Monthly Archives: gener 2015

LUCRÈCIA / Joan Ramis i Ramis (del 18 de febrer al 15 de març de 2015) La Seca/Espai Brossa


Lucr__cia_2_web_456

LUCRÈCIA / Joan Ramis i Ramis

Sala
Leopoldo Fregoli

Dates
Del 18 de febrer al 15 de març de 2015

Sinopsi

L’acció de Lucrècia transcorre a casa de Col·latino, en un descans durant el setge d’Ardea per part dels romans. Tarquino, fill del rei de Roma, i Col·latino, militar a les seves ordres, parlen de les seves mullers i del seu eventual comportament quan ells són a la guerra. Col·latino afirma que la seva, Lucrècia, li és absolutament fidel i que pateix dia i nit per l’absència del marit. Decideixen comprovar-ho i Tarquino s’avança. Quan Lucrècia apareix, l’hereu del tron de Roma no només comprova com n’és de virtuosa i amant del seu marit, sinó que en queda fascinat d’una forma incontrolable. Tarquino cedeix a la seva passió i vol fer seva Lucrècia. Desplega totes les seves arts per aconseguir-ho: el poder reial, les promeses de matrimoni, les amenaces… Lucrècia es resisteix a totes elles fins que finalment Tarquino la viola per prendre-li, diu, allò que ella estima més que la seva vida: l’honor. Quan torna l’espòs, Lucrècia es mata amb un punyal per salvar l’honor perdut. Brutus, l’amic de Col·latino, escampa els esdeveniments com a prova de la tirania de Tarquino i provoca la revolta en favor de la República.

Sobre l’espectacle

Amb aquest espectacle, es vol difondre el patrimoni cultural de la literatura catalana. Joan Ramis és el màxim representant del que Jordi Carbonell ha anomenat “el període menorquí de la literatura catalana”, centrant-lo en la segona meitat del segle XVIII i primers anys del XIX. Les successives dominacions britàniques i una de francesa de l’illa de Menorca van tenir uns efectes polítics i socials que van propiciar un desenvolupament literari modest però` molt significatiu, especialment en comparació amb la resta dels països catalans, sotmesos com estaven a l’opressió lingüística dels regnats borbònics. Joan Ramis i tota una sèrie d’il·lustrats menorquins van mantenir el caliu del català literari amb un esperit molt conscient i resistent, exercint una meritòria funció de “custodis culturals” avui encara no prou reconeguda en aquest país ple de llacunes històriques sobre els fonaments de la seva identitat.

Fitxa artística

Direcció i dramatúrgia Sergi Marí

Repartiment
Queralt Albinyana, Enka Alonso, Rodo Gener, Blai Llopis, Xavier Núñez, Josep Mercadal, Àlvar Triay i Agnès Romeu

Producció executiva
Montserrat González

Escenografia i vestuari
Sergi Marí i Marga de la Llana

Assessorament pedagògic
Montserrat González

Assessorament filològic
Jaume Gomila

Audiovisuals
Anna Petrus i Blanca del Rey

Fotografia
Valentín Coira i Josep Miquel Vidal

Horaris i preus

Horaris De dimecres a dissabte a les 20.00 h. Diumenges a les 18.30 h.

Durada 1 hora i 30 minuts

Preu 15 €

CLOACA (estrena 13 de febrer 2015) Teatre Versus


CLOACA

21_Banner_LA_CLOACA_ok1

ESTRENA EL 13 DE FEBRER (2015)
Horari: De dijous a dissabte a les 20:30h.
Diumenge a les 18:00h.
Preu: 20€.
Espectacle en català. Autora: Maria Goos
Adaptació i Direcció: Roger Pera
Ajudant de Direcció: Jesús Milà

Pieter ……………….. Xavi Casan
Tom …………………. Miquel Sitjar
Jan ………………….. Ramón Godino
Marteen ……………. Pep Papell
Stripper ……………. Konstantina Titkova

Música: Xavi Malacara & Wilson Band

Producció: VERSUS TEATRE
Projecte: LA PRODUCTORA DESGRAVA

Sinopsi
Pieter és un funcionari públic de l’àrea cultural amb vint-i-dos anys de servei que viu una vida solitària i que el seu plaer principal és col·leccionar pintures descar­tades pels museus que gestiona el Ministeri. El conflicte es desencadena quan rep per sorpresa una trucada telefònica que li informa que aquestes pintures han adquirit un inesperat valor i ha de retornar-les.
Pieter, que entra en crisi, rep en aquest moment la visita desesperada de Jan, un polític ambiciós permanentment a l’espera d’un càrrec superior i amb un ma­trimoni que va a la deriva; Jan, en informar-se del problema del seu amic Pieter, genera una trobada amb Tom, un advocat desequilibrat per la seva suposada supe­rada drogoaddicció, perquè s’encarregui del cas.
El quartet es completa amb Marteen, un arrogant director teatral d’avantguarda, que es convertirà en el punt discordant del grup d’amics i marcarà un abans i un després en el transcurs de la història

FEBRER 2015 Inauguració del Museu de Cultures del Món de Barcelona.


Museu de Cultures del Món
Barcelona s’apropa a les cultures del món

missioiprojectetop_0

Nou Museu de Cultures del Món El Museu de Cultures del Món obrirà les portes a principis de l’any 2015. Allotjat a les cases Nadal i del Marquès de Llió del carrer de Montcada, mostrarà una part important dels 2.352 objectes d’art no occidental que componen la cessió que la Fundació Folch ha fet a l’Ajuntament de Barcelona per vint anys, juntament amb una selecció d’objectes procedents de les col·leccions no europees del Museu Etnològic de Barcelona i d’altres col·leccions destacades del país.

Missió del projecte

El Museu de Cultures del Món té com a missió principal la preservació, presentació i difusió del patrimoni artístic i cultural de diverses cultures d’Àfrica, Àsia, Amèrica i Oceania.
Mostra la diversitat cultural mitjançant l’experiència artística dels pobles des d’una perspectiva pluridisciplinària i

Projecte expositiu

El Museu és una plataforma de difusió i projecció social del patrimoni artístic i del coneixement d’altres cultures no occidentals del món. Per aquest motiu, la proposta museogràfica és aconseguir l’equilibri entre la presentació dels objectes posant en relleu les seves qualitats estètiques, i alhora oferir una dimensió didàctica que faciliti la comprensió de la realitat multicultural que recull.
L’exposició permanent del Museu també presentarà obres procedents de la Fundació Arqueològica Clos i la Col·lecció Arqueològica Duran Vall-llosera i altres col·leccions particulars. En aquest sentit, és voluntat expressa del Museu de Cultures del Món mantenir un diàleg permanent amb el col·leccionisme privat amb vocació de projecció pública i social.

Una plataforma de difusió i projecció social del patrimoni artístic i del coneixement d’altres cultures no occidentals del món.

Exposició permanent

L’exposició permanent del Museu de Cultures del Món proposarà al visitant un viatge per Àfrica, Àsia, Amèrica i Oceania; un viatge en el temps i en l’espai que permetrà descobrir i aproximar-se a un extens nombre de cultures a través d’algunes de les seves formes artístiques més sobresortints. Aquest recorregut anirà acompanyat no només de l’exposició de les peces més rellevants dels fons del Museu i d’aquelles provinents dels acords assolits amb altres col·leccions, sinó també d’un seguit de recursos complementaris, de context i d’aprofundiment, que faran aflorar part del ric fons gràfic, fílmic i documental del Museu Etnològic de Barcelona i la Fundació Folch.

