisatge urbà estatunidenc. Algunes d’elles van formar part de la impactant exposición col·lectiva Hiperrealismo 1967-2012,  inaugurada al Museu Thyssen-Bornemisza el mes de març de 2013 i centrada en les tres generacions d’artistes que van prendre com a referents els motius de> la cultura pop i el capitalisme postindustrial. El cartell d’aquesta mostra va ser precisament un quadre de Don Eddy amb els seus emblemàtics automòbils.

A la dècada dels 80, el seu treball es va orientar cap als objectes, representant cristalleries, vaixelles i joguines en una sèrie de prestatges de vidre reflectant. Ja va fer servir en aquells anys els políptics (pintures amb diversos panells), juxtaposant imatges poètiques i fent-se ressò dels ecosistemes i les relacions entre elles.

Els tríptics que es podran veure al MEAM

El format i les tècniques que Don Eddy ha fet servir per crear cadascuna de les pintures que es podran veure al MEAM són els trets distintius de la seva obra. Cada quadre és la suma de tres panells individuals, separats normalment per espais de 2.54 cm un de l’altre. Les seves imatges estan inspirades en fotografies i pintades amb un aerògraf que té 55 anys. Es tracta de tècniques de l’art comercial que avui són plenament vigents però en els anys 60 eren força controvertides. En tercer lloc, els quadres estan pintats utilitzant un laborat sistema d’entre 15 i 25 capes de pintura, una tècnica habitual en l’art pre-modern de l’Europa Occidental però no tan comú en la pintura contemporània.

Amb els políptics, Eddy vol reflectir una de les seves principals preocupacions: la tensió entre la percepció i l’experiència. Per ell, la riquesa de l’experiència està tancada en coses simples, que vol traslladar-la al context artístic mitjançant la relació establerta entre les tres imatges.
Amb la seva obra apunta una nova relació entre l’artista, el treball i l’espectador.

Més informació:http://www.meam.es

 

Exposició

DON EDDY. UN MESTRE DE L’HIPERREALISME AMERICÀ

MEAM (Museu Europeu d’Art Modern)

C/ Barra de Ferro 5. Barcelona. Tel. 93 319 56 93

De dimarts a diumenge de 10h a 20h.

Preus: entrada general, 7 euros / entrada reduïda: 5 euros.

Santa Eulàlia de Barcelona (12 de febrer)


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Santa Eulàlia de Barcelona

Festivitat
12 de febrer (22 d’agost en l’Església Ortodoxa)

Fets destacables
hi ha dubtes de la seva historicitat

Iconografia
Amb una creu en aspa; amb un colom blanc; lligada a una estaca amb foc que es retira d’ella

Patronatge
Ciutat de Barcelona; a Barcelona, de: picapedrers, mestres d’obres, boters, bugaderes, mestresses de casa

Santa Eulàlia de Barcelona (Sarrià, ca. 290 – Barcelona, ca. 303) va ser, segons la tradició, una noia cristiana que va morir per no voler rebutjar la seva fe durant les persecucions de Dioclecià, essent martiritzada i venerada com a màrtir per diferents confessions cristianes. Sembla, però, que es tracta d’una figura llegendària i, en realitat, inexistent, la llegenda de la qual es va desenvolupar a partir del desdoblament i confusió amb la història de santa Eulàlia de Mèrida.[1] És la patrona de la ciutat de Barcelona (la Mare de Déu de la Mercè, tot i que és celebrada també com a patrona, és, estrictament, patrona de la diòcesi de Barcelona).

Hi ha seriosos dubtes sobre la historicitat de la narració del seu martiri, i fins i tot sobre si la seva llegenda no és una versió local de la de santa Eulàlia de Mèrida, ja que el primer testimoni escrit que se’n té és un himne de Quirze (bisbe de Barcelona), de cap al 660, o sigui, més de tres segles després de la seva època.[3] La tradició que la fa originària de Sarrià encara és posterior. La llegenda barcelonina reprodueix gairebé literalment els fets i turments, a més del nom, de la santa de Mèrida, la qual cosa fa pensar en un de les típiques duplicacions de personalitat hagiogràfica que es van donar durant l’Alta Edat Mitjana.

Les seves despulles foren localitzades el 878 pel bisbe Frodoí a Santa Maria de les Arenes, on avui hi ha Santa Maria del Mar, i traslladades solemnement a la catedral, on al segle XIII van instal·lar-s’hi a la cripta.

Segons la tradició cristiana, Eulàlia fou una noia del Pla de Barcelona, més concretament, del Desert de Sarrià), del final del segle III. Educada en el cristianisme, encara nena, amb tretze anys i durant la persecució de Dioclecià contra els cristians que va dur a terme el prefecte Decià, no va voler renunciar a la seva fe i fou condemnada a patir diferents turments, fins que, en veure els jutges que no servien per fer-la abjurar del cristianisme, la van condemnar a morir a la creu en forma d’aspa.

D’acord amb la tradició, la noia va patir tretze turments, tants com anys tenia. Fou assotada, se li va estripar la carn amb garfis, li’n posaren els peus sobre brases roents, li tallaren els pits, li fregaren les nafres amb pedra tosca, li aplicaren oli bullent a les ferides, la van ruixar amb plom fos i la van llançar a una bassa de calç. A més, fou ficada en una bóta plena de vidres que van fer rodolar, va ésser cremada a una foguera, tancada amb puces perquè la piquessin i, finalment, crucificada.

Eulàlia, mentre era a casa seva, tenia cura de les oques que s’hi criaven. Per aquest motiu, al claustre de la Catedral de Barcelona hi ha de forma permanent tretze oques, tantes com els anys que tenia en morir, de color blanc, com a símbol de la seva puresa.

La santa vivia als afores de la ciutat, a Sarrià; vora la seva casa hi havia un bosc de xiprers. Un dia que la santa hi passejava, tingué una aparició: un àngel li digué que fóra santa i patrona de Barcelona i, en record del prodigi, els xiprers es van convertir en palmeres, arbre llavors desconegut a la ciutat. Per això, la finca de Sarrià tenia palmeres i era coneguda com el Desert de Sarrià.

Quan les restes de la santa van ser traslladades de Santa Maria de les Arenes a la Catedral, el 878, en arribar la processó al portal de la ciutat, que era on ara hi ha la Plaça de l’Àngel, l’arca on anaven les restes va prendre un pes tan gran que no va poder ser moguda i van haver de deixar-la a terra. Malgrat els intents d’aixecar-la, no hi havia manera de poder continuar la traslació i es va pregar perquè el Cel enviés un senyal que permetés conèixer-ne la causa. Un àngel s’aparegué llavors i assenyalà amb el dit un dels canonges que prenia lloc a la processó: el sacerdot, penedit, va confessar que, en fer el trasllat de les restes de la santa a l’arca, se n’havia quedat un dit, com a relíquia i, en tornar-lo al seu lloc, van poder tornar a aixecar l’arca i continuar la cerimònia: la santa no volia entrar «incompleta» a la seva ciutat. Per aquest motiu, l’antiga Plaça del Blat va canviar el nom i passà a dir-se Plaça de l’Àngel i l’actual carrer de la Llibreteria prengué el nom de Baixada de Santa Eulàlia, a més, s’hi instal·là al portal l’escultura d’un àngel de planxa de coure que assenyalava cap avall, i una altra de santa Eulàlia.

