Archivo por meses: febrero 2015

Li Cunxin. Bailarín chino


Li Cunxin. Bailarín chino. Estrella mundial de la danza clásica durante más de dos décadas con una destacada trayectoria como figura principal en el Ballet de Houston y en el Ballet de Australia.

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Nace el 26 de enero de 1961, en Shandong, China. Proveniente de una familia pobre. Su vida estuvo llena de las dificultades diarias, especialmente durante los duros inviernos, su entretenimiento era escuchar fábulas chinas a través de su padre. A pesar de la dura realidad, su infancia estuvo llena de amor.

Un día, una delegación de Beijing de la Academia de Danza de Madame Mao llegó a la escuela comuna para encontrar a los niños adecuados para estudiar ballet. Al principio pasaron a Li sin tomarlo en cuenta, pero tal y como estaban saliendo de su salón de clases, dudó la profesora de la clase, y de repente tocó al último caballero de Beijing en el hombro y señaló. ` ¿Qué pasa con este chico? ‘. Ese niño era Li. Tenía 11 años cuando dejó su casa para comenzar un régimen de siete años de duro entrenamiento desde las 5.30 am a 9 pm, 6 días a la semana. Una vez que encontró su pasión, trabajó duro y lo dio todo, muchas veces mientras los demás dormían Li aún entrenaba. La Academia de Danza de Beijing le enseñó disciplina, resistencia, determinación y perseverancia, el trabajo duro e implacable hizo de él uno de los mejores bailarines graduados que China ha producido. Fue descubierto por Ben Stevenson, uno de los más respetados en el mundo docente, coreógrafo y director artístico del Ballet de Houston como parte de la primera delegación cultural de los EE.UU a China. Cuando tenía 18 años, Li recibió una de las primeras becas culturales para ir a Estados Unidos, y posteriormente se le ofreció un contrato como solista con el Ballet de Houston. Dos años más tarde, Li decide quedarse a vivir en Occidente.

Entre los mejores del mundo

Bailó con el Ballet de Houston durante dieciséis años y se convirtió en uno de los mejores bailarines del mundo. Es invitado y trabaja en distintos paises con algunas de las mejores compañías de ballet. Ganó dos medallas de plata y una medalla de bronce en tres Concursos Internacionales. Durante su presentación en Londres, se enamora de una bailarina australiana Mary McKendry. Se casaron en 1987, y en 1995 se trasladó a Melbourne con sus dos hijos, donde Li se convirtió en bailarín principal del Ballet de Australia.

Después de bailar

A los 35 años, Li empezó a planear su próxima carrera después de bailar. Se matriculó en los cursos de contabilidad y financieros. En 1997 comenzó sus estudios en el Instituto de Valores de Australia por correspondencia, con miras a convertirse en un corredor de bolsa. Li hizo una transición exitosa de la carrera de ballet a la financiación en 1999. Es hoy un alto directivo de una de las mayores firmas de corretaje de bolsa en Australia.

Su libro

La historia de su vida se relata en el libro El último bailarín de Mao donde expone sus memorias, que fue publicado por Penguin, Australia, en septiembre de 2003. Rápidamente alcanzó el número 1 en el país, entre las obras de no ficción quedó con el número 10 de best sellers y recibió el Premio Cristóbal de Literatura. Su obra llegó a ganar el título de Libro del Año en Australia y fue nominado para varios premios de alfabetización de prestigio con más de 50 reimpresiones. Ha sido traducido también a varios idiomas y se vende en más de 30 países en todo el mundo. En mayo de 2005, fue lanzado por Edición de Jóvenes Lectores. También hay un libro de imágenes de su historia titulada El Príncipe Campesino, que es bellamente ilustrado por el talentoso pintor Anne Spudvilas. El director Bruce Beresford y Sardi Jan, respectivamente, se han unido para producir una galardonada película a la que han denominado “El último bailarín de Mao.”

Bob Rafelson (Nueva York, 21 de diciembre de 1933) director de cine estadounidense.


Bob Rafelson

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Bob Rafelson (Nueva York, 21 de diciembre de 1933) director de cine estadounidense.

Rafelson nació en Nueva York estudiando en Dartmouth. En la década de los 60, Rafelson aprende en la televisión junto a David Susskind en la Columbia Screen Gems. Rafelson escribió y produjo el célebre show televisivo The Monkees. A partir de ahí, pasaría a debutar en el cine con Head, película co-escrita por él junto a Jack Nicholson y protagonizada por la banda de rock The Monkees.

Después de este prometedor inicio, Rafelson junto a Bert Schneider y Steve Blauner crea BBS Produtions, una compañía que se convertiría en un emblema de un nuevo estilo cinematográfico con películas como Buscando mi destino (Easy Rider) de Dennis Hopper, Mi vida es mi vida del propio Rafelson, The Last Picture Show (La última película) de Peter Bogdanovich y el documental premiado con un Óscar Hearts and Minds. Precisamente con Mi vida es mi vida (1970), Rafelson ganó el premio del New York Film Critics Circle, una nominación al Óscar al mejor guion original.

El siguiente proyecto de Rafelson sería El rey de Marvin Gardens (1972), donde vuelve a contar con Jack Nicholson junto a Bruce Dern y Ellen Burstyn y vuelve a ahondar en el nuevo estilo que Rafelson impuso en el principio de los 70 al cine norteamericano. En 1976, Quiero seguir hambriento sería su siguiente proyecto, una película menor a excepción de dar hacer debutar a jóvenes actores como Jeff Bridges, Sally Field y Arnold Schwarzenegger.

La década de los 80 empieza fuerte para Rafelson al realizar El cartero siempre llama dos veces (1982), una revisión de la película de 1941 de Tay Garnett sobre una novela de James M. Cain con Jack Nicholson y Jessica Lange en los papeles protagonistas que sería un gran éxito de público. Después llegaría el thriller psicológico El caso de la viuda negra, con Debra Winger y Theresa Russell; Las montañas de la luna (1990), basada en las experiencias de los exploradores del Siglo XIX Sir Richard Francis Burton y John Hanning Speke en busca de las fuentes del Nilo; y Ella nunca se niega (1992) protagonizada por Jack Nicholson y Ellen Barkin.

En 1997, dirigiría Sangre y vino la que supone la octava colaboración entre Rafelson y Nicholson. Después, Rafelson dirigiría Poodle Springs para HBO, una adaptación de una historia de Raymond Chandler y ha hecho algunas apariciones más delante de la cámara para directores amigos suyos como Henry Jaglom o Mike Figgis (en Leaving Las Vegas).

Filmografía

Como director
Head (1968)
Mi vida es mi vida (Five Easy Pieces) (1970)
El rey de Marvin Gardens (The King of Marvin Gardens) (1972)
Quiero seguir hambriento (Stay Hungry) (1976)
El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Rings Twice) (1981)
El caso de la viuda negra (Black Widow) (1987)
Las montañas de la Luna (Mountains of the Moon) (1990)
Ella nunca se niega (Man Trouble) (1992)
Sangre y vino (Blood and Wine) (1997)
Poodle Springs (Poodle Springs) (1998)
Sin motivo aparente (The House on Turk Street) (2002)

Como productor
Mi vida es mi vida (Five Easy Pieces) (1970)
The Last Picture Show (1971) (La última película), de Peter Bogdanovich
El rey de Marvin Gardens (The King of Marvin Gardens) (1972)
Quiero seguir hambriento (Stay Hungry) (1976)
El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Rings Twice) (1981)

Como guionista
Quiero seguir hambriento (Stay Hungry) (1976)
Sangre y vino (Blood and Wine) (1997)

Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 26 de julio de 1875-Colliure, 22 de febrero de 1939)


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Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 26 de julio de 1875-Colliure, 22 de febrero de 1939) fue un poeta , el más joven representante de la Generación del 98. Su obra inicial, de corte modernista, evolucionó hacia un intimismo simbolista con rasgos románticos, que maduró en una poesía de compromiso humano, de una parte, y de contemplación casi taoísta de la existencia, por otra; una síntesis que en la voz de Machado se hace eco de la sabiduría popular más ancestral. Dicho en palabras de Gerardo Diego, «hablaba en verso y vivía en poesía». Fue uno de los distinguidos alumnos de la ILE, con cuyos idearios estuvo siempre comprometido. Murió en el exilio en la agonía de la Segunda República España

Antonio Machado nació a las cuatro y media de la madrugada del 26 de julio de 1875 (festividad de Santa Ana y por tanto onomástica de la parturienta), en una de las viviendas de alquiler del llamado palacio de las Dueñas, en Sevilla.b Fue el segundo varón que dio a luz su madre, Ana Ruiz, de una descendencia de ocho en total.c Once meses antes había nacido Manuel, el primogénito, compañero de muchos pasajes de la vida de Antonio, y con el tiempo también poeta y dramaturgo.

La familia de la madre de Machado tenía una confitería en la calle de Triana, y el padre, Antonio Machado Álvarez, era abogado, periodista e investigador del folklore, trabajo por el que llegaría a ser reconocido internacionalmente con el seudónimo de «Demófilo». En otra vivienda del mismo palacio son vecinos sus abuelos paternos: el médico y naturalista Antonio Machado Núñez, catedrático y rector de la Universidad de Sevilla y convencido institucionista, y su esposa, Cipriana Álvarez Durán, de cuya afición a la pintura quedó como ejemplo un retrato de Antonio Machado a la edad de cuatro años.

La infancia sevillana de Antonio Machado fue evocada en muchos de sus poemas casi fotográficamente:

Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla
y un huerto claro donde madura el limonero…

Y de nuevo, en un soneto evocando a su padre escribe:

…Esta luz de Sevilla… Es el palacio
donde nací, con su rumor de fuente.
Mi padre, en su despacho. La alta frente,
la breve mosca, y el bigote lacio.

En 1883, el abuelo Antonio, con 68 años y el apoyo de Giner de los Ríos y otros colegas krausistas, gana una oposición a la cátedra de Zoografía de Articulaciones Vivientes y Fósiles en la Universidad Central de Madrid. La familia acuerda trasladarse a la capital española donde los niños Machado tendrán acceso a los métodos pedagógicos de la Institución Libre de Enseñanza. José Luis Cano, en su biografía de Machado, cuenta que una mañana de primavera, antes de salir para Madrid, «Demófilo» llevó a sus hijos a Huelva a conocer del mar.

En un estudio más reciente, Gibson anota que el propio Machado le escribía en 1912 a Juan Ramón Jiménez evocando «…sensaciones de mi infancia, cuando yo vivía en esos puertos atlánticos».

Sea como fuere, quedarían grabadas en la retina del poeta aquellas «estelas en la mar».

El 8 de septiembre de 1883, el tren en el que viajaba la familia Machado hizo su entrada en la estación de Atocha.

Desde los ocho a los treinta y dos años he vivido en Madrid con excepción del año 1899 y del 1902 que los pasé en París. Me eduqué en la Institución Libre de Enseñanza y conservo gran amor a mis maestros: Giner de los Ríos, el imponderable Cossío, Caso, Sela, Sama (ya muerto), Rubio, Costa (D. Joaquín —a quien no volví a ver desde mis nueve años—). Pasé por el Instituto y la Universidad, pero de estos centros no conservo más huella que una gran aversión a todo lo académico.

Diez días después, Manuel (nueve años), Antonio (ocho) y José (cuatro), ingresan en el local provisional de la Institución Libre de Enseñanza. A lo largo de los próximos años, sus profesores serán el propio Giner de los Ríos, Manuel Bartolomé Cossío, Joaquín Costa, José de Caso, Aniceto Sela, Joaquín Sama, Ricardo Rubio, y otros maestros menos conocidos como José Ontañón, Rafael Torres Campos o Germán Flórez. Entre sus compañeros estaban: Julián Besteiro, Juan Uña, José Manuel Pedregal, Pedro Jiménez-Landi, Antonio Vinent o los hermanos Eduardo y Tomás García del Real.