Àfrica La visita a l’exposició permanent s’iniciarà a la planta baixa amb l’àmbit dedicat a l’Àfrica, on es presentarà l’art dels fang de Guinea Equatorial i l’art de l’antic regne de Benín.

La visita continuarà amb una aproximació a les arts de l’Àfrica occidental i central a través de l’estatuària cerimonial i les màscares, de tal manera que el visitant descobrirà diverses formes artístiques dels pobles dels pobles ioruba, senufo, baulé, bembé i songye, entre d’altres. Per mitjà d’aquestes formes, el visitant s’aproximarà als simbolismes i usos rituals de peces tan diverses com figures reliquiari o les destinades al culte de divinitats tutelars, a la fertilitat o als esperits. L’apropament a les arts i cultures africanes clourà amb Etiòpia, un dels grans bressols | 15

Oceania

Tot seguit, la visita continuarà a la primera planta de les cases Nadal i del Marquès de Llió, on s’exposen les peces d’Oceania i Àsia. L’inici del recorregut a la primera planta s’iniciarà a les sales d’Oceania amb les arts de Nova Guinea i els seus entorns més immediats. Un dels eixos principals girarà a l’entorn de la casa dels homes de l’àrea del riu Sepik, per bé que la diversitat de peces permetrà mostrar-ne altres aspectes artístics i culturals, com ara les cerimònies d’iniciació dels abelam, les cerimònies funeràries dels asmat, les màscares o, més específicament, les antigues escultures de les coves del riu Karawari. Les sales d’Oceania clouran amb una breu aproximació als rituals i la pintura sobre escorça d’Austràlia i les arts de la Polinèsia.

Àsia

L’àrea corresponent a l’Àsia s’iniciarà amb dues sales dedicades a les Filipines i Indonèsia, respectivament. La primera se centrarà en les formes artístiques dels pobles que habiten les muntanyes del nord de l’illa de Luzon, per bé que sense oblidar altres grups culturals de Palawan i Mindanao. La riquesa cultural d’Indonèsia serà l’espai de transició entre Oceania i Àsia i s’hi presentarà tant l’art màgico-religiós de l’arxipèlag, a través dels batak, toraja i dayak, com la joieria a les illes Nias i Sumba.

L’Índia,

amb dues sales, esdevindrà un dels espais centrals de l’àrea asiàtica i servirà per introduir l’hinduisme i les seves arts centrant la mirada en les representacions escultòriques de Viṣṇu i Śiva, des del segle V fins al segle XVI, com també altres escultures i elements arquitectònics dels segles XVII, XVIII i XIX. Alhora, s’oferirà una breu aproximació al jainisme i als inicis del budisme a l’Índia, per continuar amb dues sales més dedicades al Nepal i al Nuristan.

L’Índia

donarà igualment accés a un espai específic dedicat a l’excepcional art de Gandhara, el qual permetrà aproximar el visitant tant a l’expansió del budisme per l’Àsia Central com, de manera específica, a l’art greco-budista dels segles II–IV dC. El recorregut continuarà amb un espai dedicat a l’art del Tibet, la seva imatgeria i les pràctiques religioses, i acabarà amb dues últimes sales destinades a l’expansió del budisme a Tailàndia i a Birmània, on es podran veure escultures i elements arquitectònics de diversos regnes del sud-est asiàtic.

La visita a l’Àsia continuarà a la segona planta del Museu, amb un àmbit específic format per tres sales dedicades al Japó, la Xina i Corea. Així, el visitant tindrà accés als fons japonesos del Museu, des de la ceràmica del període Kofun fins a l’art de l’estampa ukiyo-e, seguit d’una aproximació a la Xina i de l’evolució específica de la ceràmica coreana, des de l’edat dels metalls fins a la dinastia Yi, de la Col·lecció Arqueològica Duran Vall-llosera.

Amèrica

La visita al Museu clourà amb un recorregut per sis sales dedicades a l’Amèrica precolombina. En aquest cas, la visita s’iniciarà a Mesoamèrica, amb les figures funeràries de ceràmica procedents de tombes de Jalisco, Colima i Nayarit, així com també amb elements de la cultura del centre de Veracruz i les màscares de Mezcala.
L’espai de Mesoamèrica inclourà dos subàmbits més, un dedicat a la cultura maia i l’altre al joc de la pilota, mentre que l’ Amèrica Central quedarà representada a través d’una sala amb ceràmiques de la Gran Nicoya i del Vessant Atlàntic – Terres Altes de Costa Rica. El recorregut clourà amb una aproximació a les arts de les cultures precolombines de l’àrea andina, començant per les figuretes de Valdívia del 3000–2000 aC i acabant amb l’imperi inca. Això permetrà descobrir la riquesa de la ceràmica de les cultures de les valls del Nazca i Moche, com també les cultures de bahia, jama-coaque, manteña, recuay, chimú i chancay, a través de la seva ceràmica i també mitjançant peces destacades d’orfebreria i tèxtils.

Col·laboradors i assessors

El procés de desenvolupament dels continguts del nou Museu de Cultures del Món s’ha fonamentat en les aportacions d’especialistes que han fet estudis i valoracions de les peces de les col·leccions a partir dels quals s’ha concretat el discurs museogràfic que es presentarà a l’exposició permanent.
El Museu també ha establert contacte amb especialistes que assessoren sobre aspectes concrets del contingut de l’exposició i hi participen amb aportacions textuals. En aquest sentit, actualment el Museu de Cultures del Món manté relació amb:

