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Die Walküre de Richard Wagner 19, 22, 23, 27, 28, 30 de maig i 3 de juny de 2014 a les 19.00 h 25 i 31 de maig de 2014

 

 

 

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La valquíria (Die Walküre) de Richard Wagner

19, 22, 23, 25, 27,28, 30 i 31 de maig i 3 de juny de 2014

Una posada en escena sòbria, intel·ligent i intensa

Després de l’Or del Rin, producció de Colònia i amb direcció escènica de Robert Carsen, representada la darrera temporada, ara arriba la primera jornada de la tetralogia  «L’anell del nibelung» , Die Walküre.

Robert Carsen i Josep Pons, responsables escènic i musical de l’òpera dirigiran un doble elenc de gran veus wagnerianes. Entre d’altres, Anja Kampe, Iréne Theorin, Klaus Florian Vogt, Eric Halfvarson, Albert Dohmen.

Activitats complementàries

El Liceu, en ocasió de les representacions que es duran a terme al Teatre, organitza un seguit d’activitats complementàries.

Conjuntament amb Biblioteques de Catalunya, un cicle de conferències «Tolkien i Wagner: El senyor dels anells»<http://www.liceubarcelona.cat/temporada-2013-2014/opera/la-valquiria/mes-informacio.html> a càrrec de Sebastià Roig, on es farà un paral·lelisme entre ambdues obres (accés lliure).

El 18 de maig a les 19.00h es farà una  sessió de cinema al foyer  amb la projecció de L’Or del Rin de Wagner (activitat de pagament)

Així mateix al balcó foyer hi haurà una exposició de quinze quadres sobre Die Walküre,  de pintors diferents,  procedents d’una col·lecció privada dedicada a l’obra de Wagner.

Gran Teatre del Liceu

19, 22, 23, 27, 28, 30 de maig i 3 de juny de 2014 a les 19.00 h 25 i 31 de maig de 2014 a les 18.00 h
Die Walküre de Richard Wagner

Drama musical en tres actes.

Primera jornada de la Tetralogia Der Ring des Nibelungen. Llibret i música de Richard Wagner (1813-1883)

 

Siegmund

Klaus Florian Vogt (19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Frank van Aken ( 23, 27 i 30 maig)

Hunding

Eric Halfvarson ( 19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Ante Jerkunica ( 23, 27 i 30 maig)

Wotan

Albert Dohmen (19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Greer Grimsley (23, 27 i 30 de maig)

Sieglinde
Anja Kampe (19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Eva Maria Westbroek ( 23, 27 i 30 de maig)

Brünnhilde

Iréne Theorin (19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Catherine Foster ( 23, 27 i 30 de maig)

Fricka

Mihoko Fujimura (19, 22, 25, 28 i 31 maig i 3 juny)
Katarina Karnéus ( 23, 27 i 30 maig)

Gerhilde

Sonja Mühleck

Ortlinde

Maribel Ortega

Waltraute

Pilar Vázquez

Schwertleite

Kismara Pessatti

Helmwige

Daniela Köhler

Siegrune

Kai Rüütel

Grimgerde

Anna Tobella

Rossweisse

Ana Häsler

 

 

Direcció musical
Josep Pons
Direcció d’escena
Robert Carsen
Escenografia i vestuari
Patrick Kinmonth
Il·luminació
Manfred Voss
Producció
Bühnen der Stadt Köln (Colònia)

 

ORQUESTRA SIMFÒNICA DEL GRAN TEATRE DEL LICEU

Estrenada al Teatre Reial de Munic el 26 de juny de 1870. Estrenada al Gran Teatre del Liceu el 25 de gener de 1899. Darrera representació al Gran Teatre del Liceu Durada aproximada: 4 h 45 min

 

Die Walküre (La valquíria), en tres actes, constitueix la primera jornada del «festival escènic» Der Ring des Nibelungen (L’anell del nibelung), l’anomenadaTetralogia, amb llibret i música de Richard Wagner. Fou estrenada en 1870 al Teatre Reial de Munic, igual que ho havia estat el pròleg, Das Rheingold (1869), per decisió de Lluís II de Baviera, contra la voluntat del compositor, que volia que les parts de l’obra fossin donades sempre integrades en el seu conjunt, i que finalment pogué ser estrenat al Festival de Bayreuth l’any 1876. Die Walküre s’estrenà al Liceu el 25 de gener de 1899. La primera vegada que s’hi pogué veure integrada en la Tetralogía completa fou l’any 1910.


Resum argumental

Des dels fets narrats en Das Rheingold ha passat un temps llarg, difícil de precisar. Ha aparegut la humanitat i Wotan, temorós del futur, ha fecundat la deessa Erda, que li ha donat les nou valquíries, verges guerreres que porten al Walhalla els herois morts en combat perquè formin un exèrcit defensiu de la mansió dels déus. També tem que Alberich recuperi l’anell totpoderós que ara posseeix Fafner, el gegant convertit en drac per custodiar el tresor robat als nibelungs. Condicionat pels pactes, no pot recuperar l’anell i vol fer-ho per mitjà d’un heroi pertanyent al món dels homes, lliure i sense les seves contradiccions. Wotan ha tornat per això a la Terra i de la seva unió amb una dona mortal han nascut els bessons Siegmund i Sieglinde, que el destí ha separat.

Ella ha estat casada amb Hunding i ell porta una vida errant i dissortada.

ACTE I

Un fugitiu, acorralat, troba refugi en una cabana construïda al voltant d’un arbre frondós, un freixe, i cau, sense alè, a terra. Sieglinde, la muller de l’amo, Hunding, se n’apiada i li dóna aigua i hidromel. Siegmund, que encara no ha dit el seu nom, vol evitar a aquesta dona bella i generosa la desgràcia que porta damunt seu i reprendre la fugida, però Sieglinde li diu que no pot portar desgràcia a una casa on aquesta ja habita. Hunding acull l’estranger amb desconfiança. Aquest es veu forçat a explicar la seva trista història: criat com un «fill de Llop» pel seu pare, després d’haver perdut mare i germana bessona a mans de cruels enemics, la seva vida ha estat la d’un errant solitari.

En un moment donat va intentar evitar, inútilment, que una bella noia fos casada contra la seva voluntat, però fou ferit pels parents i ella, morta. Hunding li diu amb ira creixent que forma part d’aquests parents i que només les lleis de l’hospitalitat el priven de foragitar-lo a la nit, però el repta l’endemà al matí. Sieglinde ha preparat mentrestant la beguda de la nit al marit i fa un signe indicant el freixe al fugitiu. Siegmund recorda que el seu pare li havia promès una espasa en cas de perill. Torna Sieglinde, que li revela que un vell desconegut enfonsà una espasa en el freixe el dia de les seves tristes noces, i que ningú no ha tingut prou força per arrencar-la. Arriba l’alenada de la primavera i els dos joves se senten envaïts per un amor intens i mutu, alhora que es reconeixen com a germà i germana, fills de Wälse, el «Llop» que va criar el noi. Ella li revela el seu nom, Siegmund,i ell extreu l’espasa del tronc, que anomena Notung. La intensa i amorosa abraçada dels germans precedeix la seva fugida cap a un món que els pugui acollir.

 

ACTE Il

AI món dels déus, el Walhalla, Wotan demana a Brünnhilde, la valquíria preferida, que ajudi Siegmund en el seu combat contra Hunding, però Fricka, la seva muller i deessa del matrimoni, intervé per impedir-ho, invocant les lleis que ells mateixos han establert, conculcades pels amants, fruit de l’adulteri i culpables d’incest. El motiu secret de Wotan per ajudar Siegmund –recuperar l’anell per mitjà d’un humà que no estigui lligat com ell pels pactes amb els gegants– tampoc no venç les fermes conviccions de Fricka, que aconsegueix de Wotan la promesa de renunciar a protegir el Wälsung. Wotan ordena ara a Brünnhilde d’abandonar Siegmund en un gran monòleg narratiu, de gran sinceritat, en què queden explicats molts dels precedents que fan comprensible l’acció, i en el qual resta clar el projecte de Wotan de fer néixer un heroi lliure, mortal, que compleixi els seus anhels. Brünnhilde resta atrapada entre el compliment del que diu i el que vol realment el seu pare estimat. Sieglinde i Siegmund fugen de la persecució acarnissada de Hunding i ella se sent defallir malgrat les paraules confortants de l’heroi. Brünnhilde anuncia a Siegmund que Wotan li ha retirat el seu favor, que morirà al combat i que ella mateixa el portarà al Walhalla amb els herois. Però l’amor de Siegmund està per damunt de tot i refusa seguir les ordres de la valquíria quan sap que Sieglinde no el pot acompanyar al Walhalla. Pretén que mori a les seves mans, malgrat la notícia que espera un fill, per salvar-los a tots dos de la vergonya. Brünnhilde se sent profundament commosa per l’amor de l’heroi i decideix ajudar-lo malgrat la prohibició del pare. Siegmund deixa Sieglinde adormida i va a enfrontar-se amb Hunding brandant l’espasa. Quan, ajudat per Brünnhilde, és a punt de travessar l’enemic, apareix Wotan, que amb la seva llança trenca Notung en dues meitats, i així Hunding pot ferir de mort Siegmund. Brünnhilde recull els fragments de Notung, s’emporta Sieglinde amb el seu cavall i desapareix. Wotan fulmina amb menyspreu Hunding i fa una imprecació contra la filla estimada.

 

ACTE III

Obre l’acte la famosíssima escena de la «Cavalcada de les valquíries», sens dubte el fragment wagnerià més conegut, en la qual Brünnhilde busca protecció entre les seves germanes, que resten aterrades per la seva conducta. Sieglinde es desperta i vol morir, però quan la valquíria li diu que espera un fill, troba la voluntat de viure i, amb les restes de l’espasa, s’endinsa al bosc on habita Fafner. Les valquíries envolten i amaguen Brünnhilde. Wotan mostra davant Brünnhilde tota la seva còlera, perquè es tracta precisament d’ella, la filla més estimada. La condemna és implacable: perd la seva condició divina de valquíria i, abandonada en una roca, serà només una verge mortal que pot ser lliurada al primer que vingui. Les súpliques de les germanes no commouen el pare. Resten sols pare i filla, en una de les escenes més commovedores de la Tetralogia. Brünnhilde sap defensar la seva posició, en el fons fidel a la voluntat paterna, i quan accepta finalment la decisió de Wotan, apel·la al seu sentit de l’honor. El déu la sumirà en un son profund però envoltada per un cercle protector de flames perquè només pugui conquerir-la i salvar-la un home de gran valor. Wotan besa amb amor la filla, que s’adorm als seus braços, la diposita en una plataforma rocosa, coberta pel seu escut, i convoca Loge per envoltar-la de foc. La seva última invocació anuncia la presència de Siegfried, l’heroi sense por.
Teresa Lloret

 

Biografies

 

Josep Pons (Direcció musical)
És el Director musical del Liceu. Nascut a Puig-reig, es va formar a l’Escolania de Montserrat. Ha estat director titular i artístic de l’Orquesta y Coro Nacionales de España del 2003 a 2012 (actualment n’és director honorari), i de l’Orquesta Ciudad de Granada del 1994 a 2004. Fou fundador i director artístic de l’Orquestra de Cambra Teatre Lliure (1985-1997) i de la JONC (1993-2001). El 1999 va rebre el Premio Nacional de Música. Col·labora habitualment amb les orquestres de París, Nacional de Dinamarca, Suisse Romande, Staatskapelle de Dresden, Gewandhaus de Leipzig, BBC de Londres, Nacional de França, Deutsche Kammerphilharmonie i filharmòniques de Radio France, Tòquio, Rotterdam i Estocolm. Ha gravat més d’una vintena de títols per a Harmonia Mundi France i una desena per a DG. Va debutar al Liceu el 1993 on hi ha dirigit molts títols, els més recents, Das Rheingold (2012-13) i La ciutat de Kitej aquesta temporada.

 

Robert Carsen (Concepció i direcció d’escena)
Nascut al Canadá. Ha dirigit Falstaff (La Scala, Covent Garden); Don Giovanni, Les contes d’Hoffmann, Lucia di Lammermoor (La Scala); Rinaldo i L’incoronazione di Poppea (Glyndebourne); A Midsummer Night’s Dream (ENO, La Scala); Dialogues des Carmélites (La Scala, Madrid, Holanda, Viena); Capriccio, Les Boréades, Rusalka, Alcina, Les contes d’Hoffmann, Lohengrin, Nabucco, I Capuleti e i Montecchi, Manon Lescaut (París); Der Rosenkavalier (Salzburg); Evgueni Oneguin i Mefistofele (Nova York); Iphigénie en Tauride (San Francisco, Covent Garden, Madrid); Katia Kabanova (La Scala, Madrid); Lucia di Lammermoor (Zúrich, Munic); Mitridate (Brussel·les, Viena); Orfeo et Euridice (Chicago); La dama de picas (Zúrich); L’amour des tres oranges (Berlin); JJR– Citoyen de Geneve, Richard lll (Ginebra). Debutà al Liceu amb Le nozze di Figaro (1999-00). Tornà amb A Midsummer’s Night Dream (2004-05), Tannhäuser (2007-08) i Das Rheingold (2012-13).

 

Patrick Kinmonth  (Concepció, escenografia i vestuari)

Estudià filologia i literatura anglesa a Oxford. És escenògraf, figurinista, director, pintor, escriptor, decorador i comissari d’exposicions. Ha dissenyat i comissariat «Valentino: Master of Couture» (Londres, 2012). En òpera ha treballat en més de vint produccions als escenaris de més prestigi (La Scala de Milà, La Fenice de Venècia, Viena, Londres i Zuric, entre d’altres). Ha col·laborat amb Carsen a Der Ring, La Traviata, Semele, Die Zauberflöte, La petita guineu astuta, Kàtia Kabànova i Jenůfa. Debutà com a director d’escena el 2008 amb Madama Butterfly a Colònia i hi ha tornat amb Die Gezeichneten de Franz Schreker (abril del 2013). Ha dirigit i dissenyat Samson et Dalila (Deutsche Oper de Berlín i Ginebra) i Don Giovanni (Ausburg). Ha col·laborat amb Anish Kapoor en el disseny de Pelléas et Mélisande (Brussel·les i Roma), dirigida per Pierre Audi. Debutà al Liceu amb Elektra (2007-08). Hi tornà amb Das Rheingold (2012-13)..

 

Darko Petrovich (Escenògraf associat)
Nascut a Ístria, estudià escenografia a l’Acadèmia de Belles Arts de Venècia. Inicià la seva carrera com a escenògraf i figurinista a Colònia; figurinista al Teatro Massimo Bellini de Catània i escenògraf al Komedija Thetre de Zagreb. Posteriorment assumí la direcció de la producció d’escenografies a la Deutsche Oper am Rhein i el Ballet am Rhein de Düsseldorf. Des del 2011 treballa com a dissenyador independent (Fidelio, Medea, La Bohème, The merchant of Venice, Die Entführung aus dem Serail, La petita guineu astuta, Matrimoni de Boston, La grande magia, Der Freischütz, Oleanna i A Midsummer Night’s Dream). Ha col·laborat amb Patrick Kinmonth a Die Walküre, Siegfried i Götterdämmerung (La Fenice de Venècia), Die Gezeichneten i Madama Butterfly (Colònia), Samson et Dalila (Berlín i Gènova) i Don Giovanni i Rigoletto (Augsburg). Debutà al Gran Teatre del Liceu amb Das Rheingold (2012-13)..

 

Manfred Voss (Il·luminació)
Inicià la seva carrera al Bremen Theater. Del 1976 al 2003 fou director d’il·luminació del Festival de Bayreuth (Centennial Ring, Tristan und Isolde i Der Ring, entre altres títols). El 2003 va rebre el Premi Opus (Alemanya). Ha estat cap del Departament d’Il·luminació de l’Staatsoper d’Hamburg (1990-1995) i director artístic d’il·luminació de l’Òpera de Colònia (1995-2003). A Salzburg va dissenyar les llums de King Arthur, Lucio Silla, Mitridate i Lulu. Recentment ha participat en Der Ring (La Fenice de Venècia), Ariadne auf Naxos (Staatsoper de Munic, Deutsche Oper de Berlín i Copenhaguen), Salome (Torí, Madrid, Florència, Amsterdam, Tòquio i Göteborg), Salome i Elektra (Brussel·les), Wozzeck (Anvers), Macbeth (Viena), I masnadieri (Zuric) i La Wally (St. Gallen). Debutà al Liceu amb Lohengrin (1999-2000 i 2005-06). Darrerament hi ha tornat amb Elektra (2007-08) i Salome (2008-09) i Das Rheingold (2012-13)..