La Institución, en coherente armonía con el ambiente familiar de los Machado marcarían su ideario intelectual. Con la ILE, descubrió Machado el Guadarrama. En su elegía al maestro Giner, de 1915, Machado concluye:

Allí el maestro un día
soñaba un nuevo florecer de España.

El 16 de mayo de 1889, Machado (al que apenas faltan tres meses para cumplir 14 años) aprueba el examen de ingreso en el instituto San Isidro. Con dos suspensos en Latín y Castellano, el futuro poeta fue trasladado al Instituto Cardenal Cisneros en el curso 1889-1890, donde vuelve a suspender esas asignaturas (que solo aprobaría un año después).

Entretanto, la economía en casa de los Machado, que llevaba años siendo muy apretada, alcanzó un nivel crítico. Ana Ruiz acababa de tener su noveno y último parto, una niña nacida el 3 de octubre de 1890 que moriría años después. Su marido, un «Demófilo» agotado, desilusionado, cuarentón y con siete hijos, decidió aceptar el puesto de abogado que le ofrecían unos amigos en San Juan de Puerto Rico.

Conseguido el permiso del Ministerio de Ultramar, Antonio Machado Álvarez se embarcó rumbo al Nuevo Continente en agosto de 1892. No consiguió fortuna sino el infortunio de una tuberculosis fulminante que acabó con su vida, sin llegar a cumplir los cuarenta y siete años. Murió en Sevilla, el 4 de febrero de 1893.

En 1895, Antonio Machado aún no había acabado el bachiller.e Al año siguiente, dos días antes de su 21 cumpleaños, murió su abuelo, el luchador krausista, íntimo amigo de Giner y eminente zoólogo Antonio Machado Núñez. A la pérdida familiar se unió el descalabro económico de una familia de la que Juan Ramón Jiménez dejaría este cruel retrato en su libro El modernismo. Notas de un curso: «…Abuela queda viuda y regala casa. Madre inútil. Todos viven pequeña renta abuela. Casa desmantelada. Familia empeña muebles. No trabajan ya hombres. Casa de la picaresca. Venta de libros viejos».

Ociosos, los jóvenes hermanos Machado, entonces inseparables, se entregaron a la atractiva vida bohemia del Madrid de finales del siglo XIX. Cafés de artistas, «tablaos» flamencos, tertulias literarias, el frontón y los toros, todo les interesa. Les deslumbra la rebeldía esperpéntica de un Valle-Inclán y un Sawa o la personalidad de actores como Antonio Vico y Ricardo Calvo Agostí; en lo literario hacen amistad con un Zayas o un Villaespesa, y, en general, se dejan estimular por la vida pública de la mayoría de los intelectuales de la época.

En octubre de 1896, Antonio, apasionado del teatro, entró a formar parte como meritorio en la compañía teatral de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza. El propio poeta recordará con humor su carrera como actor: «… yo era uno de los que sujetaban a Manelic, en el final del segundo acto». La bohemia oscura y luminosa del Madrid del final del siglo XIX se alternaba con la colaboración de ambos hermanos en la redacción de un Diccionario de ideas afines, dirigido por el exministro republicano Eduardo Benot. Era inevitable que los jóvenes Machado sintiesen la atracción de París.

En junio de 1899, Antonio Machado viajó a París, donde ya le esperaba su hermano Manuel. En la capital francesa trabajaron para la Editorial Garnier, se relacionaron con Enrique Gómez Carrillo y Pío Baroja, descubrieron a Paul Verlaine y tuvieron oportunidad de conocer a Oscar Wilde y Jean Moreas.16 Antonio regresó a Madrid en octubre de ese mismo año, incrementando su trato con el «estado mayor» del modernismo, un activo Francisco Villaespesa, un itinerante Rubén Darío y un joven de Moguer, Juan Ramón Jiménez.

En abril de 1902, Antonio y Manuel hacen su segundo viaje a París. Allí se reencuentran con otro hermano, Joaquín (El viajero), que regresa de su experiencia americana «enfermo, solitario y pobre», y Antonio se vuelve con él a España el 1 de agosto. A finales de ese año, de vuelta en Madrid, el poeta entregó a la imprenta de A. Álvarez Soledades (1899-1902), su primer libro.

Entre 1903 y 1908, el poeta colaboró en diversas revistas literarias, Helios (que publicaba Juan Ramón Jiménez), Blanco y Negro, Alma Española, Renacimiento latino, La República de las Letras… También firmó el manifiesto de protesta a raíz de la concesión del premio Nobel de Literatura a José Echegaray. En 1906, por consejo de Giner, preparó oposiciones a profesor de francés en Institutos de Segunda Enseñanza, que obtuvo al año siguiente.

En 1907 publicó en Madrid, con el librero y editor Gregorio Pueyo, su segundo libro de poemas, Soledades. Galerías. Otros poemas (una versión ampliada de Soledades). El poeta tomó posesión de su plaza en el instituto de la capital soriana el 1 de mayo y se incorporó a ella en septiembre. Diferentes versiones han especulado sobre las razones que Machado pudo tener para escoger Soria, en aquel tiempo la capital de provincia más pequeña de España, con poco más de siete mil habitantes.19 Quizá le pareció la plaza más cercana a Madrid a la que su escaso currículo le permitió acceder (de las tres vacantes, Soria, Baeza y Mahón, que quedaban libres de la lista total de siete). Ángel Lázaro dejó escrito lo que el propio poeta contestaba, cuando los amigos le preguntaban sobre su decisión: ««Yo tenía un recuerdo muy bello de Andalucía, donde pasé feliz mis años de infancia. Los hermanos Quintero estrenaron entonces en Madrid El genio alegre, y alguien me dijo: ″Vaya usted a verla. En esa comedia está toda Andalucía″. Y fui a verla, y pensé: ″Si es esto de verdad Andalucía, prefiero Soria.″ Y a Soria me fuí».21 h

El Machado del París simbolista y el Madrid bohemio reflejado en sus Soledades y galerías dio paso en la descarnada realidad soriana a un hombre diferente: «…cinco años en Soria —escribiría luego en 1917— orientaron mis ojos y mi corazón hacia lo esencial castellano…—y añade— Ya era, además, muy otra mi ideología».22 En lo literario, así quedó reflejado en su siguiente libro, Campos de Castilla; en lo profesional, inició su vida de maestro de pueblo; en lo sentimental, descubrió a Leonor, el gran amor de su vida.

En diciembre de 1907, al cerrarse la pensión en la que vivía Machado, los huéspedes se trasladaron a un nuevo establecimiento sito en la entonces llamada plaza de Teatinos. En la nueva pensión, regida por Isabel Cuevas y su marido Ceferino Izquierdo, sargento de la Guardia Civil jubilado, quiso el destino que el poeta conociera a Leonor Izquierdo, la hija mayor, y aún apenas una niña de 13 años. El embeleso de Machado fue tan intenso que por primera vez quizá en su vida se mostró impaciente, y cuando tuvo la certeza de que su amor era correspondido acordó el compromiso con la madre de Leonor.j Había pasado poco más de un año, y los novios aún tuvieron que esperar otro hasta que ella alcanzase la edad legal para casarse. Y así, el 30 de julio de 1909 se celebró la ceremonia en la Iglesia de Santa María la Mayor (Soria).k Hace un mes que Leonor ha cumplido los 15 y el poeta ya tiene . Y contra todo pronóstico, el matrimonio fue modelo de entendimiento y felicidad, hasta tal punto que la novia niña se apasionó por el trabajo del poeta con toda la ilusión de su juventud. Así lo han referido todos los testigos de este episodio de la vida de Antonio Machado.

En Soria, el espíritu de la Institución Libre de Enseñanza, siempre vivo en el poeta, le llevó a emprender una serie de excursiones por la Sierra de Urbión y sus pinares, hasta las fuentes del río Duero y la Laguna Negra, escenario trágico de La tierra de Alvargonzález, el más largo poema de Machado. De Soria también fue su amistad con José María Palacio, redactor de Tierra soriana, el periódico local, y uno de los pocos con los que compartió inquietudes e ideologías en el rudo páramo castellano.

En diciembre de 1910, Leonor y Antonio viajaron a París, con una beca concedida al poeta por la Junta para la Ampliación de Estudios para perfeccionar sus conocimientos de francés durante un año. Durante los seis primeros meses, la pareja viajó, visitó los museos e intimaron con Rubén Darío y Francisca Sánchez, su compañera.l Machado aprovechó para asistir al curso que Henri Bergson impartía en el Colegio de Francia.

El 14 de julio, cuando el matrimonio va a partir hacia la Bretaña francesa de vacaciones, Leonor sufre una hemoptisis y tiene que ser ingresada. Los médicos, impotentes en aquella época contra la tuberculosis, recomendaron el regreso al aire sano de Soria. Una engañosa mejoría dio paso a un fulminante final. La niña Leonor murió el 1 de agosto de 1912. Su última alegría fue tener en sus manos, publicado al fin, el libro que ella había visto crecer ilusionada día a día: la primera edición de Campos de Castilla.

Machado, desesperado, solicitó su traslado a Madrid, pero el único destino vacante era Baeza, donde durante los siete próximos años penó más que vivió, dedicado a la enseñanza como profesor de Gramática Francesa en el Instituto de Bachillerato instalado en la Antigua Universidad baezana.

Esta Baeza, que llaman la Salamanca andaluza, tiene un Instituto, un Seminario, una Escuela de Artes, varios colegios de Segunda Enseñanza, y apenas sabe leer un treinta por ciento de la población. No hay más que una librería donde se venden tarjetas postales, devocionarios y periódicos clericales y pornográficos. Es la comarca más rica de Jaén, y la ciudad está poblada de mendigos y de señoritos arruinados en la ruleta.

El poeta no está dispuesto a contemporizar y su mirada se radicaliza; tan solo le sacan de su indignación y su aburrimiento las excursiones que hace a pie y solitario, por los cerros que le separan de Úbeda, o con los escasos amigos que le visitan, por las sierras de Cazorla y de Segura, en las fuentes del Guadalquivir. También tuvo oportunidad de acercarse con más atención a las voces y ritmos del tesoro popular (no en vano llevaba en su herencia la pasión de su padre por el folklore, que a su vez lo había heredado de la abuela de Machado, Cipriana Álvarez Durán). Fruto en gran parte de esa mirada será su siguiente libro Nuevas canciones.

Escapar del «poblachón manchego» no fue fácil; para conseguirlo, Machado se vio obligado a estudiar por libre, entre 1915 y 1918, la carrera de Filosofía y Letras. Con ese nuevo título en su menguado currículo, solicitó el traslado al Instituto de Segovia, que en esta ocasión sí se le concedió. Machado abandonó Baeza en el otoño de 1919.

Poco antes, el 8 de junio de 1916, Machado había conocido a un joven poeta con el que desde entonces mantuvo amistad, se llamaba Federico García Lorca.

Machado llegó a Segovia el 26 de noviembre de 1919 y acabó instalándose por el modestísimo precio de 3,50 pesetas al día en una aún más modesta pensión.29 Era el mes de noviembre de 1919 y el poeta llegó a tiempo para participar en la fundación de la Universidad Popular Segoviana junto con otros personajes como el marqués de Lozoya, Blas Zambrano, Ignacio Carral, Mariano Quintanilla, Alfredo Marqueríe o el arquitecto Javier Dodero, que se encargó de restaurar y adaptar para la nueva institución el viejo templo románico de San Quirce, tenía como objetivo la instrucción gratuita del pueblo segoviano.

Machado, que ahora contaba con la ventaja de la cercanía de Madrid, visitaba cada fin de semana la capital participando de nuevo en la vida cultural del país con tanta dedicación que a menudo «perdió el tren de regreso a Segovia muchos lunes, y bastantes martes». Este nuevo estatus de perfil bohemio le permitiría recuperar la actividad teatral junto a su hermano Manuel.