• Dr. Luís Abejez García. Especialista independent (art de la baixa Amèrica Central) • Dr. Naman P. Ahuja. Universitat Jawaharlal Nehru, Nova Delhi (escultura de la Índia i de Gandhara) • Dr. Nalini Balbir. Universitat de la Sorbonne – Paris 3. Professora d’Indologia (transcripcions índies) • Dr. Ewa Balicka-Witakowska. Universitat d’Uppsala. Departament d’estudis lingüístics i filològics bizantins (art etíop) • Dra. Ariadna Baulenas i Pubill. Universitat Rovira i Virgili. Investigadora del Seminari de Topografia Antiga (art precolombí) • Bernadette Broeskamp, Universitat de Bonn. Departament d’Àsia i l’Islam, Història de l’Art, Institut d’estudis orientals i asiàtics (art del Tibet) • Dr. Ricard Bru. Especialista en art japonès i coordinador de continguts del Museu de Cultures del Món de Barcelona. • Dr. Johanna Buss. Universitat de Viena. Departament d’estudis sud-asiàtics, tibetans i budistes (Hinduisme) • Dr. Pierre Cambon. Musée Guimet (París). Conservador d’art de Corea i de l’Afganistan (art coreà i del Nuristan).
• Albert Costa i Romero de Tejada, Barcelona (art africà) • Dra. Jasleen Dhamija. Especialista independent (joieria índia) • Dr. Eusebio Dizón, Universitat de les Filipines. Programa d’Estudis Arqueològics (art prehistòric de Filipines) • Dr. Henry J. Drewal. Universitat de Wisconsin- Madison. Departament d’Història de l’Art (art ioruba) • Dra. Anna Filigenzi. Directora de la Missió Arqueològica italiana a l’Afganistan (IsIAO/UNO) i professora a la Universitat “l’Orientale” de Nàpols (art de Gandhara) • Yvonne Fleitman. Museu d’Israel, Jerusalem. Conservadora Benjamin Weiss d’Art d’Amèrica de l’Ala de Belles Arts Edmon and Lily Safra (art de mesoamèrica i Andes Centrals) • Dr. Erika Forte, Universitat de Viena. Departament d’Història de l’Art (art budista i arqueologia d’Àsia central i oriental i Xina) • Marion Frenger, especialista independent (sud-est asiàtic).
• Dr. Niels Gutschow. Universitat de Heidelberg, Professor emèrit (aquitectura d’Índia i Nepal) • Regina Höfer, Institut d’estudis orientals i asiàtics, Departament d’Àsia i l’Islam, Història de l’Art Universitat de Bonn (art de la Índia) • Dr. Jyotindra Jain. Universitat Jawaharlal Nehru, Nova Delhi (escultura popular d’Orissa, sud Índia i Rajasthan) • Dr. Joachim G. Karsten. Universitat de Bonn (art del Tibet) • Andrea Loseries, especialista independent (pràctiques religioses al Tibet) • Elena Martínez-Jacquet, Directora de la Fundació La Fontana (art africà) • Dr. Ramiro Matos, Smithsonian Institution – National Museum of the American Indian (Washington). Conservador per a l’Amèrica Llatina (cultures andines) • Dr. Alexander von Rospatt, Universitat de Berkeley. Departament d’estudis del Sud i Sud-Est Asiàtic, (Art Budista a Nepal). • Dorit Shafir. Museu d’Israel, Jerusalem. Conservadora d’art d’Àfrica i Oceania de l’Ala de Belles Arts Edmon i Lily Safra (art africà)
• Dra. Victòria Solanilla. Universitat Autònoma de Barcelona, Departament d’Art i Musicologia. (Art Precolombí). • Dra. M. Dolors Soriano. Ex conservadora del Museu Etnològic de Barcelona (art oceànic i d’Austràlia). • Alban von Stockhausen, Universitat de Viena. Departament d’estudis sud-asiàtics, tibetans i budistes • Dr. Helmut Tauscher. Universitat de Viena. Facultat d’estudis filològics i culturals, Departament d’estudis del Sud-Est Asiàtic, Tibet i Budisme • Dr. Nicholas Thomas. Universitat de Cambridge, Professor d’Antropologia Històrica i Director del Museu d’Arqueologia i Antropologia de la Universitat de Cambridge (art d’Oceania i Austràlia) • Dr. Yamamoto Tsutomu, professor del Departament d’Història de la Cultura de la Universitat Seisen Joshi (escultura japonesa). • Dr. Verena Widorn, Universitat de Viena. Departament d’Història de l’Art (art de l’Himàlaia)

Exposicions complementàries

Als espais de lliure accés de la planta baixa es mostraran diverses presentacions de petit format que aprofundiran sobre la història de les col·leccions i el perfil humà i científic dels seus creadors, Albert Folch, August Panyella i Eudald Serra.

Una altra exposició tractarà sobre el valor arquitectònic i històric dels edificis que acullen el Museu: les cases del marquès de Llió i Nadal. En diferents llocs de l’edifici se senyalitzaran els elements arquitectònics més destacats i rellevants.

També es farà referència a la dimensió urbana i social del carrer de Montcada, com a exponent del dinamisme econòmic i social de la Barcelona medieval, però també de la moderna i contemporània.
Per últim i també als espais de lliure accés es presentaran exposicions de curta durada i de petit format per destacar alguna peça o conjunt de peces en especial o per establir diàlegs entre peces de les col·leccions del Museu i peces d’altres museus.

Exposicions temporals

El programa d’exposicions temporals complementarà el discurs estable del Museu amb propostes per desenvolupar temes transversals i per mostrar les diverses maneres d’expressar arquetips universals per mitjà de diferents expressions culturals, incloent l’europea o occidental .

«Escriptures» és la primera exposició temporal que presentarà el MCM.
Comissariada pel Dr. Miguel Peyró, especialista en lingüística, proposarà un recorregut a través de les cultures del món per presentar les varietats, els usos i els múltiples desenvolupaments d’aquest mitjà de comunicació, sense el qual serien impensables les nostres societats contemporànies. Les escriptures han tingut gènesis i evolucions particulars en els diferents pobles del planeta, d’acord amb les llengües i les cultures per a les quals van ser creades.
Nascuts originalment com a instruments per a la conservació i la difusió de la paraula, en les diferents cultures els textos escrits han arribat a esdevenir autèntics referents simbòlics que evoquen les diferències socials internes i externes, les claus identitàries i les aspiracions col·lectives de les comunitats que les fan servir.
L’exposició mostra com les escriptures són, més enllà de simples eines gràfiques per a la difusió d’informació, substitutòries del llenguatge parlat, representacions complexes i reveladores de les diferents societats que les utilitzen.

Activitats educatives

El Museu de Cultures del Món oferirà un programa d’activitats educatives i formatives al voltant dels seus continguts. La programació d’activitat atendrà les necessitats i interessos de diferents sectors que s’identifiquen principalment amb el públic familiar, escolar, general i especialitzat.
La vocació didàctica del Museu de Cultures del Món es materialitzarà en una aposta didàctica i formativa amb una especial atenció al públic escolar. La freqüentació d’aquest públic, que representa un percentatge molt important del total de vistes dels museus, esdevé un reclam posterior per a visites futures de caràcter familiar, un altre dels sectors de públic d’especial atenció pel Museu. Per últim, s’oferirà un programa d’activitats i cursos de formació relacionats amb els àmbits de contingut desenvolupats al museu. Una programació adreçada al públic interessat en aprofundir en el coneixement de les diverses cultures presents al museu des de diferents disciplines i perspectives. El museu també oferirà activitats pensades pel temps de lleure, per a infants; activitats especials per als períodes de vacances o caps de setmana.

Per a públic adult en la línia d’activitats relacionades amb experiències que permetin el vincle amb aspectes importants de les cultures presents al museu com la gastronomia, les llengües, la literatura, la música o el teatre.

L’origen de les col·leccions

Una història que ve de lluny El 1949 l’Ajuntament de Barcelona va inaugurar el Museo Etnológico y Colonial de Barcelona amb August Panyella com a director. Els fons d’aquest primer museu procedien dels dipòsits de la Junta de Museus de Barcelona de 1949 i de les seccions d’Etnologia del Museu Arqueològic de Catalunya i del Museu Martorell així com la col·lecció de 165 objectes de Guinea Equatorial adquirits pel Dr. Pere Bosch Gimpera, una col·lecció d’objectes de Filipines procedents de la Primera Exposició Universal celebrada a Barcelona l’any 1888, i objectes adquirits directament per Carreras i altres membres de l’Acadèmia de Ciències de Barcelona. Un cop inaugurat, les col·leccions es van nodrir fonamentalment de les campanyes d’expedicions etnogràfiques realitzades pel Museu a càrrec dels pressupostos de l’Ajuntament de Barcelona fins al 1976.

Des dels anys cinquanta, Albert Folch havia reunit una important col·lecció d’art aplegada durant els seus viatges per diferents indrets del món i per adquisicions a les principals galeries d’art internacionals. A partir de l’any 1975 es va crear la Fundació Folch per gestionar la col·lecció i per promoure l’estudi i la divulgació de les cultures que hi són representades. Els fons van ser reunits per Folch en col·laboració amb Eudald Serra, que es va encarregar de l’assessorament referent als objectes i les adquisicions. Folch també va sufragar parcialment algunes de les expedicions del Museu Etnològic i una part dels objectes van passar a formar part dels fons del Museu. La fundació va promoure diverses exposicions i publicacions d’obres especialitzades sobre art no europeu.

