Virginia Woolf

 

 

 

 

 

Virginia Woolf, de nacimiento Adeline Virginia Stephen (Londres, 25 de enero de 1882-Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941) fue una novelista, ensayista, escritora de cartas, editora, feminista y cuentista británica, considerada una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX.

Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura significativa en la sociedad literaria de Londres y un miembro del grupo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando: una biografía (1928), Las olas (1931), y su largo ensayo Una habitación propia (1929), con su famosa sentencia «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción». Fue redescubierta durante la década de 1970, gracias a este ensayo, uno de los textos más citados del movimiento feminista, que expone las dificultades de las mujeres para consagrarse a la escritura en un mundo dominado por los hombres.

 

 Adeline Virginia Stephen nació en Londres en 1882. Su padre era el novelista, historiador, ensayista, biógrafo y montañero sir Leslie Stephen (1832-1904).La madre, una belleza famosa, Julia Prinsep Jackson (1846-1895) era la segunda esposa de su padre; había nacido en la India, hija del Dr. John y Maria Pattle Jackson y más tarde se había trasladado a Inglaterra con su madre, donde sirvió de modelo para los pintores prerrafaelitas como Edward Burne-Jones. Sus padres habían estado casados previamente y habían enviudado, y, en consecuencia, el hogar tenía hijos de los tres matrimonios. Leslie tenía una hija de su primera esposa, Minny Thackeray: Laura Makepeace Stephen, que fue declarada mentalmente incapaz y vivió con la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico en 1891.Julia tenía tres hijos de su primer marido, Herbert Duckworth: George (1868-1934), Stella (1869-1897) y Gerald Duckworth (1870-1937). Leslie y Julia tuvieron otros cuatro hijos juntos: Vanessa Stephen (1879-1961), Thoby Stephen (1880-1906), Virginia (1882-1941), y Adrian Stephen (1883-1948).

La joven Virginia fue educada por sus padres en su literario y bien relacionado hogar del número 22 de Hyde Park Gate, Kensington. Asiduos visitantes al domicilio de los Stephen fueron, por ejemplo, Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James y Edward Burne-Jones. Aunque no fue a la escuela, Woolf recibió clases de profesores particulares y de su padre. La eminencia de Sir Leslie Stephen como editor, crítico y biógrafo, y su relación con William Thackeray (era el viudo de la hija menor de Thackeray), significaba que sus hijos fueron criados en un entorno lleno de las influencias de la sociedad literaria victoriana. Henry James, George Henry Lewes, Julia Margaret Cameron (tía de Julia Stephen) y James Russell Lowell, que fue el padrino honorífico de Virginia, estaban entre los visitantes de la casa. Julia Stephen estaba igualmente bien relacionada. Descendía de una camarera de María Antonieta, provenía de una familia de famosas bellezas, que dejaron su impronta en la sociedad victoriana como modelos para los artistas prerrafaelistas y los primeros fotógrafos. Además, acompañando a estas influencias, estaba la inmensa biblioteca en la casa de los Stephen, de la que Virginia y Vanessa (a diferencia de sus hermanos, que recibieron una educación formal) aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Sin embargo, según las memorias de Woolf, sus recuerdos más vívidos de la infancia no fueron de Londres sino de St Ives en Cornualles, donde la familia pasó sus vacaciones de verano entre 1882 y 1894. La casa de veraneo de los Stephen, Talland House, tenía vistas a la playa de Porthminster y al faro de Godrevy. Todavía se alza en el mismo lugar, aunque en cierta medida alterada. Recuerdos de esas vacaciones familiares e impresiones del paisaje, especialmente el faro de Godrevy, impregnaron la ficción que Woolf escribió en años posteriores, principalmente Al faro.

Pronto padeció Virginia la primera de sus depresiones, con la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando Virginia tenía trece años de edad, y la de su medio hermana Stella dos años después, quien había tomado las riendas del hogar familiar tras la muerte de Julia Stephen, pero abandonó la casa paterna para casarse con Jack Hills y falleció durante la luna de miel, a causa de una peritonitis.

La muerte de su padre por cáncer en 1905 provocó un ataque alarmante y fue brevemente ingresada.⁶ Sus crisis nerviosas y posteriores períodos recurrentes de depresión, los modernos eruditos (incluido su sobrino y biógrafo, Quentin Bell) han sugerido,⁷ estuvieron también influidos por los abusos deshonestos que ella y su hermana Vanessa padecieron a manos de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth(que Woolf recuerda en sus ensayos autobiográficos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate). Las circunstancias exactas no se conocen bien, pero se cree que contribuyeron al problema psicológico que sufrió la autora, un trastorno bipolar.En su texto autobiográfico A Sketch of the Past, la propia Virginia Woolf solo aludió a estas desdichadas experiencias de forma velada, de acuerdo con la rígida moral de la época victoriana. Su biógrafa Hermione Lee escribió que: «Las pruebas son suficientes, pero también lo bastante ambiguas como para posibilitar interpretaciones psicobiográficas contradictorias, que presentan imágenes completamente diferentes de la vida interior de Virginia Woolf».¹⁰

A lo largo de su vida, Woolf se vio acosada por periódicos cambios de humor y enfermedades asociadas. Aunque esta inestabilidad a menudo influyó en su vida social, su productividad literaria continuó con pocas interrupciones hasta su suicidio.