En Segovia, por su parte, fue asiduo de la tertulia que —entre 1921-1927— se reunía cada tarde en el alfar del ceramista Fernando Arranz, instalado en las ruinas de una iglesia románica, en la que participaban también amigos como Blas Zambrano (catedrático de la Escuela Normal y padre de María Zambrano), Manuel Cardenal Iracheta, el escultor Emiliano Barral y algunos otros tipos pintorescos (como Carranza, cadete de la academia de Artillería, o el padre Villalba, que puso música a un texto de Machado).32 También colaboró en la recién nacida revista literaria Manantial y frecuentó el ambiente del Café Castilla, en la plaza mayor de Segovia

En 1927, Antonio Machado fue elegido miembro de la Real Academia Española, si bien nunca llegó a tomar posesión de su sillón.n En una carta a Unamuno, el poeta le comenta la noticia con sana ironía: «Es un honor al cual no aspiré nunca; casi me atreveré a decir que aspiré a no tenerlo nunca. Pero Dios da pañuelo a quien no tiene narices..».

En junio de 1928, Pilar de Valderrama viajó sola a Segovia y, con el pretexto de salir de una depresión con una cura de descanso y soledad, se hospedó en el mejor hotel de la ciudad. Sin embargo, y como delataría la carta de presentación para Antonio Machado que a través de una amiga había conseguido del actor Ricardo Calvo, el objetivo real del viaje era iniciar una casta amistad profesional con el poeta (que si llegó a ser realmente casta, los acontecimientos de su desenlace demostrarían que no fue del todo honesta).

Pilar pertenecía a la alta burguesía madrileña; casada y madre de tres hijos, era autora de algunos libros de poemas. Durante casi nueve años hizo las funciones de musa y «oscuro objeto del deseo» de un rejuvenecido Machado que inmortalizó aquel espejismo poético con el nombre de Guiomar. Desde la publicación en 1950 del libro De Antonio Machado a su grande y secreto amor, escrito por Concha Espina y haciendo pública una colección de cartas entre Machado y una misteriosa pero real Guiomar, varios y variopintos han sido los estudios dedicados al fenómeno Guiomar. Todo parece indicar que Pilar de Valderrama nunca estuvo enamorada de Machado (aunque como buena cortesana fue diestra en el arte de «marear la perdiz»), como parece deducirse de lo escrito en su libro de memorias Sí, soy Guiomar, libro escrito en su vejez y publicado post mórtem, para insistir en el carácter platónico de su relación con el poeta, pero sin explicar por qué de ser así se mantuvo en secreto con tanto celo. Tampoco explicó la inspiradora de Guiomar por qué quemó la mayoría de las cartas que recibió de Machado, cuando —quizá advertida por sus contactos entre la clase acomodada— abandonó Madrid, rumbo a Estoril, en junio de 1936, un mes antes del alzamiento nacional.

14 de abril en Segovia

El último gran acontecimiento de los años segovianos de Machado ocurrió el 14 de abril de 1931, fecha de la proclamación de la Segunda República Española. El poeta, que vive la noticia en Segovia, fue requerido para ser uno de los encargados de izar la bandera tricolor en el balcón del Ayuntamiento. Un momento emotivo que Machado recordaría con estas palabras:

¡Aquellas horas, Dios mío, tejidas todas ellas con el más puro lino de la esperanza, cuando unos pocos viejos republicanos izamos la bandera tricolor en el Ayuntamiento de Segovia! (…) Con las primeras hojas de los chopos y las últimas flores de los almendros, la primavera traía a nuestra república de la mano.

En octubre de 1931 la República le concedió a Machado, por fin, una cátedra de francés en Madrid, donde a partir de 1932 pudo vivir de nuevo en compañía de su familia (su madre, su hermano José, mujer e hijas). En la capital, el poeta continuó viéndose en secreto con la inspiradora de Guiomar y estrenando las comedias escritas con Manuel.

En una Orden gubernamental de 19 de marzo de 1932, a petición del secretario del Patronato de las Misiones Pedagógicas, se autoriza a Machado a residir en Madrid «para la organización del Teatro popular».

Durante los siguientes años, Machado escribió menos poesía pero aumentó su producción en prosa, publicando con frecuencia en el Diario de Madrid y El Sol y perfilando definitivamente a sus dos apócrifos, los pensadores (y cómo Machado, poetas y maestros) Juan de Mairena y Abel Martín.

En 1935, Machado se trasladó del Instituto Calderón de la Barca al Cervantes. Días antes, el 1 de septiembre había muerto su maestro Cossío, poco después de haberse reunido con él en su retiro de la Sierra de Guadarrama y en compañía de otros institucionistas, Ángel Llorca y Luis Álvarez Santullano. Las pérdidas se acumulan: el 5 de enero muere Valle-Inclán y el 9 de abril un olvidado Francisco Villaespesa…el desfile de la muerte se había adelantado.

Casi desde los primeros días de la guerra, Madrid, ya convulsionada desde los últimos estertores del Bienio Negro, se convirtió en un campo abonado para las privaciones y la muerte. La Alianza de Intelectuales decidió, entre otras muchas medidas de emergencia, evacuar a zonas más seguras a una serie de escritores y artistas, Machado entre ellos (por su edad avanzada y por su significación). La oferta, un día de noviembre de 1936, la presentan en el domicilio del poeta, otros dos ilustres colegas: Rafael Alberti y León Felipe. Machado, «concentrado y triste» –según evocaría luego Alberti– se resistía a marchar. Fue necesaria una segunda visita con mayor insistencia y a condición de que sus hermanos Joaquín y José, con sus familias, le acompañasen junto con su madre

Publicación en portada del diario La Vanguardia del viernes 16 de julio de 1937: «El poeta y el pueblo», discurso de Antonio Machado para el II Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura organizado por la Alianza de Intelectuales Antifascistas y celebrado en Valencia.
Machado y su familia, tras ser acogidos provisionalmente en la Casa de la Cultura de Valencia, se instalaron en la localidad de Rocafort desde finales de noviembre de 1936 hasta abril de 1938, fecha en que fueron evacuados a Barcelona.r Durante su estancia valenciana, el poeta, a pesar del progresivo deterioro de su salud, escribió sin descanso comentarios, artículos, análisis, poemas y discursos (como el que pronunció para las Juventudes Socialistas Unificadas, en una plaza pública de Valencia ante una audiencia multitudinaria), y asistió al II Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura organizado por la Alianza de Intelectuales Antifascistas y celebrado en la capital valenciana, donde leyó su reflexión titulada «El poeta y el pueblo».

En 1937 publicó La guerra, con ilustraciones de su hermano menor José Machado. De entre sus últimos escritos, obra de compromiso histórico y testimonial, destacan textos de hondura estremecedora, como la elegía dedicada a Federico García Lorca: El crimen fue en Granada.

Escala en Barcelona

Ante el peligro de que Valencia quede aislada, los Machado se trasladaron a Barcelona, donde tras un hospedaje provisional en el Hotel Majestic, ocuparon la finca de «Torre Castañer», abandonada por la duquesa de Moragas. El lujo del lugar contrasta con las miserias de la guerra: no hay carbón para las estufas, ni tabaco (imprescindible para Machado), ni apenas alimentos. Allí permanecieron desde finales de mayo del 1938 hasta los primeros días del siguiente año.

Exilio y muert

El 22 de enero de 1939, y ante la inminente ocupación de la ciudad, el poeta y su familia salieron de Barcelona en un vehículo de la Dirección de Sanidad conseguido por el doctor José Puche Álvarez; les acompañan, entre otros amigos, el filósofo Joaquín Xirau, el filólogo Tomás Navarro Tomás, el humanista catalán Carlos Riba, el novelista Corpus Barga y una interminable caravana de cientos de miles de españoles anónimos huyendo de su patria

Tras una última noche en suelo español, en Viladasens, las cuarenta personas que componían el grupo cubrió el último tramo hacia el exilio. Apenas a medio kilómetro de la frontera con Francia, tuvieron que abandonar los coches de Sanidad, embotellados en el colapso de la huida. Allí quedaron también sus maletas, al pie de la larga cuesta que hubo que recorrer bajo la lluvia y el frío del atardecer hasta la aduana francesa, que sólo gracias a las gestiones de Corpus Barga (que disponía de un permiso de residencia en Francia) pudieron superar. Unos coches les llevaron hasta la estación ferroviaria de Cerbère, donde gracias a las influencias de Xirau se les permitió pasar la noche en un vagón estacionado en vía muerta.

A la mañana siguiente, con la ayuda de Navarro Tomás y Corpus Barga, se trasladaron en tren hasta Colliure (Francia), donde el grupo encontró albergue en la tarde del día 28 de enero, en el Hotel Bougnol-Quintana. Allí quedaron a la espera de una ayuda que no llegaría a tiempo.

José Machado relataría luego que, su madre, saliendo por unos instantes del estado de semi-inconsciencia en el que la habían sumido las penalidades del viaje, al ver vacía la cama de su hijo, junto a la suya, preguntó por él con ansiedad. No creyó las piadosas mentiras que le dijeron y comenzó a llorar. Murió el 25 de febrero a los 85 años de edad, cumpliendo la promesa hecha en voz alta en Rocafort: «Estoy dispuesta a vivir tanto como mi hijo Antonio». Ana Ruiz, fue enterrada junto a su hijo en el nicho cedido por una vecina de Colliure, en el pequeño cementerio de la localidad francesa donde reposan sus restos desde entonces.

Late, corazón… No todo
se lo ha tragado la tierra.

Con fecha de 5 de mayo de 1941, Antonio Machado fue expulsado post mórtem del cuerpo de catedráticos de Instituto. Hubo que esperar hasta 1981 para que fuera rehabilitado (con la misma fórmula) como profesor del instituto Cervantes de Madrid, por orden ministerial de un gobierno democrático.

En una breve autobiografía casi improvisada por Machado en 1913, dejó escritas algunas claves personales que dibujan mejor que ningún estudio crítico su perfil humano:

Tengo un gran amor a España y una idea de España completamente negativa. Todo lo español me encanta y me indigna al mismo tiempo. Mi vida está hecha más de resignación que de rebeldía; pero de cuando en cuando siento impulsos batalladores que coinciden con optimismos momentáneos de los cuales me arrepiento y sonrojo a poco indefectiblemente. Soy más autoinspectivo que observador y comprendo la injusticia de señalar en el vecino lo que noto en mí mismo. Mi pensamiento está generalmente ocupado por lo que llama Kant conflictos de las ideas trascendentales y busco en la poesía un alivio a esta ingrata faena. En el fondo soy creyente en una realidad espiritual opuesta al mundo sensible

Creo que la mujer española alcanza una virtud insuperable y que la decadencia de España depende del predominio de la mujer y de su enorme superioridad sobre el varón. Me repugna la política donde veo el encanallamiento del campo por el influjo de la ciudad. Detesto al clero mundano que me parece otra degradación campesina. En general me agrada más lo popular que lo aristocrático social y más el campo que la ciudad. El problema nacional me parece irresoluble por falta de virilidad espiritual; pero creo que se debe luchar por el porvenir y crear una fe que no tenemos. Creo más útil la verdad que condena el presente, que la prudencia que salva lo actual a costa siempre de lo venidero. La fe en la vida y el dogma de la utilidad me parecen peligrosos y absurdos. Estimo oportuno combatir a la Iglesia católica y proclamar el derecho del pueblo a la conciencia y estoy convencido de que España morirá por asfixia espiritual si no rompe ese lazo de hierro. Para ello no hay más obstáculos que la hipocresía y la timidez. Ésta no es una cuestión de cultura —se puede ser muy culto y respetar lo ficticio y lo inmoral— sino de conciencia. La conciencia es anterior al alfabeto y al pan.

Antonio Machado Autobiografía

Joaquín Sorolla, Antonio Machado (diciembre de 1917). Óleo sobre lienzo. Hispanic Society of America (Nueva York). Sorolla se lo regaló a Machado «como un poema personal».
De entre la numerosa galería de retratos literarios, pictóricos y fotográficos compuestos y conservados de Antonio Machado, hay que destacar algunos que en diferentes ocasiones han merecido el calificativo de magistrales y que conforman su iconografía universal.