Les persones

El Museu de Cultures del Món fa palesa la tasca realitzada per les persones que han tingut un paper destacat en la creació de les col·leccions i en el coneixement de les cultures presents a les seves sales.
Albert Folch i Rusiñol (1922-1988) químic i empresari. Juntament amb la seva esposa, Margarita Corachán, va realitzar diversos viatges a Amèrica Llatina per tal de conèixer Veneçuela, país natal d’ella, i per l’atracció d’efectuar una travessa pels Andes. Va conèixer August Panyella i Eudald Serra, als quals els va unir una profunda amistat i van iniciar una col·laboració que durà tota la vida.
Va sufragar parcialment algunes de les expedicions del Museu Etnològic de Barcelona i una part dels objectes adquirits durant els seus viatges (4.000) van ser cedits al museu, passant a formar part dels seus fons. Per la seva contribució a la cultura l’Ajuntament de Barcelona li va atorgar la medalla d’or al Mèrit Científic i el 1985 la Generalitat de Catalunya la Creu de Sant Jordi.

August Panyella i Gómez, (1921- 1999) historiador i etnòleg. Primer director i impulsor del Museu Etnològic de Barcelona. El 1949 es va inaugurar el Museo Etnológico y Colonial. Junt amb la seva esposa Zeferina Amil, va dirigir i procurar l’augment de les col·leccions amb fons procedents de les successives campanyes promogudes pel museu. Va organitzar i participar en nombroses expedicions a diferents indrets del món junt amb Jordi Sabater, Eudald Serra o amb ells i Albert Folch, als quals l’unia una gran amistat, incorporant fins el 1973 més de 10.000 objectes al fons fundacional del museu.
Eudald Serra i Güell, (1911-2002) escultor i etnòleg. Important escultor surrealista, va formar part de l’avantguarda artística catalana de postguerra amb el grup ADLAN. El seu interès per les cultures es va iniciar durant el viatge a l’illa d’Hokkaidō el 1947 treballant per l’exèrcit dels Estats Units, quan va iniciar el modelat de busts dels habitants originaris del territori, que ell va definir com a antropologia plàstica, activitat que va ser una constant en tots els seus viatges.
Va col·laborar amb el museu participant en diverses expedicions i en viatges de prospecció durant les quals va adquirir objectes per als fons del museu. En les expedicions organitzades per Folch es va ocupar de la preparació i programació, així com de la selecció i la compra dels objectes.
Es va dedicar també a la docència, activitat que va deixar a l’esdevenir conservador responsable de les col·leccions d’Albert Folch.

La casa Nadal

Una casa amb retrats a les finestres L’actual casa Nadal és un casal residencial de planta baixa i dos pisos, resultat de la unió de dos edificis del segle XIV, que Jeroni Nadal va convertir en un de sol a partir de 1637. La seva família el va posseir fins al darrer terç del segle XVIII i li va donar el nom que l’identifica actualment. L’estructura de l’edifici principal correspon a la tipologia de casa medieval, amb pati central amb galeria d’arcs apuntats a la primera planta, façana amb torre originàriament a l’extrem dret i una galeria coberta sostinguda per columnes (solana) al pis superior. No disposa, però, d’escala noble d’accés al primer pis.
L’edifici actual és el resultat de diverses reformes i afegits. A finals del segle XV i durant el segle XVI s’hi van afegir finestres, entre les quals destaca la situada a la planta baixa de la façana, decorada amb el bust d’un home i el d’una dona, suposadament retrats del mercader que va adquirir la casa el 1546 i la seva esposa.
A partir de 1789 s’hi van incorporar l’actual portada d’accés i els balcons del primer pis. Possiblement, uns anys abans s’havia eliminat l’escala noble del pati.
Com altres edificis, al segle XIX va ser modificat per transformar-lo en casa de veïns, i s’hi van establir diferents entitats, com ara societats recreatives, excursionistes i socials. L’Ajuntament de Barcelona el va expropiar el 1967 i el 1971 en va iniciar les obres, que van implicar grans modificacions de l’edifici
principal, que conservava gran part de la façana amb l’aspecte original. Aquesta intervenció va ampliar la galeria de solana, ja que es va eliminar la torre original i es van modificar algunes obertures; així mateix, entre altres actuacions, es va incorporar la galeria de la primera planta del pati principal. Des de 1997 fins a l’any 2010 va allotjar el Museu Barbier-Mueller d’Art Precolombí de Barcelona.

La casa del Marquès de Llió

Una casa amb embigats medievals policromats La casa Móra, o del Marqués de Llió, és un gran casal residencial originàriament de la segona meitat del segle XIII, amb façanes a dos carrers i un xamfrà a la confluència d’aquests; la façana principal és la del carrer de Montcada. El 1705 la finca va ser adquirida pel pare del primer marquès de Llió, del qual pren el nom actual. Resultat de la unió de tres edificis, presenta planta baixa i dos pisos, excepte a la façana principal, que incorpora una torre un pis més alta.

Malgrat les successives reformes, l’edifici principal conserva l’estructura original de casal construït entre mitgeres, amb cos rectangular i torre en un extrem, que s’organitza al voltant d’un pati central des del qual s’accedeix a la primera planta per l’escala noble. Originàriament tenia un pati de dimensions més grans amb un pòrtic amb arcs de mig punt, que a la segona meitat del segle XIV va ser reformat, i a la planta superior, una galeria coberta (solana) sostinguda per petits pilars a la façana exterior i arcades a l’interior. En dues sales del primer pis es conserva un important conjunt d’embigats medievals policromats del segle XIV, únics a Barcelona, de gran qualitat artística i històrica, atès que mostren el programa de les residències privades de la ciutat durant el període.

Al segle XVI s’hi van afegir algunes finestres i, durant aquest segle i el següent, es va ampliar l’edifici mitjançant diverses compres que van permetre d’afegir-hi els cossos lateral i posterior. Possiblement també s’hi van dur a terme importants obres d’adequació. A la segona meitat del segle XVII, entre les actuacions que s’hi van fer, es van obrir els balcons de la façana. Després de l’adquisició de 1705, es va remodelar completament: s’hi va construir l’escala noble del pati i els balcons actuals, així com també el frontis aixamfranat de l’angle dels dos carrers i el portal d’entrada. Posteriorment va ser seu de la Reial Acadèmia de Bones Lletres i, durant molts anys, seu de l’Ateneu Obrer. Adquirit per l’Ajuntament de Barcelona el 1955, s’hi van efectuar obres de 1955 a 1959 i de 1964 a 1969, durant les quals es van recuperar elements originals i se n’hi van afegir d’altres. De 1982 a 2008 va ser seu del Museu Tèxtil i d’Indumentària i posteriorment, fins al 2012, del Disseny Hub Barcelona (DHUB).