Moltes dones i noies duen el nom de Laia, que és una adaptació del nom «Eulàlia», que en grec significa «ben parlada»

Un dels turments que va patir va consistir a ficar-la nua en una bóta plena de claus i vidres i llançar-la rodolant tretze cops per un pendent, l’actual carrer anomenat Baixada de Santa Eulàlia, on hi ha una imatge de la santa en una petita capella. Per commemorar aquest fet, la diada de la santa, els fidels pujaven i baixaven aquest carrer tretze cops, simbolitzant el recorregut de la bóta. També per això, Santa Eulàlia era patrona del gremi de boters.

Un altre turment fou el del foc, lligada la jove a una estaca; miraculosament, però, les flames s’apartaven del cos d’Eulàlia per dirigir-se contra els seus botxins. L’episodi és un dels que està representat als relleus del rerecor de la Catedral de Barcelona.

Després d’ésser fuetejada, va ser tancada en una presó, en un calabós ple de puces per tal que li piquessin les ferides. Aquesta presó, deia la llegenda, era al carrer de la Volta de Santa Eulàlia. Per això, el 12 de febrer, les puces són més grosses i piquen amb més furia. El sol, avergonyit d’aquest martiri, no vol entrar en aquest carreró, habitualment fosc i només l’il·lumina la diada de Santa Eulàlia.

La santa havia estat empresonada, també, a la Volta del Remei o al número 7 del carrer del Call.

Diu la llegenda que, després de dotze turments, finalment la van clavar tota despullada en una creu en forma d’aspa (forma coneguda com a creu de Santa Eulàlia, o de Sant Andreu). En aquell moment, per preservar la seva intimitat i que ningú no la veiés nua, li van créixer els cabells fins a tapar-la o, segons altres versions, va començar a nevar fins que va quedar coberta per la neu. Va morir a la creu i la seva ànima va volar, en forma de colom blanc que li va sortir de la boca.

Diversos llocs de Barcelona reclamaven l’honor d’haver estat l’indret de la mort de la santa: els més anomenats eren el Pla de la Boqueria (motiu pel qual, a la casa de la Rambla fa cantonada amb el carrer de la Boqueria, hi ha l’escultura de la santa presidint el lloc)[9] i la Plaça del Pedró, on s’hi va erigir un monument commemoratiu al segle XVII que fou destruit arran de la guerra civil de 1936-39 i reconstruit posteriorment. Se’n conserva, però, el cap de la imatge de santa Eulàlia que el coronava originalment, obra de Lluís Bonifaç, que es troba al Museu d’Història de Barcelona.

Joan Amades diu que al número 9 del Portal de l’Àngel, davant del Palau Barberà, hi havia una pedra que Eulàlia, quan venia a la ciutat a cavall d’un ruquet per anar a costura, feia servir per descavalcar-ne.

Fins al 1423, el carrer del Bisbe va dir-se carrer de Santa Eulàlia; la porta de Santa Eulàlia de la catedral, amb una imatge en terra cuita de la santa, dóna a aquest carrer.

Campionat del Món FIM de Superenduro, que es disputaran aquest diumenge 9 de febrer al Palau Sant Jordi


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El trial i l’enduro ‘indoor’ portaran els millors pilots del món al Palau Sant Jordi

«Catalunya és un referent del món de les motos i Barcelona projecta aquesta força esportiva del territori gràcies al fet d’actuar com una capital internacional de l’esport», ha remarcat la tinenta d’alcalde d’Esports, Maite Fandos, durant la presentació, en el marc de la qual ha recordat la força dels esportistes de motor catalans, fent referència als èxits aconseguits a l’edició d’enguany del Ral·li París-Dakar. Fandos ha volgut recordar també el desaparegut esportista Álvaro Bultó, vinculat amb el món de l’esport d’aventura i al motor, i partícip del llegat històric que el món del motociclisme ha deixat a Barcelona i Catalunya.

Alguersuari ha reivindicat els 37 anys que han passat des de la celebració del primer Trial Indoor, i ha posat en relleu la importància de tenir el suport institucional per exercir aquesta capitalitat de Barcelona dins el panorama esportiu mundial.

Els millors pilots del món

Els guanyadors de l’any passat en les respectives proves, Toni Bou i Taddy Blazusiak, intentaran mantenir el títol i s’enfrontaran a un nodrit grup d’especialistes, els millors pilots del món de l’off the road.

La 37a edició del Trial Indoor de Barcelona serà la tercera prova del Mundial i en la qual prendran part vuit pilots. Toni Bou (Montesa Honda) fa set edicions que guanya aquesta prova i, en aquests moments, es troba per davant de grans pilots com Albert Cabestany (Sherco), Adam Raga (Gas Gas), Jeroni Fajardo (Beta), Takahisa Fujinami (Montesa Honda) i James Dabill (Beta), entre altres.

Una de les novetats, a banda d’una variació en el format de competició, que admet quatre pilots a la final, destaca el debut del pilot de Vigo Jorge Casales (Gas Gas), de 19 anys, actual campió de la Copa del Món Júnior de Trial, així com el pilot gal·lès Loris Goubian.

Pel que fa a l’Enduro Indoor de Barcelona, amb 15 edicions celebrades i cinquena prova puntuable del Campionat del Món FIM de Superenduro, cal destacar el polonès Taddy Blazusiak (KTM), amb set victòries aconseguides a la prova barcelonina.

Blazusiak encapçala el grup de pilots d’elit, que estarà integrat pels britànics David Knight (KTM) i Jonathan Walker (KTM), el barceloní Dani Gibert (Gas Gas), i el campió del món d’enduro, el tarragoní Ivan Cervantes. Completen el grup els gironins Dani Oliveras, acabat d’aterrar del Ral·li Dakar, i Melcior Faja, i el jove madrileny Mario Román, que actualment ocupa la quarta posició al Mundial Júnior.

En el marc de l’Enduro se celebrarà una competició en la categoria júnior i el Desafiament Solo Moto Off Road, la tercera edició d’aquesta competició per a pilots aficionats d’enduro que arriba novament amb rècord d’inscripcions.

La tercera edició de la festa de la llum serà un dels punts forts de les Festes de Santa Eulàlia, que se celebraran els dies 7, 8 i 9 de febrer.


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Els dies 7, 8 i 9 de febrer arriben les Festes de Santa Eulàlia, copatrona de la ciutat, amb una programació plena d’activitats diürnes relacionades amb la cultura popular, i també de nocturnes, en el marc del festival Llum BCN. Fins a 18 espais de Barcelona, la majoria al barri Gòtic, constituiran dos itineraris visitables que s’obriran quan es faci fosc.

La festa major d’hivern de Barcelona ja està a punt, amb un munt d’activitats de cultura popular i també diverses de relacionades amb el 1714 i amb el festival Llum BCN.

La tercera edició de la festa de la llum serà un dels punts forts de les Festes de Santa Eulàlia, que se celebraran els dies 7, 8 i 9 de febrer. Coincidint amb la commemoració del Tricentenari, l’entorn d’El Born Centre Cultural s’il·luminarà cada vespre amb 300 flames, i un itinerari d’instal·lacions de llum recorrerà el camí entre el jaciment i la Ciutadella, on es faran mappings a la façana relacionades amb els fets del 1714.

També es recuperaran els últims tres mappings projectats a la façana de l’Ajuntament en les últimes tres edicions de les Festes de la Mercè, i s’il·luminaran la muralla i la façana de la casa de Salvador Espriu al passeig de Gràcia.