 

Después de la muerte de su padre, y segunda crisis nerviosa de Virginia, Vanessa y Adrian vendieron el número 22 de Hyde Park Gate y compraron una casa en el número 46 de Gordon Square en Bloomsbury. Se estableció con su hermana Vanessa –pintora que se casaría con el crítico Clive Bell– y sus dos hermanos en el barrio londinense de Bloomsbury, que se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury.Tras estudios en King’s College de Cambridge,¹² y King’s College de Londres, Woolf conoció a Lytton Strachey, Clive Bell, Rupert Brooke, Saxon Sydney-Turner, Duncan Grant y Leonard Woolf. Varios miembros del grupo de Bloomsbury atrajeron notoriedad en 1910 con el Engaño del Dreadnought, en el que Virginia participó disfrazada de un miembro de la familia real abisinia. Su charla completa en 1940 sobre el engaño del Dreadnought ha sido descubierta recientemente y está publicada en las memorias recogidas en la versión extensa de The Platform of Time (2008). Los artistas del grupo de Bloomsbury compartían ciertos criterios estéticos. Mostraban cierto rechazo hacia la clase media alta a la que pertenecían, y se consideraban herederos de las teorías esteticistas de Walter Pater que tuvieron resonancia a finales de siglo XIX. Dentro de este grupo hubo intensas relaciones intelectuales, pero también emotivas y personales. Formaron parte de él, la pintora Dora Carrington y los escritores Gerald Brenan y Lytton Strachey, entre otros.

En 1912, cuando contaba treinta años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y miembro también del grupo de Bloomsbury. A pesar de su bajo rango social y económico –Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un “judío sin un céntimo”– la pareja compartió un lazo muy fuerte. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: «Hacer el amor –después de 25 años que no podemos tolerar el estar separados– … ver que es un enorme placer ser deseado: una esposa. Y nuestro matrimonio tan completo». Los dos colaboraron también profesionalmente, fundando juntos en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot, Sigmund Freud, Laurens van der Post y otros.¹³La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson. Después de un comienzo tentativo, comenzaron una relación sexual que duró la mayor parte de los años 1920. En 1928, Woolf regaló a Sackville-West la obra Orlando, una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos. Nigel Nicolson, hijo de Vita Sackville-West, la consideró «la carta de amor más larga y encantadora en la historia de la literatura». Después de que acabara su romance, las dos mujeres siguieron siendo amigas hasta la muerte de Woolf en 1941. Virginia Woolf también permaneció estrechamente relacionada con sus parientes supervivientes, Adrian y Vanessa; Thoby había muerto de enfermedad a los veintiséis años de edad.

Suicidio

Durante su vida, sufrió una enfermedad mental hoy conocida como trastorno bipolar. Después de acabar el manuscrito de una última novela (publicada póstumamente), Entre actos, Woolf padeció una depresión parecida a la que había tenido anteriormente. El estallido de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz y la fría acogida que tuvo su biografía sobre su amigo Roger Fry empeoraron su condición hasta que se vio incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó. Se puso su abrigo, llenó sus bolsillos con piedras y se lanzó al río Ouse cerca de su casa y se ahogó. Su cuerpo no fue encontrado hasta el 18 de abril.¹⁶ Su esposo enterró sus restos incinerados bajo un árbol en Rodmell, Sussex.

En su última nota a su marido escribió:

I feel certain I am going mad again. I feel we can’t go through another of those terrible times. And I shan’t recover this time. I begin to hear voices, and I can’t concentrate. So I am doing what seems the best thing to do. You have given me the greatest possible happiness. You have been in every way all that anyone could be. I don’t think two people could have been happier till this terrible disease came. I can’t fight any longer. I know that I am spoiling your life, that without me you could work. And you will I know. You see I can’t even write properly. I can’t read. What I want to say is I owe all the happiness of my life to you. You have been entirely patient with me and incredibly good. I want to say that everybody knows it. If anybody could have saved me it would have been you. Everything has gone from me but the certainty of your goodness. I can’t go on spoiling your life any longer. I don’t think two people could have been happier than we have been.

Siento que voy a enloquecer de nuevo. Creo que no podemos pasar otra vez por una de esas épocas terribles. Y no puedo recuperarme esta vez. Comienzo a oír voces, y no puedo concentrarme. Así que hago lo que me parece lo mejor que puedo hacer. Tú me has dado la máxima felicidad posible. Has sido en todos los sentidos todo lo que cualquiera podría ser. Creo que dos personas no pueden ser más felices hasta que vino esta terrible enfermedad. No puedo luchar más. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí tú podrás trabajar. Lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiera escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirlo —todo el mundo lo sabe. Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo. V.

Liza May Minnelli, conocida popularmente como Liza Minnelli (Los Ángeles, California, Estados Unidos; 12 de marzo de 1946), es una actriz, comediante y cantante estadounidense. Alcanzó fama en 1972 gracias a la película Cabaret, con la que ganó el Óscar a la mejor actriz. Es muy conocida por su trabajo en espectáculos en vivo, tanto comedias musicales como recitales, con los que ha ganado tres Premios Tony de Broadway, uno de ellos Especial. También ha ganado un Emmy, dos Globos de Oro, un BAFTA británico y un Grammy Legend Award, junto con muchos otros honores y premios. En julio de 2011 fue condecorada con la Legión de Honor por el gobierno francés. Liza Minnelli es una de las pocas artistas que han ganado los cuatro principales premios norteamericanos de cine, televisión, música y teatro: el Óscar, el Emmy, el Grammy y el Tony.