Klaus Florian Vogt (Siegmund)
Nascut a Alemanya. Començà la seva carrera formant part del Dresden Semperoper treballant amb Giuseppe Sinopoli i Sir Colin Davis, entre d’altres. Ha cantat a Brussel·les, Amsterdam, Tòquio, Nova York, Munic, Berlín, Bayreuth, Madrid, París, etc. El seu repertori inclou Parsifal, Die Meistersinger von Nürnberg, Lohengrin, Der fliegende Holländer, Die Walküre, Die tote Stadt, Rusalka, Katia Kabanova, Tosca y Oberon. Recentment ha interpretat Tosca (Dresde i Staatsoper de Berlin), La clemenza di Tito (Opéra de Paris), Der fliegende Höllander (Teatro alla Scala de Milà, Staatsoper de Munic), Die Meistersinger von Nürmberg (Tòquio, Hamburg), Lohengrin (Festival Bayreuth, Munic, Tòquio), Die Walküre (Munic) o Die tote Stadt (Helsinki) Debutà al Liceu amb Die tote Stadt (2005-06). Hi tornà amb Parsifal (2010-11) i Lohengrin al Festival Bayreuth al Liceu i Rusalka (2012-13).

 

Frank van Aken (Wotan)
Nascut a Holanda, estudià a Utrecht i al Reial Conservatori de L’Haia. Inicià la seva carrera formant part de l’òpera de Düsselford. El seu repertori inclou, entre d’altres, els rols de Laca (Jenufa), Aegisth (Elektra), Erik (Der fliegende Holländer), Tannhäuser, Hermann (La dama de piques), Tristan, Alexej (El jugador), Siegmund (Die Walküre), Otello i Guntram. Ha cantat a la Komische Oper de Berlin, Staatstheater de Karlsruhe, Dresden Semperoper, Royal Opera House de Londres, Staatsoper de Stuttgart i Viena, Teatro alla Scala de Milà, Festival de Bayreuth i amb la China Philharmonic-Orchestra. Recentment ha actuat a Graz i Frankfurt (Otello), Budapest (Tannhäuser) i Dresde (Tannhäuser, Tristan und Isolde i Guntram). Al 2012 debutà al Metropolitan Opera de Nova York com a Siegmund. Debutà al Gran Teatre del Liceu la temporada 2007-08 amb Tannhäuser.

Eric Halfvarson (Hunding)

Nascut a Illinois, es va especialitzar en rols de Verdi i Wagner. Recentment ha interpretat rols i títols com Das Rheingold i Siegfried (Covent Garden de Londres), el cicle de Der Ring (BBC Proms), Die Walküre (Tòquio), El castell de Barbablava (Miami), Gran Inquisidor (Salzburg, Met de Nova York i Covent Garden), Fafner i Hagen (Los Angeles i Bayreuth), Ludovico (San Francisco), i Daland (Teatro Real de Madrid). A més ha cantat a les Staatsoper de Berlín, Viena i Munic, Palau de les Arts de València, Covent Garden de Londres i París. Participà en la pel·lícula Don Giovanni dirigida per Kaspar Bech Holten. Debutà al Liceu amb Billy Budd (2000-01). Hi ha tornat amb Tristan und Isolde (2001-02), Die Walküre (2002-03), Siegfried i Götterdämmerung (2003-04), Boris Godunov (2004-05), Don Carlos (2006-07), Der fliegende Holländer (2006-07), Parsifal (2010-11) i La ciutat invisible de Kitej (2013-14).

Ante Jerkunica (Hunding)

Nascut a Split (Croàcia), va estudiar a l’Acadèmia de Música de Lovran. Després de debutar a Hannover com a Sarastro, va ingressar a la Deutsche Oper de Berlin, de la qual és membre des del 2007. El seu repertori inclou els rols de Sparafucile, Capellio (I Capuleti e i Montecchi), Colline (La Bohème) Basilio (Il barbiere di Siviglia), Steffano Colonna (Rienzi), Banco (Macbeth), vell hebreu (Samson et Dalila), Fafner (Das Rheingold i Siegfried), Gran Inquisidor (Don Carlo), Marke (Tristan und Isolde) i Daland (Der fliegende Holländer). També ha cantat a La Monnaie de Brussel·les, Staatsoper d’Hamburg, Munic i Berlin, Opéra de Paris, Frankfurt, Bilbao, Lió, Amsterdam, Vlaamse Opera d’Anvers, Gant i Xangai (en gira amb l’òpera de Colònia). Debutà a Salzburg el 2008 i hi tornà el 2009. Debutà al Liceu amb el Requiem de Dvořák la temporada 2008-09. Hi ha tornat amb Parsifal (2010-11) i amb Das Rheingold (2012-13).
Albert Dohmen (Wotan) Nascut a Alemanya, inicià la seva carrera com a Wozzeck als festivals de Salzburg de 1997.

Des d’aleshores ha interpretat: Kurwenal (Maggio Musicale Fiorentino, Berlín, Tòquio i Viena), Pizarro (Israel i Munic), comandant de Friedenstag i Amfortas (Berlín, Salzburg i La Bastille de París), rol titular de Der fliegende Holländer (París), Scarpia (Covent Garden de Londres i Brussel·les), Jochanaan (Metropolitan de Nova York, Zuric, Berlin i Amsterdam), Escamillo (Viena) i Kaspar (Munic). A més és un dels millors intèrprets del rol de Wotan de la Tetralogía (Bayreuth, Ginebra, Berlín, Viena i Nova York).

Debutà al Liceu amb un concerto (1990-91). Tornà amb Anna Bolena (1992- 93), Mathis der Maler (1993-94), Die Walküre (2002-03), Elektra (2007- 08), Die Meistersinger von Nürnberg (2008-09), Der Freischütz (2010-11) i Das Rheingold (2012-13).

 

Greer Grimsley (Wotan)

Nascut en Nova Orleans. Especialista en Wagner, ha interpretat Der Ring des Nibelungen (Metropolitan, Seattle, Colònia, Shanghai), Das Rheingold (La Fenice, Montreal), Die Walkure (Berlin, La Fenice, Toquio), Siegfried (La Fenice), Der fliegende Holländer (Berlin, Nancy, San Francisco, Lituània, Bolònia, Seattle, Minnesota, Nova Orleans, Carolina), Lohengrin (Nova York, Chicago, San Diego, Copenhagen, Seattle), Tristan und Isolde (Nova York, Chicago, Praga, Mèxic, Seattle, Copenhagen), Parsifal (Seattle). El seu repertori inclou també, entre d’altres, Tosca, Elektra, Salome, Arabella, Peter Grimes, Billy Budd, Samson et Dalila, Fidelio, Carmen, Faust, Les contes d’Hoffmann, Don Giovanni, Macbeth, Aida, La fanciulla del West, El castell de Barbablava. Recentment ha interpretat Samson et Dalila (San Diego) i Billy Budd (Pittsburgh). Debutà al Liceu amb Salome (1991-92). Hi tornà amb Wintermärchen (2003-04), Der fliegende Holländer (2006-07) i Parsifal (2004-05).

 

Anja Kampe (Sieglinde)

Nascuda a Alemanya. Després de la seva interpretació com a Sieglinde amb Plácido Domingo al Washington National Opera (2003) ha cantat, entre d’altres, els rols de Jenufa (Anvers), Elsa (Trieste), Odabella (Trier), Fidelio (Glyndebourne, Zuric, Los Angeles i Bayerische Staatsoper de Munic), Ariadne (Teatro Real de Madrid i Munic), Isolde (Glyndebourne i Trienal del Rhur), Elisabeth (Staatsoper de Viena). Es especialment reconeguda la seva actuació com a Senta de Der fliegende Höllander (Munic, Théâtre Royal de la Monnaie de Brussel·les, Concertgebouw Amsterdam, New National Theatre de Tòquio, Deutsche Oper am Rhein, Covent Garden, La Scala, Viena, Hamburg, Zuric i Madrid) i Sieglinde (San Francisco, Los Angeles, Munic, Berlin, Proms Londres, París i Bayreuth). Debutà al Liceu la temporada 2009-10 amb War Requiem de Britten, hi tornà amb Parsifal (2010-11).

 

 

Eva Maria Westbroek (Sieglinde)

Nascuda en Haarlem (Holanda), estudià al Reial Conservatori de L’Haia. Debutà com a Mère Marie (Dialogues des Carmélites) al Festival d’Aldeburgh. Formà part de la Staatsoper Stuttgart on interpretà Tosca, El cas Makropoulos, La núvia venuda i Doktor Faust. Ha cantat, entre d’altres, els rols de Madame Lidoine de Dialogues des Carmélites (Festival de Salzburg i Opéra de Paris), Katerina Izmailova de Lady Macbeth de Msenk (De Nederlandse Opera, Paris i Covent Garden), Elisabeth de Tannhäuser, Giorgietta d’Il Tabarro, Didon de Les Troyens, Sieglinde i Anne Nicole (Covent Garden) i Sieglinde (Bayreuth, Valencia, San Francisco, Frankfurt, Covent Garden i Metropolitan de Nova York). Altres títols del seu repertori són La forza del destino, Otello, La Fanciulla del West, Francesca da Rimini, Jenufa, Katia Kabanova, Tristan und Isolde o Manon Lescaut. Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Iréne Theorin (Brünnhilde)

Després de debutar a Copenhagen amb Brünnhilde ha cantat aquest rol a la Royal Opera House Covent Garden de Londres, Pekin, Budapest, Staatsoper de Berlin, Semperoper de Dresde, Teatro alla Scala de Milà, Metropolitan Opera de Nova York, Washington National Opera, Bayerische Staatsoper de Munic, Oper Köln i Tokio. Del seu repertori destaquen també, Turandot (Copenhagen, Essen, Tokio, Tel Aviv, Guangzhou, Dresde, Londres, San Francisco Opera, Bayerische Staatsoper de Munic), Elisabetta de Don Carlos, Tosca, Elisabeth de Tannhäuser i Santuzza de Cavalleria rusticana (Copenhagen), Venus de Tannhäuser (Staatsoper de Viena) o Elektra (Festival de Salzburg). Recentment ha interpretat Isolde (Washington), Elektra (Opéra de Paris) i Turandot (Munic i Londres). Debutà al Gran Teatre del Liceu la temporada 2012-13 amb Tristan und Isolde en el Festival Bayreuth al Liceu.

 

Catherine Foster (Brünnhilde)

Nascuda a Nottingham (Regne Unit), estudià al Conservatori de Birmingham, al Royal Northern College of Music i la London Opera Studio. Formà part del Deutsches National Theater de Weimar. El seu repertori inclou els rols de Mimì (La Bohème), Elettra (Idomeneo), Elizabeth (Tannhäuser i Don Carlo), Leonora (Il trovatore i Fidelio), Senta (Der fliegende Holländer), Abigaille (Nabucco), Tosca, Turandot, Elektra, Kaiserin (Die Frau ohne Schatten), Isolde (Tristan und Isolde) i Brünhilde (Die Walküre, Siegfried y Gotterdämmerung). Ha actuat a Hamburg, Budapest, Teatre Aalto de Essen, Dresden Semperoper, Copenhagen, Deutsche Oper de Berlin, Helsinki i Niça. Recentment ha participat com a Brünnhilde a les representacions de Der Ring des Nibelungen a Amsterdam i Hamburgo. Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Mihoko Fujimura (Fricka)

Nascuda al Japó, estudià a la Universitat de Tòquio i la Hochschule für Musik de Munic. Va formar part de l’Òpera de Graz (1995-2000). El 2002 debutà en el Festival de Bayreuth. Ha cantat a La Scala de Milà, Staatsoper de Munic i Viena, Châtelet de París, Teatro Real de Madrid, Deutsche Oper de Berlín, Maggio Musicale Fiorentino, Ais de Provença, Royal Opera House Covent Garden de Londres i Champs Elysées de París i amb les filharmòniques de Berlín i Viena, Bayerische Rundfunk Sinfonie Orchester, amb directors com Simon Rattle, Christian Thielemann i Mariss Jansons. Ha interpretat els rols de Kundry de Parsifal, Brangäne, Fricka, Waltraute i Erda al Festival de Bayreuth durant nou temporades consecutives. El seu repertori inclou els rols de Venus, Idamante, Octavian, Carmen, Eboli, Azucena i Amneris. Debutà al Liceu la temporada 2012-13 amb Das Rheingold.

Katarina Karnéus (Fricka)

Nascuda a Estocolm, estudià al Trinity College of Music i al National Opera Studio de Londres. Forma part de l’Òpera de Göteborg. Ha cantat al Metropolitan de Nova York, Opéra National de París, Covent Garden de Londres, Staatsoper de Berlín i de Munic, Nederlandse Opera d’Amsterdam i La Monnaie de Brussel·les i festivals d’Edimburg i Salzburg. El seu repertori inclou els principals rols de mezzosoprano de Händel, Mozart, Rossini, Bizet, Wagner i Strauss. Ha interpretat els rols de Brangäne (Glyndebourne, Göteborg i Stuttgart), rol titular d’Ariane et Barbe-bleue (Frankfurt i París) i de Serse (Estocolm), Elisabetta a  Maria Stuarda (Berlín) i el compositor d’Ariadne auf Naxos (Ginebra). Recentment ha cantat el rol de Donna Elvira de Don Giovanni (Londres). Debutà al Liceu amb Elias de Mendelssohn (2009-10). Hi ha tornat amb Ariane et Barbe-bleue (2010-11) i Das Rheingold (2012-13).

 

Sonja Mühleck (Gerhilde)

Estudià cant als conservatoris de Stuttgart i de Mannheim amb Rudolf Pierenay i assistí a les masterclasses de Christa Ludwig, Gwyneth Jones, Sena Jurinach i Inge Borkh. Guanyà el concurs de joves veus wagnerianes de Bayreuth. Ha format part de l’òpera de Frankfurt on ha interpretat Vitellia (La clemenza di Tito), Mrs. Grose (Turn of the Screw), Contessa (Le nozze di Figaro), Elisabeth (Tannhäuser) i Chrysothemis (Elektra). Ha cantat a Zuric, Bonn, Wiesbaden, Staatsoper d’Hamburg, Kiel, Copenhagen, festivals de Bayreuth (amb Christian Thielemann) i Schwerin, Mainz, Staatsoper de Berlin i de Stuttgart i Teatro Colón de Buenos Aires. El seu repertori inclou també els rols de Marie (Wozzeck), Freia i Gerhilde (Die Walküre), Martha (Tiefland), Agathe (Der Freischütz) i Senta (Der fliegende Holländer). Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Maribel Ortega (Ortlinde)

Nascuda a Xerès, es titulà en cant per la Guidhall School of Music and Drama (Londres) i el Conservatori Superior de Música del Liceu. Ha guanyat els concursos de cant Mirabent i Magrans, Germans Pla, Ciudad de Zamora i Jaume Aragall. Ha interpretat els rols d’Abigaille (Nabucco), Norma, Lady Macbeth, Amelia (Un ballo in maschera), Leonora (Il trovatore), Donna Anna, Suor Angelica, Mimì, Tosca i Turandot. Ha cantat a Espanya, Croàcia, França, Austria, Alemanya i América del Sud. Recentment ha actuat a Oviedo (Turandot), Teatro alla Scala de Milà i Gran Teatro de Córdoba (Macbeth) i ha participat en el Réquiem a la memòria de Salvador Espriu de Xavier Benguerel al Teatre Nacional de Catalunya. Debutà al Gran Teatre del Liceu la temporada 2006-07 amb el recital Altres visions de Manon.