D’altra banda, el Llum BCN també obrirà deu patis del barri Gòtic, que lluiran treballs dels professionals i estudiants del disseny i la il·luminació de la ciutat que han concebut un itinerari de mirades creatives i modernes sobre aquests racons del centre històric.

Precisament, amb motiu de la proposta, s’ha organitzat el concurs #LlumBCN14, en què tothom que vulgui participar pot enviar fotografies dels espais il·luminats per intentar guanyar unes ulleres Etnia Barcelona. Només us heu d’inscriure a www.bcn.cat/fotomobil i etiquetar les vostres imatges a Instagram o Twitter amb l’etiqueta #LlumBCN14.

Barcelona exhibeix múscul d’entitats populars

Com cada any, les Festes de Santa Eulàlia seran una gran oportunitat per veure tot tipus d’activitats de cultura popular a càrrec de les entitats de la ciutat. Sardanistes, esbarts dansaires, falconers, geganters i castellers sortiran als carrers a exhibir-se, juntament amb cercaviles tradicionals, com la passejada de la gegantona Laia o el ball de l’Àliga.

La ciutat convidada en aquesta edició de les Festes de Santa Eulàlia serà la de Cardona, molt lligada als fets del 1714 i que també té una àliga pròpia. De fet, aquesta figura i la resta de gegants i bestiari de la ciutat del Bages desfilaran amb els de Barcelona.

Tota la informació la podeu trobar al web de les Festes de Santa Eulàlia, que conté la programació de cada dia, els espectacles i horaris de Llum BCN, i també un joc d’Instagram, que a través d’un mapa proposa un passeig pels llocs vinculats a la copatrona de Barcelona.

Arriba Santa Eulàlia! La ciutat es guarneix per a la festa ( del 7 al 12 de febrer)


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Arriba Santa Eulàlia!

La ciutat es guarneix per a la festa

Tot i que el 1687 el Consell de la Ciutat va nomenar patrona la Verge de la Mercè, l’any 1714 encara era santa Eulàlia, qui rebia la devoció incondicional dels barcelonins. De fet, la ciutat es posava a les seves mans quan s’intuïa un perill, com ara el setge borbònic que va acabar tràgicament l’11 de setembre. Enguany, la festa de la copatrona se celebra en el marc del tricentenari d’aquells fets, amb una generosa oferta que inclou actes populars, homenatges, exposicions i altres activitats que combinen tradició i modernitat.

El Born Centre Cultural serà el cor de la celebració. Gairebé 1.500 espelmes hi recrearan, amb llum, el logotip del Tricentenari BCN en l’acte inaugural de la festa (7 de febrer, 20 h), una imatge gegant feta de llum a la qual retran honors els Protocols de l’Àliga. I és que, a les 20.15 h, l’Àliga i el Lleó de la Ciutat, els Gegants de Santa Maria del Mar, la Coronela de Barcelona, els Trabucaires d’en Perot Rocaguinarda i els Ministrers de la Ciutat passaran pel Born en el seu cercavila cap a la basílica de Santa Maria del Mar. A més, del 7 al 9 de febrer, en caure la nit, el Born Centre Cultural serà l’escenari d’un altre festival de llum, quan les flames de tres-centes espelmes l’il·luminaran alhora que la companyia Efímer presentarà una instal·lació que afegirà caliu a la festa (dies 7 i 8, de 18.30 a 23 h, i dia 9, de 18.30 a 21 h).

A Per Santa Eulàlia… tots a cavall! (del 7 al 12 de febrer), els Cavallets Cotoners de Barcelona, membres destacats del bestiari històric de la ciutat, sortiran de passeig en companyia de cavallets procedents d’arreu de Catalunya, en record d’un dels episodis del setge del 1714, quan un grup de combatents va creuar les línies borbòniques per anar en cerca dels cavalls que en aquell moment necessitava la ciutat.

Com a acte central, i un dels més significats del programa, els barcelonins del 2014 podran admirar La bandera de Santa Eulàlia, una peça amb tres-cents anys d’història al darrere i que forma part de l’exposició Fins a aconseguir-ho! El setge de 1714, una de les mostres permanents del Born Centre Cultural que, com el jaciment o la resta d’espais del recinte, podrà ser visitada en la jornada de Portes obertes al Born Centre Cultural el dia 12 (de 10 a 20 h).

Més enllà del barri de la Ribera, la festa trobarà un altre escenari a la Rambla: el Palau de la Virreina acollirà l’exposició de l’imaginari festiu de Cardona, ciutat convidada a la celebració (de l’1 al 16 de febrer, de 10 a 20 h) i l’última plaça que va caure en mans borbòniques el 1714. Un total de tretze gegants, a més dels nans i de la nova àliga del seu bestiari, ballaran al costat de bastoners o de la Banda de Música de Cardona.

I no podem tancar el programa de Santa Eulàlia sense parlar dels actes que protagonitzarà La Coronela de Barcelona: el dia 7 (20 h) participarà a la sortida dels Protocols de l’Àliga des de la plaça de Sant Jaume i, tot seguit, i juntament amb els Trabucaires d’en Perot Rocaguinarda, retrà homenatge als defensors de la ciutat al Fossar de les Moreres (20.15 h). La Coronela tornarà a ser protagonista de la festa el matí del dia 12 (9.45 h), amb la col·locació del penó al balcó de l’Ajuntament de Barcelona.

Link directe: http://tricentenari.bcn.cat/ca/programa/noticies#node-689

El 5 de Febrero de 1852: en San Petersburgo (Rusia) se inaugura el Museo del Hermitage


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El Museo del Hermitage (en ruso Эрмитаж, ermitazh, proveniente del francés ermitage, «ermita», «refugio del ermitaño») de San Petersburgo, Rusia, es una de las mayores pinacotecas y museos de antigüedades del mundo.

La colección del museo ocupa un complejo formado por seis edificios situados a la orilla del río Neva, siendo el más importante de estos el Palacio de Invierno, residencia oficial de los antiguos zares. El resto del complejo arquitectónico lo forman cinco edificios, entre los que se encuentran el Palacio Menshikov, el Edificio del Estado Mayor y un recinto para almacenamiento abierto. El museo se formó con la colección privada que fueron adquiriendo los zares durante varios siglos, y no fue hasta el año 1917 cuando fue declarado Museo Estatal.

Su colección, formada por más de tres millones de piezas, abarca desde antigüedades romanas y griegas, a cuadros y esculturas de la Europea Occidental, arte oriental, piezas arqueológicas, arte ruso, joyas o armas. Su pinacoteca está considerada una de las más completas del mundo.

El complejo arquitectónico del Hermitage a la orilla del río Neva, de izquierda a derecha el teatro Hermitage, el arco sobre el canal de Invierno, el Gran Hermitage, el Pequeño Hermitage y el Palacio de Invierno.

La historia del Museo del Hermitage está muy relacionada con la del Palacio de Invierno. Cuando la emperatriz Catalina la Grande llegó al poder mediante un golpe de Estado en Rusia, una de las primeras cosas que hizo fue establecer su residencia en el recién construido Palacio de Invierno.