Documentos de indudable valor histórico-artístico son los diversos retratos y dibujos que su hermano José le dedicó a lo largo de su vida, tomados del natural o a partir de fotografías del poeta.53 De mayor valor artístico son el retrato al óleo que Sorolla pintó de Machado en diciembre de 1917; el lápiz hecho por Leandro Oroz en 1925, y el óleo casi vanguardista de Cristóbal Ruiz, en 1927.

Quizá el capítulo más popular de la iconografía del poeta lo constituyan los retratos fotográficos que los dos «alfonsos» (Alfonso Sánchez García y su hijo Alfonso Sánchez Portela) hicieron de Machado entre 1910 y 1936. En especial el Retrato de perfil de 1927, y el Retrato del café de Las Salesas.

Como análisis literario elemental, Max Aub recogió en su Manual de Historia de la Literatura Española el conocido silogismo que plantea que si Unamuno representó un «modo de sentir» y Ortega «un modo de pensar», Machado representa «un modo de ser». Max Aub completó el retrato, matizando en ese modo de ser: «la estirpe romántica, la sencilla bondad, el vigor intelectual y la sincera melancolía.

Su obra poética se abrió con Soledades, escrito entre 1901 y 1902, y casi reescrito en Soledades. Galerías. Otros poemas, que publicó en octubre de 1907.

Durante su estancia en Soria, Machado escribió su libro más noventayochista, Campos de Castilla, publicado por la editorial Renacimiento en 1912. Sus protagonistas son las tierras castellanas y los hombres que las habitan. Le siguió la primera edición de sus Poesías completas (1917), en la que se incrementan los libros anteriores con nuevos poemas y se añaden los poemas escritos en Baeza tras la muerte de Leonor, los populares «Proverbios y cantares» —»poemas breves, de carácter reflexivo y sentencioso»—, y una colección de textos de crítica social, dibujando la España de aquel momento. En 1924 publicó las Nuevas canciones, recuperando materiales escritos en Baeza y aún en Soria, y mezclando ejemplos de sentenciosa poesía gnómica y análisis en torno al hecho de la creación poética, con paisajes soñados, algunas galerías y los primeros sonetos que se le conocen.

Las ediciones de Poesías completas de 1928 y 1933 incluyeron algunos de los textos adjudicados a sus dos apócrifos, «Juan de Mairena» y «Abel Martín» –maestro de Mairena—, y en la edición de 1933 las primeras Canciones a Guiomar.

En 1936, en vísperas de la guerra civil española, publicó: Juan de Mairena. Sentencias, donaires, apuntes y recuerdos de un profesor apócrifo. El estallido de la rebelión militar impidió la difusión del volumen que durante años permaneció en el limbo de lo desconocido.

Juan de Mairena y Abel Martín, heterónimos de Machado (él mismo llegó a reconocer que Mairena era su «yo filosófico»),z desplazaron al poeta modernista y simbolista, sustituyéndolo por un pensador original, hondo y precursor de un género mixto que luego sería imitado por muchos otros autores.62 Originalmente concebidos como poetas, Martín y Mairena se presentan como filósofos populares, herederos de la «lengua hecha» (que el poeta citaba siempre a propósito de Cervantes y El Quijote) y en defensa de la «lengua hablada», dicho con palabras de Machado: «Rehabilitemos la palabra en su valor integral. Con la palabra se hace música, pintura y mil cosas más; pero sobre todo, se habla».

Gran parte del Juan de Mairena, publicado por Espasa-Calpe en 1936, reúne la colección de ensayos que Machado había publicado en la prensa madrileña desde 1934. A través de sus páginas, un imaginario profesor y sus alumnos analizan la sociedad, la cultura, el arte, la literatura, la política, la filosofía, planteados con una caprichosa variedad de tonos, desde la aparente frivolidad hasta la gravedad máxima, pasando por la sentencia, la paradoja, el adagio, la erudición, la introspección, la retórica como arte, la cuchufleta o el más fino y sutil humor celtibérico.

Durante la década de 1920 y los primeros años de la década del treinta, Machado escribió teatro en colaboración con su hermano Manuel. Se llegaron a estrenar en Madrid las siguientes obras: Desdichas de la fortuna o Julianillo Valcárcel (1926), Juan de Mañara (1927), Las adelfas (1928), La Lola se va a los puertos (1929), La prima Fernanda (1931) y La duquesa de Benamejí (19329)

Poesía

1903 – Soledades: poesías
1907 – Soledades. Galerías. Otros poemas
1912 – Campos de Castilla
1917 – Páginas escogidas
1917 – Poesías completas
1917 – Poemas
1918 – Soledades y otras poesías
1919 – Soledades, galerías y otros poemas
1924 – Nuevas canciones
1928 – Poesías completas (1899-1925)
1933 – Poesías completas (1899-1930)
1933 – La tierra de Alvargonzález
1936 – Poesías completas
1937 – La guerra (1936-1937)
1937 – Madrid: baluarte de nuestra guerra de independencia
1938 – La tierra de Alvargonzález y Canciones del Alto Duero

Pros
Juann de Mairena (sentencias, donaires, apuntes y recuerdos de un profesor apócrifo)
1957 – Los complementarios (recopilación póstuma a cargo de Guillermo de Torre publicada en Buenos Aires por Editorial Losada).
1994 – Cartas a Pilar (edición de G. C. Depretis, en Madrid con Anaya-Mario Muchnik).
2004 – El fondo machadiano de Burgos. Los papeles de AM (edición de A. B. Ibáñez Pérez, en Burgos por la Institución Fernán González).

Teatro

(con Manuel Machado)
1926 – Desdichas de la fortuna o Julianillo Valcárcel
1927 – Juan de Mañara
1928 – Las adelfas
1930 – La Lola se va a los puertos
1930 – La prima Fernanda
1932 – La duquesa de Benamejí
1932 – Teatro completo, I, Madrid, Renacimiento.
1947 – El hombre que murió en la guerra (homenaje en Buenos Aires)

(adaptaciones de clásicos, en colaboración)
1924 – El condenado por desconfiado, de Tirso de Molina (con José López Hernández), estrenada el 2 de enero de 1924, en el Teatro Español de Madrid, con Ricardo Calvo como protagonista principal.
1924 – Hernani, de Victor Hugo (con Francisco Villaespesa), estrenada el 1 de enero de 1925, en el Teatro Español de Madrid, por la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza.68
1926 – La niña de plata, de Lope de Vega (con José López Hernández).

En la escultura

Las cabezas de Pablo Serrano

El 19 de junio de 2007 se instaló en los jardines de la Biblioteca Nacional de Madrid, sobre un pedestal del diseñador Alberto Corazón, la última «cabeza» de Antonio Machado de la casi legendaria serie realizada por el escultor Pablo Serrano desde años sesenta. Antes, en 1981, otra «cabeza» de don Antonio había sido regalada por Serrano y expuesta en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y una más en Soria en 1982, frente al colegio donde el poeta impartió sus clases de francés. La supuesta «cabeza original» de toda la serie pudo colocarse finalmente en Baeza en 1983.

En 1985 una nueva cabeza decoró el monumento titulado «El Pueblo de Madrid al poeta Antonio Machado», en el barrio madrileño Ciudad de los poetas y junto a la estación de metro que también lleva su nombre.

Fuera de España, pueden verse «cabezas» de Machado en el Centre Georges Pompidou de París (obra de Serrano de 1962, adquirida por la institución francesa en 1971), otra en el MOMA de Nueva York, al parecer comprada en 1967, y una tercera en la Universidad Brown, en Providence (Rhode Island) (EEUU).70

Esculturas callejeras

No podían faltar representaciones del poeta «ligero de equipaje»1 abundando en la moda de las esculturas callejeras. Pueden verse Machados de bronce, paseando, sentado leyendo o pensando, ausente de la silla que sujeta su amada Leonor, con la maleta a mano… El paseante se encontrará con ellas en las ciudades machadianas: Soria, Segovia, Baeza

En 1922, Emiliano Barral concluyó y regaló a Machado un busto blanco del poeta. Una copia hecha por Pedro Barral recuerda desde un rincón del jardín que da acceso a la Casa-Museo de Machado en Segovia aquellos versos que unieron a los dos artistas en la eternidad

…y, so el arco de mi cejo,
dos ojos de un ver lejano,
que yo quisiera tener
como están en tu escultura:
cavados en piedra dura,
::en piedra, para no ver.

Reconocimientos

Además de las variopintas esculturas dedicadas al poeta, entre los numerosos reconocimientos dedicados a Antonio Machado, su obra y su memoria, pueden mencionarse de modo aleatorio:

Placa en honor a Antonio Machado en la antigua universidad de Baeza. Siendo Instituto de Bachillerato, el poeta impartió aquí clases de Gramática Francesa desde 1912 hasta 1919.Aún en vida del poeta, Machado fue homenajeado en Soria y declarado Hijo Adoptivo de la ciudad, el 5 de octubre de 1932.
El homenaje que desde el Instituto Hispánico, en Estados Unidos, le tributaron en el décimo aniversario de su muerte, amigos en el exilio, con un comité formado por: Tomás Navarro Tomás, Jorge Guillén, Rafael Heliodoro Valle, Federico de Onís, Arturo Torres- Rioseco, Andrés Iduarte, Eugenio Florit y Gabriel Pradal.
La exposición homenaje de los artistas españoles en París, inmortalizada por el cartel autógrafo que realizó Pablo Picasso, con fecha de 3 de enero de 1955.
El cartel de Joan Miró realizado en 1966 para el frustrado homenaje a Machado en Baeza.
El álbum Dedicado a Antonio Machado, poeta (1969), del cantautor Joan Manuel Serrat, que contribuyó a la recuperación y popularización del poeta.
Ángel González, uno de los más aplicados biógrafos y estudiosos de la figura y la obra de Antonio Machado, le dedicó también algunos de sus poemas más personales, como la elegía que incluyó en su tercer libro Grado Elemental (1962), titulada «Camposanto en Colliure».

CANET ROCK 2015 El CanetRock torna amb 12 hores de la millor música per celebrar els 40 anys de la seva primera edició


CANET ROCK 2015 El CanetRock torna amb 12 hores de la millor música per celebrar els 40 anys de la seva primera edició

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Els Catarres, Els Amics de les Arts, La Pegatina, Txarango, Lax’n’Busto, Sanjosex i La Iaia són alguns dels grups que tocaran el 4 de juliol.

Nous valors com Joana Serrat o Oques Grasses també són presents al cartell, que completen Projecte Mut, Bikimel i Cris Juanico.

La Companyia Elèctrica Dharma commemorarà els 40 anys de CanetRock conjuntament amb Comediants

Canet Rock ha creat La Banda Impossible, formada per Pemi Fortuny (Lax’n’Busto), Lluís Gavaldà (Els Pets), Natxo Tarrés (Gossos), Jofre Bardagí (Glaucs), Quim Mandado (Sangtraït) i Cris Juanico (Ja t’ho diré) que reviuran grans temes del Rock Català dels 90

 

 

Barcelona, 23 de febrer de 2015 ·

 

Avui s’ha anunciat el cartell del CanetRock que commemorarà els 40 anys d’aquell primer festival de música i llibertat que va tenir lloc al Pla d’en Sala el 1975.

Després d’un CanetRock 014 que es mantindrà en el record dels 25.000 espectadors assistents, arriba el CanetRock 015 amb un cartell de luxe: Els Catarres, Els Amics de les Arts, La Pegatina,  Lax’n’Busto, Txarango, Projecte Mut, Joana Serrat, la Companyia Elèctrica Dharma amb  Comediants, La Iaia, Oques Grasses, Sanjosex entre amics, Bikimel, Cris Juanico i La Banda  Impossible tocaran al llarg de 12 hores, fins que surti el sol.