 

Pilar Vázquez (Waltraute)

Nascuda a Lleó, estudià als conservatoris de Lleó i Madrid i Història de la Música i Musicologia a la Universidad Autónoma de Madrid. Es titulà a l’Escuela Superior de Canto de Madrid sota la direcció de Ramón Regidor, José Luis Montoliú i Miguel Zanetti. Ha participat en clases magistrals d’Ana Luisa Chova, Wolfram Rieger i Brigitte Fassbaender. Ha cantat els rols de Waltraute (Die Walküre) i Segona Norna (Gotterdämmerung) al Palau de les Arts de València en la producció de La Fura dels Baus sota la direcció de Zubin Mehta. Recentment ha interpretat els rols de l’hostalera de Boris Godunov i de Flora de La Traviata (Teatro Real de Madrid) i de Flosshilde de Das Rheingold (Oviedo). En el terreny liderístic ha interpretat Das Lied von der Erde de Gustav Mahler a la XVIII Schubertiada de Vilabertrán (Barcelona). Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Kismara Pessatti (Schwertleite)

Nascuda a Curitiba (Brasil), estudià cant en aquesta ciutat i a l’Acadèmia de Música Hanns Eisler de Berlín, amb Norma Sharp i Julia Varady. Va assistir a masterclases d’Alberto Zedda, Thomas Hampson i Francisco Araiza. Formà part  de l’Òpera de Zuric, on interpretà, entre d’altres, Die Zauberflöte, Ievgueni Onieguin, Boris Godunov, Elektra, Faust, Der Rosenkavalier, Rigoletto, The Rakes Progress i L’incoronazione di Poppea. Ha actuat a Venècia (Elektra), Tokio (Der Rosenkavalier), Manaus (Pelléas et Mélisande, Les Troyens), Londres (Der Rosenkavalier, L’incoronazione di Poppea), Essen (Siegfried, Das Rheingold). Recentement ha cantat Pelléas et Mélisande i L’Orfeo (Sao Paulo), Lady Macbeth de Msenk (Zuric), Die Frau onhe Schatten (Concertgebouw Amsterdam), Der fliegende Holländer (Festival Wagner de Ginebra) i Elektra (Bari). Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Daniela Köhler (Helmwige)

Nascuda en Karlsruhe, estudià als conservatoris de Stuttgart i Karlsruhe. Assistí a masterclases amb Julia Hamari, KS Brigitte Fassbaender, Lucetta Bizzi, Shery Greenwald, Petra Lang i John Parr. Guanyà l’edició de 2010 del concurs de cant de s’Hertogenbosch. Formà part del Badisches Staatstheater de Karlsruhe. També ha cantat al Staatstheater Oldenburg, Theater Klagenfurt, Junge Oper Wien i Mariinski Concert Hall de St. Petersburg. Ha interpretat els rols de Gertrud i Hexe (Hänsel und Gretel), Gerhilde (Die Walküre), Gräfin Helfenstein (Mathis der Mahler), Soeur Marthe (Cyrano de Bergerac), Marguerite (Jeanne d’Arc au Bûcher), Marcellina (Le nozze di Figaro), Primera dama (Die Zauberflöte), Fata Morgana (L’amour des trois oranges), Senta (Der fliegende Holländer), Feklusha (Katia Kabanova), Leonore (Fidelio) i Julia (La Vestale), entre d’altres. Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Kai Rüütel (Siegrune)

Nascuda a Estònia, estudià a l’Escola de Música Georg Ots de Tallinn, al Koninklijk Conservatorium de La Haia i a la Dutch National Opera Academy. Ha participat en el Programa Jette Parker per a joves artistes de la Royal Opera House Covent Garden de Londres. En aquest teatre ha cantat, entre d’altres, El jugador, Hänsel und Gretel, Manon, La Traviata (en gira pel Japó), Die Zauberflöte, Cendrillon, Adriana Lecouvreur, Werther, La núvia del Tsar, Falstaff, Il viaggio a Reims i Die Walküre. Recentment ha interpretat Blanche d’El jugador (De Nederlandse Opera) i Sonyetka en la producció de Calixto Bieito de Lady Macbeth de Msenk (Vlaamse Opera d’Anvers). El seu repertori de concert inclou els Rückert Lieder de Mahler, Lieder de Zemlinsky, Requiem de Mozart i Dream of Gerontius de Edward Elgar. Debuta al Gran Teatre del Liceu.

 

Anna Tobella (Grimgerde)

Nascuda a Martorell, estudià al Conservatori Superior del Liceu. Des del seu debut amb La forza del destino (Sabadell), ha participat, entre d’altres, a les òperes La Cenerentola (Sabadell), Tancredi (Teatro de La Maestranza de Sevilla), Il barbiere di Siviglia (Teatro Campoamor de Oviedo), Il viaggio a Reims (Accademia Rossiniana de Pésaro), L’Atenaide de Vivaldi i La finta giardiniera (Teatro Comunale de Florència), Così fan tutte (Bilbao i Minnesota) i La clemenza di Tito (Istanbul). També ha cantat Petite Messe Solennelle (Théâtre Royal de la Monnaie de Brussel·les), Stabat Mater de Rossini (Palau de la Música Catalana) i altres oratoris de Bach, Mozart i Händel (en gira per España) Debutà al Liceu amb Manon (2006-07). Ha participat en diferents recitals del Foyer, així com Salome (2008-09), L’arbore di Diana (2009-10) i Falstaff (2010- 11).

 

Ana Häsler (Rossweisse)

Estudià al Conservatori de Barcelona, la Universitat Musical de Viena i la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Ha cantat a la Bayerische Staatsoper de Munic, Teatro Lirico di Cagliari, Teatro Comunale di Ferrara, Festival Internacional d’Òpera de St. Margarethen (Austria), Teatro Real i Teatro de la Zarzuela de Madrid, Teatre Lliure, Palacio Euskalduna i Teatro Arriaga. Ha interpretat, entre d’altres, els rols de Carmen, Dorabella (Così fan tutte), Rossweisse (Die Walküre), Santuzza (Cavalleria rusticana), Ruggero (Orlando Furioso), Tisbe (La Cenerentola), Tasse Chinoise (L’enfant et les sortilèges), Ernesto (Il mondo della Luna), Trommler (Der Kaiser von Atlantis), Abigaille (Nabucco), Lady Macbeth, així com l’estrena absoluta de peces de compositors contemporànis. Debutà al Liceu amb el recital Otras Maria Stuarda del Foyer (2003-04). Tornà amb L’enfant et les sortilèges (2003-04) i Il mondo della Luna (2003-04).

 

Orquestra Simfònica del Gran Teatre del Liceu

El primer director titular de l’Orquestra Simfònica del Gran Teatre del Liceu fou Marià Obiols. En la seva història ha estat dirigida per batutes convidades, com ara Albert Coates, Antal Dorati, Karl Elmendorff, Franco Faccio, Manuel de Falla, Alek-sandr Glazunov, Josef Keilberth, Erich Kleiber, Otto Klemperer, Hans Knappertsbusch, Franz Konwitschny, Clemens Krauss, Joan Lamote de Grignon, Joan Manén, Jaume Pahissa, Ottorino Respighi, Josep Sabater, Max von Schillings, Georges Sebastian, Richard Strauss, Igor Stravinsky, Hans Swarowsky, Arturo Toscanini, Antonino Votto i Bruno Walter; i darrerament Sylvain Cambreling, Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús López Cobos, Riccardo Muti, Vaclav Neumann, Josep Pons, Antoni Ros-Marbà, Peter Schneider i Silvio Varviso. Els directors titulars de la formació han estat Eugenio M. Marco, Uwe Mund, Bertrand de Billy, Sebastian Weigle i Michael Boder. Actualment el director musical és Josep Pons.
La valquíria: voluntat i guerra

De com s’esdevingué el descobriment i la recepció de la filosofia d’Arthur Schopenhauer per part de Richard Wagner, se n’ha parlat sovint; en quina mesura, però, Wagner es transformà com a artista després de la lectura d’El món com a voluntat i representació (1818, i 1844 en segona edició), no ha estat encara ni comprès en tot el seu abast ni plenament exposat fins ara.

Richard Wagner era un lector àvid. Les més de mil pàgines de l’obra mestra de Schopenhauer exerciren una influència més gran en el seu pensament que qualsevol altre llibre. En una carta a Franz Liszt escrivia, el 1854: «Juntament amb […] el lent progrés de la meva música [segon acte de Die Walküre], ara

m’estic dedicant exclusivament a una persona que –encara que només de manera literària– ha arribat a la meva solitud com un regal del cel. És Arthur Schopenhauer, el més gran filòsof des de Kant… Que en són, de xarlatans, abans d’ell, Hegel i companyia!». La «sorprenent i profunda» idea de la música (segons paraules de Wagner) i el seu efecte en els posicionaments esteticomusicals de Wagner van suposar tan sols, però, un primer nivell de la influència que el filòsof havia d’arribar a tenir, perquè Wagner, a més, va emprendre modificacions al llibret ja existent de Der Ring, i finalment les idees i els pensaments del text, que evidenciaven paral·lelismes amb El món com a voluntat i representació, es van consolidar, alhora que a través de la música que Wagner va compondre després del descobriment de Schopenhauer es veieren reforçats i accentuats.

 

Thomas Mann –potser el crític de Wagner més sensible del segle XX– observà que el coneixement de la filosofia d’Arthur Schopenhauer per part de Wagner havia exercit un fort impacte en el compositor: el pessimisme que estava cristal·litzant en Wagner, enfortit en igual mesura per la lectura de textos budistes i de místics cristians, trobà en Schopenhauer el seu equivalent perfecte i refermà Wagner en la seva creença de la creació d’un segon món d’art. Schopenhauer reconeixia en l’existència humana una qüestió penosa i creia – de la mateixa manera que Sòfocles– que hauria estat millor per a cadascun de nosaltres no haver nascut. Considerava l’ésser humà egoista, cruel, cobejós, estúpid, agressiu, procliu a la guerra i despietat. Creia, a més, que les persones eren sanguinàries i irresponsables en la relació amb els animals i la natura en general. Després de la lectura de Schopenhauer, Wagner es feu vegetarià la resta de la vida. Per a Arthur Schopenhauer –i encara més per a Richard Wagner–, el món semblava un lloc horrible, un lloc ple de violència, crim, pobresa, opressió política, autoexaltació militar, explotació econòmica i guerra. I l’única sortida respecte de tota aquesta immundícia era el retir, la no- participació, una renúncia mística i una total negació de la voluntat. Possiblement tot plegat només podia exercir aquesta fascinació sobre algú com Richard Wagner, perquè ell mateix era un «home de voluntat». El 1841 Ludwig Feuerbach havia escrit: «Més enllà de l’ésser humà i de la natura no hi ha res, i els éssers elevats que les nostres fantasies religioses han produït no són altra cosa que els reflexos imaginaris de la nostra existència individual».

 

En oposició a aquest plantejament de Feuerbach, Schopenhauer trobà, tant en el pensament religiós com en la mitologia, material per al seu pensament filosòfic i la seva explicació del món. I tot i que no podia atorgar a les històries religioses i místiques cap condició de realitat en un primer nivell, el purament literal, reconeixia que aquelles, en forma simbòlica, contenien algunes de les veritats més fondes de la història de la humanitat.

 

En aquest sentit, Schopenhauer arribà a una posició que s’acostava molt a aquella que C. G. Jung va assolir més endavant. Després de la lectura de Schopenhauer, el destí de Wotan –que camina, de manera lenta però inexorable, cap a la seva pròpia destrucció– va adquirir una importància creixent per a Wagner. Wotan esdevingué el símbol de la mort de l’autoconsciència i de l’anihilació de la voluntat. Wagner observava que no coneixia cap altra obra en la qual l’anihilació de la voluntat fos duta a terme per la força d’un individu, i –com en el cas de Wotan– sense la intromissió d’un alt poder. «Estic convençut –declarava– que el mateix Schopenhauer se sentiria empipat pel fet que jo ho hagi descobert abans d’haver pres contacte amb la seva filosofia.»

 

De l’ombrívola filosofia de Schopenhauer sorgiren dos elements constructius: l’èmfasi en la sexualitat i l’art (la música, concretament), així com la seva interacció. Schopenhauer creia que per a la majoria de les persones – juntament amb l’instint de supervivència– l’impuls sexual era l’impuls més fort. I d’això deduïa que la consciència de la sexualitat domina sempre el nostre pensament, tot i que –tal com Sigmund Freud afirmà novament cinquanta anys després– sigui reprimida. Però Schopenhauer atribuïa una significació encara més gran que la de la sexualitat a la nostra sensibilitat per l’art.

 

La música, creia, és la veu de la voluntat metafísica. Sembla parlar des del fons de la nostra experiència, des d’àmbits de l’ànima humana que no són accessibles a la resta d’arts, i ens parla tot i oposar-se a la llengua parlada i també a la comprensió intel·lectual. Tal com Schopenhauer afirmava en El món com a voluntat i representació, el compositor posa de manifest «l’essència més íntima del món i expressa la saviesa més fonda en una parla que la seva raó no entén». I continua: la música expressa «en una parla altament abstracta l’essència íntima, el dedins del món –aquell que nosaltres, segons la seva manifestació més clara, pensem amb el concepte “voluntat”–, amb una matèria singular, és a dir, simples sons, i amb la més gran decisió i veritat…». El final de Götterdämmerung inspirat per Schopenhauer, amb el cant últim de Brünnhilde, fou publicat en algunes edicions del llibret, però Wagner reconeixia que el final sorgit de l’esperit de Schopenhauer s’acomplia en la música i no en les paraules –tal com, per cert, també s’esdevé al final del tercer acte de Die Walküre.

 

En Das Rheingold, Wagner havia mostrat a consciència un món que, per raó del poder i la possessió, havia entrat en un procés de corrupció interminable. En Die Walküre, Siegfried i Götterdämmerung, aquella corrupció és superada per una nova generació i substituïda per un sistema alternatiu basat en l’amor. Però, sigui com sigui, el nou ordre de coses tampoc no arriba a bon port.

 

La nova generació amb Siegfried i Brünnhilde fineix a les flames, i la seva anihilació està en part relacionada amb el fracàs del seu amor, amb la seva traïció mútua i amb el desig de venjança. En la versió del text de 1856, inspirada per Schopenhauer, Brünnhilde canta:
«La llar del desig abandono; de la llar de l’engany fujo per sempre; de l’etern esdevenir les portes obertes al meu darrere tanco: vers la sacra terra escollida lliure de desig i engany, meta de la peregrinació pel món, del tornar a néixer redimida, la qui sap s’afanya ara. De tot el que és etern la beneïda fi, que sabeu com l’he guanyada? El més pregon sofrir del dolençós amor  els ulls m’obrí: vaig veure finar el món.»

Aquesta declaració apocalíptica i alhora profètica es troba al final d’una obra plena de profecies. Brünnhilde veu per primera vegada –en ser testimoni del patiment de Siegmund– la fi del món al final de Die Walküre, i es rebel·la contra el pare, que ha desencadenat aquest patiment. El primer pas en el gran sistema mitològic de Richard Wagner és la construcció i l’establiment del Walhalla, l’estatge dels déus. En un segon pas –exposat en Die Walküre–, Wagner mostra l’evolució de la societat humana amb les seves lleis i els seus tabús.

 

La segona òpera de la Tetralogia posa de manifest les inevitables –i terribles– conseqüències de la fundació d’un enclavament separat del món, on només viuen els déus. La rapinya, l’assassinat, la depredació de terra i cultura són els fets necessàriament derivats de les accions al món dels neidings, dels wälsungs i del seguici de Hunding. L’òpera està penetrada per l’horrible realitat de la guerra i les enemistats entre nissagues. Aquesta terrible profecia, aquesta poesia negra de traïció i humanitat esguerrada, difícilment pot ser comparada amb cap altra obra.

Si de cas, en el nostre temps se li acosta com a molt La trilogia de guerra d’Edward Bond. La valquíria i les seves esgarrifoses germanes són al món per fer neteja després de la guerra. Recullen els cossos morts dels herois caiguts als camps de batalla de la guerra defensiva de Wotan. En un acte cínic del recycling, els herois ressuscitats són incorporats al servei en forma d’exèrcit de zombis, morts vivents. Wotan estableix d’aquesta manera una forma de guàrdia personal, sorgida de la seva por paranoide davant un atac d’Alberich i els seus descendents, que un dia li fou profetitzat.