En el año 1764, Catalina compró una colección de 225 cuadros de pintura holandesa y flamenca en Berlín a Johann Ernest Gotzkowski. Fue entonces cuando comenzó a decorar el palacio con todo tipo de obras de arte que iba adquiriendo provenientes de Europa Occidental. Sólo el comedor estaba adornado con 92 cuadros. Los diplomáticos rusos en Europa estaban encargados de comprar todo tipo de objetos, cuadros, joyas, libros, documentos, para llevar al Palacio de Invierno.

Durante la segunda mitad de este siglo, Catalina se dedicó, además de a la construcción del complejo arquitectónico que forma el actual Hermitage, a aumentar su colección de manera importante. Adquirió todas las colecciones en venta que pudo encontrar. En 1769 compró su colección al conde Heinrich von Brühl, con obras de Rubens y Rembrandt. En 1772 compró la del barón Pierre Crozat. Esta incluía obras de Rafael, Rubens o van Dyck entre otros. En 1779 adquirió la colección de Robert Walpole, considerado como el primer Primer ministro del Reino Unido, que comprendía obras de Murillo, Rembrandt, Rubens o van Dyck. En 1781 compra la colección del Conde de Baudouin, que abarcaba 119 obras de artistas flamencos, holandeses y franceses, y en 1787, la colección de escultura de John Lyde-Brown, director del Banco del Reino Unido, que contenía 300 esculturas, entre las que se encontraban varias esculturas romanas, una griega y esculturas renacentistas. Además, Catalina se interesó por las antigüedades, y encargó diversas obras para que se las trajeran desde Roma.

En una carta enviada por Catalina a Milchor Grimm, contaba que aparte de cuadros de autores como Rafael Sanzio, su colección contaba con 38.000 libros, más de 10.000 esculturas y más de 10.000 dibujos y grabados. Fue en esta época cuando se compraron las mayores colecciones en la historia del museo. Todas estas obras eran la colección privada de Catalina. En ningún caso puede considerársele museo, ya que no estaba abierto al público. Consiguió así la mayor colección privada de Europa.

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El zar Alejandro I de Rusia, cuando entró con sus tropas en el año 1815 en París, hizo una de las mayores compras para la colección del Hermitage: la colección privada de la Emperatriz Josefina, que contenía pinturas y esculturas. A su muerte, Alejandro compró a sus herederos 38 cuadros más, algunos de Rubens y Rembrandt, y cuatro esculturas de Antonio Canova. En 1837 hubo un gran incendio en el Palacio de Invierno que destrozó gran parte de sus interiores, y para evitar que el fuego se extendiera al Pequeño Hermitage, se desmontaron todas las conexiones entre los dos palacios.

Durante este siglo se efectuaron compras de varias colecciones importantes. En 1850, se adquirió la colección del Palacio de Cristoforo Barbarigo, en donde había muerto el pintor Tiziano. Esta colección incluía cinco cuadros del mismo Tiziano, que se unían a los otros tres que ya contenía la colección. En 1865 se compró el famoso cuadro de Leonardo da Vinci, la Madonna Litta al Conde Litta, junto con otros tres cuadros, por 100.000 francos. En 1870, el Hermitage compró por 310.000 francos la obra maestra de Rafael La Virgen y el Niño, que el gobierno italiano intentó comprar para evitar que saliera del país, pero no pudo igualar el alto precio.

El emperador Nicolás I de Rusia decidió en el año 1852 convertir al Hermitage en un Museo Imperial, al ver que en Europa empezaba a afianzarse el sistema de museos estatales. Mandó construir una entrada para el público y ordenó la decoración del museo para que pudiera ser abierto al público, incluyendo la construcción de nuevas estancias para poder depositar los objetos y cuadros, decoración e interiores que se han mantenido intactos hasta la actualidad. La inauguración fue el 5 de febrero de 1852, con lo que se abría el palacio para las clases altas, sobre todo.

Durante este siglo, se aumentaron ante todo los fondos arqueológicos del museo. En 1861, el Hermitage compró la colección del marqués de Cavelli, Gianpietro Campana. Este arqueólogo aficionado era el director del Banco Monte di Pietà de Roma y utilizó fondos del banco para adquirir sus antigüedades. Cuando fue sentenciado a 20 años de prisión, el Estado sacó a subasta toda su colección, que se repartió entre el Hermitage y el Museo Napoleón III de París (actual Louvre). La colección adquirida por el Hermitage abarcaba más de 500 vasijas griegas, 200 bronces y esculturas de mármol, mientras que el museo parisino adquirió mayormente pinturas.

En 1886 adquirieron la colección de Aleksandr Basilevski, que comprendía todo tipo de piezas medievales, de marfil, esmaltes, y todo tipo de objetos, que el museo compró por 6 millones de francos. Además, en el año 1885, se trasladó la colección Imperial de armas al museo.

En 1904, el Palacio de Invierno deja de ser una residencia imperial. Desde el comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, el museo pasa a ser un hospital, y las colecciones fueron trasladadas a Moscú para su seguridad. No volvieron hasta el año 1924. La administración del museo y el personal que trabajaba allí cambió mucho desde el año 1917, tras la Revolución rusa, y a partir de entonces se permitió trabajar allí a los no aristócratas. Tras un tiempo cerrado al público, al poco se volvió a abrir. El director del museo, en previsión por lo que podía ocurrir en el asalto al Palacio de Invierno, protegió las obras, que no resultaron dañadas en esa noche del 25 de octubre de 1917, cuando arrestaron al Gobierno Provisional. Cinco días después, se declaró al Museo Hermitage Museo Estatal, siendo, durante los cinco primeros años, su entrada gratuita. Además, se creó en el museo un centro cultural y se empezaron a traer exposiciones no permanentes de otros sitios.

Durante este siglo, el museo tuvo importantes pérdidas. Durante la década de 1920, se trasladaron 500 obras al Museo Pushkin de Moscú, para que el arte no estuviera tan centralizado en San Petersburgo. En los años 30, se trasladaron otras 70 obras, entre ellas pinturas de Rubens, Rembrandt o Tiziano. Sin embargo, el Hermitage también consiguió importantes bienes; durante estas mismas décadas se empezaron a nacionalizar los bienes que se encontraban en los palacios de la aristocracia rusa, y la mayoría de éstos fue a parar al Hermitage. Se recibieron todo tipo de obras de arte de los palacios imperiales, objetos arqueológicos del antiguo Egipto, documentos, monedas, arte de la época bizantina… Fue en esta época cuando, al aumentarse considerablemente su patrimonio, pasó de ser un museo de arte, a ser un museo de arte y cultura universal.

A mediados de los años 30, se produjeron una serie de ventas de cuadros al extranjero, lo que supuso una gran pérdida para el museo. El objetivo de estas ventas, según la postura oficial, era la financiación del propio estado. Según voces discordantes, estas ventas no pueden justificarse desde ningún punto de vista. Se vendieron más de 2.800 cuadros, entre los cuales había 250 obras mayores y 50 obras maestras. Algunas piezas que no se vendieron volvieron al museo. Muchas de estas piezas fueron a parar a la National Gallery de Washington. Desde el año 1932 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, fueron saliendo obras menores del museo para ser vendidas o para distribuirse entre las distintas repúblicas soviéticas.