Liza Minnelli nació en Hollywood (California), hija del director de cine Vincente Minnelli y de la actriz y cantante Judy Garland. Ambos eran artistas de fama internacional y Judy Garland alcanzó la categoría de mito para varias generaciones, en parte por su papel protagonista en la película El Mago de Oz y también por su tormentosa vida privada.

Liza tiene ascendencia italiana y franco-canadiense por parte de su padre y escocesa e irlandesa por parte de su madre. Es hija única de la pareja Minnelli-Garland, pero tiene varios medios hermanos porque sus padres se divorciaron y tuvieron más hijos en sus segundos matrimonios. Es hermana por parte de madre de Lorna Luft y Joey Luft, hijos de su madre y del mánager de ésta, Sidney Luft; y también tiene otra hermana por parte paterna: Christiane Nina Minnelli (apodada Tina Nina), del matrimonio de Vincente Minnelli con Georgette Magnani. Los padrinos de Liza fueron Kay Thompson, una popular cantante y escritora de cuentos infantiles, y el famoso compositor Ira Gershwin.

Liza Minnelli asistió a la Escuela Fiorello H. LaGuardia de Música y Arte y Artes Escénicas de la ciudad de Nueva York, y a la Escuela de Chadwick. Su primera experiencia actuando en cine había sido a los tres años de edad: apareció en la escena final de la película musical de 1949 In the Good Old Summertime, protagonizada por su madre Judy Garland y Van Johnson.

Comienzos

Liza Minnelli debutó teatralmente en Nueva York con 17 años, en 1963, pero no en Broadway sino en el más modesto circuito del Off Broadway. Este primer trabajo fue un papel en una reposición de la obra Best Foot Forward, que había sido llevada al cine en los años 40 con Lucille Ball. Por su debut Liza ganó en premio Theatre World Award, y al año siguiente (1964) acompañó a su madre Judy Garland en su espectáculo en el London Palladium de Londres.

Éxitos en Broadway: Premios Tony

Liza saltó al circuito oficial de Broadway en 1965 con la obra Flora the Red Menace, por la que recibió un premio Tony con apenas 19 años de edad; era la actriz más joven que lo ganaba. Fue el primero de sus varios premios Tony a lo largo de una carrera de décadas: recibió otro por The Act en 1978, y previamente un Tony Especial en 1974. Fue nominada en 1984 por The Rink pero perdió ante su compañera de reparto Chita Rivera. Ya en 2009, recibiría por cuarta vez el galardón, por su recital Liza’s at the Palace!, si bien algunas fuentes no se lo cuentan como suyo ya que fue otorgado al espectáculo en conjunto. Entre sus restantes trabajos teatrales, hay que citar su participación en Víctor o Victoria (1995) cuando sustituyó en varias funciones a Julie Andrews.

Éxito y premios en música y cine

Aunque es recordada por varios papeles en el cine, como Cabaret y la comedia Arthur el soltero de oro, Liza sobresale especialmente por su actividad como cantante y bailarina en espectáculos en vivo, tanto shows de variedades como comedias musicales. Empezó a dar recitales a los 19 años, en ciudades como Las Vegas y Nueva York, con un repertorio centrado en canciones de musicales de Broadway y en clásicos populares de décadas atrás. Con estos temas grabó tres álbumes para la compañía Capitol Records, y posteriormente actualizó su repertorio con canciones más recientes, algunas compuestas expresamente para ella. A lo largo de su carrera musical ha protagonizado múltiples giras internacionales y shows para la televisión, colaborando con figuras tan dispares como Frank Sinatra, Charles Aznavour, Goldie Hawn, Cliff Richard…

Su trayectoria en el cine ha sido desigual, al menos en cuanto a resultados comerciales. Debutó en Charlie Bubbles (1967), la única película dirigida y protagonizada por Albert Finney. En 1969, su interpretación en la película El cuco estéril (The Sterile Cuckoo) de Alan J. Pakula le dio su primera nominación a un Premio Óscar. Finalmente ganaría el Óscar a la mejor actriz por su papel como Sally Bowles en Cabaret (1972). Minnelli es la única ganadora del Óscar cuyos padres también lo ganaron. Otro de sus papeles más recordados es como protagonista del drama Tell Me That You Love Me, Junie Moon (1970) de Otto Preminger: encarna a una joven con el rostro desfigurado por un ataque con ácido. En 1975 protagonizó Lucky Lady junto a Burt Reynolds y Gene Hackman; en 1976 rodó la última película de su padre, Nina (A Matter of Time), junto a Ingrid Bergman, Charles Boyer y el español Fernando Rey; y al año siguiente protagonizó con Robert De Niro New York, New York, película musical de Martin Scorsese hoy considerada de culto pero que fracasó en taquilla. En 1980 Liza recobró popularidad con Arthur el soltero de oro, comedia protagonizada por Dudley Moore.

Liza también ha ganado premios por su actividad en televisión y en el mercado discográfico. Recibió un Premio Emmy por el especial de televisión de 1972 Liza with a Z, y en 1990 recibió un Premio Grammy en reconocimiento por Cabaret y por la película para televisión A Time to Live.