 

A l’acte d’obertura de Die Walküre li correspon, respecte d’afirmacions de caràcter divers contingudes en l’estructura narrativa global de la tetralogia de Der Ring, alguna cosa més que un significat subordinat o secundari. Siegmund i Sieglinde –ambdós noms comencen amb el terme emprat per a la victòria en la guerra, és a dir: Sieg– demanen paper més enllà del fet de ser els pares de Siegfried, perquè exposen el significat, la realitat i el dilema de les passions, els desitjos i l’amor en temps de guerra. Siegmund i Sieglinde són nens ferits per la guerra, foren evacuats, van haver de créixer separats l’un de l’altra i obrir-se camí en la vida tan bé com van poder. La guerra és el rerefons del primer acte, i la guerra és el rerefons social en el qual ha viscut sempre la parella de bessons wälsung. L’amor de Siegmund i Sieglinde és el primer anunci d’un gran contrapunt en la Tetralogia, perquè el tema de l’amor és l’antídot de l’ambició del poder total i el domini del món. L’amor, tal com l’exposa Wagner, posseeix una força activa, de vegades revolucionària, perquè s’adreça a l’statu quo i té en molts sentits un efecte disruptiu. Ja l’amor de Wotan per Erda i el fruit del seu amor –Brünnhilde– donen cos a la força desafiant que el desig proporciona al món.

 

La narració de Thomas Mann Sang de welsungs ofereix una exploració profundament irònica d’aquest tema. Uns bessons, igualment anomenats Siegmund i Sieglinde, nascuts en una rica família jueva de final del segle XIX a Alemanya, s’identifiquen tan intensament amb els seus homònims de l’òpera de Wagner que, després d’assistir a una representació de Die Walküre, es lliuren a un aventura incestuosa –com a venjança contra el seu entorn burgès. L’informe de Siegmund sobre els neidings (aquest és el primer grup humà que trobem a L’anell) permet observar clarament la seva consideració dels éssers humans – ben bé com si hagués llegit Schopenhauer: els neidings són caracteritzats com a bel·licosos i bàrbars; oposicions de classe determinen la seva estructura social. Els homes del seguici de Hunding no es queden gens enrere en brutalitat i cinisme. La primera escena del segon acte canvia el tema «Guerra i enfrontament a la Terra» pel tema «Guerra i enfrontament al Cel».

En termes homèrics, la narrativa expansió del món en Das Rheingold enfronta de manera indissoluble l’esfera privada amb la pública, les querelles privades d’arrel sexual amb les estratègies polítiques globals. «Der alte Sturm, die alte Müh’!» («L’eterna lluita, l’eterna molèstia!»): aquesta és la realitat diària del Walhalla, segons Wotan al principi del segon acte de Die Walküre i també segons els clans mútuament enfrontats en el primer acte. Aquesta escena tan poc habitual que va moure Hans Mayer a qualificar-la de «novel·la burgesa», representa la vida quotidiana de Wotan i Fricka en un estat permanent de confrontació domèstica i mostra les seves discussions com a guerra de guerrilles en una parella constituïda sense amor. La mitologia islandesa anomena contínuament Wotan (Odin) com a cabdill de la nissaga dinàstica dels víkings i de les famílies reials nòrdiques de l’antiguitat.

 

És en la seva essència un déu de la guerra, especialment per a aquelles tribus que reconeixen en la guerra un camí tan fonamental com necessari en la seva configuració vital. La vida era una lluita permanent, tant contra les potències primigènies com contra les tribus rivals: matar o ser mort, lluitar o sotmetre’s a les necessitats de la vida. En la saga islandesa, la figura heroica rarament mostra compassió, i l’amor passional –com aquell entre Siegmund i Sieglinde– és tractat sempre com a font de disputa, revenja i assassinat. Fricka dóna suport a Hunding (de la mateixa manera que Hera hauria pogut donar suport a Aquil·les), i exigeix que Wotan intervingui contra la violació de les lleis i els tabús conjugals. L’artera argumentació de Fricka té una força terrible:
«Ara posaries la teva esposa als peus d’aquella lloba!»

A més, Fricka anuncia al seu espòs que l’intent d’aquest de convertir Siegmund en defensor voluntari del rescat de l’anell està condemnat al fracàs, ja que Wotan ha planejat la forma d’aquest rescat amb massa precisió i consciència. A la contesta de Wotan «Die Walküre walte frei!» («la valquíria actua lliurament»), Fricka respon amb la constatació que ens porta al nucli schopenhauerià de Die Walküre, a l’essència de la voluntat mateixa:
«No és cert, només segueix la teva voluntat: prohibeix la victòria de Siegmund!»

En el desenvolupament posterior de Die Walküre, Brünnhilde declara que ella és la voluntat de Wotan i, si Wotan la comprengués, aleshores podria adonar- se que Brünnhilde –encara més que Siegfried– ofereix una sortida al dilema al qual ha conduït l’entercament de Wotan. En la saviesa popular i en les primeres narracions transmeses dels mites alemanys, la valquíria és una bruixa horripilant («valquíria» significa «carronyaire al camp de batalla»), una figura de fetillera de dimensions monstruoses que recull els cossos dels herois caiguts i els porta al Walhalla.
Wagner amplia, modifica i humanitza aquest malson i transforma Brünnhilde en un arquetip de l’amor, en una dona disposada al sacrifici que, finalment en Götterdämmerung, avança cap a l’encarnació de la compassió humana i de la humana misericòrdia. Brünnhilde, a través de Siegmund, té per primera vegada experiència de la compassió quan aquest renuncia a les benaurances del Walhalla perquè a Sieglinde li està vedat d’acompanyar-lo. Finalment Wotan mateix, a través de Brünnhilde, comença a comprendre l’essència d’aquella emoció. Carl Dahlhaus resumia de manera incisiva l’elaboració de Schopenhauer per part de Wagner en aquest rerefons tot afirmant que la fe de Wagner era filosòfica i no religiosa; Wagner representava una metafísica de la compassió i de l’abnegació que extreia els seus elements fundacionals d’El món com a voluntat i representació de Schopenhauer i, a través seu, del budisme.
Ian Burton

Este viernes 16 de mayo a las 19 h en el Teatre Poliorama : Ópera y Flamenco con Rafael Amargo

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Este viernes 16 de mayo a las 19 h en el Teatre Poliorama

Ópera y Flamenco con Rafael Amargo

El muy galardonado bailaor y coreógrafo Rafael Amargo aporta más fulgor al espectáculo Flamenco más visto de toda la historia de Barcelona.

“Nunca había imaginado una fusión entre ópera y flamenco. La energía que el espectáculo transmite es algo único”. Las palabras del bailaor y coreógrafo Rafael Amargo, responsable de la nueva coreografía del espectáculo, explican los más de 2.000.000 espectadores que ya han visto Ópera y Flamenco.

Además del “sello” Amargo el casting cuenta con el tenor catalán Óscar Marín (que fue prodigado por Montserrat Caballé) y la gran revelaciones actual del Flamenco, la bailaora Olga Llorente y el guitarrista de más depurado estilo, Tuto Fernández.
Ópera y Flamenco sigue en programación ininterrumpida desde 2004 como un verdadero “cult” para el espectador que desee tener una experiencia inolvidable.

L’obra VARIACIONS, de Montserrat Butjosa, inaugura el V Cicle de Lectures Dramatitzades PRIMAVERA VACA 2014 (19 de juny)

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En el marc del programa del V Cicle de Lectures Dramatitzades PRIMAVERA VACA, organitzat per l’Associació de Creadores Escèniques Projecte Vaca i la Fundació SGAE, el dilluns 19 de maig, a les 19 hores, a la seu de la SGAE a Catalunya tindrà lloc la primera de les tres lectures dramatitzades previstes.

Serà amb l’obra Variacions, de Montse Butjosa Roca, que dirigirà Sílvia de la Rosa. La història gira al voltant d’una mare, dedicada al seu fill i tancada en ella mateixa i en la música barroca que escolta gairebé obsessivament. El seu fill s’enamora d’una noia àrab i decideixen marxar junts. Malgrat els dubtes i els temors, la mare els dóna suport, sabent que actua en contra de la família de la noia i dels seus propis pressentiments. Tot d’una, el fill retorna, sol, i les pors de la mare ressorgeixen com un malson. Tem que la vida del seu fill sigui com una mena de variació musical d’allò que ella va viure fa una vintena d’anys.

Montse Butjosa

Nascuda a Montmeló, combina la dramatúrgia amb l’exercici professional de la medicina. La seva formació dramatúrgica s’inicia a l’Obrador de la Sala Beckett i, actualment, a l’Institut del Teatre cursa Tercer de Direcció i Dramatúrgia. A nivell professional, ha estat ajudant de Direcció amb El Replà Produccions amb els espectacles No passa res, de Marc Rosich (2009), I per què, de Marc Rosich (2011), Ñaque o de piojos y actores, de JM Sanchis (2013) sota la direcció de Joan Sors, i amb la companyia Pàrking Shakespeare, l’espectacle Woyzeck, de Büchner, adaptat i dirigit per Marc Rosich (Fundació Palo Alto, desembre 2013).

Fitxa lectura

Activitat: Lectura dramatitzada VARIACIONS, de Montse Butjosa. Un cop feta la lectura, hi haurà un col·loqui obert al públic amb l’autora, la directora i els/les intèrprets.
Direcció:
Sílvia de la Rosa.
Intèrprets:
Elena Gómez, Sergi Princet, Margarita Ponce i Cristina Serrat.
Pianista:
Salva Monzó Almirall
Dia i hora:
Dilluns, 19 de juny, a les 19 hores.
Lloc:
Seu de la SGAE a Catalunya (Passeig de Colom, 6, Barcelona).
Entrada lliure.

Lliurament del Premi Jocs Florals 2014 a Melcion Mateu i Premi Extraordinari 1714 a Marcel Riera (14 de maig)

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Lliurament del Premi Jocs Florals 2014 a Melcion Mateu i Premi Extraordinari 1714 a Marcel Riera

Demà dimecres, 14 de maig, a les 19.00 hores, al Saló de Cent de l’Ajuntament de Barcelona, tindrà lloc l’acte de lliurament del Premi de Poesia Jocs Florals 2014 a Melcion Mateu pel poemari Illes lligades i el Premi Extraordinari 1714 i Marcel Riera pel poema Inventari de Montjuïc.

L’acte serà presidit pel tinent d’alcalde de Cultura, Coneixement, Creativitat i Innovació, Jaume Ciurana. Glossarà l’obra de de Melcion Mateu el periodista i poeta Andreu Gomila.

Presentadora
Àngels Bassas

El Premi de Poesia Jocs Florals amb gairebé set-cents anys d’història, és una de les més antigues d’Europa i un bon termòmetre del present de la creació poètica actual. Els mantenidors d’aquesta edició han estat Francesc Parcerisas, Antoni Vidal, Josep Piera, Simona Škrabec i Marc Romera. El premi està dotat amb 9.000 euros i l’obra guanyadora es publicarà a la col·lecció Alabatre de LaBreu Edicions. El guanyador del Premi Extraordinari Memorial 1714 rebrà un premi de 1.500 euros i el poema guardonat es publicarà al llibre dels Jocs Florals de Barcelona 2014

En aquesta edició del Premi de Poesia Jocs Florals de Barcelona 2014 s’han presentat 90 poemaris als premi de poesia i 31 poemes al premi extraordinari.

Melcion Mateu (Barcelona, 1971) és autor de tres poemaris: Vida evident (Premi Octavio Paz 1998); Ningú, petit (2002), basat en el clàssic del còmic Little Nemo in Slumberland, de Winsor McCay; i Jardí amb cangurs (2005).

Té pendent de publicació l’antologia bilingüe Habitaciones y canguros, en traducció castellana de José Luis Rey. Alguns dels seus poemes han aparegut també en revistes i/o antologies en castellà, portuguès, anglès, rus i eslovè. Com a traductor, ha portat al català autors com Siri Hustvedt, Michael Ondaatje i John Ashbery, entre d’altres. Ha col·laborat ocasionalment, amb articles sobre literatura i l’actualitat cultural de Nova York, als suplements culturals dels diaris Avui, El País i La Vanguardia.

És doctor en Literatures Hispàniques i Lusòfones per la New York University (Estats Units), Màster en Literatura Comparada per Cornell University (EUA) i llicenciat en Filologia Espanyola (UAB). Des del 2005 viu a Nova York.

Marcel Riera (Badalona, 1956). Llicenciat en Filologia Romànica. Ha publicat BDN, la ciutat possible (Tècum Editors, 1999); Lluny (Viena edicions, 2006), L’edat del coure (Viena edicions, 2008), Llum d’Irlanda (Els llibres de l’Óssa Menor, 326. Proa, 2012), Versions de Bai Juyi (Labreu editors, 2013).

Ha traduït de l’anglès a Rumer Godden El riu. (El Cercle de Viena, 2. Viena edicions, 2007); James Fenton Un mestre modern. 10 poemes. (British Institut/Caixa de Catalunya. 2007); Philip Larkin. Finestrals. (Labreu, 2009); Joseph Brodsky. La marca de l’aigua (El Cercle de Viena, 28. Viena edicions, 2011). També ha traduït per a revistes literàries Patrick Kavanagh, Richard Wilbur, John Betjeman, Walter de la Mare, John Dryden i Wystan Auden.

El 2007 va guanyar el premi Ciutat de Martorell i el 2011 el premi Carles Riba. Codirigeix la col·lecció de clàssics moderns “El Cercle de Viena” de Viena edicions.

*Convocatòria de residències teatrals a la Sala Fènix per realitzar-se durant la temporada 2014/15.*

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Amb l’objectiu de *recolzar i afavorir la creació teatral de petit format*,
la Sala Fènix convoca a les companyies de teatre que posseeixin un projecte
que pugui ser assajat, desenvolupat i presentat en temporada (divendres,
dissabtes i diumenges durant 4 setmanes) durant el proper curs 2014/15.

La residència contempla la cessió d’espai per a assajos durant 5-6 setmanes
(20 hores a la setmana, als matins) assajos tècnics, muntatge de llums,
disseny integral de publicitat i promoció, assessoria artística, presència
en mitjans i difusió durant la temporada. La residència se centra
principalment a atorgar a les companyies *un espai de creació*, on assajar,
crear, presentar i provar un nou espectacle, però no contempla ajuda
econòmica en metàl·lic per a cap tipus de producció. La Sala Fènix tampoc
es farà responsable de la post-producció i/o distribució i venda de
l’espectacle una vegada acabada la temporada de 4 setmanes a la sala.

Es tindrà en compte amb especial atenció l’interès cultural i artístic de
la idea a desenvolupar, la trajectòria dels participants, els llenguatges
escènics no-convencionals i extra-quotidians entorn del teatre-imatge, la
planificació de les etapes de treball i la relació de la companyia amb
altres institucions o col·lectius de Barcelona.

les residències que estan obertes són 2:

1- Assajos des del *4 d’Agost al 12 de Setembre* (6 setmanes), amb estrena
i temporada des del*12 de Setembre al 5 d’Octubre. *

2- Assajos des del *15 de Setembre al 17 Octubre* (5 setmanes) amb estrena
i temporada del *17 d’Octubre al 9 de Novembre.*

Per sol·licitar la residència 2014/15 les companyies hauran d’enviar un
projecte on figurin:

Nom del projecte i residència a la qual opta.
Sinopsi breu.
Trajectòria de la companyia, tant del director, com de l’elenc i tots els
col·laboradors.
Descripció detallada dels objectius artístics, mètodes, línies teatrals, i
en definitiva tots els detalls que la companyia consideri necessari.
Calendari d’assajos i etapes de desenvolupament del projecte.
Comentar si es té o es pretén alguna font d’ingressos o suports econòmics
i/o patrocinis morals del projecte.
*Es poden adjuntar o enllaçar a projectes anteriors de la companyia, així
com qualsevol un altre material que la companyia consideri necessari.

Els projectes han d’enviar-se a teatre@salafenix.com *abans del dia 15 de
juny 2014.*

Per a qualsevol tipus de dubte o consulta podeu trucar als 934413467 /
666303314 o escriure a teatre@salafenix.com

*Convocatoria de residencias teatrales en la Sala Fènix para realizarse
durante la temporada 2014/15.*

Con el objetivo de apoyar y favorecer la creación teatral de pequeño
formato, la Sala Fènix convoca a las compañías de teatro que posean un
proyecto que pueda ser ensayado, desarrollado y presentado en temporada
(viernes, sábados y domingos durante 4 semanas) durante el próximo curso
2014/15.