Somerset House de Londres, que alberga exposiciones de piezas cedidas por el Hermitage.
Con la entrada de las tropas alemanas en Rusia en el año 1941, se inició la evacuación de las obras del Hermitage. Fue la mayor evacuación de obras de arte desde la ocurrida durante la Guerra Civil Española en el Museo del Prado. Miles de voluntarios se dedicaron a embalar más de un millón de obras, para trasladarlas en tren hasta Sverdlovsk, en los Urales. Dos trenes pudieron llegar a su destino, pero cuando estaban preparando el tercero, comenzó el asedio a la ciudad por los alemanes, que duró 900 días, y que produjo la muerte de dos millones de habitantes de la ciudad. Mientras, los conservadores que se quedaron se dedicaron a salvar y llevar al museo todos los bienes que encontraban en otros palacios, y a proteger al propio museo del frío y de la nieve y de los ataques aéreos. Además, sirvió de refugio contra las incursiones aéreas alemanas, y hasta 12.000 personas vivieron allí hasta las primeras evacuaciones, en el año 1942. Las obras trasladadas a Sverdlovsk llegaron bien y allí se creó una nueva sección del museo para mantener los objetos y cuadros. No se dañó ni se perdió absolutamente nada.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, el museo volvió a abrir sus puertas al público, con las obras evacuadas que volvieron a ser colocadas en su lugar de origen. Además, el museo tuvo que ser restaurado debido a todos los daños que había sufrido durante el asedio nazi, restauración que llevó varios años. En el año 1948, el Museo de Arte Contemporáneo Occidental de Moscú donó 320 obras de arte del siglo XIX y XX, entre las que se encontraban obras de Renoir, Matisse, Picasso, Monet, Van Gogh o Gauguin.

El Ejército Rojo, a su vuelta de Berlín, trajo numerosas obras de arte que acabaron en el Hermitage, sobre todo de obras impresionistas y postimpresionistas de colecciones privadas. Uno de los casos más importantes fue el del Altar de Zeus de Pérgamo, que fue llevado del Museo de Pérgamo en Berlín como botín de guerra, y que estuvo expuesto en el Hermitage hasta el año 1959. El museo y el ejército ruso recibieron muchas críticas por este robo de obras, pero el gobierno ruso alegó que fueron como una mínima satisfacción por la destrucción por parte del ejército nazi de obras rusas de incalculable valor, como los palacios de Peterhof y Tsarskoye Selo. Además, el gobierno ruso ha prohibido por ley la devolución de las obras en caso de que se demuestre que los dueños financiaron económicamente al régimen nazi.

El Museo del Hermitage se está expandiendo continuamente, y en la actualidad está colaborando en diversos proyectos en el extranjero, como los complejos de exposiciones del Guggenheim Hermitage en la ciudad de Las Vegas, EEUU, la reciente inauguración del museo Hermitage Amsterdam, en Ámsterdam, Holanda, o las salas del Hermitage en la Somerset House, en Londres, Reino Unido.

Además, se llevó a cabo el proyecto cinematográfico El arca rusa de Aleksandr Sokúrov, un viaje al interior del museo, a su historia y a su contenido, rodada en una sola toma de hora y media de duración, sin cortes (plano secuencia). La película participó en el Festival de Cannes el año 2002.

El Palacio de Invierno (Зимний дворец) es el principal edificio del museo. Fue construido entre los años 1754 y 1762 por orden de la Emperatriz Isabel. El diseño fue obra del arquitecto italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli. Terminó de construirse después de la muerte de Isabel. Fue la residencia oficial de los zares de Rusia hasta la caída de la monarquía tras la Revolución rusa, en el año 1917, y en su interior sucedieron algunos de los acontecimientos más importantes de la historia de Rusia.

Catalina II mandó construir al arquitecto Vallin de la Mothe un pequeño palacio, situado al lado del Palacio de Invierno, al que llamó Pequeño Hermitage (Малый Эрмитаж), y que entre otras cosas, contaba con unos jardines colgantes. Esta sección del museo fue construida entre los años 1765 y 1769. Contiene dos salas de exposiciones laterales, y sirve de enlace entre el Palacio de Invierno y el resto de palacios que forman el museo.

Pronto el palacio se llenó de objetos, así que Catalina ordenó a los arquitectos Velten y Quarenghi la construcción de otro edificio, conocido posteriormente como el Viejo Hermitage (Старый Эрмитаж), construido entre los años 1771 y 1787. Esta parte del museo está conectada con el resto de edificios que vienen a continuación a través de un arco que sortea uno de los canales que desembocan en el Neva, el canal de Invierno.

El Teatro del Hermitage (Эрмитажный театр) fue ordenado a construir por Catalina la Grande entre los años 1783 y 1787. Fue construido por el arquitecto Giacomo Quarenghi. Se encuentra al otro lado del canal de Invierno. En la actualidad, se siguen representando obras teatrales dentro de la programación del museo.

El Nuevo Hermitage (Новый Эрмитаж) fue el primer edificio construido en Rusia específicamente para contener arte. Fue construido entre los años 1842 y 1841 por el arquitecto alemán Leo von Klenze. Es donde se encuentra la entrada principal del museo, que consiste en un gran pórtico con unos atlantes. Se encuentra a continuación del resto de edificios, al otro lado del canal.

El Palacio Menshikov (Меншиковский дворец), fue la residencia del gobernador de San Petersburgo y amigo del zar Pedro I de Rusia. Su construcción data del año 1710, y fue diseñada por el arquitecto Giovanni Mario Fontana. Se acabó su construcción en al año 1721. Fue considerado el palacio más lujoso de toda la ciudad.

El Edificio del Estado Mayor (Здание Главного штаба) fue construido entre los años 1820 y 1827. Hacia la mitad de este palacio, se encuentra un arco que tiene encima una escultura en bronce de un carro guiado por 6 caballos, que da paso a la plaza del Palacio. El ala oriental del museo fue en un principio el Ministerio de Asuntos Exteriores y el Ministerio de Economía, aunque ahora pertenecen al museo.

La colección del museo abarca muchos temas distintos. Va desde arte prehistórico, hasta numismática, muebles, cuadros y esculturas de todas las épocas, o armas. En su interior alberga una de las mayores pinacotecas del mundo. Otra sección importante es la dedicada al arte occidental.

El museo posee muchos de los objetos prehistóricos encontrados en yacimientos en Rusia, siendo las venus prehistóricas algunas de las más importantes, encontradas en varios yacimientos de Siberia, aunque también tienen todo tipo de industria lítica paleolítica. Además, se exhiben diversos petroglifos y figurillas neolíticas de yacimientos rusos, broches, hachas y decenas de objetos de la Edad del bronce, procedentes de las culturas calcolíticas del Cáucaso. Dentro de este último grupo, tienen especial importancia los objetos encontrados en el túmulo de Maikop, cuyo ajuar es uno de los más ricos e importantes del Calcolítico Medio de la cultura de los kurganes. Contiene figurillas de oro, vasijas de cobre y bronce, broches, etc. También están presentes en la colección todo tipo de objetos, de cerámica y barro del Mediterráneo y de excavaciones llevadas a cabo en Ucrania y los Balcanes. Su colección de objetos de la cultura Escita es una de las más importantes del mundo, destacando diversos objetos de oro finamente trabajados.

En resumen, se custodian decenas de miles de objetos prehistóricos, que abarcan desde el Paleolítico Inferior hasta el segundo o primer milenio antes de Cristo, poseyendo el museo gran parte de los objetos encontrados en yacimientos rusos y en países de la antigua Unión Soviética.