 

Però el CanetRock no proposa només una selecció del bo i millor de la música catalana, sinó que  també vol aconseguir que la nit esdevingui única. És per això que l’organització ha preparat algunes  sorpreses pel públic. En primer lloc, Els Amics de les Arts proposen un concert 2.0: celebraran seus  10 anys als escenaris amb un recital fet a mida pels assistents, que escolliran les 10 cançons que  tocaran, i que es podran votar a través del web de CanetRock. Sanjosex, per la seva banda, ha  creat un espectacle únic, Sanjosex entre amics, que es podrà veure només a Canet Rock i que  comptarà amb la col·laboració de Jaume Pla (Mazoni), Pau Guillamet (Guillamino), Bikimel, Quico  Pi de la Serra i Carles Belda. La Companyia Elèctrica Dharma –que pot presumir de ser l’únic grup  que ha actua a tots els CanetRock de la història- actuarà per celebrar els 40 anys del primer  festival, i escenificarà un moment únic amb el grup de teatre Comediants.

 

 

La Banda Impossible

Diversos cantants dels anys 90 homenatjaran el Rock Català per posar de manifest la vigència del  seu èxit, i ho faran a través d’una formació única: La Banda Impossible. Així, la generació de públic i músics del Rock Català sonarà també a CanetRock. Una generació que queda entre els CanetRock  dels 70s i els CanetRock dels anys 2000 i que ara podrà sentir també la seva música al Pla d’en Sala.
Diversos cantants es reuniran per recordar les cançons que han fet créixer una generació: Lluís  Gavaldà (Els Pets), Natxo Tarrés (Gossos), Pemi Fortuny (Lax’n’Busto) –que torna als escenaris en  una ocasió única després de 9 anys-, Jofre Bardagí (Glaucs), Quim Mandado (Sangtraït) i Cris  Juanico (Ja t’ho diré) interpretaran 13 temes de l’època. No només les veus, sinó acompanyament  també estarà compost per membres de la generació del Rock Català dels anys 90. Sota la dirección  d’Oriol Farré (Gossos), la banda estarà formada per Joan Reig (Els Pets) a la bateria, Pemi Rovirosa  (Lax’n’busto) a la guitarra, Roger Farré (Gossos) al baix i Eduard Font (Glaucs/Sopa de Cabra) als  teclats. A més, també col·laboraran en alguns dels temes altres músics que han marcat l’escena del  nostre país: Toni Xuclà, Àlex Rexach, Jimmy Piñol, Joan Cardoner i Martín Rodríguez.

 

El grup escollit per obrir el Canet Rock 015

Aquest any un grup emergent serà l’encarregat d’obrir el festival, a través d’un concurs obert als  espectadors en què es buscarà un nou valor de l’escena musical del país. CanetRock ha sumat  esforços amb el concurs de maquetes més importants del país, el Sona9. Les inscripcions per  participar s’obriran el dia 1 de març, i el dia de Sant Jordi es presentaran els 18 grups finalistes. Se
celebrarà una semifinal al Centre d’Arts Sants Mònica a principis de maig, i el guanyador es decidirá  en una gran final que se celebrarà a l’Antiga Fàbrica Estrella DAMM.

Les votacions es podran fer a  través del web de CanetRock.

 

Més i millor

A més, el festival torna per sumar, i a partir de l’èxit i l’experiència de l’any passat, proposa un  espectacle integral i sense interrupcions, amb activitats i accions entre actuacions. Hi haurà una  zona gastronòmica àmplia amb diversitat d’oferta i un servei àgil i eficaç, es milloraran les  circulacions del públic i els serveis, i s’oferiran activitats participatives. Tot això, mantenint el preu  popular de 32 euros (+despeses de gestió) fins al 27 de febrer. A partir de llavors, les entrades es  podran adquirir al seu preu final, a 35 euros (+ despeses de gestió).

 

El Pemi Fortuny torna als escenaris! Mira el vídeo on ho explica

 

Preu: 32€ + despeses de gestió
Canal: www.elperiodico.com * Promoció especial i limitada. El preu final de l’entrada serà de 35€ + despeses.

Marie Pfeiffer (Santa Ana, California; 29 de abril de 1958) actriz estadounidense.


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Comenzó su carrera artística como invitada en programas de televisión, entre los que se incluyen papeles pequeños en las series La isla de la fantasía y Delta House a finales de los 70’s. Debutó en el cine en 1980 en el largometraje The Hollywood Knights. Posteriormente, obtuvo reconocimiento de la prensa y los críticos con la interpretación de papeles en películas como Las Amistades Peligrosas (1988), Casada con todos (1988), Los fabulosos Baker Boys (1989), La casa Rusia (1990), Frankie & Johnny (1991), Por encima de todo (1992), Batman vuelve (1992) y La edad de la inocencia (1993). Sus interpretaciones la hicieron acreedora de numerosos premios y galardones, entre ellos un premio BAFTA, un Globo de Oro y un Oso de Plata.

Además de su trabajo artístico, por el que ha sido nominada en tres ocasiones a los premios Óscar y en seis a los premios Globo de Oro, es considerada como una de las mujeres más atractivas del mundo.

Nació en Santa Ana (condado de Orange, California) y tiene tres hermanos, Richard, mayor que Michelle; Dedee (actriz) y Lori (modelo) menores que ella. Es de ascendencia neerlandesa, alemana, irlandesa, sueca y suiza. Su primer salario lo ganó sacando brillo a las máquinas de aire acondicionado que su padre arreglaba. En la escuela siempre se comportó como un chico, según propias palabras y no llamaba la atención de los muchachos. Años más tarde, fue la típica chica rubia que se saltaba las clases para pasar las tardes con sus amigos surfistas, tomando batidos y alguna que otra droga en la playa. En 1981 se casó con el también actor Peter Horton, del que se divorció en 1988. Después tuvo idilios con Michael Keaton, John Malkovich y Fisher Stevens, con el que planeó una boda, cancelándose por una infidelidad del actor. En 1993 adoptó a Claudia Rose, hija de una enfermera que ya tenía cuatro hijos y que no podía ocuparse de uno más. Posteriormente se casó con el productor David E. Kelley, creador de Chicago Hope o Ally McBeal, con quien tuvo a John Henry (1994).

Su primera experiencia con el mundo del espectáculo fue interpretando a Alicia, en la cabalgata de Disneyland de Alicia en el País de las Maravillas en 1970 con tan solo 12 años.

Años más tarde y apoyada por su peluquero, se presentó y ganó el concurso de belleza “Miss Orange County”. En el jurado del certamen había un cazador de talentos que la contrató para promoverla, primero como modelo rodando anuncios publicitarios, y más tarde para trabajar como actriz en series de televisión como “Delta House”, “La Isla de la Fantasía”, “Chips». Así consiguió ser la chica guapa en su propia serie “B.A.D. Cats”, que duró solamente una temporada por su bajo nivel de audiencia.

Entre 1978 y 1981, participó también en varios telefilms, siempre como actriz secundaria. En 1980 debutó para la gran pantalla en la cinta “Volver al amor”, junto a Elliot Gould y Susannah York, en el rol de S. York cuando era adolescente. Le siguieron varios trabajos en diversas películas como “La maldición de la reina dragón” y “The Hollywood Knights”, siempre como actriz secundaria.

En 1982 interpretó un papel protagónico en el musical Grease 2, como Stephanie Zinone. La película fue un fracaso de crítica , lo único apreciable de la secuela fue Michelle, a la que nominaron a un premio como mejor actriz debutante. Sin embargo, debido al fracaso de esta cinta, la actriz estuvo más de un año sin trabajar.Pero para unos fans que existieron el trabajo de la cinta tuvo un poco de agrado y mas siendo la cancion»Cool Rider» una de las famosas de la pelicula ademas de ser usada en varios usos por los fans

Tras varios años de interpretar roles de reparto y frecuentes apariciones en televisión como invitada, Pfeiffer obtuvo amplio reconocimiento por su actuación en la película de 1983 El precio del poder. Encarnó a Elvira Hancock, una mujer adicta a la cocaína, esposa de Tony Montana (Al Pacino); bajo la dirección de Brian De Palma.

Después de intervenir en esta película todos los papeles que le ofrecían eran de mujer fría y calculadora, pero ella optó por uno totalmente opuesto, la doncella encantada por un maleficio en la película de aventuras Lady Halcón (1985) de Richard Donner junto a Matthew Broderick y Rutger Hauer. Tras el éxito de esta y su anterior película, a la joven actriz ya le llovían las ofertas, ya era una actriz a la que la gente reconocía pero de la que todavía no se habían aprendido el nombre.

En 1985 fue la protagonista femenina de Cuando llega la noche de John Landis. Comedia que protagonizó junto al novel actor Jeff Goldblum. Un año después es dirigida por Alan Alda en la comedia “Dulce Libertad” compartiendo cartel con Michael Caine y Bob Hoskins.

Vuelve a la televisión para protagonizar algunos telefilms y ya en 1987 se convierte en una de las tres brujas que atormentan al demonio en la comedia fantástica Las brujas de Eastwick junto a Jack Nicholson, Cher y Susan Sarandon. El enorme éxito de la película hizo que Pfeiffer fuese una de las actrices más solicitadas de la época.

En 1988 logró su primera nominación de seis consecutivas a los Globo de Oro por Casada con todos de Jonathan Demme, una disparatada comedia sobre la mafia que la protagonizada también por Matthew Modine y Alec Baldwin. La película fue un éxito moderado pero sirvió para que grandes directores apreciaran que tras ese extraordinario físico se escondía una actriz de talento. Su siguiente film, todavía en 1988, fue el thriller Conexión Tequila junto a Mel Gibson y Kurt Russell. Pero es Las relaciones peligrosas de Stephen Frears la película que realmente la sitúa entre las mejores actrices de la década, ganando varios premios por su interpretación y siendo nominada por primera vez a los Premio Oscar como mejor actriz secundaria. En esta cinta la acompañan Glenn Close y John Malkovich, formando el trío protagonista y Uma Thurman y Keanu Reeves dos actores casi debutantes, como parte del magnífico reparto. 1989 sería el año en el que Pfeiffer ganó todos los premios que se otorgaron a la mejor actriz excepto el Premio Oscar por su participación en Los fabulosos Baker Boys del debutante Steve Kloves, donde daba vida a una cantante de salón acompañada por los pianos de los hermanos Baker, interpretados por Jeff Bridges y Beau Bridges hermanos en la vida real. Gracias a esta película y a la escena en la que canta vestida de rojo encima de un piano, es considerada como uno de los mayores sex-symbols de la historia del cine.

En 1990 protagoniza junto a Sean Connery, La Casa Rusia de Fred Schepisi, una película de espías por la que es nominada por tercera vez a los Globo de Oro. En ella da vida a un ama de casa rusa infiltrada en una trama de espionaje. Un año después, vuelve a coincidir con Al Pacino en Frankie y Johnny de Garry Marshall. Cuarta nominación a los Globo de Oro. En esta película interpreta a una camarera poco atractiva que no cree en el amor ni en las segundas oportunidades.

En 1992 da vida a Catwoman en la segunda entrega de las aventuras de Batman en Batman Vuelve de Tim Burton junto a Michael Keaton y Danny DeVito. Es considerada la mejor Catwoman de la historia, y la convierte en la actriz, junto con Julia Roberts, mejor pagada de Hollywood. Años después, diría que «esta película era su favorita». Después vendría su tercera nominación a los Premio Oscar y quinta a los Globo de Oro, por “Por encima de todo” de Jonathan Kaplan: un drama interracial en el que trabaja con Dennis Haysbert y su memorable papel y última nominación a los Globo de Oro, por su trabajo para Martin Scorsese en La edad de la inocencia. Para muchos uno de los mejores trabajos de la actriz y también uno de los menos valorados. En la película formaba trío protagonista con Daniel Day-Lewis y Winona Ryder. Volvió a trabajar con Jack Nicholson en “Lobo” de Mike Nichols, una nueva versión del mito del hombre lobo, poco entendida pero muy exitosa. En 1995 tuvo un taquillazo con Mentes peligrosas donde interpreta a una «ex marine» que trabaja como profesora de un grupo de jóvenes problemático. Se especializó en comedias románticas primero en Íntimo y personal de Jon Avnet, junto a Robert Redford y luego en Un día inolvidable de Michael Hoffman junto a George Clooney de la que también fue productora ejecutiva. Entre estas dos comedias realizó un pequeño papel para “Feliz cumpleaños, amor mio”, película menor en la que trabajó porque su marido era el productor.