La residencia contempla la cesión de espacio para ensayos durante 5-6
semanas (20 horas a la semana, por las mañanas) ensayos técnicos, montaje
de luces, diseño integral de publicidad y promoción, asesoría artística,
presencia en medios y difusión durante la temporada. La residencia se
centra principalmente en otorgar a las compañías *un espacio de creación*,
donde ensayar, crear, presentar y probar un nuevo espectáculo, pero no
contempla ayuda económica en metálico para ningún tipo de producción. La
Sala Fènix tampoco se hará responsable de la post-producción y/o
distribución y venta del espectáculo una vez acabada la temporada de 4
semanas en la sala.

Se tendrá en cuenta con especial atención el interés cultural y artístico
de la idea a desarrollar, la trayectoria de los participantes, los
lenguajes escénicos no-convencionales y extra-cotidianos en torno al
teatro-imagen, la planificación de las etapas de trabajo y la relación de
la compañía con otras instituciones o colectivos de Barcelona.

Las residencias que están abiertas son 2:

1- Ensayos desde el *4 de Agosto al 12 de Septiembre* (6 semanas), con
estreno y temporada desde el
*12 de Septiembre al 5 de Octubre. *
2- Ensayos desde el *15 de Septiembre al 17 Octubre* (5 semanas) con
estreno y temporada del *17 de Octubre al 9 de Noviembre.*

Para solicitar la residencia 2014/15 las compañías deberán enviar un
proyecto donde figuren:

Nombre del proyecto y residencia a la que opta.
Sinopsis breve.
Trayectoria de la compañía, tanto del director, como del elenco y todos los
colaboradores.
Descripción detallada de los objetivos artísticos, métodos, líneas
teatrales, y en definitiva todos los detalles que la compañía considere
necesario.
Calendario de ensayos y etapas de desarrollo del proyecto.
Comentar si se tiene o se pretende alguna fuente de ingresos o apoyos
económicos y/o patrocinios morales del proyecto.
*Se pueden adjuntar o enlazar a proyectos anteriores de la compañía, así
como cualquier otro material que la compañía considere necesario.

Los proyectos deben enviarse a teatre@salafenix.com *antes del día 15 de
junio 2014.*

Para cualquier tipo de duda o consulta podéis llamar al 934413467/666303314
o escribir a teatre@salafenix.com

www.salafenix.com>

Divendres amb Paula Bonet, 30 de maig a les 20h. a CaixaForum

Divendres amb Paula Bonet

30 de maig a les 20h. a CaixaForum

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Els “Divendres amb…” són trobades amb artistes i col·lectius que actualment són una referència en el seu àmbit perquè presentin els seus treballs i el seu recorregut artístic en un format amè, divertit i proper.

Aquest proper divendres 30 de maig a les 20h. comptarem amb la presència de Paula Bonet.

Com s’arriba a ser un dels noms que està més en voga en el camp de la il·lustració feta des de Barcelona? Quin és el punt d’inflexió d’una trajectòria que abans ha passat per Xile, Itàlia i Estats Units? Impressiona veure les pròpies il·lustracions als autobusos i banderoles de la ciutat? Com es crea un estil que, combinant text i imatge, és tan reconeixible?

De Paula Bonet s’ha dit que és una revolució i una revelació. Tindrem la sort d’escoltar-la personalment i entendre perquè.

 

 

 

 

Reserveu-vos la data!

www.paulabonet.com

Més informació:
www.caixaforum.com/agenda

El treball guanyador de la VIII edició del premi Quim Masó a nous projectes de producció teatral ha estat ‘Bluf’, un text de Joan Yago, de la companyia La Calòrica.

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El jurat ha hagut d’escollir entre 48 propostes, l’any que més projectes s’han presentat. La companyia tindrà ara 50.000 euros per produir l’espectacle, que s’estrenarà al Temporada Alta i també es veurà al Grec 2015.

L’autor de l’obra destaca que és un compendi d’històries entrecreuades sobre personatges que decideixin canviar de vida i sortir a buscar la felicitat, persones que desitgen viure la vida d’un heroi de pel·lícula però que comencen a fer-se grans i s’adonen que la vida que ells havien somiat no és la que tenen.

Scents, Anna Moliner Presentació del seu primer disc (dissabte 7 de juny) Circol Maldà

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Scents, Anna Moliner Presentació del seu primer disc

Circol Maldà

Dissabte 7 de juny a les 23h.

Scents és una olor que et porta un bon record del passat.
Scents és el meu viatge, la meva veu, la meva essència, els meus somnis, les meves pors i esperances, la meva mirada al món. En definitiva, el projecte més personal i compromès que he afrontat mai.
Ara just fa deu anys que sóc actriu. I mentrestant, en el meu temps lliure, he anat composant cançons. A poc a poc aquestes cançons han anat agafant força i significat, fins arribar un punt en què he sentit que era ara el moment de compartir-les.
Scents és el recull d’aquestes cançons que vaig començar a escriure des de l’adolescència.
Onze cançons per no oblidar els descobriments que he anat fent al llarg d’aquests anys.

Amb: Anna Moliner, veu; Pau Romero, guitarra; Antonio Torres, bateria; Climent Lanaspa, baix, i Adrià González, teclat.

Més info i reserves aquí http://circolmalda.cat/pop-de-prop/

Katharine Hepburn nació el 12 de mayo de 1907

Katharine Hepburn

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Katharine Houghton Hepburn (12 de mayo de 1907, Hartford, Connecticut, Estados Unidos – 29 de junio de 2003, Old Saybrook, Connecticut) fue una actriz estadounidense, la única en ganar cuatro premios Óscar y una de las más nominadas con doce candidaturas. Célebre por la combinación única de talento, belleza distinguida y espíritu independiente.

Según la lista del American Film Institute (AFI), está considerada la mayor leyenda femenina de los primeros cien años del cine norteamericano, por delante de Bette Davis (Nº2), Audrey Hepburn (Nº3), Ingrid Bergman (Nº4), Greta Garbo (Nº5), Marilyn Monroe (Nº6), Elizabeth Taylor (N°7), Judy Garland (N°8), Marlene Dietrich (N°9) y Joan Crawford (N°10).

Pertenecía a una familia descendiente de los colonos del Mayflower y hasta tenía sangre real en sus venas (James Hepburn, IV conde de Bothwell). Su padre era ginecólogo y fue el que la educó. Su madre, Katharine Houghton, era una decidida sufragista muy activa en su comunidad y que luchó por el reconocimiento de las prostitutas. Hepburn se crio en un ambiente libre y tolerante, lo cual marcaría su carácter. Practicó desde muy pequeña muchos deportes y, según cuenta en su autobiografía, un verano se cortó el pelo y se hizo llamar Jimmy. Según se define ella misma, fue un «marimacho».

Siendo muy joven, recibió un duro golpe: su hermano Tom de 14 años, a quien ella estaba muy unida, se suicidó ahorcándose en Nueva York durante una visita a un familiar. Esto la convirtió en una joven retraída y poco comunicativa. Dejó los estudios en la escuela y dio clases con su madre en su casa.

Inició sus estudios de Filosofía en el Bryn Mawr College, lugar donde comenzó sus actuaciones teatrales. Cuando los terminó en 1928 decidió dedicarse de lleno a la interpretación. Tuvo pequeños papeles en obras como La Zarina donde hizo un reemplazo y viajó a Nueva York, donde tomó clases de dicción con la antigua cantante Frances Robinson Duff. En 1932 tuvo un enorme éxito con la obra teatral The warrior’s husband, una fábula griega. Ese mismo año fue requerida por el cine y protagonizó para la RKO la película Doble sacrificio, junto a John Barrymore, dirigida por quien llegaría a ser uno de sus más íntimos amigos, George Cukor.

Protagonizó Hacia las alturas en la que interpretó a una piloto, muy inspirada en la figura de Amelia Earhart. En 1933 ganó su primer Óscar por interpretar a una actriz provinciana que va a buscar gloria en la gran ciudad, en Gloria de un día. En 1934 ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia por su interpretación en Little Women, donde interpretó a Jo March, en la versión de George Cukor del clásico Mujercitas.

Sus siguientes películas, Sangre gitana (en la que interpreta a una gitana irlandesa) y el gran clásico de la comedia screwball La fiera de mi niña, son un rotundo fracaso y las productoras la bautizan como «veneno para la taquilla» como a Fred Astaire, Joan Crawford, Dolores del Río y Marlene Dietrich.

Protagoniza junto a las Chicas de la RKO la peícula Damas del teatro, que es nominada a varios Óscar pero no asienta totalmente a Hepburn. En 1933 y tras el éxito de Gloria de un día, se embarca en la obra teatral The Lake, de la que sale muy mal parada.

Vuelve a Connecticut con su familia y regresa triunfante al teatro en Broadway con la comedia Historias de Filadelfia, que en 1940 es adaptada para el cine y protagonizada por ella, James Stewart y Cary Grant, y que la devuelve a la palestra cinematográfica. El guion de Historias de Filadelfia fue un regalo del magnate Howard Hughes, su pareja entonces.

En 1942, protagoniza junto a Spencer Tracy, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte del actor, la comedia La mujer del año en la que hace gala de su plurilingüismo hablando francés, ruso y español. Hepburn y Tracy harían nueve películas en común. Durante los años 40 protagoniza varias películas junto a Tracy: Sin amor dirigida por George Stevens o Mar de Hierba de Frank Capra, con Angela Lansbury. En 1949, protagoniza junto a Tracy La costilla de Adán que narra las situaciones en las que un matrimonio de abogados se pone cuando se enfrentan en un tribunal. En 1951 rueda junto a John Huston y Humphrey Bogart La reina de África (La reina africana, en Latinoamérica), otro gran clásico. En 1952 realiza en Venecia y dirigida por David Lean Locuras de Verano, en la que encarna a una solterona secretaria de vacaciones que descubre el amor. Durante todos los años 50, Hepburn realizó numerosas obras de teatro, entre ellas Como gustéis y El mercader de Venecia de William Shakespeare y La Millonaria de George Bernard Shaw.

En 1959, Hepburn realiza el papel más iconoclasta de su carrera, el de Violet Venable en De repente, el último verano de Tennessee Williams, junto a Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y por el cual es aclamada por la crítica.

A partir de ahí, se especializa en adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, como Larga jornada hacia la noche de Eugene O’Neill, en la que interpreta con maestría a una morfinómana metida en una familia rota y por la que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Tras cinco años de parón, en los que cuida a un cada vez más enfermo Tracy, reaparece junto a él en su último film juntos Adivina quién viene esta noche (también conocida como ¿Sabes quién viene a cenar? y Adivina quién viene a cenar), tras la que Tracy muere, motivo por el que Hepburn nunca vio esta película. Hepburn gana, por este film, su segundo Óscar. En esta película su sobrina Katharine Houghton, hacía el papel de su hija. En 1968 interpreta a Leonor de Aquitania en El león en invierno y gana su tercer Óscar, compartido con Barbra Streisand por Funny Girl.

En 1969 Hepburn realiza uno de sus papeles más recordados en el teatro. Protagoniza Coco, musical de gran éxito inspirado en la vida de la diseñadora de moda Coco Chanel. Hepburn grabó un álbum con las canciones del musical que vendió numerosas copias. Cansada de este duro trabajo diario dejó la función. Su rol fue asumido con solvencia por la actriz y cantante francesa Danielle Darrieux.

Ya en la década de 1970, realiza papeles importantes en más adaptaciones a la pantalla de clásicos teatrales, como el de la Condesa Aurelia en La loca de Chaillot de Jean Giraudoux y el de Hecuba en Las troyanas de Eurípides junto a Irene Papas y Vanessa Redgrave. Encarna a Eula Goodnitgh en El rifle y la biblia, un film del Oeste junto a John Wayne y cuyo argumento se parece demasiado al de la exitosa La reina de África. Interviene en Un balance delicado con Paul Scofield y dirigida por Anthony Harvey y en la obra de teatro filmada El zoo de cristal.

Realiza además algunos trabajos para televisión, y dirigida por George Cukor protagoniza Amor entre ruinas con Laurence Olivier y por la que gana un premio Emmy, además de El trigo está verde. En 1981, Hepburn interviene en la romántica En el estanque dorado (en América latina, En la laguna dorada) junto a Henry Fonda y por el cual gana su cuarto Óscar.

S
us últimos papeles en el cine son el de La última solución de Grace Quigley en el que interpreta a una anciana que contrata a un sicario, Nick Nolte, para matar a sus amigos que ya sufren los achaques de la edad y el de la anciana tía Ginny en la película de Warren Beatty, Un asunto de amor. A partir de ahí, Hepburn realiza pequeñas películas para televisión que la mantienen en activo pero una vez su estado de salud se agrava, se retira a Connecticut.

Casada con Ludlow Ogden Smith, se divorció de él en la década de los 30 y mantiene relaciones con John Ford, que la dirigió en María Estuardo, con su agente Leland Hayward y con el magnate Howard Hughes mantiene una relación amistad-amante.

En 1942 conoce a Spencer Tracy, del que no se separaría hasta su muerte en 1967. Hepburn y Tracy mantuvieron esta duradera relación sin casarse, pues Tracy, que era católico, no quiso separarse nunca de su esposa.

Aunque muchos dijeron que Hepburn padecía la enfermedad de Parkinson, ella siempre lo negó diciendo que era una herencia de su abuelo, al que también le temblaban las articulaciones y la cabeza, en verdad de lo que padecía era de temblor esencial benigno. Hepburn padeció también de pequeños cánceres en su piel y en sus últimos meses, un tumor en el cuello se le agravó.

Hepburn murió en su casa de Old Saybrook, en el estado de Connecticut el 29 de junio de 2003.

Katharine Hepburn publicó su autobiografía en 1991 con el título en español Yo misma, historias de mi vida. Hepburn ya había publicado con gran éxito un cuaderno de viaje del rodaje de La Reina de África con el largo título Cómo viajé a África con Huston, Bogart y Bacall y casi pierdo la razón. La vida de Katharine Hepburn ha dado numerosas biografías como Recordando a Kate del estadounidense A. Scott Berg, ganador del premio Pulitzer, en la que cuenta la amistad que le unió con la actriz durante 20 años.

Katharine Hepburn tuvo una sólida carrera teatral. Comenzó a dar sus pasos en el mundo de la actuación en Broadway en obras como Night Hostess y These days.

Tiene un gran éxito con The Warrior’s husband, una obra inspirada en Lisístrata. Una vez triunfa en Hollywood, se decide a protagonizar The lake, obra con la que no está contenta y que finiquita con quince mil dólares.

Tras unos fracasos en el cine vuelve al teatro y protagoniza Jane Eyre e Historias de Filadelfia, que la catapulta de nuevo a la fama en su carrera como estrella de cine gracias a su adaptación cinematográfica.

Tras varios años en la primera plana de la palestra cinematográfica y con algunos problemas con Spencer Tracy, Hepburn vuelve al teatro en la década de los 50. Protagoniza Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces, El mercader de Venecia y Antonio y Cleopatra, y realiza una gira que la lleva a Australia, Stratford y Estados Unidos. Triunfa con crítica y público con La millonaria.

Vuelve al cine y tras ganar dos Óscar, se mete en el papel de la diseñadora francesa Coco Chanel en el musical Coco por el que es nominada al Premio Tony. Hepburn no está muy convencida de la obra pero hace multitud de representaciones llenando siempre los teatros de Broadway. En 1981 protagoniza The West Side Waltz por la que es nominada al Tony.

Es la intérprete que ha conseguido más Óscar de la historia, cuatro. La siguen Meryl Streep, Walter Brennan, Ingrid Bergman, Jack Nicholson y Daniel Day-Lewis con tres cada uno. Sin embargo, estando viva, nunca ganó un Globo de oro. Donó sus cuatro Óscar al Empire State Building de Nueva York, convencida de que, si no iba a recogerlos, no debía tampoco tenerlos.

Tan sólo es superada en nominaciones a los Óscar por Meryl Streep con dieciocho nominaciones.

Ganó su cuarto Óscar 48 años después del primero. Sólo acudió a la ceremonia en 1974 para entregar el premio en memoria de Irving G. Thalberg a su amigo Lawrence Weingarten, y acudió vestida con un pijama en protesta por la banalidad de los premios.