Contiene 106.000 objetos de Grecia y Roma, y de las excavaciones arqueológicas que tuvieron lugar durante los siglos XIX y XX en el litoral del mar Negro donde se encontraban las ciudades de Ninfea, Panticapea, Quersoneso y Teodosia. Van desde el siglo XV a. C. hasta el siglo IV dC. Su colección contiene, entre otras cosas, 15.000 vasijas griegas y romanas, sarcófagos, joyas de oro, gemas talladas, o más de 200 bustos de mármol de época romana.

Es una de las mayores colecciones de pintura del mundo. Contiene pintura italiana desde el siglo XIII al siglo XIX, con obras de Tiziano, Leonardo da Vinci, Rafael, o Caravaggio. Algunas de las obras más importantes son La Madonna Benois y la Madonna Litta, de Leonardo, la Virgen con niño o La Sagrada familia de Rafael, muchas obras de la época tardía de Tiziano, la Judith de Giorgione, La Virgen y el Niño de Fra Angelico y obras de Caravaggio, Canaletto, Tintoretto, Veronés o Tiépolo. Otro fuerte de la colección pictórica es la pintura española, una de las colecciones más importantes fuera de España, con autores como El Greco, Zurbarán, José de Ribera, Juan Bautista Maino o Murillo. Además, exhibe El almuerzo y Retrato del Conde de Olivares de Velázquez o el Retrato de Antonia Zárate de Goya.

Posee más de 500 obras de pintura flamenca, entre las que se encuentran 30 cuadros de Rubens y obras de Anthony van Dyck o Frans Snyders. También contiene 25 obras de Rembrandt, una de las mayores colecciones a nivel mundial, y de otros pintores holandeses, como Jacob Ruysdael, Frans Hals, Jan Steen o Pieter de Hooch. Tiene una gran colección de pintura alemana, de pintores como Lucas Cranach, Ambrosius Holbein o Anton Raphael Mengs. El Hermitage cuenta también con una colección de 450 cuadros de pintura inglesa, siendo bastante raro que se exhiba pintura inglesa fuera de los museos británicos. Contiene además una importante colección de pintura francesa de entre los siglos XV y XVIII, la segunda mayor del mundo después de la del museo del Louvre en París, con autores como Claude Lorrain, Nicolas Poussin o Antoine Watteau.

Contiene una colección de pintura impresionista y expresionista, sobre todo francesa y alemana, de más de 1.000 obras. Incluye 7 obras de Monet, 6 de Renoir, 2 de Camille Pissarro y varios dibujos de Degas. Tiene decenas de obras mayores de Cézanne, Paul Gauguin y van Gogh, 32 cuadros de Matisse y 31 de Picasso. Además, muestra una muy importante colección de cuadros de los simbolistas franceses, y muchos cuadros de las escuelas alemanas de Múnich, Berlín y Düsseldorf, así como de pintores rusos, de entre los que sobresale Kandinsky.

La colección de escultura, es una de las más importantes de Europa. Incluye obras de Escultura Italiana, entre la que destacan 15 obras de Antonio Canova, escultor de los siglos XVIII y XIX, entre las que se encuentran Cupido y Psique, Magdalena penitente o Hebe, y de sus sucesores, como Lorenzo Bartolini. No tiene esculturas de Bernini, pero sí varios de sus moldes y sus modelos que le sirvieron para la construcción de varias de sus grandes esculturas. Además, atesora la única escultura de Miguel Ángel en Rusia, Chico Agachado o Niño en cuclillas, que estuvo destinada en un principio para el panteón de los Médicis. También contiene esculturas de otros autores renacentistas y de los siglos XVIII y XIX, al igual que esculturas de autores franceses, como Étienne-Maurice Falconet, Antoine Houdon, François Girardon. Además hay 5 esculturas de Rodin, entre las que se encuentran 2 piezas de escayola, una como modelo para su Edad del Bronce y otra es un retrato de la actriz japonesa Hanako, y 3 piezas de mármol, La primavera eterna, Romeo y Julieta y El poeta y la musa. También 7 esculturas de Matisse, de las 70 que realizó en toda su vida. Cuenta asimismo con una importante colección de esculturas renacentistas alemanas.

El museo conserva un amplísima colección de arte mueble. Desde objetos en metal, joyería, cristalería, muebles, porcelana, tapices o vajillas, relicarios, pomos de puertas o incensiarios en metal. La colección de porcelana es muy importante, con más de 20.000 piezas, procedentes sobre todo de la familia real rusa y de la aristocracia de San Petersburgo. La mayoría son manufacturas francesas, inglesas y alemanas, pero también hay piezas españolas, italianas o suecas. Incluye una colección de piezas de Art decó.

Dentro de los muebles, se encuentran más de 1.000 piezas realizadas en Italia, Francia y Alemania, sobre todo destacan los vestidores, armarios, sillones, tronos o baúles, de épocas que varían entre los siglos XV al XIX, muchos de ellos originales del Palacio de Invierno, y otros requisados de los palacios de la ciudad. Contiene el museo además una colección de tapices que abarca 5 siglos, desde el XV hasta el XX. Además, tiene una colección de más de 6000 trajes, sobre todo vestidos eclesiásticos, y más de 1500 encajes. La colección de joyas es bastante extensa, incluyéndose collares y pendientes, botellitas de perfume, relojes, diademas, pulseras, anillos y objetos de Art Nouveau.

Se incluyen 15.000 piezas de armas y armaduras de Europa Occidental y de Rusia, desde la Edad Media hasta el siglo XX. La colección de armas y armaduras rusas proviene de la colección personal del emperador Nicolás I de Rusia. Las de Europa Occidental, vienen de países como España, Francia, Alemania o Reino Unido. También tiene una extensa colección de armas orientales, provenientes de Irán, India o Turquía. Entre las armas, se pueden encontrar armas de fuego, espadas, lanzas, escudos, cuchillos, y un largo etcétera.

Contiene el museo más de 190.000 objetos provenientes de Oriente, de Egipto, Mesopotamia, China, Irán, India o Turquía. Los objetos son muy variados. Tiene una extensa colección de petroglifos y tablillas mesopotámicas, desde el Tercer milenio antes de Cristo. Tiene objetos de todas las épocas del Antiguo Egipto, como estelas, esculturas, vasijas, papiros, relieves o joyas. Contiene 120.000 objetos del Imperio bizantino, la segunda mayor colección del mundo, que incluye todo tipo de iconografía, monedas, mosaicos, vasijas, dípticos y trípticos. Contiene una colección de objetos del Imperio sasánida, en Irán, con gran cantidad de vajillas completas de plata, monedas y piedras preciosas que se encontraron engarzadas en anillos. En total, más de 1000 objetos.

Además, contiene una gran cantidad de obras de arte islámico de entre los siglos VII y XIX proveniente de países como Egipto, Siria, Turquía o Irán. Por ejemplo, tiene 700 piezas de bronce, 500 de cerámica y 450 pinturas de Irán; cerámica, cristalerías y objetos de bronce y plata de Egipto; platos de plata y objetos de cristal de Siria; y alfombras y sedas y terciopelos o vajillas de Turquía.

De la India, tiene una colección de esculturas desde el siglo II al XII, pinturas, objetos de bronce y de marfil, y distintas telas, sobre todo de seda. Tiene objetos de China que abarcan desde el segundo milenio antes de Cristo hasta el siglo XIX de nuestra era, e incluyen unas 5000 piezas, entre porcelana, pinturas, trabajos en piedras semipreciosas, plata, madera o telas. Además, hay 8000 piezas de Japón, sobre todo distintos esmaltes, esculturas, porcelana, trajes y telas, y más de 1000 Netsukes.