A Liza Minnelli, como a su madre, se le conoce por su potente estilo vocal, como lo demuestran sus canciones “Cabaret“ [1] y “New York, New York“, tema que cantó para la película del mismo título. Esta canción sigue siendo uno de los clásicos de su repertorio musical, si bien hoy es más famosa en la versión de Frank Sinatra.

En 1985, Liza tuvo que ingresar en el sanatorio Betty Ford Center por problemas de adicción al alcohol y fármacos. Rechazó la oferta de cantar junto con otros artistas el famoso éxito benéfico “We are the World“; posiblemente por causas de salud. Se recuperó de sus adicciones y en 1988 protagonizó una gira exitosa con Frank Sinatra y Sammy Davis Jr.. Al año siguiente volvió a cobrar auge reinventándose como cantante pop con el atrevido álbum Results, producido por el dúo británico Pet Shop Boys. Como primer sencillo se lanzó “Losing My Mind“ (Ver actuación en directo), canción perteneciente al musical Follies de Stephen Sondheim, y el segundo single fue “Don’t Drop Bombs“, en cuyo audaz video musical Liza aparecía semidesnuda, con una tela que se enroscaba en su cuerpo por la fuerza del aire. Este Lp incluyó otros éxitos del pop reciente como “Rent” (de los mismos Pet Shop Boys) y “Twisting My Sobriety” de Tanita Tikaram.

En 1992, Liza participó en un concierto-tributo al difunto Freddie Mercury, donde cantó con el grupo Queen su éxito “We Are The Champions“. En 1994 grabó un dueto con Frank Sinatra (“I’ve Got the World on a String“) para su exitoso disco Duets. Posteriormente intervendría en otro proyecto similar: el álbum doble de Charles Aznavour titulado Dúos. En 1996 publicó un nuevo álbum, Gently, centrado en repertorio de jazz y que incluía una canción a dúo con Donna Summer: “Does He Love You“.

En este mismo año participó en un concierto en Módena (Italia) al lado del tenor Luciano Pavarotti, llamado “Pavarotti And Friends”, en donde cantó junto con Pavarotti “New York, New York“. A este concierto asistieron cantantes como Ligabue, Joan Osborne, Zucchero, Eric Clapton, Elton John, Jon Secada y otros.

Conocida por su frágil salud y por sus altibajos emocionales, Liza Minnelli se ha sometido varias veces a tratamientos de desintoxicación y operaciones, pero siempre ha reaparecido con optimismo y nuevos bríos. Sufrió una encefalitis que parecía condenarla a una silla de ruedas, pero se recuperó.

Siglo XXI

En 2002, Minnelli se presentó en las ciudades de Nueva York y Londres con su espectáculo musical Liza’s Back. Sus actuaciones recibieron una gran acogida por parte de los críticos y el público.

Realizó una aparición especial en la serie televisiva Arrested Development (en 2004 y 2005), representando a la sexual y socialmente retrasada amante de Buster Bluth. En 2006 participó en otra serie de éxito, Law & Order: Criminal Intent.

Luego prepararía su regreso a los escenarios de Broadway. Tras una operación de rodilla, problemas con ciertas adicciones y múltiples altibajos, Minnelli reapareció en 2008 con el show Liza’s at The Palace!, un recital en dos partes: éxitos de toda su carrera, y otra parte dedicada a su madrina Kay Thompson. Este espectáculo giró por otros países, y obtuvo un resonante éxito en su actuación en Madrid. En julio de 2008, Liza participó con gran éxito en el Festival de Jazz de San Sebastián e igualmente iba a actuar en Moscú, en un recital muy exclusivo. Como prueba de su buen estado de forma, en junio de 2009 recibió su cuarto Premio Tony por Liza’s at The Palace!, si bien se premiaba el show en su conjunto, por lo que algunas fuentes no lo incluyen entre sus trofeos.

En 2010, regresó a la gran pantalla con una sorprendente participación en la película taquillera Sex and the City 2: a los 64 años de edad y con un físico en forma, cantó el éxito de Beyonce ”Single Ladies” incluyendo una movida coreografía 

En julio de 2011, actuó en el mítico Teatro Olympia de París y fue condecorada por el gobierno francés con la Legión de Honor.

El 2 de marzo de 2014, en la ceremonia número 86 de los premios Oscar, asistió al evento debido a un homenaje que le realizaron a su madre, Judy Garland, por cumplirse 75 años del estreno de “El Mago de Oz”.

Madrona

El Día de San Patricio, patrón de Irlanda, se celebra cada 17 de marzo. Esta fiesta nacional irlandesa era originariamente una festividad religiosa de carácter católico en honor a este santo. En 1903 se convirtió en un día de fiesta pública y ahora está considerada como su día nacional.

QUIÉN ERA SAN PATRICIO

El 17 de marzo se conmemora la muerte de San Patricio, que falleció ese día en el año 461. Nacido en Bannavern Taberniae (Escocia), territorio de Britania cercano al muro de Adriano, fue un religioso, misionero y evangelizador en Irlanda, considerado el introductor del cristianismo en la isla. Hijo de un diácono cristiano y decurión romano, su nombre de nacimiento fue Maewy Succat. A los 16 años fue secuestrado por piratas irlandeses que lo llevaron a Irlanda y lo conviertieron en esclavo. Estuvo así seis años, hasta que logró escapar a tierras francesas. Allí se ordenó sacerdote, cambió su nombre por el de Patricius y decidió volver a Irlanda para predicar el evangelio.