Filmografia

Doble sacrificio (1932) como Sydney Farfield.
Christopher Strong (1933) como Lady Cynthia Darrington.
Hacia las alturas (1933) como Lady Cynthia Carrington.
Gloria de un día (1933) como Eva Lovelace.
Mujercitas (1933) como Jo March.
Mística y rebelde (1934) como Trigger Hicks.
Sangre gitana (1934) como Bárbara.
Corazones rotos (1935) como Constance Dane Roberti.
Sueños de juventud (1935) como Alice Adams.
La gran aventura de Silvia (1936) como Sylvia Scarlett.
María Estuardo (1936) como Maria Estuardo, reina de Escocia.
La rebelde (1936) como Pamela Thistlewiste.
Olivia (1937) como Phoebe Throssel.
Damas del teatro (1937) como Terry Randall.
La fiera de mi niña (1938) como Susan Vance.
Vivir para gozar (1938) como Linda Seton.
Historias de Filadelfia (1940) como Tracy Samantha Lord.
La mujer del año (1942) como Tess Harding.
La llama sagrada (1942) como Miss Christine Forrest.
Tres días de amor y de fe (1943) (cameo).
Estirpe de dragón (1944) como Jade Tan.
Sin amor (1945) como Jamie Rowan.
Corrientes ocultas (1946) como Ann Hamilton.
Mar de hierba (1947) como Lutie Cameron Brewton.
Pasión inmortal (1947) como Clara Wieck Schumann.
El estado de la Unión (1948) como Mary Matthews.
La costilla de Adán (1949) como Amanda Bonner.
La Reina de África (1951) como Miss Rose Sayer.
La impetuosa (1952) como Patricia Pemberton.
Locuras de verano (1955) como Jane Hudson.
El farsante (1956) como Lizzie Curry.
Faldas de acero (1956) como Vinka Kovalenko.
Su otra esposa (1957) como Bunny Watson.
De repente, el último verano (1959) como Miss Violet Venable.
Larga jornada hacia la noche (1962) como Mary Tyrone.
Adivina quién viene esta noche (1967) como Christina Drayton.
El león en invierno (1968) como Leonor de Aquitania, reina de Francia.
La Loca De Chaillot (1969)
Las troyanas (1971) como Hecuba.
A Delicate Balance (1974) como Agnes.
El rifle y la Biblia (1975) como Eula Goodnight.
Olly Olly Oxen Free (1978) como Miss Pudd.
El trigo está verde (1978) como Lily Moffat.
En el estanque dorado (1981) como Ethel Trayer.
La última solución de Grace Quigley (1985) como Grace Quigley.
Laura Lansing durmió aquí (1986) como Laura Lansing.
Un asunto de amor (1994) como Tia Ginny.

Obras teatrales

1928 The Czarina: Lady-In-Waiting
The Cradle Snatchers: Flapper
The Big Pond: Barbara
These Days: Veronica Sims
Holiday Understudy
1929 Death Takes A Holiday: Grazia
1930 A Month In The Country: Katia
The Admirable Crichton: Lady Agatha Lasenby
The Romantic Young’: Lady Amalia
Romeo & Juliet: Kinswoman to the Capulets
Art & Mrs Bottle: Judy Bottle
1931 The Animal Kingdom: Daisy Sage
1932 The Warrior’s Husband: Antiope
The Bride The Sun Shines On: Psyche Marbury
1933 The Lake’: Stella Surrege
1936 Jane Eyre’: Jane Eyre
1939 The Philadelphia Story: Tracy Samantha Lord
1942 Without Love: Jamie Coe Rowan
1950 As You Like It: Rosalind
1952 The Millionairess: Epifanía
1957 The Merchant Of Venice: Portia
Much Ado About Nothing: Beatrice
1960 Twelfth Night: Viola
Antony & Cleopatra: Cleopatra
1969 Coco: Coco Chanel
1976 A Matter Of Gravity: Mrs Basil
1981 West Side Waltz Margaret: Mary Elderdice

Premios Óscar
Mejor actriz
1933 Morning Glory
1967 Guess Who’s Coming to Dinner
1968 The Lion in Winter (ex-aequo con Barbra Streisand)
1981 On Golden Pond

Premios

Premios BAFTA

Mejor actriz
1967 Guess Who’s Coming to Dinner
1968 The Lion in Winter
1981 On Golden Pond

Premios Emmy
Mejor actriz – Miniserie o telefilme
1975 Love Among the Ruins

Festival de Cannes
Mejor interpretación femenina
1962 Long Day’s Journey into Night

La Nit dels Museus, 17 de maig

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Més de setanta centres de Barcelona, l’Hospitalet, Badalona, Cornellà, Esplugues i Santa Coloma de Gramenet t’obren les portes fins a la matinada. Exposicions, concerts, dansa, teatre i recitals poètics, tallers, visites comentades i activitats per a tota la família!

Enguany, Arts Santa Mònica, la Fundació Francisco Godia, la Filmoteca de Catalunya, el Recinte Modernista de Sant Pau, el Castell de Montjuïc, El Born Centre Cultural, la Blueproject Foundation, l’Estudi Regomir, els edificis Harmonia i Can Riera del Museu de l’Hospitalet i els espais del MUHBA a la Fabra i Coats i a la Casa del Guarda del Park Güell s’incorporen o s’afegeixen de nou a l’amplíssima xarxa d’espais que ja participen en la Nit dels Museus.

La Nit dels Museus és una iniciativa del Consell d’Europa en la qual participen més de quatre mil museus de quaranta països i que enguany arriba a la desena edició. Una nit en què la festa és cultura i la cultura és una festa. I si la Nit no ha estat prou llarga per gaudir de totes les propostes, no t’amoïnis: a la Nit dels Museus la segueix el Dia Internacional dels Museus: portes obertes a la majoria dels museus també el diumenge 18 de maig.

Tinguis l’edat que tinguis, no ho dubtis: la Nit dels Museus és la teva nit

Més info a http://lanitdelsmuseus.bcn.cat/

Ja està oberta la inscripció per a la IV edició d’OjodePez Photo Meeting Barcelona (11,12 i 13 de juny)

Ja està oberta la inscripció per a la IV edició d’OjodePez Photo Meeting Barcelona

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La trobada es farà durant els dies 11, 12 i 13 de juny i reunirà fotògrafs com Martin Parr, Joan Fontcuberta, Luis Baylón i Martin Kollar

OjodePez Photo Meeting Barcelona són unes jornades internacionals organitzada per La Virreina Centre de la Imatge i La Fábrica que neixen al voltant de la revista de fotografia documental OjodePez.

L’objectiu d’aquesta trobada és tenir un espai en el que s’afavoreixi el diàleg i el debat entre especialistes, fotògrafs i participants interessats en la fotografia documental. Ofereix una programació que presenta temes específics d’actualitat, treballs fotogràfics i un apartat professional i pedagògic.

Al llarg d’aquests 3 dies, tindran lloc visionats de portfolis, conferències, tallers, projeccions de fotògrafs, converses i conferències obertes al públic, en què els participants i assistents podran compartir noves experiències amb especialistes del mitjà i fotògrafs internacionals com Martin Parr, Txema Salvans, Raphaël Dallaporta, Oscar Monzón, Marloes Krijnen, Mauro Bedoni i Jim Casper.

Més info a http://photomeeting.ojodepez.org/apuntate/

La IV edició d’OjodePez Photo Meeting Barcelona girarà al voltant de la fotografia de l’inconformisme. Utilitzant com a punt de partida l’exposició de Martin Parr Els inconformistes, la trobada comptarà amb un seguit d’autors que aborden la fotografia documental des d’una perspectiva centrada en l’individu, fotògrafs amb visions molt personals, de vegades iròniques, altres contestatàries. El programa es completa amb la presència de mitjans com COLORS i GUP, festivals internacionals i activitats professionals.

Salvador Dalí nacio el 11 de mayo de 1905

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Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí de Púbol (Figueres, 11 de mayo de 1904 – 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

 

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la , lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

 

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

«…que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga…»

«La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco».

—Salvador Dalí

 

Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904,7 en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona, en la comarca catalana del Ampordà , cerca de la frontera con Francia.El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el 12 de octubre de 1901 y bautizado como Salvador Galo Anselmo) había muerto de un «catarro gastroenterítico infeccioso» unos nueve meses antes (el 1 de agosto de 1903). Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.

Su padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por su mujer Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador. Con cinco años, sus padres lo llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer. De su hermano, Dalí dijo:

…nos parecíamos como dos gotas de agua, pero dábamos reflejos diferentes… Mi hermano era probablemente una primera visión de mí mismo, pero según una concepción demasiado absoluta.

Dalí también tuvo una hermana, Ana María, cuatro años más joven que él. En 1949 ella publicó un libro sobre su hermano, titulado Dalí visto por su hermana.En su infancia, Dalí trabó amistad con futuros jugadores del F.C. Barcelona, como Emilio Sagi Liñán o Josep Samitier. En época de vacaciones, en el floreciente Cadaqués, el trío pasaba mucho tiempo jugando al fútbol.

En 1916 descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento.11 Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa familiar. En 1919, con catorce años, Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1919, cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios amigos la revista mensual Studium. Había ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci.

En febrero de 1921 su madre murió a consecuencia de un cáncer de útero. Dalí tenía 16 años. Sobre la muerte de su madre diría más tarde que fue «el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma…». Tras su muerte, el padre de Dalí contrajo matrimonio con la hermana de su esposa fallecida. Dalí nunca aprobó este hecho.

Dali se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandi. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Federico García Lorca, Pepín Bello o Luis Buñuel. En aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no entendiese completamente los principios cubistas: sus únicas fuentes eran artículos publicados en la prensa y un catálogo que le había dado Pichot, puesto que en el Madrid de aquella época no había pintores cubistas.

En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.

Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ésta en condiciones de examinarlo.22 La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista Cesta de pan, pintada en 1926. Ese mismo año, visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de éstos.

Algunas de las características de la pintura de Dalí de aquella época se convirtieron en distintivas para toda su obra posterior. Dalí absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras.24 Sus influencias clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto, Velázquez.25 Alternaba técnicas tradicionales con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los debates suscitados por una crítica dividida.

En aquella época, Dalí se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego Velázquez, y que se convertiría en uno de sus distintivos personales el resto de su vida

En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje Un chien andalou, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo. En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala. Nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonova, era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder al subconsciente, liberando energías artísticas creadoras.

En el ámbito doméstico, la relación de Dalí con su padre estaba próxima a la ruptura. Salvador Dalí i Cusí se oponía al romance del joven artista con Gala, y condenaba su vinculación con los artistas del surrealismo por considerarlos —como buena parte de la opinión pública— elementos tendentes a la degeneración moral. La tensión fue en aumento hasta culminar en un enfrentamiento personal, a raíz de una noticia sobre Dalí publicada en la prensa, en la que se refería que un dibujo de un Sagrado Corazón de Jesucristo expuesto en París por el joven mostraba una inscripción en la que se leía: «En ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme». Ultrajado, su padre demandó una satisfacción pública. Dalí se negó, quizás por temor a ser expulsado del grupo surrealista, y fue echado violentamente de casa el 28 de diciembre de 1929. Su padre lo desheredó y le prohibió regresar jamás a Cadaqués. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. Gala y Dalí se casaron en 1934 en una ceremonia civil, y volverían a hacerlo por el rito católico en 1958.

En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista.29 Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos.30 Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural y, tal como explicó en sus memorias, venía determinada por un recuerdo de infancia.

Dalí llegó a Estados Unidos gracias al marchante Julien Levy en 1934. La exposición de algunas obras de Dalí —incluida la célebre Persistencia…— levantó un enorme revuelo en Nueva York. Se organizó un baile en su honor, el Dalí Ball, al que compareció llevando una caja de cristal colgada sobre el pecho con un sostén dentro.31 Ese mismo año, Dalí y Gala ofrecieron un baile de máscaras en Nueva York, cortesía de la heredera Caresse Crosby. Fueron disfrazados del bebé Lindbergh y su secuestrador, en alusión a un dramático suceso reciente. El escándalo levantado en la prensa fue tan notable que Dalí pidió disculpas públicamente. Al regresar a París, debió explicarse ante los surrealistas que no entendieron por qué se había disculpado por un acto considerado surrealista.

Aunque la mayor parte del surrealismo se había adscrito a ideas políticas de izquierda, Dalí mantenía una posición que se juzgaba ambigua en la cuestión de las relaciones entre arte y activismo político. Los líderes del movimiento, principalmente André Breton, lo acusaron de defender lo «nuevo» e «irracional» del fenómeno hitleriano, acusación que Dalí refutó afirmando que «no soy un hitleriano ni de hecho ni de intención». Dalí insistía en que el surrealismo podía existir en un contexto apolítico, y se negó a denunciar públicamente el régimen fascista alemán. Éste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dalí fue sometido a un «juicio surrealista» del cual resultó su expulsión del movimiento. A esto, Dalí respondió con su célebre réplica, «Yo soy el surrealismo».

Sin embargo, en 1936, Dalí volvió a participar en una exposición surrealista, esta vez de índole internacional, celebrada en Londres. Su conferencia, titulada Fantômes paranoiques authentiques, fue impartida con un traje de buzo, casco incluido. Llegó a la conferencia con un taco de billar y un par de sabuesos rusos, y en su transcurso tuvo que retirarse el casco para poder tomar aire. Comentó al respecto que «simplemente quería mostrar que estaba sumergiéndome profundamente en la mente humana».

En aquel entonces, el mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward James, que había colaborado generosamente al ascenso del artista comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos años. Se convirtieron en buenos amigos, tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí Cisnes reflejando elefantes. Colaboraron igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos del movimiento: el «teléfono-langosta» y el sofá de los labios de Mae West. En 1939 Breton acuñó el anagrama despectivo «Avida Dollars» para criticar su pasión por el dinero.36 Esta sarcástica referencia a su pujante negocio del arte también pretendía acusarle de cultivar la megalomanía mediante la fama y el dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar de Dalí en pretérito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros adscritos posteriormente, como Ted Joans, mantuvieron contra Dalí una enconada polémica que llegó hasta el día de su muerte (y aún más adelante).

En 1940, con la Segunda Guerra Mundial arrasando Europa, Dalí y Gala huyeron a los Estados Unidos, donde vivieron durante ocho años. Después de la mudanza, Dalí retomó su antiguo catolicismo. «Durante ese período», informan Robert y Nicholas Descharnes, «Dalí nunca dejó de escribir».

En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribía regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada en la Knoedler Gallery de Nueva York en 1943. En ese artículo exponía que el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario…La pereza contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación psicológica del uso actual de la institución universitaria.

También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un salón de moda para automóviles. De ahí surgió una caricatura de Erdwin Cox, del The Miami Herald, que presentaba a Dalí luciendo un automóvil como vestido de fiesta.

Exposición sobre Dalí en Londres. En primer término hay una escultura de un elefante de patas alargadas con una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.
Un fraile italiano llamado Gabriele Maria Berardi anunció haber realizado un exorcismo a Dalí en una visita de éste a Francia en 1947.38 En el 2005, una escultura del Cristo en la cruz fue inaugurada en la ciudad de dicho fraile. Se ha comentado que Dalí entregó esta obra al fraile como prenda de gratitud,38 y dos expertos españoles sobre Dalí han considerado que hay motivos suficientes para pensar que la obra fuese realmente suya.

Aceptó la decoración de un escaparate de los almacenes Bonwit-Tellerle en la Quinta Avenida de Nueva York. Hizo una polémica composición dedicada al día y a la noche: en un lado un maniquí con peluca roja en una bañera de Astracán; en el otro, una figura acostada en una cama con baldaquino negro sobre cuya almohada ardían carbones. Pero se realizaron modificaciones sin permiso del autor, y Dalí en protesta acabó lanzando la bañera contra el vidrio del escaparate. Fue detenido y debió pagar los desperfectos. El juzgado le absolvió, pues argumentó que defendía su obra. Se entendió esta protesta como una defensa de los derechos de autor.

En esos años, Dalí diseñó ilustraciones para ediciones traducidas al inglés de clásicos como El Quijote, la autobiografía de Benvenuto Cellini y los Ensayos de Michel de Montaigne. También aportó decorados para la película Spellbound de Alfred Hitchcock (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), y emprendió con Walt Disney la realización de una película de dibujos animados, Destino, que quedó inconclusa y que se montó en 2003, mucho después del fallecimiento de ambos.

Fue una de las épocas más fructíferas de su vida, pero también discutida por ciertos críticos, que veían que Dalí difuminaba la frontera entre arte y bienes de consumo al arrinconar la pintura para volcarse más en el diseño y en artículos comerciales.