Además, su colección de joyería oriental contiene más de 3000 objetos, entre los que se encuentran todo tipo de joyas de oro o plata, desde anillos hasta tobilleras, con incrustaciones de piedras preciosas, como diamantes, esmeraldas o rubíes, o de piedras semipreciosas. Su colección de joyas indias del siglo XVII es única en el mundo.

La colección de piezas de cultura rusa incluyen más de 350.000 objetos, desde el siglo X al XX. Hay todo tipo de objetos. Hay imaginería y objetos religiosos de todas las épocas, como cruces, relicarios, cálices, o libros. También hay una gran colección de pinturas medievales y cerámica de esta época. Cuadros, esculturas, más de 300 trajes, objetos de adorno, libros o mapas que pertenecieron a Pedro I de Rusia. También se encuentran los objetos personales, cuadros, esculturas, porcelanas, vajillas, muebles, trajes, joyas y un largo etcétera de la época del reinado de Anna Ivanovna y Elizabeth Petrovna. También se encuentran una enorme cantidad de cuadros, esculturas, vajillas, muebles, porcelanas, joyas y trajes de la época de Catalina II de Rusia. Se pueden encontrar todo tipo de objetos y obras de arte desde la época de Alejandro I hasta el final de la época de los zares, con Nicolas II.

Es la mayor colección del museo, y una de las colecciones más importantes del mundo. Las monedas abarcan todas las épocas, desde la Antigüedad hasta el siglo XX y de muy diversas zonas geográficas. Contiene una colección de 64.000 monedas griegas, de un total de 120.000 de la Antigüedad, incluyendo Roma, o Egipto. Tiene 360.000 monedas de Europa Occidental, sobre todo de los siglos XVII y XVIII, 220.000 del Oriente Medio y Extremo Oriente, y 300.000 rusas. Además, tiene una colección de insignias y medallas de más de 80.000 objetos y 2.000 sellos

El Día Mundial contra el Cáncer se celebra cada 4 de febrero.


Día Mundial contra el Cáncer

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Día Mundial contra el Cáncer

Día de celebración
4 de febrero

Lugar de celebración
Día Internacional

El Día Mundial contra el Cáncer se celebra cada 4 de febrero.

Índice
[ocultar] 1 Celebración
2 Temas del Día Mundial contra el Cáncer
3 Referencias
4 Véase también
5 Enlaces externos

Celebración[editar código]

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El Día Mundial contra el Cáncer se celebra cada 4 de febrero.

El tema de 2014 es: «Desenmascaremos los mitos».

El cáncer es un proceso de crecimiento y diseminación incontrolados de células. Puede aparecer prácticamente en cualquier lugar del cuerpo. El tumor suele invadir el tejido circundante y puede provocar metástasis en puntos distantes del organismo. Muchos tipos de cáncer se podrían prevenir evitando la exposición a factores de riesgo comunes como el humo de tabaco. Además, un porcentaje importante de cánceres pueden curarse mediante cirugía, radioterapia o quimioterapia, especialmente si se detectan en una fase temprana.

La prevención y la detección temprana son fundamentales para detener el alarmante aumento de la incidencia de esta enfermedad. Más del 60% de los casos se concentran en África, Asia, América Central y del Sur. Esas regiones registran el 70% de las muertes a nivel global, principalmente por la falta de detección temprana de la enfermedad y el acceso a tratamientos.

Organización de las Naciones Unidas

La Candelera, 2 de febrer


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Tradicionalment s’ha considerat una data per pronosticar la meteorologia. El 2 de febrer és al punt mitjà exacte entre l’inici i la fi de l’hivern, per la qual cosa el poble ha fet del dia un observatori de predicció temporal, com es reflecteix en la coneguda dita «Si la Candelera plora, l’hivern és fora; si la Candelera riu, el fred és viu».

Tradicionalment s’ha entès que la intenció del refrany és que si el dia de la Candelera plou o no, la primavera tardarà més o menys a arribar.

Una altra interpretació, més assenyada, és que si la nit de la Candelera hi ha lluna nova (és a dir, que no es veu, i és quan la Candelera «plora»), és quan la primavera s’avança; si, per contra, hi ha lluna plena, s’entén que la Candelera «riu» i indica que la primavera tardarà més a arribar. Una variant del refrany és »

Quan la Candelera flora, l’hivern fora. I si no flora, ni dins ni fora.», relacionant el dia amb la floració.

Una creença popular, estesa a les zones muntanyoses del continent europeu, és que pels volts d’aquesta data els óssos comencen a despertar de la seva hibernació:

«Per la Candelera, l’ós surt de l’ossera». Al Pirineu, hom creu que aquest dia l’ós es desperta i surt de la cova i que, en funció del temps que faci a fora, es despertarà del tot o bé tornarà a dormir. L’explicació diu que l’ós surt i mira el cel nocturn: si hi ha lluna plena torna al seu refugi i prolonga la seva letargia durant quaranta dies més; si hi ha noviluni, surt del seu cau, sabedor que l’hivern ha acabat.

Ganadores de los XIX Premios Zapping 2014


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Profesionales de las cadenas de televisión, internet y los videojuegos han recibido, en los XIX Premios Zapping, una cálida acogida de los espectadores y usuarios catalanes. Esta edición, celebrada jueves 6 de marzo en el Auditorio del Palau de Congressos de Catalunya en Barcelona, ha contado con la presencia de más de 1.000 personas como público.

Con el arranque musical del grupo López Borneo, el acto ha sido presentado por Montse Busquets (Teledeporte y Vespre La 2), Juanjo Pardo (Tu oportunidad y Para todos La 2) e Ivan Medina (Fricandó Matiner de Rac 105). Otras actuaciones que han tenido lugar en el transcurso de la gala han sido las del cantautor Lucas Masciano, las del coro ganador de Oh Happy Day, DeuDeVeu, el espectáculo de Pep Bou y el número de magia del Mago Pop.

 

A continuación los ganadores de esta XIX edición:

ACTUALIDAD INFORMATIVA Y ENTREVISTAS
Días de cine (La 2 de TVE)

ACTRIZ
Michelle Jenner (Isabel – La 1 de TVE – Diagonal TV)

ACTOR
Tristán Ulloa (El tiempo entre costuras – Antena 3 TV – Boomerang TV)

PROGRAMA ENTRETENIMENTO / CONCURSO (premio ex aequo)
Masterchef (La 1 de TVE – Shine Iberia)
Oh happy day (TV3 – Veranda TV)

PRESENTADOR/A
Joan Ramon Bonet (Lo sabe no lo sabe – Cuatro – Mandarina)

PROGRAMA CULTURAL / DIVULGATIVO / DOCUMENTAL
Generació digital (33 – Createl)

PROGRAMA DE TELEVISIÓN LOCAL
Ad libitum (Girona TV)

VIDEOJUEGO
Gran turismo 6 (Sony)

VIDEOJUEGO INFANTIL
Tadeo Jones: El videjuego (Sony)

MEJOR INICIATIVA DE INTERNET O APP
Didactalia

El Premio Especial de TAC ha sido para TVE y su talent show Tu oportunidad, de la productora Pulso TV, por fomentar y apoyar la iniciativa personal y el espíritu emprendedor en el mundo de la empresa, en un contexto económicamente difícil.