THOMAS NOONE DANCEMedea (del 6 al 8 i de l’11 al 15 de febrer) Mercat de les Flors


Del 6 al 8 i de l’11 al 15 de febrer

THOMAS NOONE DANCEMedea

ThomasNoon790x490-2-790x490

La Medea d’Eurípides és una de les històries de traïció més dramàtiques mai escrites. En la versió del mite que recrea Thomas Noone som testimonis de l’amor i el desamor, l’admiració i el menyspreu; veiem com els personatges competeixen entre ells a través de l’ús d’una dansa rica, complexa i molt física que ofereix un contrast entre un elevat dinamisme i moments d’exquisida fragilitat i intimitat.

Els intèrprets teixeixen la seva pròpia realitat. Com a espectadors veiem les nostres debilitats en un mirall, exposades pels personatges que fereixen i són ferits. La destresa i vigor dels ballarins es potencien gràcies a una banda sonora electrònica enriquida amb influències urbanes contemporànies.

Thomas Noone és un coreògraf que imprimeix a les seves creacions un estil físic i atlètic. Treballa amb la seva pròpia companyia a Barcelona des de 2001 (resident del teatre SAT! des de 2005). També treballa com a coreògraf convidat per a companyies internacionals com ara Norrdans (Suècia), Ballet du Rhin (França), Company E (Washington) o Stopgap (Gran Bretanya).

És director artístic del festival Dansat des de 2006 i assessor de dansa de la programació regular del SAT!. Ha organitzat per al teatre activitats addicionals de caràcter internacional (Grec, Aerowaves) i la setmana de la dansa integrada des de 2009. L’any 2011 va rebre el Premi Ciutat de Barcelona.

Coreografia i dirección Thomas Noone
Ajudant direcció Nuria Martínez
Ballarins Javier G. Arozena, Alba Barral, Jerónimo Forteza, Erik Regoli, Karolina Szymura, Eleonora Tirabassi
Composició musical Jim Pinchen
Il·luminació Peter Lundin
Disseny gràfic Eusebio López
Producció Sara Esteller
Fotografia Manu Lozano

Coproducció Mercat de les Flors, Thomas Noone Dance
Companyia subvencionada per l’Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona ICUB, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, INAEM, Ramon Llull. Companyia resident al SAT! Teatre
Agraïments especials a l’Auditori de Cornellà i el Centre Cultural de Terrassa

Instal·lacions lumíniques i cultura popular ompliran el centre de Barcelona durant les festes de Santa Eulàlia (del 6 al 12 de febrer)


Instal·lacions lumíniques i cultura popular ompliran el centre de Barcelona durant les festes de Santa Eulàlia

E_Teixintelpassat

Barcelona celebra la festa major d’hivern del 6 al 12 de febrer amb un programa d’actes tradicionals en honor a Santa Eulàlia. Enguany es podrà veure el seguici festiu de Manresa, que participarà a la festa com a ciutat convidada

Per quart any consecutiu, i en el marc de la festa, també tindrà lloc el festival LLUM BCN, que durant tres dies omplirà patis i places de Ciutat Vella amb una vintena d’instal·lacions lumíniques creades per escoles i professionals del disseny

Del 6 al 12 de febrer Barcelona celebra la festa major d’hivern en honor a la seva copatrona, Santa Eulàlia. Una festa que en les darreres edicions suma tradició amb noves formes d’expressió que transformem el centre de la ciutat amb el llenguatge de la llum. Així, al calendari d’activitats de les festes de Santa Eulàlia, marcat pels actes de cultura popular i tradicional s’hi suma el festival LLUM BCN.

LLUM BCN

Al festival, que enguany celebra la quarta edició, la llum esdevindrà la matèria primera de les vint instal·lacions lumíniques que transformaran la fesomia d’edificis emblemàtics i patis de Ciutat Vella.

L’edició d’enguany coincideix amb la declaració del 2015 com a any Internacional de la Llum per part de les Nacions Unides. Per aquest motiu, l’Ajuntament de Barcelona i l’ICFO-Institut de Ciències Fotòniques, organitzen l’esdeveniment que marca el punt de partida d’un any ple d’activitats, que consistirà amb un pregó de l’arquitecta Benedetta Tagliabue el divendres 6 de febrer, a les 19 h, al Saló de Cròniques de l’Ajuntament, i a continuació, a les 20.15 h, a la plaça de Sant Jaume, la Colla Jove de Barcelona i els Castellers de Badalona oferiran una actuació on els castellers estaran il·luminats. Amb aquest esdeveniment es vol fer visible la importància de la fotònica en una ciutat que concentra gran part de l’excel·lència en recerca i innovació del país.

El divendres 6 i dissabte 7 febrer, de 18.30 a 24 h, i el diumenge 8 de 18.30 a 23 h, es podran veure una vintena d’instal·lacions lumíniques al cor de Ciutat Vella creades per alumnes i escoles de disseny, il·luminació, arquitectura o interiorisme de Barcelona, i amb la col·laboració de l’Institut de Ciències Fotòniques (ICFO ) i l’Associació Professional de Dissenyadors d’Il·luminació (APDI) entre d’altres entitats i artistes de reconegut prestigi.

Entre ells, una dotzena de patis transformatssantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/patis> de palaus i edificis del centre de la ciutat:

ESPAI

INSTAL·LACIÓ

ESCOLA

Palau Bru – Seu SGAE (Pg. Colom, 6)

Batec de llum

Elisava

Palau Sessa-Larrard (c. Ample, 28)

Tempus fugit

UPC. Master Lighting Design. Disseny d’il·luminació Arquitectònica

Pati Llimona (c. Regomir, 5)

Llum d’aigua

UPC-CCCB. Postgrau de Disseny d’Interiors

Baixada de Vialdecols, 5

Teixint el passat

LLOTJA. Escola Superior de Disseny i Art

Palau Centelles (Baixada de Sant Miquel, 6-8)

Impluvium

LA SALLE

Casa Padellàs MUHBA (c. del Veguer, 2-4)

Fragmentació

BAU. Centre Universitari de Disseny de Barcelona

Arxiu de la Corona d’Aragó. Palau del Lloctinent (c. dels Comtes, 5)

Light Work

ICFO. Institut de Ciències Fotòniques

Porxo del Saló del Tinell (pl. Sant Iu, 5-6)

Neu morta

Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB)

Verger Museu Frederic Marès (pl. Sant Iu, 5-6)

Verger i oracle

Escola Superior d’Art Dramàtic (ESAD)

Casa de l’Ardiaca (c. Santa Llúcia, 1)

Pluja de llum

IAAC. Institute for Advanced Architecture of Catalonia

Palau Moja (c. Portaferrissa, 1)

Un sopar èpic

EINA. Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona (UAB)

Ateneu Barcelonès. Palau Savassona (c. Canuda, 6)

Xarxa de llum

IED. Instituto Europeo di Design

Per poder visitar-los es proposen tres itinerarissantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/itineraris> diferents: mar, catedral i rambla. Cada un d’aquests recorreguts estarà senyalitzat amb llums de diferent color i guiarà els visitants per tots els patis il·luminats.

En paral·lel als recorreguts pels patis dels edificis, LLUM BCN també proposa instal·lacions artístiquessantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/espectacles-places> a diferents places de Ciutat Vella.