Desde 1949 Dalí vivió en Cataluña. El hecho de que eligiese España para vivir en tiempos de la dictadura hizo que algunos de sus antiguos colegas, así como sectores progresistas, le hicieran blanco de nuevas críticas. Esto sugiere que el descrédito con que Dalí era considerado entre surrealistas y críticos de arte se debiese, al menos en parte, a motivaciones políticas, más que al valor intrínseco de sus obras de arte. En 1959 Breton organizó una exposición antológica titulada Homage to Surrealism (en español Homenaje al surrealismo), que reunía obras surgidas en las cuatro décadas del movimiento. La exposición recuperaba piezas de Dalí, de Joan Miró, de Enrique Tábara y Eugenio Granell. Al año siguiente, sin embargo, Breton se opuso enérgicamente a la inclusión de la Madonna Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York.

Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín43 y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artística, algo nada extraño considerando su larga exploración artística de juegos visuales. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art. Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por las ciencias naturales y las matemáticas. Así se observa en muchas de sus obras —sobre todo las creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, puesto que crece en una progresión espiral logarítmica. También relacionó el concepto con los temas de la castidad y la santidad de la Virgen María. Otro de los intereses de Dalí era el ADN, y el hipercubo (un cubo de cuatro dimensiones) que llegó a plasmar desplegado en su Crucifixión (Corpus Hypercubus).

La bahía de Portlligat, el paisaje que cautivó al artista en Cadaqués, con su casa, hoy museo. Está formada por un conjunto de barracas de pescadores que fueron adquiridas por el pintor y su mujer, Gala. Abierta al público en 1997, en su interior se exhiben recuerdos del pintor, su taller, la biblioteca, sus habitaciones y el jardín.
La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el recurso a ilusiones ópticas, así como al imaginario de la ciencia o la religión. Su aproximación al catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás por la conmoción causada por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. El mismo Dalí denominó esta etapa de su arte como el período místico-nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de la iconografía cristiana con imágenes en descomposición relacionadas con la física nuclear como se desprende de obras como Crucifixión (Corpus Hypercubus). Bajo la clasificación de «misticismo nuclear» se incluyen también La gare de Perpignan (1965) y El torero alucinógeno (1968-1970). En 1960 Dalí empezó a trabajar en un teatro y museo personal, levantados en el edificio del antiguo Teatro Municipal, construcción del siglo XIX destruido al final de la Guerra Civil; fue el mayor de sus proyectos individuales, y a él dedicaría buena parte de sus energías hasta 1974. Incluso más adelante, a mediados de los 80, realizó algunas reformas menores en el edificio

En su madurez, el artista también se implicó con otras actividades «extra-artísticas» que daban una medida de su enorme popularidad como personaje público. En 1968 Dalí grabó un anuncio televisivo para la marca de chocolate Lanvin, y en 1969 diseñó el logo de Chupa Chups. Ese mismo año trabajó como responsable creativo de la campaña publicitaria de Eurovisión, y creó una gran escultura metálica que se instaló en el escenario del Teatro Real de Madrid. En el programa Dirty Dali: A Private View (en español Dalí el sucio: Una visión íntima), emitido por el Channel 4 en 2007, el crítico Brian Sewell describía cómo a finales de los 60 fue requerido por el artista a posar sin pantalones en posición fetal bajo la axila de una figura de Jesucristo, mientras Dalí le fotografiaba y fingía hurgarse bajo el pantalón.

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson.

En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Púbol, que el artista agradeció con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo, y que le entregó tras la visita real a su lecho de muerte

Teatro-Museo Dalí en Figueras. Cuando el alcalde invitó al artista a regalar una pintura para el museo local, Dalí respondió estar dispuesto a donar un museo entero y sugirió como sede el teatro entonces abandonado. En este teatro había expuesto sus dos primeras obras en 1918.

Gala murió el 10 de junio de 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente —supuestamente como consecuencia de un intento de suicidio—, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mudó de Figueras al castillo de Púbol, que había comprado para Gala, y donde ella había fallecido. En 1984 un incendio de causas desconocidas se declaró en su dormitorio.
De nuevo se sospechó de un intento de suicidio, aunque quizás se debiese a negligencia del personal doméstico. De todos modos, Dalí fue rescatado y regresó a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se encargaron de su bienestar hasta sus últimos años.

Se ha denunciado que Dalí fue obligado por algunos de sus «cuidadores» a firmar lienzos en blanco que serían vendidos tras su muerte como originales. Estos rumores hicieron que el mercado del arte se mostrase escéptico con las obras atribuidas a Dalí durante su última época.

En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988 fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra.

El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo (ver imagen). Su cripta se encuentra al otro lado de la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde descansa desde entonces; tres manzanas más allá de su casa natal. Para evitar tensiones entre el Gobierno central y autonómico, Dalí testó en 1982 a favor del Estado Español como heredero universal de su obra.

La Fundación Gala-Salvador Dalí se encarga en la actualidad de la gestión de su legado.58 En los Estados Unidos, el responsable legal de su representación es la Artist Rights Society. En 2002 esta sociedad salió en las noticias por requerir de Google que retirasen un logotipo de la firma diseñado a semejanza de la obra de Dalí, y que había sido especialmente creado para conmemorar el aniversario de su nacimiento, alegando derechos de copyright. Google accedió a retirar el logotipo —cuyo uso, teóricamente, era de un sólo día— pero se negó a admitir la violación de sus derechos de autor.

Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos», que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la relatividad de Albert Einstein,30 y fueron supuestamente creados tras la observación de unos pedazos de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto. Otro de sus símbolos recurrentes es el elefante, que apareció por vez primera en el Sueño causado por el vuelo de una avispa sobre una granada un segundo antes de despertar (1944). Los elefantes dalinianos, inspirados por el obelisco de Roma de Gian Lorenzo Bernini, suelen aparecer con «patas largas, casi invisibles de deseo», y portando obeliscos en sus lomos. Conjuntadas con esas delicadas extremidades, los obeliscos —en los que algunos han querido ver un símbolo fálico— crean un sentido de fantasmal irrealidad. «El elefante es una distorsión en el espacio», explicó Dalí en Dalí y el Surrealismo, de Dawn Ades, «con sus aguzadas patas contrastando la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente».

Otro de sus símbolos recurrentes es el huevo. Enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor; y así es como se interpreta en su Metamorfosis de Narciso. También recurrió a imágenes de fauna a lo largo de toda su obra: hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual; el caracol como cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a visitarle); y las langostas como un símbolo de decadencia y terro

La actividad artística de Dalí no se limitó a la pintura. Algunas de sus obras más populares son esculturas o ready-mades, y también destacó en sus contribuciones al teatro, la moda y la fotografía, entre otras disciplinas artísticas. Dos de los artefactos surrealistas dalinianos más notables fueron el «teléfono-langosta» y el «sofá de los labios de Mae West» (realizados entre 1936 y 1937). El artista y mecenas Edward James encargó estas piezas a Dalí. James había heredado a los cinco años de edad una gran parcela en West Dean (Sussex, Inglaterra), desde donde alentó la producción surrealista a lo largo de la década de los 3 «Las langostas y los teléfonos tienen claras connotaciones sexuales para Dalí», refiere la placa explicativa del «teléfono-langosta» expuesto en la Tate Gallery, «y de ahí él extraía una analogía entre la comida y la sexualidad».64 Este teléfono era perfectamente operativo, y James adquirió cuatro de ellos para sustituir los que tenía en su retiro inglés. Uno de ellos se encuentra actualmente en la mencionada galería, el segundo está en el museo del teléfono de Fráncfort del Meno, el tercero es propiedad de la Fundación Edward James y el cuarto pertenece a la National Gallery de Australia.

«El sofá de Mae West», hecho de madera y satén, recibía su forma de los labios de la célebre actriz, a quien Dalí encontraba fascinante. Mae West ya había aparecido en una pintura de 1935 titulada Cara de Mae West. El sofá se encuentra actualmente en el museo Brighton and Hove, en Inglaterra.

Entre 1941 y 1970 Dalí se dedicó al diseño de joyería, hasta un número de 39 piezas en total. Las joyas creadas, de intrincado diseño, integraban partes móviles. La más conocida de ellas, Corazón Real, está hecha en oro y tiene 46 rubíes, 42 diamantes y 4 esmeraldas incrustadas, y está hecha de modo que el centro «lata» como un corazón auténtico. El mismo Dalí comentó en 1949 que «sin un público, sin la presencia de espectadores, estas joyas no podrían cumplir la función para la que fueron creadas. El observador es, en último término, el creador definitivo». Las Dalí-Joies (en español, Joyas de Dalí) se encuentran actualmente en el teatro-museo de Figueras, como parte integrante de su colección permanente.

Dalí también colaboró en la creación teatral. En 1927 diseñó la escenografía para la obra de Lorca Mariana Pineda. Para Las bacanales, un ballet de 1939 basado en el Tannhäuser de Richard Wagner (1845), Dalí se encargó del diseño de escenario y de la edición del libreto.En 1941 Dalí accedió al diseño de escenarios para Laberinto, y de nuevo en 1949 para El sombrero de tres picos.

Una curiosidad de la obra de Dalí es su incursión en las Fallas de Valencia con el diseño de una falla. Se trata de la plantada por la comisión de El Foc en 1954, cuyo lema era La corrida de toros surrealista. Construida por el escultor Octavio Vicent con no pocos problemas técnicos, fue muy criticada por el mundo fallero por la ruptura estética y conceptual que supuso.

Aunque principalmente conocido por sus pinturas, Dalí también manifestó un temprano interés por el cine durante su juventud, y acudía regularmente al cine todos los domingos. Había conocido el cine mudo, en el que la apariencia del medio primaba sobre su contenido, y que concedía a sus estrellas una gran popularidad. Opinaba que había dos dimensiones en cuanto a las teorías del cine: «las cosas de por sí», es decir los hechos que son presentados en el mundo de la cámara, y la «imaginación fotográfica», o el modo en que la cámara muestra la imagen y el valor creativo que puede desprenderse del mismo.68 Dalí se mostró especialmente activo a ambos lados de la cámara. Creó espléndidas obras de arte como Destino (en colaboración con Walt Disney), una película iniciada en 1946 y completada en 2003 por Baker Bloodworth y Roy Oliver Disney. En este trabajo se incluyen imágenes oníricas, como extrañas figuras voladoras, y está inspirada por la canción Destino (del letrista mexicano Armando Domínguez). Sin embargo, cuando Disney contrató a Dalí, su empresa no estaba preparada para asumir el trabajo que el artista iba a desarrollar. Después de ocho meses de trabajo intenso, la compañía tuvo que abandonar el proyecto por dificultades presupuestarias, y sólo 57 años más tarde se remató su producción. Exhibida en diversos festivales de cine, la película combina el espíritu artístico daliniano con la clásica animación Disney.

Dalí trabajó como co-guionista de la película surrealista de Luis Buñuel Un chien andalou (Un perro andaluz), un corto de 17 minutos que incluye alguna de las imágenes antológicas del surrealismo (como el ojo cortado con una cuchilla de afeitar, aunque dicha imagen es más obra de Buñuel que de Dalí). Esta película es su aportación más notable al mundo del cine independiente. Un chien andalou fue el modo en que Dalí logró incluir sus imágenes oníricas en una dimensión real. La sucesión de escenas provoca en el espectador un torrente de sensaciones, según las expectativas despertadas por la película se ven continuamente frustradas por otras. La segunda película que produjo con Buñuel fue L’âge d’or (La edad de oro), rodada en el Estudio 28 de París en 1930. Esta película fue «prohibida durante años por grupos fascistas y antisemitas que desarrollaron una fuerte campaña de descrédito en la prensa en el cine parisino en el que se exhibía».69 Aunque la acusación de propagar conductas antisociales afectó indudablemente al éxito de su carrera artística, Dalí nunca se molestó en manifestar su propia opinión o sus creencias sobre su actividad artística. De cualquier modo, esas dos películas tuvieron un impacto extraordinario en el movimiento cinematográfico surrealista: «Si Un chien andalou permanece como el documento supremo de la aventura cinematográfica surrealista en los dominios del inconsciente, L’age d’or es quizás la manifestación más implacable de su intención revolucionaria».

Dalí colaboró con reconocidos cineastas como Alfred Hitchcock. El más sonado entre sus proyectos cinematográficos es probablemente la secuencia onírica de Spellbound (1945), en la que se pretendía mostrar aspectos del subconsciente. Hitchcock, interesado en dotar a esta escena de calidad onírica, quería mostrar en su película como la represión de experiencias podía conducir a la neurosis. Familiarizado con la obra de Dalí, pensó que su espíritu creativo podía potenciar la atmósfera que buscaba para su película. Dalí, por otra parte, también trabajaría en un documental titulado Caos y creación, que contiene numerosas referencias artísticas que intentan explicar el concepto de arte preconizado por Dalí. La última película en la que Dalí colaboró fue Impresiones de Mongolia Superior (1975), en la que narraba la aventura de una expedición que busca un gigantesco hongo alucinógeno. La imaginería del filme gira en torno a microscópicas manchas de orina en la banda de un bolígrafo sobre el que Dalí miccionó durante varias semanas.

El mundo de la moda y la fotografía tampoco quedó libre de su influencia artística. Dalí colaboró con Elsa Schiaparelli en la confección de un vestido blanco con una langosta impresa. Otros diseños de Dalí son un sombrero con forma de zapato y un cinturón rosado con labios en la hebilla. En 1950 diseñó un «vestido para el año 2045» en colaboración con Christian Dior.66 También creó sus propios diseños textiles y botellas de perfume. Su aportación al mundo de la fotografía se ve ampliamente reflejada en sus colaboraciones con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman. Con Man Ray y Brassaï realizó fotografías de la naturaleza; con los demás se introdujo en un mundo de temas oscuros, como la serie Dalí Atómica (de 1948, véase imagen en esta misma página) que se inspiraba en su obra Leda atómica. Una de las fotografías muestra «un caballete de pintor, tres gatos, un cubo de agua, y el mismo Dali flotando por los aires».

Las referencias a Dalí en el contexto de la ciencia se entienden en términos de la fascinación general provocada por el nuevo paradigma científico surgido a raíz de la mecánica cuántica del siglo XX. Inspirado por el «principio de incertidumbre» de Werner Heisenberg, Dalí escribió en 1958 un Manifiesto de la antimateria: «En el período surrealista, quería crear la iconografía del mundo interior y lo maravilloso de mi padre Freud. Hoy, el mundo exterior y el de la física ha trascendido a aquel de la sicología. Mi padre, hoy, es el doctor Heisenberg».

En este sentido, La desintegración de la persistencia de la memoria, de 1954, representa un giro sobre la obra realizada en 1931, y simboliza el salto conceptual daliniano desde su perspectiva acientífica y psicológica al nuevo enfoque atomista de posguerra.

Su visión de la arquitectura se refleja en la construcción de su casa en Portlligat, cerca de Cadaqués, así como en el pabellón surrealista —llamado Sueño de Venus— que fue expuesto en la Exposición Internacional de Lieja (1939), y que contenía numerosas y extrañas esculturas. En cuanto a su proyección literaria, Dalí escribió su autobiografía (La vida secreta de Salvador Dalí, 1942), un libro de diarios (Diario de un genio, 1952-1963), y varios ensayos (Oui: The paranoid-critical revolution, 1927-1933; El mito trágico de «El Angelus de Millet», 1978), entre otras obras. La edición literaria, y especialmente su interés por las artes gráficas, le llevaron a producir numerosos grabados y litografías. Aunque en su primer período su obra gráfica igualaba en calidad a su obra pictórica, con el transcurso de los años Dalí se dedicaría a vender los derechos de sus imágenes, pero sin molestarse personalmente en su impresión. Por otra parte, un buen número de falsificaciones fueron producidas en las décadas de los 80 y 90, confundiendo aún más el ya poco fiable mercado de obra gráfica daliniana.