Día de San Patricio:

¿Por qué se celebra y en qué países?

En esos tiempos la isla se encontraba dividida en numerosos clanes sometidos a la poderosa autoridad de los druidas. San Patricio se adaptó muy bien a las condiciones sociales del lugar, formando un clero local y varias comunidades cristianas, respetando las tradiciones y costumbres propias de sus habitantes. Se le conoce como el ‘Apóstol de Irlanda’, lugar en el que murió el 17 de marzo del año 461.

EN QUÉ PAÍSES SE CELEBRA

Con los años, esta fiesta irlandesa se ha expandido por todo el mundo (sobre todo impulsada por las comunidades de inmigrantes provinentes de Irlanda). La capital del país, Dublín, donde los festejos se alargan hasta cuatro días, recibe miles de turistas que acuden a celebrar el Día de San Patricio.

Los actos se concentran en un festival que se celebra desde 1995, con un gran desfile, escenarios de música y otras actividades. Estados Unidos es, seguramente, el segundo país donde más se festeja San Patricio por el gran número de inmigrantes irlandeses que recibió durante los siglos XIX y XX.

Hay diversas curiosidades vinculadas con esta festividad en EEUU. En Chicago, por ejemplo, tiñen el río de color verde para acompañar al desfile. Argentina -donde reside la quinta colonia irlandesa más grande del mundo- es otro de los países donde más se celebra el 17 de marzo. Los numerosos bares irlandeses abren sus puertas con propuestas gastronómicas y musicales. En la capital argentina, Buenos Aires, se organiza desde el 2009 un gran desfile que empieza en la céntrica plaza de San Martín. La relación entre Argentina e Irlanda viene de lejos, y ambos países comparten igual sentimiento hacia el Reino Unido. De hecho, Irlanda fue el único país europeo en apoyar a Argentina durante la guerra de las Malvinas.

En México se recuerda el 17 de marzo al Batallón de San Patricio, una unidad militar compuesta por inmigrantes europeos, muchos de ellos irlandeses desertores del Ejército estadounidense, que lucharon en el Ejército mexicano contra la invasión de Estados Unidos entre los años 1846 y 1848. En Ciudad de México se celebra desde el año pasado un desfile para conmemorar el día que culmina con un festival de música.

CÓMO SE CELEBRA

En algunos lugares, sobre todo de Irlanda, sigue teniendo fuerza la parte religiosa de la festividad. No obstante, el Día de San Patricio es principalmente una jornada de reunión y celebración en la que la cerveza y la música son parte fundamental. También es un día en el que muchos aprovechan para disfrazarse.

¿POR QUÉ UN TRÉBOL VERDE?

El día de San Patricio está asociado al trébol verde, aunque anteriormente se vinculaba al azul. Cuenta la leyenda que San Patricio utilizada un trébol verde de tres hojas para explicar a los clanes paganos irlandeses la Santísima Trinidad. Así, de una manera gráfica y sencilla conseguía hacer entender que Padre, Hijo y Espíritu Santo pueden ser tres elementos diferentes o el mismo. Llevar un trébol verde en la solapa es una tradición típica del día de San Patricio. En el siglo XVIII, sin embargo, los nacionalistas irlandeses empezaron a llevar el trébol verde no solo ese día, sino todo el año, como símbolo de una Irlanda libre frente al dominio inglés. Desde entonces, el trébol es uno de los símbolos nacionales de este país.

Ursula Andress

 

 

 

Ursula Andress

 

 

 

 

 

 

 (Ostermundigen, 19 de marzo de 1936) actriz de cine suiza.

 

 

BiografíaUrsula Andress fue un sex symbol de la década de 1960, al ser la segunda «chica Bond» de la primera película de la exitosa saga del agente 007, James Bond contra el doctor No (1962). De esta película es especialmente recordada su escena en una playa vestida con un bikini. Sus comienzos fueron en el cine italiano, aunque no logró la fama hasta interpretar el personaje de Honey Ryder en la citada producción cinematográfica basada en la novela de Ian Fleming, 007.

Actuó junto a personajes de la talla de Elvis Presley, Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Sellers o Peter O’Toole en películas dirigidas por grandes maestros como Robert Aldrich o Richard Thorpe.

Se casó en 1957 con John Derek, actor y director de cine que luego se casó con Linda Evans y Bo Derek. En 1966 se separó de John Derek. Aunque protagonizó sonados romances con los actores Marlon Brando, James Dean, Ryan O’Neal y el boxeador argentino Carlos Monzón, Ursula no volvió a casarse. De su romance con Harry Hamlin (La ley de los Ángeles), tuvo su único hijo. Ambos coincidieron juntos en Furia de Titanes (1981), donde Ursula interpretaba a Afrodita y Harry a Perseo.

Asidua a fotografiarse desnuda en la revista Playboy, Ursula Andress fue un ícono sexual hasta el fin de la década de 1970. En 1995 fue elegida por la revista estadounidense Empire Magazine una de las cien mujeres más sexy del cine de todos los tiempos.