Siguió como productora para sus siguientes trabajos, Heredarás la tierra, drama rural protagonizada por su amiga Jessica Lange, ambas actrices habían declarado en más de una ocasión el deseo de poder trabajar juntas. Este fue quizás uno de sus últimos grandes papeles dramáticos por el cual cosechó varios premios, pero que la academia se olvidó de nominar.

En 1998 vuelve a trabajar para Michael Hoffman en la versión del clásico de Shakespeare Sueño de una noche de verano junto a Kevin Kline, Rupert Everett y Sophie Marceau.

Protagonizó el drama “En lo profundo del océano” junto a Whoopi Goldberg y fué la pareja de Bruce Willis en La historia de lo nuestro de Rob Reiner. Dobló personajes en producciones animadas y, ya entrado el nuevo siglo, protagonizó junto a Harrison Ford, el thriller-psicológico Lo que la verdad esconde de Robert Zemeckis. Un enorme éxito de taquilla que fue como la guinda a una carrera de éxitos. En 2001 protagoniza junto a Sean Penn, “Yo soy Sam”. Un año después se une a Renée Zellweger, Robin Wright y Alison Lohman en el drama “La flor del mal” dando vida a la pérfida madre de la protagonista. Michelle recibió varios premios por su interpretación de manipuladora y psicótica. Después de este trabajo se apartó definitivamente del cine para dedicarse a su familia. Se mudó fuera del bullicio de Los Ángeles.

Tras un período de relativa inactividad y luego de rechazar participar en el filme Las Crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario, Pfeiffer tuvo tres roles estelares en 2007. Interpretó el papel de la villana Velma Von Tussle en Hairspray, adaptación cinematográfica del musical homónimo, donde compartió escena con Nikki Blonsky John Travolta y Christopher Walken. Además, encarnó a la bruja Lamia en la película fantástica Stardust, dirigida por Matthew Vaughn y coprotagonizada por Robert De Niro.

Los siguientes largometrajes protagonizados por Pfeiffer fueron la comedia El novio de mi madre (2007) y el drama Efectos Personales (2009), dirigido por David Hollander y coprotagonizado por Ashton Kutcher y Kathy Bates. Ésta última se estrenó en una presentación especial en la ciudad de estadounidense de Iowa. Su siguiente papel cinematográfico fue en el drama Chéri, adaptado de la novela homónima de 1920, escrita por Colette, donde interpretó a la cortesana Léa de Lonval. Dirigida por Stephen Frears y con un reparto que incluía a figuras como Rupert Friend y Kathy Bates, la película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2009.

En 2011 estrena la comedia romántica Noche de fin de año con un extenso elenco bajo la dirección de Garry Marshall, la película no es muy bien recibida ni por la crítica ni por el público.

Este 2012 estrena Sombras tenebrosas, dirigida por Tim Burton y donde actúa junto a Johnny Depp, Helena Bonham Carter y Chloë Grace Moretz, y el drama familiar People like us junto a Chris Pine.

Para el 2013 prepara bajo la dirección de Luc Besson la comedia de mafiosos Malavita, acompañada en el reparto de nuevo por Robert De Niro y Tommy Lee Jones. También se está planteando plantarse detrás de las cámaras para llevar a cabo la que seria su primera experiencia como directora.

Desde que Giorgio Armani la descubrió como Elvira Hankock en Scarface, la convirtió en su musa y en su inspiración para algunos de sus diseños.

Es famosa por haber rechazado papeles tan jugosos como: Instinto Básico y Casino las hizo Sharon Stone, Mamma Mia en el papel de Meryl Streep, Evita era la primera opción antes que Madonna, Acoso, Algunos hombres buenos y Ghost en los papeles de Demi Moore, Pretty Woman antes que Julia Roberts aceptara, La hoguera de las vanidades y Armas de mujer sustituida por Melanie Griffith, Thelma & Louise que iba a protagonizar junto a Jodie Foster, a quien le brindó también su mejor papel en El silencio de los corderos, Michelle era a quien Jonathan Demme quería para el papel, y un largo etcétera.

Está considerada la segunda mejor actriz de nuestro tiempo por detrás de Meryl Streep.

Es muy amiga de Steven Spielberg y su esposa Kate Capshaw, Martin Scorsese, Jodie Foster, Ellen Barkin, Cher y Val Kilmer (quien le escribía poesía).

En Hollywood en la década de los ’90, se la conocía como «el rostro».

Ha sido dos veces portada de la revista People dedicada a las 50 personas más bellas del mundo, en su primera edición en 1990 y en la de 1999, entrando en la lista en seis ocasiones, récord de veces que una misma persona ha estado en ella.

Tiene el récord de nominaciones consecutivas a los Globos de oro 6 en total como mejor actriz principal, desde 1989 a 1994.

Michelle Pfeiffer fue la estrella invitada en la popular serie de «Los Simpsons» para hacer la voz de Mindy Simmons (Margo Zavala en Hispanoamérica) que tuvo su primera aparición en el episodio «The Last Temptation of Homer». En el episodio titulado «Lisa vs. Malibu Stacy» (llamado Lisa contra Stacy Malibú en España y Lisa contra la Baby Malibú en Hispanoamérica)de esta misma serie, en su traducción latina, Homero Simpsons menciona a Michelle Pfeiffer: «¿Y por qué Bart puede hacer eso y yo no puedo pasar ni una noche espiando en el jardín de Michelle Pfeiffer?», aunque en su versión original Homero nombra a un chef, aparentemente muy famoso en Estados Unidos: «Aw, how come Bart gets to do that and I can’t spend one night lurking in the bushes outside Chef Boy-Ar-Dee’s house?» (Aw, ¿cómo es que Bart llega a hacer eso y no puedo pasar una noche al acecho en los arbustos fuera de la casa de Chef Boy-Ar-Dee?).

 

 

Filmografía
1980 – The Hollywood knights
1980 – Volver al amor
1981 – La maldición de la reina dragón
1981 – Callie & Son
1982 – Grease 2
1983 – Scarface
1984 – Lady Halcón
1985 – Cuando llega la noche
1986 – Dulce libertad
1987 – Las brujas de Eastwick
1987 – Mujeres amazonas en la luna
1988 – Conexión Tequila
1988 – Casada con todos
1988 – Las amistades peligrosas
1989 – Los fabulosos Baker Boys
1990 – La Casa Rusia
1991 – Frankie y Johnny
1992 – Batman vuelve(Gatubela)
1992 – Por encima de todo
1993 – La edad de la inocencia
1994 – Lobo
1995 – Mentes peligrosas
1996 – Íntimo y personal
1996 – Gillian
1996 – Un día inolvidable
1997 – Heredarás la tierra
1998 – El príncipe de Egipto (voz)
1999 – En lo profundo del océano
1999 – El sueño de una noche de verano
1999 – La historia de lo nuestro
2000 – Lo que la verdad esconde
2001 – Yo soy Sam
2002 – La flor del mal
2003 – Simbad: La leyenda de los siete mares (voz)
2007 – El novio de mi madre
2007 – Stardust: El misterio de la estrella
2007 – Hairspray
2009 – Personal Effects
2009 – Chéri
2011 – New Year’s Eve
2012 – Welcome to People
2012 – Sombras tenebrosas
2013 – Una familia peligrosa (película de 2013)|The Family
2015 – Under Man (película de 2015)|Under Man

Vetusta Morla agota entradas para el 25 de abril, Nueva fecha: 24 de abril. Sant Jordi Club


Vetusta Morla agota entradas para el 25 de abril

Nueva fecha: 24 de abril. Sant Jordi Club

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Vetusta Morla agota las entradas de sus conciertos en Madrid y Barcelona

Agotadas las entradas para los conciertos en el Barclaycard Center (Palacio de los Deportes) y el Sant Jordi Club

El grupo anuncia nueva fecha en el Sant Jordi Club de Barcelona el 24 de abril

El 21 de noviembre terminará la gira de La Deriva con un nuevo concierto en Madrid.

Ya están a la venta las entradas para estos nuevos conciertos en Ticketea y Ticketmaster.

Vetusta Morla ha agotado las entradas anticipadas para sus conciertos de Barcelona y Madrid, primero y último respectivamente de los cinco que darán este año en grandes recintos. Se han agotado las entradas para el concierto del próximo 25 de abril en el Sant Jordi Club de Barcelona, enmarcado en la programación del Festival del Mil-lenni, y por ello el grupo hará una segunda actuación un día antes, el 24 de abril, en el mismo recinto. Este será el segundo doblete de Vetusta Morla en la ciudad condal dentro de la gira de La Deriva, después de haber tocado dos días consecutivos en la Sala Razzmatazz un año antes.

A partir de hoy ya están a la venta las entradas para los dos nuevos conciertos en las plataformas habituales: Ticketea y Ticketmaster en el caso de Madrid y Ticketea y la web del festival del Mil-lenni en el caso de Barcelona. También siguen a la venta las entradas para el resto de conciertos de esta gira por grandes recintos: el 1 de mayo en el Espacio BEC de Bilbao, el 9 de mayo en el Estadio Olímpico de Sevilla y el 16 de mayo en la Feria de Muestras de Valencia.

Estos conciertos llevarán al grupo a tocar ante más de 40.000 espectadores y suponen el colofón de la gira de presentación de La Deriva, que suma casi 80 conciertos en España, Europa y América. Con ellos la banda lleva a su plenitud un espectáculo visual y musical que representa sobre el escenario el espíritu y la narrativa del disco, presentándolo en versión corregida y aumentada. Todo ello, en el contexto de unos grandes recintos que confirman la vocación de proponer veladas de alto voltaje emocional, de las que perviven en la historia personal de los asistentes y de la propia formación.

La Deriva, tercer álbum de estudio de Vetusta Morla, logró el pasado mes de octubre el disco de oro al vender más de veinte mil copias desde su lanzamiento en abril de 2014 de la mano de Pequeño Salto Mortal, el sello discográfico fundado por la propia banda para autoeditar sus trabajos. Con él la formación alcanza el tercer galardón de esta categoría tras vender 35.000 unidades de su anterior álbum, Mapas, y 53.000 copias de su debut, Un día en el mundo, que le han valido también el disco de platino (que se concede al alcanzar cuarenta mil unidades vendidas).

 

Próximos conciertos Vetusta Morla:

24 abril – Barcelona – San Jordi Club (Festival del Mil-lenni)

25 abril – Barcelona – San Jordi Club (Festival del Mil-lenni) ENTRADAS AGOTADAS

1 mayo – Bilbao – Espacio BEC

9 mayo – Sevilla – Estadio Olímpico

16 mayo – Valencia – Feria de Muestras

23 mayo – Madrid – Barclaycard Center (Palacio de los Deportes) ENTRADAS AGOTADAS

21 noviembre – Madrid – Barclaycard Center (Palacio de los Deportes) FIN DE GIRA

 

 

Venta de entradas:

www. festival-millenni.com/

Algo distinto, innovador y revolucionario mueve el barrio del Born: Mazda Space. Un recinto multifuncional nacido para ser referente de la cultura, la tecnología, el diseño y el diálogo en Barcelona.


Mazda Space

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Algo distinto, innovador y revolucionario mueve el barrio del Born: Mazda Space. Un recinto multifuncional nacido para ser referente de la cultura, la tecnología, el diseño y el diálogo en Barcelona.