El Premio Valores de TAC de este año ha sido para Lletra petita de TV3 por promover, en prime-time, hábitos de consumo saludables y un mayor conocimiento de los objetos y tecnologías que utilizamos a diario.

Por otro lado, el Premio de los Grupos de Análisis de Programas (GAP) ha sido para la serie El tiempo entre costuras de Antena 3 y Boomerang TV. Su apuesta por una producción de envergadura y su confianza en un relato literario autóctono han logrado innovar en el panorama de la ficción española.

Los Premios Zapping son los únicos galardones al ocio audiovisual de voto popular que se otorgan en Cataluña. A diferencia de otros reconocimientos, los Zapping premian la calidad, dejando de lado los índices de audiencia. Los socios de TAC eligen a los finalistas de cada categoría y un jurado, presidido por el presidente de TAC, Josep Maria Guerra, decide con su voto a los ganadores. Desde hace dos ediciones, los Premios Zapping también reconocen el trabajo en las categorías de Internet y videojuegos.

Al acto asistieron más de 1.000 invitados, entre los que se encontraban numerosas autoridades políticas y personalidades del mundo de la comunicación y la cultura, así como los propios presentadores y profesionales finalistas a los Zapping.

Los Premios Zapping son una realidad gracias al patrocinio de La Caixa, l’Ajuntament de Barcelona, la Generalitat de Catalunya, el Consorci de la Zona Franca y El Palau de Congressos de Catalunya.

TAC es una asociación sin ánimo de lucro, integrada por más de 17.000 personas. Su objetivo, abierto a todos los ciudadanos, es colaborar en la mejora del ocio audiovisual, haciéndose eco de la voz de sus usuarios.

Ús Barcelona tindrà lloc el dissabte 1 de febrer al recinte dels antics Encants Vells


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Ús Barcelona tindrà lloc el dissabte 1 de febrer al recinte dels antics Encants Vells (Glòries) amb accés lliure per al públic. A la trobada d’art urbà s’hi realitzaran murals d’Street Art, hi haurà tallers per a joves, workshops, exposició i venda d’obres d’art, i espais per a galeries i col·lectius artístics.

Ús Barcelona és una iniciativa que vol rescatar i donar un ús social a espais urbans en desús, on hi participaran prop de 50 artistes nacionals i internacionals, entitats de barri, galeries i col·lectius artístics. Està organitzada per RebobinART i la productora La Familia, i compta amb la col·laboració de l’Ajuntament de Barcelona i el patrocini de Montana Colors. Més informació a www.usbarcelona.com<http://www.usbarcelona.com/>

080 Barcelona Fashion (entre el 27 i el 31 de gener de 2014) Mercat del Born


La propera 080 Barcelona Fashion serà al mercat del Born

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La propera edició del 080 Barcelona Fashion , es durà terme entre el 27 i el 31 de gener de 2014, ja té on celebrar-se. Es tracta del recent reformat recinte del mercat del Born , que, segons han confirmat a LaVanguardia.com una portaveu del Consorci de Comerç , Artesania i Moda ( CCAM ) , acollirà aquesta trobada després que, per primera vegada en la seva història , repetís ubicació – l’edifici Dhub , a la plaça de les Glòries – en les dues últimes convocatòries .

Des dels seus inicis , aquesta passarel · la s’ha caracteritzat per anar canviant de localització en cada ocasió .

Al juliol de 2013 , 080 Barcelona Fashion es va mantenir al Dhub perquè encara no havien finalitzat les obres que s’estaven fent en l’espai triat per a l’ocasió : l’Hospital de Sant Pau . De moment , aquest emblemàtic equipament es quedarà sense allotjar les desfilades , showrooms i la resta d’activitats creatives i empresarials d’aquesta setmana de la moda . Qui sap si en el futur hi haurà oportunitat de recuperar aquesta idea .

El nou Born Centre Cultural ha estat restaurat i remodelat perquè en el seu si es desenvolupin exposicions i altres activitats com tertúlies i conferències . D’acord amb aquest vessant artística, a finals de gener es vestirà de moda per rebre les propostes que els dissenyadors i les marques seleccionats presentaran per a la temporada tardor- hivern 2014/15 .

El CaixaForum mostra l’obra de Camille Pissarro (fins el 26 de gener 2014)


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Fins al mes de gener es presenta la primera exposició antològica del pintor impressionista a Barcelona

Seixanta-set olis, procedents de diversos museus i col·leccions privades, composen la primera exposició retrospectiva que es presenta a Espanya dedicada al pintor impressionista Camille Pissarro (1830-1903). La seva trajectòria artística, caracteritzada sobretot pels paisatges rurals, revela no tan sols un dels pintors fonamentals del moviment, sinó també un dels precursors de l’art modern.

El conjunt de l’exposició del CaixaForum es centra en el paisatge, tant rural com urbà, que predomina la seva pintura. Les obres es distribueixen en funció dels llocs en què Pissarro va viure i pintar. Escenes rurals, com les de la riba del Marne, Éragny-sur-Epte (a dues hores de París), o Pontoise, a la riba del riu Oise; i paisatges urbans, corresponents a les etapes en què l’artista va residir a ciutats europees, com ara Londres (quan el 1870 va esclatar la guerra francoprussiana), París o els ports de Dieppe i Le Havre, que als seus setanta anys va voler visitar, atret per l’efervescència dels ports.

L’art de Pissarro va rebre la influència de noms com Courbet o Corot en un primer moment, però aviat es va desmarcar del realisme acadèmic per experimentar amb les formes. L’artista, paradoxalment un dels menys coneguts del moviment, va participar en totes les exposicions que es van fer de l’impressionisme, entre el 1874 i 1886, i va estar en contacte amb Claude Monet i Paul Cézanne, a qui va influenciar significativament i el qual va definir la seva pintura com “humil i colossal”.

Data de finalització:

26/01/2014

CaixaForum Centre Social i Cultural

Direcció:

Av Francesc Ferrer Guàrdia, 6*8

Preus

De dilluns a divendres de 10:00 h a 20:00 h
Entrada general de: 4 e per a no clients de La Caixa
(inclou totes les exposicions del centre)

Entrada gratuïta:
clients de La Caixa
(s’ha de presentar qualsevol targeta de La Caixa)
menors de 16 anys

Visites comentades: 3 e per persona
Descompte 50% en les visites:
clients de ‘La Caixa’

dissabtes i diumenges i festius de 10:00 h a 21:00 h

L´Obra Social «la Caixa» presenta la primera exposició antològica a Barcelona de Camille Pissarro (1830-1903).

Les seves escenes rurals, que van ser escola per a noms tan cèlebres com Gauguin, Cézanne o Van Gogh, són l´eix d´aquesta mostra, que es proposa restaurar la reputació
de Pissarro no tan sols com «el primer impressionista», sinó també com a mestre dels pioners de l´art modern. Va ser, a més, l´únic pintor que va participar en les vuit exposicions que es van organitzar, des del 1874 fins al 1886.

Es presenta un conjunt extraordinari de seixanta olis procedents de museus i col·leccions privades, que permeten reconstruir l´aventura d´aquest artista precursor.
El conjunt revela un artista d´una sensibilitat afinadíssima, amb una visió del món que busca integrar vida i paisatge en formes de bellesa perdurables.