Filmografía

• In 80 Jahren um die Welt (2001)
• The Best of So Graham Norton (2000)
• Inside ‘Diamonds Are Forever (2000)
• Ken Adam: Designing Bond (2000)
• Inside ‘Dr. No’ (2000)
• Cremaster 5 (1998)
• Invitación a morir (1988)
• Liberte, Egalite, Choucroute (1985)
• Campanas rojas (Krasnye Kolokolá I: Meksika v Ogne; 1982)
• Furia de titanes (1981)
• El quinto mosquetero (1979)
• La montaña del Dios Caníbal (1978)
• La enfermera (1976)
• Africa Express (1975)
• La espía se desnuda (1974)
• Sol rojo (1971)
• La Estrella del Sur (1969)
• Casino Royale (1967)
• The Blue Max (1966)
• La diosa de fuego (1965)
• La víctima número diez (La decima vittima, 1965, dirigida por Elio Petri).
• Las tribulaciones de un chino en China (1965)
• ¿Qué tal, Pussycat? (1965)
• Cuatro tíos de Texas (1963)
• El ídolo de Acapulco (1963)
• Dr. No (1962)
• Scaramouche (1952)

Día Internacional de la Felicidad

 

 

 

 

       

 

 

 

 

 

 

 

El Día Internacional de la Felicidad, el 20 de marzo, fue instituido el 28 de junio de 2012 por la Asamblea General de las Naciones Unidas y se celebró por primera vez el año 2013.  

 

Gracias a una iniciativa del Reino de Bután, que considera la Felicidad Nacional Bruta más importante que el Producto Interior Bruto,el 28 de junio de 2012 la Asamblea General de las Naciones Unidas en la Resolución 66/281, publicada el 12 de julio, decide proclamar el 20 de marzo Día Internacional de la Felicidad.

 

 Esto para reconocer la relevancia de la felicidad y el bienestar como aspiraciones universales de los seres humanos y la importancia de su inclusión en las políticas de gobierno.

La resolución invita a todos los Estados Miembros, a los organizaciones nacionales, regionales e internacionales, a la sociedad civil y a las personas a celebrar este Día, y promover actividades concretas, especialmente en el ámbito de la educación.

Acción contra el cambio climático para un planeta feliz

¿Qué es el Día de la Internacional de la Felicidad? ¡Es un día para ser feliz, naturalmente! Desde 2013, las Naciones Unidas han celebrado el Día Internacional de la Felicidad como reconocimiento del importante papel que desempeña la felicidad en la vida de las personas de todo el mundo. De hecho, Las Naciones Unidas acaban de establecer  Objetivos de Desarrollo Sostenible que pretenden poner fin a la pobreza, reducir la desigualdad y proteger nuestro planeta –tres aspectos primordiales que contribuyen a garantizar el bienestar y la felicidad.-. Las Naciones Unidas invitan a todas las personas de cualquier edad, así como a las escuelas, los negocios y los gobiernos a celebrar el Día Internacional de la Felicidad utilizando la etiqueta #SmallSmurfsBigGoals.

Roberto Bolle (Casale Monferrato, 26 de marzo de 1975) bailarín italiano de danza clásica. Ha bailado en los mejores escenarios de Italia y con las más prestigiosas compañías del mundo, entre otras el Royal Ballet de Londres, el Ballet Nacional Canadiense, el Ballet de Estocolmo, el Ballet de Tokio, el American Ballet Theatre de Nueva York o las óperas de Berlín (Staatsoper Unter den Linden), Viena, Múnich, el Teatro Mariinski de San Petersburgo, el Teatro Bolshói de Moscú, etc. En 2003 recibió el título de étoile del Teatro de La Scala y en 2009 principal dancer del American Ballet Theatre.

Nació en el seno de una familia humilde sin antecedentes artísticos (el padre trabajaba de mecánico y la madre era ama de casa). Con doce años entró en la Escuela de Danza del Teatro alla Scala de Milán. Allí, el coreógrafo Rudolf Nuréyev lo escogió para que interpretara el papel de Tadzio en una coreografía del danés Flemming Flindt de Muerte en Venecia de Benjamin Britten.

En 1996, tras bailar Romeo y Julieta, es nombrado primo ballerino del ballet de La Scala y se multiplican sus actuaciones. Ha trabajado con los mejores coreógrafos bailando las obras más importantes del repertorio clásico, como La bella durmiente o El lago de los cisnes de Chaikovski.

En el año 2000 inauguró la temporada del Covent Garden con El lago de los cisnes e intervino en el homenaje a Maia Plisiétskaia por su 75º aniversario en el teatro Teatro Bolshói de Moscú.

El English National Ballet, dirigido por Derek Deane, creó para él dos producciones: El lago de los cisnes y Romeo y Julieta, ambas representadas en el Royal Albert Hall de Londres. En el 2000, la Ópera de Viena produjo para Bolle una coreografía sobre el Ave Verum de Mozart. Intervino en la representación conmemorativa del primer decenio de la Ópera de El Cairo, en la que se interpretó la ópera Aída en las pirámides de Guiza. Posteriormente bailó en otras representaciones de esta ópera de Verdi en la Arena de Verona y en el teatro de La Scala de Milán. Fue protagonista de la coreografía Romeo y Julieta de Kenneth MacMillan. En marzo de 2003 interpretó en el Covent Garden de Londres La bella durmiente. Ese mismo año, partició en las celebraciones del III centenario del Teatro Mariinski de San Petersburgo bailando El lago de los cisnes. En junio de 2007 debutó en el Metropolitan de Nueva York y se convirtió así en la primera figura italiana invitada a bailar en tal escenario y en conseguir la categoría de primer bailarín del American Ballet Theatre.