¿Por qué Mazda apuesta por un espacio tan singular? Porque el pensamiento no convencional, el inconformismo y la búsqueda de puntos de vista innovadores forman parte de nuestro ADN. Esa es la razón para crear un continente como Mazda Space. Un escenario donde, además de explicar con diferentes muestras y exposiciones nuestra la filosofía, os invitamos a todos los ‘rebeldes con causa’ a ser protagonistas.

Sus 2.000 metros cuadrados y dos plantas han entrado a formar parte del circuito cultural y artístico de Barcelona, dando cabida a las propuestas más arriesgadas. La capital catalana venció a grandes ciudades europeas como Roma a la hora de alojar este punto tan particular y esperamos que te unas a sus actividades, presentaciones, exposiciones o conciertos.

Próximas actividades en Mazda Space

En las próximas semanas importantes actores se unirán a este movimiento de ideas: TEDxBarcelona con sus debates sobre tecnología y diseño; sesiones de música alternativa con el gusto de A Taste of Sonar + D; e incluso tendremos ponencias por parte de FAD (Fomento de las Artes y el Diseño), entre otras muchas opciones artísticas y culturales con las que esperamos romper moldes.

Te estamos avisando: queremos agitar tu mente en Mazda Space… ¡Acércate a vernos!

¿Dónde estamos?

Días de apertura al público

Febrero 2015: 15, 18 , 20 , 21, 22, 28

Horario: de Martes a Domingo de 12.00h – 22.00h. ENTRADA LIBRE

EL RESTO DE LOS DÍAS DEL MES, MAZDA SPACE PERMANECERÁ CERRADO PARA LA REALIZACIÓN DE EVENTOS PRIVADOS

 

Lolita Flores és «La Colometa» en aquest monòleg dirigit per Joan Ollé, en cartell del 9 d’abril al 2 de maig al Teatre Goya


«La Plaza del Diamante»

Lolita Flores és «La Colometa» en aquest monòleg dirigit per Joan Ollé, en cartell del 9 d’abril al 2 de maig

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Copyright: Sergio Parra
Trenta-nou anys després de pujar per primera vegada a un escenari, l’actriu i cantant Lolita assumeix un nou repte teatral, interpretant aquest monòleg que promet emocionar més que mai.

Mercè Rodoreda està considerada una de les escriptores de llengua catalana més influent de la seva època i la seva obra s’ha comparat, pel seu estil i la seva capacitat descriptiva, amb la de Virginia Woolf.

La Plaça del Diamant, la novel·la de Mercè Rodoreda, arriba al Teatre Goya en forma de monòleg interior dirigit per Joan Ollé i interpretat per Lolita Flores, en una nova producció del Teatro Español basada en l’espectacle original La Plaça del Diamant, de Bitò Produccions. L’obra, que estarà en cartell del 9 d’abril al 2 de maig, és una crònica fidel de la Barcelona de postguerra i de com va marcar aquest periode històric als seus habitants.

La Plaça del Diamant està considerada la novel·la més important de la narrativa catalana de postguerra. Va obtenir un gran èxit després de la seva publicació a Barcelona en el 1962. Mercè Rodoreda fou una de les escriptores de llengua catalana més influents de la seva època, la seva obra s’ha traduït a 27 idiomes i s’ha comparat, pel seu estil i la seva capacitat descriptiva, amb la de Virginia Woolf.

La trama es desenvolupa en els anys posteriors a la Guerra Civil. Explica la història de la Natàlia, «La Colometa», una noia orfe de mare, que se sent perduda en el món i que veurà marxar i morir als seus éssers estimats, passarà gana i misèria i es veurà moltes vegades incapaç de tirar endavant els seus fills.
Lolita Flores interpreta, amb la seva característica força damunt els escenaris, aquest punyent monòleg interior, costumista i mordaç. Trenta-nou anys després de pujar per primera vegada a un escenari, l’actriu i cantant assumeix el repte d’un monòleg teatral, profundament visual i poètic.

Mercè Rodoreda parla de la seva novel·la

L’escriptora catalana parlava al 1982 d’aquesta manera de la seva novel·la en una carta que va remetre al mateix Joan Ollé, que avui dirigeix a Lolita en aquesta versió de La Plaça del Diamant:

«El meu amic Baltasar Porcel, malgrat que va fer elogis de l’obra, va opinar que la Colometa era una pàmfila. Considero aquesta afirmació, llançada a la lleugera, molt equivocada. Veure el món amb ulls de nen, meravellant-se constantment, no és ser ximple, sinó tot el contrari; a més, la Colometa fa tot el que s’ha de fer a causa de la seva situació a la vida. I fer el que s’ha de fer i només això, demostra un talent natural digne de tot el respecte. (…) La Colometa només s’assembla a mi en el fet de sentir-se perduda en mig del món».

«El que a mi em passava és que no sabia molt bé per què estava al món.» La Colometa

Inici de funcions: dijous 9 d’abril
Estrena: 10 d’abril al Teatre Goya a les 20:30h
Fins al: dissabte 2 de maig

La pianista Judith Jáuregui obrirà el 28 de març la tercera temporada de concerts de l’Orquestra Camera Musicae al Palau de la Música Catalana


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L’ Orquestra Camera Musicae (OCM ) de la demarcació de Tarragona oferirà cinc concerts al Palau de la Música Catalana aquesta primavera, en la que serà la seva tercera temporada de producció pròpia a Barcelona. La pianista Judith Jáuregui com a solista donarà el tret de sortida el proper 28 de març, a les 18h, a la Sala de Concerts, sota la batuta de Tomàs Grau.

3a temporada de l’Orquestra Camera Musicae al Palau de la Música Catalana

Concert 1 : dissabte 28 de març de 2015, 18h, Sala de Concerts: LA CINQUENA DE BEETHOVEN i JUDITH JÁUREGUI. Obres de Beethoven – Judith Jáuregui, piano – Tomàs Grau, director

Concert 2 : dilluns 27 d’abril de 2015, 19h, Sala de Concerts: FRAGMENTS i ESCENES DE MUSICALS (Concert extraordinari, fora d’abonament). Obres de Guinovart – Cor Jove de l’Orfeó Català – Albert Guinovart, piano i direcció – Esteve Nabona, director

Concert 3 : divendres 22 de maig de 2015, 20.30h, Petit Palau: EL AMOR BRUJO 1915-2015. Falla i la influència de París. Obres de Falla, Ravel i Debussy – Tomàs Grau, director

Concert 4 : diumenge 14 de juny de 2015, 18h, Petit Palau: LA SIMFONIA CONCERTANT. Obres de Mozart, Atterberg i Grieg. Oleguer Beltran, concertino-director – Joaquín Riquelme, viola

Concert 5 : dijous 16 de juliol de 2015, 20.30h, Sala de Concerts: DE CATALUNYA AL MÓN – Marta Mathéu, soprano – Albert Guinovart, piano – Tomàs Grau, director

El preu de les entrades és de 25€ i 20€ en el cas de la Sala de Concerts i de 15€ en el cas del Petit Palau. Consulteu descomptes i abonaments a través del web del Palau de la Música Catalana: http://www.palaumusica.cat Sobre l’OCM

L’Orquestra Camera Musicae (OCM) de la demarcació de Tarragona, fundada l’any 2006, va néixer en el marc de la companyia d’òpera del mateix nom amb l’objectiu de participar en les seves representacions operístiques. El setembre de 2007 es va presentar al públic en solitari.

D’ençà de la temporada 2008-09, l’OCM organitza la seva pròpia temporada de concerts, amb caràcter estable, on compagina el repertori clàssic amb la descoberta de noves obres i de nous compositors.

L’Orquestra va iniciar la temporada 2009-2010 el seu projecte de residència a l’Auditori de l’Escola Municipal de Música Pau Casals del Vendrell, vigent en l’actualitat.

L’OCM ha gaudit d’una gran rebuda per part del públic i ha estat seleccionada per participar en cites de la importància del San Miguel Mas i Mas Festival, el Festival de Música de Llívia, el Festival Interludi de Calonge, el Festival Internacional de Sabadell, el Festival Internacional de Cambrils, el Festival Internacional d’Altafulla o el Festival de Rialp, entre d’altres. Així mateix ha actuat en sales de concert com L’Auditori de Barcelona, el Teatre Principal de Maó i el Palau de la Música Catalana, on produeix la seva pròpia temporada de concerts d’ençà de la temporada 2012-2013. L’OCM també desenvolupa una temporada de concerts pròpia al Teatre Tarragona i al Teatre Fortuny de Reus.

De manera paral·lela a la seva activitat concertística, l’OCM ha enregistrat els discs Mediterráneo i Un conte de Nadal , i prepara diversos enregistraments, entre els quals destaca el de l’òpera Alba Eterna, del pianista i compositor Albert Guinovart, i el d’ Estrenes de l’OCM , on quedaran reflectits tots els encàrrecs realitzats per la formació tarragonina al llarg d’aquests anys. Des del seu inici, Tomàs Grau n’és el director titular i artístic, i des de la temporada de concerts 2012-13 el flautista Claudi Arimany exerceix el rol d’artista en residència. A partir d’aquesta temporada 2014-15, Jordi Mora és el principal director convidat de la formació.

L’Orquestra Camera Musicae compta amb el suport de l’Institut Català de les Empreses Culturals i de la Diputació de Tarragona, el patrocini de Repsol i de la Fundació Privada Mútua Catalana, i la col·laboració de Port Tarraco. És membre de l’Associació Catalana d’Orquestres Professionals.

“Perdiendo el tiempo” amb Mar Gómez al cicle “Poliorama en família” 1, 8, 15 i 22 de març de 2015 a les 12.30 h.


“Perdiendo el tiempo” amb Mar Gómez al cicle “Poliorama en família”

Perdiendo el tiempo web Poliorama

 

 

 

 

Aquest mes de març al Poliorama en família “Perdiendo el Tiempo”! Un espectacle de dansa, circ, poesia visual, gest i humor, que uneix la trajectòria de dos artistes de diferents àmbits: Mar Gómez, aporta la teatralitat a través del moviment, amb la calidesa i el sentit de l’humor al que ens té acostumats; Ignasi Gil aporta la seva acrobàtica destresa, amb una apurada tècnica vestida de tendresa.

 

 

L’espectacle

En un univers on el temps corre veloç, dos personatges s’aturen per contemplar els seus records desordenats. Tancats dins d’un gran rellotge veuen com l’engranatge que l’activa es trenca: segon a segon, el temps s’atura. En lloc d’aprofitar per fer allò que mai feren, decideixen perdre el poc temps que els queda… divertint-se.
Personatges amb records confusos, amb memòries retingudes i somnis amputats. Els seus últims moments de vida es converteixen en un espai anàrquic des d’on contemplar, de forma impertorbable, com el temps s’esmuny i
percebre-ho amb la mordacitat i la tendresa de qui se sap lliure.

Us atreviu un diumenge al matí de març venir al Poliorama en família a perdre el temps amb nosaltres?
Serà un temps poètic i imaginatiu…

 

 

AGENDA
Espectacle: PERDIENDO EL TIEMPO
Cia: Mar Gómez
Recomanat a partir de 7 anys
Espai: Teatre Poliorama (La Rambla, 115 Bcn)
Funcions: 1, 8, 15 i 22 de març de 2015 a les 12.30 h.
Preu entrades: 10€ a 12€
Compra d’entrades: Taquilles Teatre Poliorama i www.viuelteatre.com
Durada: 1h

DV8 PHYSICAL THEATRE JOHN (DEL 19 AL 21 DE FEBRER DE 2015) Mercat de les Flors


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DV8 PHYSICAL THEATRE JOHN

DEL 19 AL 21 DE FEBRER DE 2015 SALA MAC. HORARI 20:30 H. PREU 25 €

 

L’ ESPECTACLE

John és un nou treball de dansa-teatre de text de Lloyd Newson, el director artístic de DV8 Physical Theatre. Newson va entrevistar inicialment a més de 50 homes i els hi va fer preguntes franques sobre l’amor i el sexe. Un d’aquells homes era John.