ESPAI

INSTAL·LACIÓ

CREADORS

Plaça de la Mercè

Neptú

Jordi Teixidó i Eyesberg Studio

Plaça de Sant Just

Som una font

Jordi Teixidó

Plaça del Rei

Suspès

David Sarsanedas. PlayMID

Pla de la Seu

Un cavall que només és galop/ M. Supercube

Rémi Brun. Mocaplab

Plaça de Sant Felip Neri

Sortint de la foscor

David López. EDL Creative Water

Plaça de la Vila de Madrid

Ignis fatuus

SLIDEMEDIA LAB

Com en edicions anterior, les projeccions a les façanes tornen a ser protagonistes durant les nits de festa. Així la façana de l’Ajuntament de Barcelona projectarà Barcekholm, el mapping que es va poder veure durant la Mercè 2014, i Trets de llum, cinc càpsules audiovisuals creades per alumnes d’ELISAVA. A La Pedrera es tornarà a projectar La Pedrera, emocions en moviment, una coreografia que es va crear amb motiu del centenari de l’edifici en la qual vuit ballarins en viu interactuen amb les projeccions en vídeo sobre la façana.

Actes de cultura popular i tradicional a les festes de Santa Eulàlia

Al febrer, gegants, capgrossos, dracs, diables, àligues, castellers, colles sardanistes i altres expressions de cultura popular i tradicional es desperten per celebrar la Festa Major d’Hivern, una tradició que compta amb segles d’història.

Enguany hi participa el seguici festiu de Manresa, la ciutat convidada. Durant la festa també es presentarà la colla Ball de Bastons de Barcelona, una formació creada amb membres de les colles bastoneres de Barcelona perquè tota la ciutat pugui estar representada en un sol conjunt bastoner en ocasions especials. Una altra novetat és la reproducció de la bandera de Santa Eulàlia que l’associació de recreació històrica La Coronela de Barcelona ha confeccionat i que oferirà a la ciutat.

A aquestes novetats, s’hi afegeixen els actes que marca el protocol festiu de la ciutat, com el Ball de l’Àliga, la col·locació del penó, la passejada de les Laies, la jornada castellera o el correfoc, entre altres.

Institut de Cultura de Barcelona

Elvis Presley (Tupelo, Misisipi, 8 de enero de 1935 – Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977)


Elvis Presley

ElvisPresley

Elvis Aaron Presleynota1 (Tupelo, Misisipi, 8 de enero de 1935 – Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977) fue un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como «el Rey del rock and roll» o simplemente «el Rey».

Nació en Tupelo, Mississipi, pero cuando tenía 13 años se mudó junto a su familia a Memphis, Tennessee donde, en 1954, comenzó su carrera artística cuando Sam Phillips, el dueño de Sun Records, vio en él la manera de expandir la música afroamericana. Acompañado por el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black, fue uno de los creadores del rockabilly, un estilo de tempo rápido impulsado por un constante ritmo que consiste en una fusión de música country y rhythm and blues.

Tras llegar a un acuerdo con el que fue su apoderado durante casi dos décadas, el coronel Tom Parker, la compañía discográfica RCA Records consiguió un contrato para difundir su música. El primer sencillo con esta empresa, «Heartbreak Hotel», publicado en enero de 1956, se convirtió en un éxito número uno. Pronto, tras sus apariciones en los medios, se convirtió en la figura principal del popular sonido del rock and roll, con una serie de presentaciones televisivas y éxitos que llegaron a la cima de las listas de ventas. Sus interpretaciones llenas de energía, sobre todo de canciones afroamericanas y su estilo desinhibido lo hicieron enormemente popular y controvertido. Meses después, en noviembre de ese mismo año, llevó a cabo su debut cinematográfico con la película Love Me Tender.

Reclutado para el servicio militar en 1958, reanudó su carrera artística dos años más tarde, llegando parte de su material a alcanzar mayor éxito comercial desde entonces. Dio pocos conciertos, sin embargo, en la década de los 60, guiado por Parker, procedió a dedicarse a filmar películas para Hollywood y bandas sonoras. En 1968, tras siete años alejado de los escenarios, volvió a realizar presentaciones en directo en un especial de televisión que dio lugar a una amplia serie de conciertos en Las Vegas y también a varias giras musicales.

En 1973, protagonizó el primer concierto teletransmitido, de ámbito mundial vía satélite, Aloha from Hawaii, visto aproximadamente por 1.500 millones de personas. Finalmente, el consumo excesivo de medicamentos prescritos comprometió gravemente su salud, hasta que en 1977 murió súbitamente a la edad de 42 años.

Presley es considerado como una de las figuras más importantes de la cultura popular del siglo XX. Tenía una voz versátil y un inusual éxito en muchos géneros, entre ellos el country, el pop, las baladas, el gospel y el blues. Asimismo, se trata del solista con más ventas en la historia de la música popular. Nominado a 14 premios Grammy, ganó tres y recibió uno en la categoría a la carrera artística a la edad de 36 años, además de figurar en diversos salones de la fama musicales.

.
Elvis Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, Mississipi. Sus padres eran Vernon Elvis Presley (en ese momento, de 18 años de edad) y Gladys Love Presley (nacida Smith, de 22 años de edad). En su shotgun house de dos habitaciones, construida por su padre antes de su nacimiento. Jesse Garon Presley, su hermano gemelo, nació muerto 35 minutos antes que él. Como hijo único, estableció una relación fuerte con sus padres, especialmente con su madre. La familia solía asistír a la Asamblea de Dios, una iglesia del movimiento protestante, donde halló su primera inspiración musical.

La ascendencia de Presley es una mezcla del oeste europeo: del lado de su madre, era escocés e irlandés, con algo de franco-normando; además, una de las tatarabuelas de Gladys era cheroqui. nota 2 Los antepasados de su padre tenían origen escocés y alemán.18 19 Gladys era considerada por parientes y amigos como el miembro dominante de la pequeña familia. Vernon pasaba de un trabajo excéntrico a otro, muestra de su escasa ambición.20 21 La familia dependía normalmente de la ayuda de vecinos y del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de que se hallara a Vernon culpable de alterar un cheque escrito por el dueño del terreno, hecho que le costó ocho meses de prisión, por lo que Elvis y Gladys tuvieron que mudarse a vivir a casa de unos parientes.

En septiembre de 1941, comenzó el primer grado en la escuela East Tupelo Consolidated, donde sus maestros lo consideraban un alumno «promedio». Durante su estancia en el instituto, se lo animó a ingresar en una competencia de canto tras haber impresionado a su maestra durante los rezos matutinos con una interpretación de la canción de estilo country del cantante Red Foley «Old Shep». El concurso, llevado a cabo en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show el 3 de octubre de 1945, fue su primera presentación en público: vestido como cowboy, un Presley de diez años se paró en una silla para alcanzar el micrófono y cantó «Old Shep». El cantante recordó haber llegado al quinto puesto. Pocos meses más tarde, recibió su primera guitarra como regalo de cumpleaños, aunque esperaba otra cosa —una bicicleta o un rifle—. Al año siguiente, recibió clases elementales de guitarra impartidas por sus tíos y por el nuevo pastor de la iglesia familiar. Presley recordó: «Tomé la guitarra y miré a la gente y aprendí un poco. Pero nunca hubiera cantado en público, era muy tímido al respecto».

En Milam, la escuela de primaria a la que comenzó a asistir en sexto grado, era un muchacho marginado. Al año siguiente, comenzó a llevar su guitarra al colegio a diario y a dedicarse a tocarla y a cantar durante los almuerzos, sin embargo, el resto de muchachos del instituto solían burlarse de él al considerarlo un niño «roñoso» que tocaba música hillbilly. Su familia vivía por entonces en un barrio afroamericano. Como gran seguidor del espectáculo de Mississippi Slim en la estación radiofónica de Tupelo WELO, Presley era usualmente descrito como «loco por la música» por el hermano menor de Slim, compañero de Presley, quien solía llevarlo a la estación y quien le enseñó algunos acordes y técnicas en la guitarra.28 Cuando su protegido cumplió 12 años, Slim le programó dos presentaciones radiadas. En la primera, se sintió sobrecogido por el pánico escénico, pero a la semana siguiente realizó una presentación exitosa.