Al igual que había hecho su muy admirado73 colega Marcel Duchamp, una de las obras más notables de Dalí resultó ser una persona. En 1965 Dalí conoció en un club francés a la modelo de moda Amanda Lear, conocida artísticamente como Peki d’Oslo.74 Lear se convirtió en su protegida y su musa, y describió su relación en la biografía Mi vida con Dalí (1986). Impresionado por su aspecto hombruno, Dalí dirigió el salto de Lear desde el mundo de la moda al de la música, aconsejándola respecto a sus apariciones públicas y desatando brumosas leyendas sobre sus orígenes, que atrajeron inmediatamente la atención de la escena de la música disco. Según Lear, ella y Dalí contrajeron un «matrimonio espiritual» en la desértica cumbre de una montaña. Algunos piensan que el nombre de Lear (Amanda) era una alusión a su papel como «L’amant Dalí» (en español la amante de Dalí). Lear ocupó el espacio que la anterior musa de Dalí, Isabelle Collin Dufresne (alias «Ultra Violet») había dejado desocupado tras acogerse en la Factory de Andy Warhol.

Las ideas políticas de Salvador Dalí desempeñaron un papel muy relevante en sus inicios artísticos. Posteriormente se le acusó de apoyar ideológicamente el franquismo. André Breton, el «padre» del surrealismo, se distinguió por sus esfuerzos para separar el nombre de Dalí del grupo surrealista. Sin embargo, ese enfrentamiento obedecía a motivos más complejos. De cualquier modo, Dalí nunca fue antisemita como se desprende de su amistosa relación con el afamado arquitecto y diseñador Paul László, que era judío. Manifestó una profunda admiración hacia Freud —a quien conoció personalmente— y hacia Albert Einstein, a juzgar de sus escritos. Sobre la personalidad de Dalí, George Orwell dijo en un ensayo que Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo tiempo un excelente dibujante y un irritante ser humano. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a la otra.

En su juventud el artista estuvo relacionado con el anarquismo y el comunismo. En sus escritos se suelen encontrar afirmaciones políticas —probablemente, más dirigidas a impresionar al público por su radicalidad que basadas en una inspiración profunda— que señalan cierta vinculación con el activismo político del dadaísmo. Con el avanzar de los años, sus adhesiones políticas cambiaron, especialmente según el surrealismo se identificó con el liderazgo de André Bretón, de orientación trotskista. En diversas ocasiones, Breton pidió explicaciones a Dalí por sus relaciones políticas. De cualquier modo, ya en 1970 Dalí se declaró81 como un «anarco-monárquico», dando pie a numerosas especulaciones sobre esta orientación política (indudablemente minoritaria).

Con el inicio de la Guerra Civil Española, Dalí rehuyó el enfrentamiento y rechazó manifestar su adhesión a ninguno de los bandos. Del mismo modo, tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí fue criticado por George Orwell, quien le acusó de «escabullirse como una rata en cuanto Francia estuvo en peligro», después de haber vivido y prosperado allí durante años:

Cuando la guerra europea se acerca, él sólo se preocupa de una cosa: encontrar un lugar donde se coma bien y de donde pueda escapar rápidamente en caso de que se acercase el peligro.

Tras su retorno a Cataluña tras la guerra, Dalí se aproximó al régimen franquista. Algunas de las declaraciones de Dalí sirvieron como respaldo a la dictadura; así felicitó a Franco por sus acciones dirigidas a «limpiar España de fuerzas destructivas».83 Dalí, que se había convertido al catolicismo y se fue volviendo una persona más religiosa con el paso de los años, podía referirse a los grupos comunistas, socialistas y anarquistas que durante la época de guerra civil habían ejecutado a más de 7000 monjas y sacerdotes.84 85 Dalí envió incluso algunos telegramas a Franco, elogiando la pena de muerte con que el dictador había condenado a algunos criminales de guerra. Dalí incluso conoció a Franco personalmente86 y pintó un retrato de la nieta de Franco. Es difícil determinar si sus gestos hacia el franquismo fueron sinceros o caprichosos, ya que los simultaneaba con manifestaciones decididamente surrealistas, como felicitar al líder comunista rumano Nicolae Ceauşescu por incluir un cetro entre sus atributos. El diario rumano Scînteia se hizo eco de esta noticia, sin percatarse de su índole burlona. De cualquier modo, uno de los temas en los que Dalí mostró una indudable desafección al régimen fue el polémico asesinato del poeta Federico García Lorca por milicias nacionales, que denunció incluso en los años en los que la obra del poeta estaba oficialmente prohibida.

Si muero, no moriré del todo.

Salvador Dalí.

Dalí, con su llamativa presencia y su omnipresente capa y barretina, ostentando un bastón y una expresión solemne enmarcada por su vistoso mostacho, se forjó una imagen de megalómano con declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador Dalí».88 La artista Cher y su marido Sonny Bono acudieron en su juventud a una fiesta organizada en la lujosa residencia de Dalí en Nueva York en el Hotel Plaza, donde sufrieron un leve sobresalto cuando Cher se sentó inadvertidamente sobre una silla con un singular vibrador discretamente incorporado. Una curiosa costumbre de Dalí era quedarse con todos los bolígrafos con los que firmaba sus autógrafos. Entrevistado por Mike Wallace para el programa 60 Minutes, el artista no dejó de referirse a sí mismo en tercera persona, llegando a declarar que «Dalí es inmortal y no morirá». En otra de sus apariciones televisivas en el Tonight Show, el artista apareció cargando con un rinoceronte de cuero, y rehusó tomar asiento en ningún otro lugar.

<Dalí produjo alrededor de 1.500 pinturas a lo largo de su carrera,89 además de decenas de ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine. Colaboró en la película Dalí en Nueva York (1965), de Jack Bond

También animado por su amigo Federico García Lorca, Dalí tanteó la creación literaria en una «novela pura». En su única obra literaria Dalí describe en vistosos términos, las intrigas y amoríos de un grupo de aristócratas excéntricos y frívolos que, con su lujoso y sofisticado estilo de vida, representan la decadencia de los años 1930.

En la biografía Sexo, surrealismo, Dalí y yo, coescrita entre Carlos Lozano y Clifford Thurlow, se afirma que Dalí nunca dejó de ser un surrealista. Como afirmó en una ocasión, parafraseándose a sí mismo, «la única diferencia entre los surrealistas y yo, es que yo soy un surrealista».

A continuación se detalla una lista de algunas de las obras y acciones más importante de Dalí durante su carrera.

Paisaje cerca de Figueres (1910)
Vilabertran (1913)
Fiesta en Figueras (1916)
Vista de Cadaqués con la sombra del monte Pani (1917)
Viejo crepuscular (1918)
Puerto de Cadaqués (Noche) y Autorretrato en el estudio (1919)
El padre del artista en la playa de Llaner y Vista de Portdogué (Port Aluger) (1920)
Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921)
Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922)
Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923)
Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924)
Gran arlequín y pequeña botella de ron y una serie de retratos realistas para su hermana Ana María, especialmente Muchacha en la ventana (1925)
Retrato de mi padre (1925)
El cesto de pan y Joven de Figueres (1926)
Composición con tres figuras (Academia neo-cubista) y La miel es más dulce que la sangre (su primera obra surrealista de importancia) (1927)
Un chien andalou (Un perro andaluz) película en colaboración con Luis Buñuel, El juego lúgubre, El gran masturbador, Los primeros días de la primavera, La profanación de la Hostia, El enigma del deseo, El hombre invisible, Los placeres iluminados y Retrato de Paul Éluard (1929).
La edad de oro, película en colaboración con Luis Buñuel (1930)
La persistencia de la memoria (su obra más conocida, también llamada Los relojes blandos), La vejez de Guillermo Tell, y Guillermo Tell y Gradiva (1931)
El espectro del Sex Appeal, El nacimiento de los deseos líquidos, Pan antropomórfico, y Huevos fritos al plato sin el plato. Termina El hombre invisible (iniciado en 1929) (aunque no quedó muy satisfecho del resultado) (1932)
Busto retrospectivo de mujer (escultura de técnica mixta) y Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro, Gala en la ventana (1933)
El fantasma de Vermeer de Delft que puede ser usado como mesa, Meditación sobre el arpa (iniciado en 1932) y Una impresión de velocidad (1934)
Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, Reminiscencia arqueológica del «Ángelus», de Millet y Caballero de la muerte (1935)
Canibalismo otoñal, Teléfono-langosta, Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil), Pareja con las cabezas llenas de nubes y dos obras tituladas Eco morfológico (1936)
Metamorfosis de Narciso, Cisnes reflejando elefantes, La jirafa ardiente, El sueño, El enigma de Hitler, Sofá de los labios de Mae West y Canibalismo en Otoño (1937)
El momento sublime, Impresiones de África y Afgano invisible con aparición sobre la playa del rostro de García Lorca en forma de frutero con tres higos (1938)
Shirley Temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo (1939)
El mercado de esclavos, con busto de Voltaire desapareciendo El rostro de la guerra (1940)
La miel es más dulce que la sangre (1941)
La poesía de América, Retrato del embajador Cárdenas, y Niño geopolítico observando el nacimiento del nuevo hombre (1943)
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar y Galarina (1944)
Rostros Ocultos (novela) (1944–48)
Mi esposa desnuda, Cesto de pan – Antes la muerte que la vergüenza, Fuente de leche derramada inútilmente en tres zapatos; ese mismo año, Dalí colaboró con Alfred Hitchcock en la secuencia del film Spellbound, para recíproca insatisfacción (1945)
La tentación de San Antonio (1946)
Los elefantes (1948)
Decorados y figurines (vestidos) de la obra Don Juan Tenorio de Zorrilla en el Teatro María Guerrero de Madrid, estrenada el 1 de noviembre de 194990
Leda atómica (1949)
La Madonna de Port Lligat (1950)
Cristo de San Juan de la Cruz y Cabeza rafaelesca explotando (1951)
Galatea de las esferas (1952)
Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala, Crucifixión, La desintegración de la persistencia de la memoria y Joven virgen autosodomizada por los cuernos de su propia castidad (1954)
La Última Cena, Eco solitario, carátula de un disco de Jackie Gleason (1955)
Naturaleza muerta en rápido movimiento, Rinoceronte vestido con puntillas (1956)
Santiago el Grande óleo sobre lienzo en exposición permanente en la Beaverbrook Art Gallery en Fredericton, NB, Canadá 1957.
Rosa meditativa (1958)
El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959)
Dalí inicia las obras en el Teatro-Museo Dalí. Pinta el Retrato de Juan de Pareja, ayudante de Velázquez. Figura humana en la forma de una nube (1960)
El retrato de mi hermano muerto (1963)
La apoteosis del dólar. Dalí dona un dibujo de la crucifixión (témpera, lápiz y tinta) para la prisión de Rikers Island de Nueva York. El dibujo estuvo colgado en el comedor del penal entre 1965 y 1981.,91
Dalí en New York (1965)
La pesca del atún (1967)
Crea el logotipo de Chupa Chups (1969)
El torero alucinógeno, adquirido en 1969 por A. Reynolds Morse y Eleanor R. Morse antes de ser terminado (1970)
La Toile Daligram (1972)
Dalí pintando a Gala por detrás y Le Diners De Gala, un libro de cocina profusamente ilustrado (1973)
Gala contemplando el Mediterráneo (1976)
La mano de Dalí retirando un toisón de oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy muy lejos, detrás del sol (pintura estereoscópica) (1977)
Dalí termina su última pintura, Cola de golondrina (1983)
Se estrena Destino, producción de dibujos animados creada a raíz de una colaboración en 1945 con Walt Disney (2003)

La mayor colección de obras de Dalí está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum, de San Petersburgo (Florida), que recibió la colección privada de A. Reynolds Morse y su mujer. Agrupa unas 1500 piezas de Dalí. Otras colecciones significativas se reparten entre el Museo Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París), o el Dalí Universe de Londres, que guardan una amplia colección de dibujos y esculturas.

La sala de exposición más singular de la obra daliniana fue la prisión de Rikers Island, en Nueva York: un boceto de una Crucifixión donada por el autor permaneció colgado durante 16 años en el comedor colectivo, antes de ser trasladado a las oficinas de la penitenciaría por su seguridad. El dibujo fue sustraído en 2003 y no ha vuelto a aparecer.

Una muestra del singular poder de la obra de Dalí para congregar a la gente la encontramos en las sucesivas retrospectivas de su obra que se han realizado en diversos museos europeos. Así, el Centro Pompidou de Francia atrajo en 1979 a más de 840 000 personas; y en la temporada 2012-2013 congregó a más de 790 000 visitantes durante los cinco meses que duró otra exposición similar.92 Estas dos antológicas ostentan el récord de visitantes a una exposición en el citado Centro Pompidou, seguidas por las de Matisse —1993, 734 896 visitantes— y la de Kandinski —2009, 702 905 visitantes—
En otra exposición en España, la retrospectiva «Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas» atrajo a lo largo del verano de 2013 a más de 730 000 personas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

Salvador Dalí mantuvo con el cine una intensa relación, de ello son muestra colaboraciones con Alfred Hitchcock, Walt Disney y Luis Buñuel. En su participación cinematográfica hay referentes de sus obras, tales como El asno podrido, Un chien andalou, El alma, La carretilla de carne y Babaouo. Colaboró con Buñuel en Un perro andaluz, donde se muestra plásticamente materializada la iconografía del El asno podrido con elementos como “la mierda, la sangre y la putrefacción”. Así, evoca imágenes surrealistas como la decepción, el desagrado y la repulsión. También realizó con Buñuel La edad de oro.

Poco después de sus colaboraciones con el director, publicó Babaouo donde reitera animales muertos o decapitados, de ojos vendados y un gran pan sobre la cabeza. Las macroestructuras y los elementos gigantescos son una constante de la plástica de Dalí, es decir, camas de quince metros con cipreses yacentes, cucharas gigantescas, grandísimas sábanas colgantes de las fachadas, etc. Estos elementos suelen ser recurrentes en numerosos guiones cinematográficos surrealistas.

Si la obra El alma se hubiera filmado habría sido un precedente al «film neo-místico» en la historia del cine español, con personajes como Santa Teresa y el gusano convertido en mariposa. También podemos ver su huella en una secuencia onírica que elaboró para Spellbound, dirigida por Alfred Hitchcock y que quedó fuera de la edición final por decisión de uno de los productores. Dalí es partícipe a su vez de la película de animación Destino de Walt Disney. Dispuso para este proyecto un centenar de dibujos, pinturas y guiones, aunque el film nunca fue estrenado. No obstante, se recreó en 2003 en la Tate Modern.

A pesar de que llevó a cabo pinturas, dibujos, guiones y algunos ensayos relacionados con la cinematografía, muchos de sus trabajos fueron una decepción para el autor, como expuso en su obra Dalí y el cine, en la que describió el séptimo arte como

Dalí en el cine

Jean-Christophe Averty & Robert Descharnes. Salvador Dalí, 1970.
Carlos Saura. Buñuel y la mesa del rey Salomón, 2001.
2009: Sin límites, de Paul Morrison, Robert Pattinson como Salvador Dalí.
2011: Midnight in Paris, de Woody Allen, Adrien Brody como Salvador Dalí.

Anécdotas

Dalí y Jean Cocteau habían ido a visitar el Museo del Prado. La visita de estos dos personajes concluyó en una rueda de prensa donde le preguntaron a Jean Cocteau: «Si se hubiera quemado el Museo del Prado, ¿qué hubiera salvado usted?». A lo cual Cocteau respondió: « ¡El fuego!». Entonces la pregunta fue repetida a Dalí. Después de fingir reflexionarlo un momento, el pintor catalán respondió eufóricamente: « ¡Pues Dalí salvaría el aire, y específicamente el aire contenido en Las Meninas, de Velázquez, que es el aire de mejor calidad que existe!». Ante esta respuesta, Cocteau hizo una reverencia en reconocimiento a la genialidad de Dalí.

Óscar Tusquets cuenta esta anécdota sustituyendo a Cocteau por André Malraux.
Dalí proclamaba que, para él, el valor del dinero era únicamente simbólico y místico. No sabía a cuanto ascendían sus cuentas bancarias y rara vez llevaba dinero en efectivo, todos sus gastos eran cargados a su cuenta.
En una ocasión, Dalí y Aristóteles Onassis tomaron un taxi en la ciudad de Nueva York. Al llegar a su destino debían pagar al taxista pero Onassis, al igual que Dalí, nunca cargaba dinero en efectivo consigo por lo cual tuvieron que regresar al hotel donde Dalí se hospedaba para que la administración del hotel les pagara el taxi.

Según Óscar Tusquets, en el taxi, Salvador Dalí iba acompañado por Paul Getty o por algún miembro de la familia Rockefeller en lugar de Onassis.