Siempre ha rechazado declarar su orientación sexual. En 2009 desmintió haber confesado que era gay, tal y como publicó en una entrevista al bailarín la revista francesa Numéro Homme en otoño de 2008.

Conmemoraciones especiales

Fuera de los teatros, Bolle ha intervenido en ceremonias solemnes y en celebraciones o actos de gran prestigio. Así, en 2002, con motivo del jubileo de la reina Isabel II del Reino Unido, fue invitado a bailar en el Palacio de Buckingham. El 1 de abril de 2004 lo hizo ante el papa Juan Pablo II en la Jornada Mundial de la Juventud que tuvo lugar en la Ciudad del Vaticano. El 10 de febrero de 2006 intervino en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Turín 2006 interpretando una coreografía de Enzo Cosimi titulada Dal futurismo al Futuro.

Otras artes

En diciembre de 2010 Robert Wilson estrenó en Nueva York una vídeo instalación titulada Perchance to dream, con treinta pantallas donde Roberto Bolle figuraba en posturas escultóricas.

Premios y reconocimientosBolle ha recibido numerosos galardones. Entre otros, destacan:

• 1999: Fue nombrado embajador de buena voluntad de UNICEF.
• 1999: Premio Gino Tani, por su contribución a la difusión de los valores de la danza.
• 2000: Premio Galileo

Dia Mundial del Teatre

El Dia Mundial del Teatre va ser creat en 1961 per l’Institut Internacional del Teatre (ITI).

Se celebra anualment el 27 de març pels Centres ITI i la comunitat teatral internacional. Diversos esdeveniments teatrals nacionals i internacionals són organitzats per commemorar aquesta ocasió. Un dels més importants és la circulació del Missatge Internacional del Dia Mundial del Teatre a través del qual, per invitació de l’ITI, una figura important en el món comparteix les seves reflexions sobre el tema del Teatre i la cultura de la pau

Retem homenatge a Ana Belén, Goya d’Honor 2017

 

 

 

L’actriu i directora ens acompanyarà el dijous 6 d’abril a les 20.00 h

 

El proper 6 d’abril, la Filmoteca de Catalunya participa en l’homenatge que l’Acadèmia del Cinema Català i l’Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España reten a l’actriu i directora Ana Belén, guardonada amb el Goya d’Honor 2017.

Com cada any des del 2011, la Filmoteca s’afegeix a l’homenatge mutu que les Acadèmies del Cinema catalana i espanyola reten als seus guardonats d’honor -enguany, Josep Maria Pou i Ana Belén- en virtut del quals els dos guardonats viatges respectivament a Madrid i a Barcelona per assisitir a una sessió especial oberta a tot el públic.

Ana Belén, la receptora del Premi Goya d’Honor d’enguany, serà a la Filmoteca per rebre el reconeixement de les Acadèmies i del públic el dijous 6 d’abril a les 20.00 h. L’acte comptarà, a més de la presència de l’actriu, amb Isona Passola, presidenta de l’Acadèmia del Cinema Català; Judit Colell, membre de la Junta de l’Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España i Esteve Riambau, director de la Filmoteca de Catalunya. En la mateixa sessió es projectarà el film El vuelo de la paloma (José Luis García Sánchez, 1989), un dels films pels quals Ana Belén va rebre una de les seves cinc nominacions als Goya; les altres van ser, com a intèrpret, per Miss Caribe, La pasión turca i Cosas que hacen que la vida valga la pena i, com a directora novell -la seva única incursió rere les càmeres- per Cómo ser mujer y no morir en el intento.  

Finalment, el Goya d’Honor li ha estat atorgat a Ana Belén per constituir “un referent de moltes generacions que continua sent cara i veu imprescindible de la cinematografia espanyola”. Des de 1968, quan es va estrenar -era una nena de 13 anys- a la pel·lícula Zampo y yo, Ana Belén s’ha consolidat com una dels talents més reconeguts del cinema -i del teatre- espanyol. Al llarg de la seva ja llarga trajectòria, l’actriu, cantant i directora ha estat símbol de la cultura antifranquista, musa de la Transició i, per a diverses generacions d’espectadors, icona sexual i artística, i ha excel·lit en la seva triple vessant de cantant, actriu i directora. Sempre ha sabut combinar aquests tres àmbits, protagonitzant gires musicals en solitari o acompanyada, interpretant papers rellevants en títols clau del cinema espanyol i actuant amb alguns dels directors més prestigiosos de l’escena teatral espanyola.

Roba, complements, mobiliari, llibres, sabates… La Ovella Negra us ho posa fàcil per anar de compres i és que aquest diumenge arriba el primer Two Market de primavera: tot per 1 euro! Aquesta edició a més ve amb novetats: més espai, més parades i més oportunitats.

De 10 del matí a 5 de la tarda podreu triar i remenar en totes les parades que ompliran la gran taverna de Poblenou. I no és que s’hagin tornat bojos, sinó que segueixen la filosofia del reciclatge i la reutilització per tal de fomentar un consum sostenible. Aquí goo.gl/mtiAfV podeu trobar l’esdeveniment a xarxes socials.