En noviembre de 1948 la familia se mudó a Memphis, Tennessee. Tras residir durante casi un año en casas de huéspedes, se les garantizó un departamento de dos habitaciones en el complejo público de casas conocido como The Courts. Como estudiante de la Humes High School, Presley sólo obtenía calificaciones de nota C en octavo grado. Cuando su profesora de música le dijo que no tenía aptitudes para el canto, al día siguiente, llevó consigo su guitarra y cantó un éxito reciente «Keep Them Cold Icy Fingers Off Me», en un intento de probar lo contrario. Un compañero suyo afirmaría más tarde que la profesora «coincidía en que Elvis tenía razón y que ella no apreciaba su forma de cantar». Solía ser muy tímido como para tocar abiertamente y ocasionalmente era acosado por compañeros que lo veían como a un «nene de mamá». En 1950 comenzó a practicar con la guitarra regularmente bajo la tutela de Jesse Lee Denson, un vecino dos años y medio mayor que él. Ellos y otros tres chicos, entre los que estaban dos futuros pioneros del rockabilly, los hermanos Dorsey y Johnny Burnette, formaron una colectividad musical abierta que tocaba frecuentemente en los alrededores de The Courts. En septiembre de ese año, comenzó a realizar anuncios en el Loew’s State Theater.

Durante su tercer año en la secundaria, comenzó a sobresalir entre sus compañeros, en gran parte por su apariencia: se dejó crecer las patillas y se peinaba el cabello con aceite de rosas, vaselina y lubricante moldeándolo en un tipo de peinado llamado tupé, estilo que comenzó a ser popular entre los jóvenes de esa época. En su tiempo libre, asistía a Bale Street, el corazón de la escena del blues de Memphis y miraba con anhelo la ropa extravagante y ostentosa en las ventanas de Lansky Brothers. En su último año en la escuela, las usaba. Finalmente superó su reticencia a tocar en el espectáculo anual de canto de Humes en abril de 1953. Cantando y tocando la guitarra, abrió este último con «Till I Waltz Again With You», un éxito reciente de Teresa Brewer. Presley afirmó que la presentación mejoró mucho su reputación: «No era popular en el colegio. [...] Reprobé música —[la única materia] que reprobé en toda mi vida y luego me hacen entrar en este concurso de talentos. [...] Cuando llegué al escenario escuché a la gente haciendo ruidos y murmurando e incluso más, ya que nadie sabía que yo cantaba. Fue increíble lo popular que me volví después de eso».

Presley, quien nunca había recibido clases formales de música, estudiaba y tocaba de oído. Frecuentaba tiendas de discos con gramófonos y se sabía todas las canciones de Hank Snow, aunque también adoraba las canciones de otros cantantes de country como Roy Acuff, Ernest Tubb, Ted Daffan, Jimmie Rodgers, Jimmie Davis y Bob Wills. El cantante de gospel del sur de los Estados Unidos Jake Hess, uno de sus intérpretes favoritos, fue una influencia significativa en su estilo de cantar baladas.40 41 Era público habitual del espectáculo mensual All-Night Singings, donde muchos grupos de cantantes de gospel blancos reflejaban la influencia de la música espiritual afroamericana. Adoraba también la música de la cantante negra de gospel Sister Rosetta Tharpe. Como algunos de sus pares, tuvo que frecuentar los lugares donde se tocaba blues sólo en las noches designadas para un público exclusivamente blanco.43 Ciertamente, escuchaba las estaciones de radio regionales que transmitían «grabaciones de raza»: espirituales, blues y el sonido moderno y recargado del rhythm and blues.44 Muchas de sus canciones serían inspiradas por músicos afroamericanos locales como Arthur Crudup y Rufus Thomas.45 46 B.B. King recordó que había conocido a Presley antes de que se volviera popular cuando solía frecuentar Beale Street.47 Cuando egresó de la secundaria en junio de 1953, eligió la música como su futuro.

]

En agosto de 1953, ingresó por primera vez en las oficinas de Sun Records con la intención de pagar unos minutos de estadía en el estudio para grabar un disco de acetato de doble cara: «My Happiness» y «That’s When Your Heartaches Begin». Posteriormente, afirmó que el disco sería un regalo para su madre, o que simplemente estaba interesado en «cómo sonaría» él, aunque en una tienda de los alrededores había un servicio de grabación de discos no profesional. El biógrafo Peter Guralnick opina que, eligió a la compañía Sun con la esperanza de ser descubierto. Cuando la recepcionista Marion Keisker le preguntó qué tipo de cantante era, Presley le contestó: «Canto todos los tipos [de música]». Cuando le preguntó como quién sonaba, respondió: «No sueno como nadie». Tras la grabación, el jefe de Sun, Sam Phillips, le pidió a Keisker que escribiera el nombre del joven, cosa que hizo junto a un comentario personal: «Buen cantante de baladas. Retener».50 Presley grabó un segundo acetato en enero de 1954 —«I’ll Never Stand In Your Way» y «It Wouldn’t Be the Same Without You»— pero nada surgió desde allí.

.
No mucho tiempo después, fracasó en una audición para ingresar en un cuarteto vocal local llamado The Songfellows. Tras el incidente, le explicó a su padre que no había tenido suerte y que le dijeron: «Que no podía cantar». El miembro del grupo Jim Hamill afirmó más tarde que no lo aceptaron debido a que en la audición no demostró poseer oído para las armonías.53 En abril, comenzó a trabajar para la compañía Crown Electric como camionero.53 Su amigo Ronnie Smith, tras tocar un par de conciertos con él, le sugirió contactar a Eddie Bond, líder de la banda profesional en la que Smith tocaba, ya que necesitaba un vocalista. Bond lo rechazó tras una prueba, aconsejándole que permaneciera como camionero «ya que tú nunca tendrás éxito como cantante».

Mientras tanto, Phillips, siempre trataba de buscar a alguien que pudiera rescatar el sonido de los músicos negros para hacerlo llegar a un público más amplio. Como Keisker comentó: «Recuerdo a Sam decir una y otra vez: ‘Si pudiera encontrar a un blanco que tuviera un sonido negro y un sentimiento negro, podría hacer mil millones de dólares’». En junio, adquirió una demo de la balada «Without You», que pensó que encajaría bien con el joven cantante. Presley pasó por el estudio, pero fue incapaz de hacerle justicia. Pese a esto, Phillips le pidió que cantara todas las canciones que pudiera. Phillips se sintió lo suficientemente impresionado por lo que escuchó, que invitó a dos músicos locales, el guitarrista Winfield «Scotty» Moore y el contrabajista Bill Black para arreglar algo con Presley para una sesión de grabación.