El que va sorgir va ser una història que és alhora extraordinària i commovedora. Anys de delinqüència, drogoaddicció i lluita per la supervivència han abocat en John a una recerca en què la seva vida convergeix amb la d’altres en un indret inesperat, desconegut per a gairebé tothom. John descriu amb un alt grau d’autenticitat històries de la vida real, en què el moviment i la paraula es combinen per crear una experiència teatral intensa, colpidora i punyent.
Aquesta nova producció de dansa teatre verbatim («al peu de la lletra») enllaça amb els dos espectacles anteriors de DV8: To Be Straight With You (Grand Prix de la Danse, 2009, París) i Can We Talk About This? (Helpmann Award al millor espectacle de dansa, 2012, Sidney; millor producció de l’any, Tanz Magazine , 2012, Alemanya).

Espectacle per a adults, amb llenguatge dur i escenes de nus.
Cal afegir la menció d’edat mínima*.

*Edat mínima. L’espectacle s’ha d’anunciar com una obra per a públic adult, amb una edat mínima de 16 o 18 anys, en funció de l’edat de consentiment de cada país. Cal advertir els espectadors en tota la publicitat impresa que es faci de l’obra.

‘Mai veuràs res igual a un treball de Lloyd Newson … audaç, envolupant i completament únic. La interpretació central de Hannes Langolf’s central és sencillament devastadora pel seu impacte i empatia… Si la veus, mai no podràs oblidar- la.’ Daily Telegraph

‘Absorvent, elegant. Sorprenent fisicalitat.’ Time Out

‘Moments de revelació física emocionant sota la direcció de Lloyd Newson’ Guardian

‘Els cors pujaran a les boques i els cabells es posaran de punta. John és realment així de bo, així d’arrabassador . SOR-PRE-NENT.’ British Theatre Guide

★ ★ ★ ★ ★ ‘Explosiva. Magníficament interpretada’ Kurier, Vienna, World Premiere
‘Brillament coreografiada’ Der Standard , Vienna, World Premiere

«Extraordinàriament eficaç i apassionant dansa teatre … una brillant interpretació de Hannes Langolf [John]» Dagens Nyheter, Stockholm Previews

«Intel·ligent i innovador» Dansportalen, Stockholm Previews

 

 

FITXA ARTÍSTICA

Treball concebut i dirigit per Lloyd Newson
Creativa associada Hannes Langolf

 

Intèrprets
Taylor Benjamin, Lee Boggess, Gabriel Castillo, Ian Garside, Ermira Goro, Garth Johnson, Hannes Langolf, Vivien Wood, Andi Xhuma

 

EQUIP DE PRODUCCIÓ

Assistent director / Mànager de la companyia

David Grewcock

Coreografia

Lloyd Newson amb els intèrprets

Disseny escena i vestuari

Anna Fleischle

Disseny llums

Richard Godin

Disseny so Gareth Fry

Director producció
Jamie Maisey
Director tècnic escenari
Tom Pattullo
Maquinista producció Matt Davis
Operador llums
Ben Dodds
Enginyer so
Fergus Mount
Operador escenari giratori i ajudant electricitat
James Bentley
Supervisora vestuari Ilona Karas
Ajudant vestuari
Natasha Prynne
Ajudant disseny
Loren Elstein
Dissenyadora so associada
Ella Wahlström
Atrezzo
Sabia Smith
Supervisió musical
Gabriel Castillo
Realització escenogràfica
Simon York
Atrezzo de calçat
Reuben Hart (Teatre Nacional de la Gran Bretanya)
Perruca per a Vivien Wood
Giuseppe Cannas (Teatre Nacional de la Gran Bretanya)
Veu en off Lee
Davern Suplent Sean Marcs

I

nvestigació

Antonio Harris, Tim Owen Jones, Ankur Bahl, Kenny d’Cruz Edició entrevistes Lloyd Newson, Hannes Langolf Edició so preliminar Tamsin Barber, Chester Hayes, Luke Johnson, Rachel Phillips, Hedley Roach

Productora executiva

Eva Pepper

Productora

Louise Eltringham

Controller financera

Nancy Rossi

Cap captació de fons

Jessica Choi

Project manager

Jenna Lambie Ridgway

Assistent administració

Rhiannon Savell

Lloc web Feast Creative Relacions públiques Cliona Roberts (CRPR) Màrqueting Vic Shead Comptabilitat Breckman & Co Asseguradora Wrightsure

Professors habituals de la companyia Denzil Bailey, Raymond Chai, Kerry Nicholls, Stephen Pelton, Sonia Rafferty, Jeannie Steele, Tory Trotter, Vivien Wood Professora de cant de la companyia Melanie Pappenheim Tallers interpretació Juliet Knight Assessora dialectes Daniele Lydon

Coproducció Teatre Nacional de la Gran Bretanya; Biennale de la Danse de Lyon; Theatre de la Ville, Festival d’Automne and La Villette, Paris; Dansens Hus Stockholm; Dansens Hus Oslo; DV8 Physical Theatre.

Patronat de DV8 Mark Godfrey; Leonie Gombrich; Conor Marren; Kate Mayne (Chair); Lloyd Newson; Sita Popat

Estem agraïts per la seva generositat a persones i organitzacions que ens han permès utilitzar les seves esperiències i aportacions en l’elaboració d’aquest treball. Amb gratitut especial a John.

 

Agraïments

The Leverhulme Trust for funding Lloyd Newson’s residency at Centre for the History of the Emotions, Queen Mary University of London. i John Avery; Joss Baker; Andrew Barnett; Richard Beale; Sarah Black; Laura Caldow; Gary Clarke; Samia Doukali; Joe Fisher; Chester Hayes; Liz Holmes; Ellie James; Hilary Keenlyside; Eric Languet; Brian Lucas; Brendan McCall; Jamie Maisey, Sean Millar, Matthew Morris, Fleur Elise Noble; Carl Parris; Amanda Saunders; Joseph Simons; Suzanne Stanislawski, David Thompson and Prentice Whitlow.

Música The Way , de Zack Hemsey; Whole Lotta Love , de Led Zeppelin; Shallow Water Blackout , de Loscil; Contain , de Plastikman; Lucy Dub , de Loscil; 5th Achor , de Loscil; Sophteona , d’Aix Em Klemm; Monophaser 2 , d’Alva Noto; Away , de To Rococo Rot; Says , de Nils Frahm; Dark Ambient (am Mix) , d’All Índia Ràdio; No Name Jive , de Glen Gray &

L’Orquestra Casa Loma; Smolik Cye (Remix del Marecky); A1 , de Darkside; Bump , de Fred Halsted; Retrograde (Finn Pilly Edit) , de James Blake; Mama Told Me Not to Come (instrumental), de Randy Newman; Dirt Rodes , de Kevin MacLeod; City , de Deaf Center; Bless This Morning , d’Helios; Never Enough , de Tank Edwards.

Material d’origen: The Golden Shot: ITN Source, Knock Three Times: TN Source, Campionat de Wimbledon: IMG ESPORT Arxiu de vídeos.

A Barcelona amb el suport del British Council

 

 

DV8 PHYSICAL THEATRE

DV8 Physical Theatre és una companyia de teatre trencadora liderada per Lloyd Newson, un dels artistes teatrals més influents d’avui dia. DV8 produeix espectacles de dansa teatre originals i provocadors basats en temes sociopolítics amb el propòsit d’allunyar els espectadors de la seva zona de confort.

L’ambiciós treball de DV8 és fruit de la passió, la determinació, l’atenció al detall i un gran esforç.
DV8 Physical Theatre es va crear el 1986 i fins al moment ha produït 19 peces de dansa, totes elles de gran ressò, que s’han representat en gires internacionals, així com quatre pel·lícules per a televisió guardonades amb diversos premis.

 

 

LLOYD NEWSON

Lloyd Newson ha liderat DV8 Physical Theatre des de la seva creació el 1986. El seu treball ha influït decisivament en la dansa i el teatre contemporanis, i les seves produccions escèniques i cinematogràfiques amb la companyia han estat guardonades amb importants premis, entre ells el prestigiós Helpmann Award per Can We Talk About This?

Nascut a Austràlia, Lloyd Newson es va començar a interessar per la dansa mentre estudiava psicologia i treball social a la Universitat de Melbourne. Aquesta fascinació el va fer mereixedor d’una beca completa per estudiar a la London Contemporary Dance School. Abans de crear la seva pròpia companyia, DV8 Physical Theatre el 1986, ja havia ballat i coreografiat per a moltes altres companyies (Modern Dance Ensemble, Impulse Dance Theatre/New Zealand Ballet Company, One Extra Dance Theatre i Extemporary Dance Theatre).
Des del començament, Newson va creure que, atesos els fonaments narratius del seu treball, podria traslladar-se fàcilment al cinema. Així, els cineastes David Hinton i Clara von Gool van adaptar tres treballs escènics de DV8 per a cinema. La pel·lícula més recent de la companyia, The Cost of Living (2004/2005), va marcar el debut de Newson com a director de cinema i ha obtingut 19 guardons internacionals.

A cavall entre la dansa, el text, el teatre i el cinema, l’obra de Lloyd Newson es resisteix a ser definida. L’artista està més interessat en la concepció de l’obra original que en la interpretació d’obres ja existents o en la reinterpretació de ballets clàssics. Darrerament ha començat a explorar el teatre verbatim («teatre al peu de la lletra»), a partir de la relació entre el text (extret d’entrevistes) i el moviment.

Recentment el Critics Circle l’ha inclòs en la llista dels cent artistes més influents dels últims cent anys a la Gran Bretanya. El 2013 va ser nomenat oficial de l’Orde de l’Imperi Britànic de Sa Majestat la Reina pels seus serveis a la dansa contemporània.

El Barcelona Beer Festival tindrà lloc els propers 13, 14 i 15 de març


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El Barcelona Beer Festival tindrà lloc els propers 13, 14 i 15 de març. En aquesta quarta edició tenim el repte de consolidar el Barcelona Beer Festival com un dels festivals cervesers més importants del Sud d’Europa tan pel que fa a públic com dins el sector, sense perdre de vista l’objectiu principal del festival: promoure la cultura cervesera artesana i de qualitat, i donar a conèixer la feina que fan els productors artesans, tant catalans com d’altres països.

 

 

 

Algunes dades sobre el festival:

 

. La cuarta edició repetirà la ubicació del Museu Marítim de Barcelona, que en la passada edició va albergar 25.000 assistents.

 

. Gràcies a la bona acollida de les jornades professionals de la passada edició, el 2015 ampliarem les activitats per cervesers. Aquest ha estat un dels objectius principals del festival des de la seva primera edició: poder servir com a punt de trobada d’un sector en creixement i ajudar a consolidar-lo més enllà del actual boom de la cervesa artesana.

 

 

. Entre les col·laboracions més importants, aquest any estrenem la col·laboració amb el GECAN (Gremi d’Elaboradors de Cervesa Artesana i Natural), consolidem la nostre relació amb la associació nord-americana Brewers Association i Turisme de Bèlgica: Flandes i Brussel·les, VISITFLANDERS, origen d’alguna de les cerveseres més prestigioses del planeta, i ampliem les nostres col·laboracions internacionals a la GACBB (Associació que engloba cervers de tot el món) i Fermento Sardo (una associació exemplar de com es promou la cervesa artesana a Itàlia).

 

.Novetats de 2015: Cask Corner (stand dedicat a la varietat real ale, servida en la tradicional bomba de ma), música (programació de DJs a càrrec del col·lectiu barcelonès “Say it Loud”), cerveses pròpies (a més del tradicional pack del festival també hi haurà una col•laboració entre un cerveser internacional i un de local per elaborar junts una cervesa “Black and tan”, estil molt especial que barreja cervesa negra i rossa),…

 

 

Web: www.barcelonabeerfestival.com