La sala de L’Ovella Negra és un espai dirigit pel grup l’Ovella Negra, que va néixer amb l’objectiu de promocionar nous talents musicals i artístics dins del local de la mega-taverna del Poblenou. Allotja tot tipus de músics, artistes, grups intèrprets o cantants dins d’un ambient rústic.

TWO MARKET TOT A 1 EURO
SALA LA OVELLA NEGRA
C/ZAMORA, 78
DIUMENGE 2 D’ABRIL 10-17H

• Els propers 6, 7 i 8 d’abril el festival OFFF de cultura, art i disseny digital aterra al Museu del Disseny de Barcelona després d’haver viatjat per diferents ciutats de Bèlgica, Mèxic, Estats Units, Rússia exportant el talent creatiu de casa nostra
   
• Noms com Domestic Data Streamers, FolchStudio, Ivan Bravo,  Imasconoseran els protagonistas d’una edició carregada de talent local

• L’aposta del 2017 és fer créixer la comunitat local i connectar-la amb les figures internacionals més influents, gràcies a la col·laboració del Festival Blanc, l’estudi barceloní Mucho i els esdeveniments de disseny que organitza Play Restart

 
Barcelona, 30 de març 2016.- OFFF, el Festival Internacional de la Cultura i l’Art i el Disseny Digital celebra la 17ena edició els propers 6, 7 i 8 d’abril al Museu del Disseny de Barcelona, la ciutat que el va veure néixer l’any 2000. L’esdeveniment s’ha convertit en l’aparador de la nova imatge, la nova estètica i les tendències més avantguardistes en els camps del disseny, la música, la fotografia, la publicitat, el cinema i l’art editorial.
 
Tres dies d’immersió creativa, cinquanta-set conferències a càrrec dels artistes dissenyadors locals i internacionals més influents. Tres escenaris: Roots, Open Room, i la novetat d’un tercer escenari “AND …”, un espai on es presentaran les figures més rellevants del nostre país.
 
Enguany el festival s’ha proposat el repte de fer créixer la comunitat creativa local i nacional per connectar-la amb la xarxa d’artistes internacionals. Això̀ s’ha aconseguit amb la col·laboració́ del Festival Blanc, oferint comissariar la programació́ d’un dia, dels companys de l’estudi barceloní́ Mucho amb les Why Talks i Play Restart els esdeveniments de disseny que tenen lloc a Madrid. Per primera vegada un festival convida altres festivals a participar de forma activa en la programació, una manera de traçar sinèrgies per fer créixer la comunitat creativa i posicionar-la com a referent davant la comunitat global d’artistes convidats.

En aquest sentit és important destacar els dissenyadors i artistes cap de cartell que hi participen, com per exemples:  Michelle Dougherty dissenyadora creadora d’obres de renom com els títols de crèdit de l’actual sèrie de Netflix Stranger Things, o la de HBO Vynil, dirigida per Mick Jagger; Vaughan Oliver és un dels dissenyadors de portades d’àlbums més innovadors i prolífics dels últims trenta anys. Reconegut per il·lustrar portades de grups  com Pixies, per la qual ha guanyat dos Grammy a millor portada d’àlbum; Anne Atkins és especialista en disseny gràfic per a produccions cinematogràfiques. Creadora de peces gràfiques com els accessoris que construeixen l’univers creatiu de Wes Anderson a Gran Hotel Budapest, els documents antics de la mítica Titanic, ha treballat a la darrera pel·lícula de Spielberg Bridge of spies;  Lance Wyman és un dissenyador gràfic ceador del reconegut logo dels Jocs Olímpics de Mèxic 1968
 
No perdre la pista de…
 
Domestic Data Streamers És una startup de Barcelona dedicada a investigar nous formats en comunicació de dades. Han completat projectes en més de 14 països realitzant projectes per a museus, institucions i organitzacions a tot el planeta com Califòrnia Academy of Sciences, Qatar Foundation, UNICEF o Spotify. També han estat guardonats amb diversos premis, com el Premi Ciutat de Barcelona 2015 entre d’altres.
 
Iván Bravo és un il·lustrador, dissenyador i director creatiu que busca trobar la relació íntima entre les imatges que crea i l’espectador, sovint donant un toc d’humor i juganer al seu treball. És autor de feines com les il·lustracions de monuments catalans a les llaunes de Coca-Cola, de la identitat gràfica de l’espai de workshops Creactivity del CosmoCaixa o del vídeo per la campanya de la candidatura de Jaume Collboni  a l’alcaldia de Barcelona entre moltes altres feines.
 
Imascono És una agència aragonesa especialitzada en la creació de projectes de Realitat Augmentada, virtual, Game apps i espais interactius per marques. Recentment han participat en la creació de l’aplicació de Realitat Augmentada “Tu Cuento en la Cocina” impulsada per Ferran Adrià, Diseny i Telefonica.

ATIPUS Estudi de disseny gràfic amb seu a Barcelona, treballen en diversos camps
i sectors especialitzant-se enla identitat corporativa, packaging i disseny web. Creuen en el disseny conceptual, senzill i creatiu. Els seus principals clients son l’Ajuntament de Barcelona, Barcelona Activa, CCCB, Universitat Autònoma entre molts altres.