La sesión, llevada a cabo en la tarde del día 5 de julio, fue enteramente infructuosa y se prolongó hasta altas horas de la noche. Cuando estaban a punto de rendirse y marcharse a sus casas, Presley tomó su guitarra y tocó «That’s All Right», un blues de 1946 de Arthur Crudup. Moore recuerda: «De golpe, Elvis comenzó simplemente a tocar la canción, saltando y haciendo tonterías, pero después Bill tomó su contrabajo y comenzó también a tocar y a hacer tonterías, hasta que comencé a tocar con ellos. Creo que Sam tenía la puerta de la cabina de control abierta, [...] sacó su cabeza afuera y dijo: “¿Qué están haciendo?” y le contestamos “No lo sabemos”. “Bueno, vuelvan al principio”, dijo, “traten de buscar un lugar para comenzar y háganlo de nuevo”». Phillips comenzó entonces a grabarlos, para luego darse cuenta de que ese era el sonido que había estado buscando. Tres días más tarde, el popular DJ Dewey Phillips transmitió «That’s All Right» en su espectáculo Red, Hot, and Blue. Los oyentes comenzaron a llamar para averiguar quién era el cantante. El interés fue tal que Phillips transmitió repetidamente el tema durante las dos últimas horas de su programa. En una entrevista al aire, Phillips le preguntó a qué escuela secundaria había asistido con el fin de definir su color de piel, ya que muchos oyentes asumieron que era negro. Durante los próximos días, el trío grabó una canción de bluegrass, el tema de Bill Monroe «Blue Moon of Kentucky», otra vez con un estilo distintivo y un improvisado efecto de eco que Sam Phillips había logrado arreglar. Se prensó un sencillo con «That’s All Right» como lado A y «Blue Moon of Kentucky» en el reverso.

El trío tocó en público por primera vez el 17 de julio de 1954 en el Bon Air Club, donde Presley todavía usaba su guitarra de tamaño para niños. Hacia fin de mes, aparecieron en el Overton Park Shell, como teloneros de Slim Whitman. Como resultado de su fuerte respuesta al ritmo combinada con su nerviosismo al tocar frente a tal cantidad de público, comenzó a sacudir sus piernas mientras cantaba: sus pantalones de corte ancho pronunciaban sus movimientos, provocando que las mujeres jóvenes del público comenzaran a gritar.62 Moore recuerda: «Durante las partes instrumentales, botaba el micrófono y se movía mientras cantaba, el público simplemente enloquecía».63 Black, un hombre de espectáculo, rodaba su contrabajo, azotándolo de tal modo que a Presley le sonaba como a «un sonido realmente salvaje, como un tambor en la selva o algo [así]». Poco tiempo después, Moore y Black abandonaron su vieja banda para tocar regularmente con Presley y el DJ Bob Neal se convirtió en su mánager. Desde agosto a octubre, tocaron frecuentemente en el Eagle’s Nest Club, por lo que comenzó a adquirir confianza en los escenarios. Según Moore: «Sus movimientos eran una cosa natural, pero a su vez era realmente consciente de lo que provocaba esa reacción. Haría algo una vez y luego lo expandiría realmente rápido».65Presley realizó la que sería su única presentación en el Grand Ole Opry de Nashville el 2 de octubre; tras una respetuosa respuesta del público, el mánager de Opry Jim Denny comentó a Phillips que su cantante «no es malo» pero que no encajaba con el programa.66 Dos semanas más tarde, lo contrataron en el Louisiana Hayride, rival del Opry. El programa, con base en Shreveport se transmitió a 198 emisoras en 28 estados. En el primer segmento, lo sobrecogió otro ataque de nervios, lo que provocó que durante unos instantes se quedase mudo, sin embargo, en la segunda parte, que fue más enérgica, dio como resultado una respuesta más entusiasta del público El baterista del lugar, D.J. Fontana aportó un nuevo elemento, complementando los movimientos de Presley con golpes acentuados que había perfeccionado en clubes de striptease.68 Poco tiempo después del espectáculo, Hayride contrató a Presley por un año para que cantara los sábados por la noche. Tras vender su vieja guitarra por ocho dólares (y luego de verla en la basura poco tiempo después), se compró una nueva de marca Martin por 175 dólares y comenzaron a tocar en nuevas localidades como Houston (Texas) y Texarkana en (Arkansas).

Hacia principios de 1955, las presentaciones regulares de Presley en Hayride, las constantes giras y la buena recepción de sus publicaciones lo convirtieron en una estrella regional, desde Tennessee hasta el oeste de Texas. En enero, Neal firmó un contrato formal de gestión con él y le presentó al coronel Tom Parker, a quien consideraba el mejor promotor en el negocio de la música. Parker, nacido en Países Bajos, aunque afirmaba ser del oeste de Virginia, había conseguido una comisión de Jimmie Davis, antiguo cantante de country y que era gobernador de Luisiana. Tras haber sido exitosamente el mánager de la estrella country Eddy Arnold, estaba en ese entonces trabajando con el nuevo cantante número uno, Hank Snow. Parker colocó como telonero a Presley en su gira de febrero. Cuando llegaron a Odessa, Texas, un Roy Orbison de 19 años vio a Presley por primera vez: «Su energía era increíble, su instinto simplemente asombroso. [...] Simplemente no sabía qué hacer. No había punto de referencia en la cultura para comparar». Presley hizo su debut televisivo el 3 de marzo en la transmisión de KSLA-TV de Louisana Hatride. Poco después, fracasó en una audición para ingresar en los Arthur Godfrey’s Talent Scouts en la cadena televisiva CBS. Hacia agosto, Sun había lanzado diez pistas acreditadas a «Elvis Presley, Scotty y Bill». En las últimas, el baterista se sumó al trío. Algunas de las canciones, como «That’s All Right» se incluían dentro de lo que un periodista de Memphis describió diciendo que «se expresa en el lenguaje R&B utilizado en el campo del jazz negro»; otras, como «Blue Moon of Kentucky» estaban «más bien en el campo del country, pero había una curiosa unión de los dos géneros en ambas». Esta fusión de estilos hizo difícil que la música de Presley se transmitiera por la radio. Según Neal, muchos disc jockeys se negaban a hacerlo porque sonaba muy similar a un artista negro y las emisoras de R&B, debido a que «sonaba mucho como un [intérprete de música] hillbilly». Esta fusión se empezó a conocer como «rockabilly». En ese tiempo, Presley era conocido como «El rey del bop del oeste», «El gato hillbilly» y «El relámpago de Memphis».

Presley renovó el contrato de gestión con Neal en agosto de 1955 y simultáneamente señaló a Parker como su asesor especial. El grupo mantuvo un programa de giras intenso en la segunda mitad del año. Neal recuerda: «Era casi aterradora la reacción que despertaba Elvis en los varones adolescentes. Muchos de ellos, por un cierto tipo de celos, prácticamente lo odiaban. Hubo ocasiones en algunos poblados de Texas en los que teníamos que conseguir un guardaespaldas porque siempre había alguien que intentaba golpearlo. Se juntarían y tratarían de rodearlo, o algo por el estilo». El trío se transformó en cuarteto cuando el baterista de Hayride, Fontana, se sumó como miembro pleno. A mediados de octubre, dieron unos pocos conciertos como teloneros de Bill Haley, cuya canción «Rock Around the Clock» había sido un éxito número uno el año anterior. Haley observó que Presley tenía un instinto natural con respecto al ritmo y le aconsejó cantar menos baladas.

En la Convención de Disc Jockeys de música country de principios de noviembre, se votó a Presley como el artista masculino más prometedor. En ese momento fueron muchas las compañías discográficas que mostraron interés en contratarlo. Después de que tres discográficas importantes le hicieran ofertas de hasta 25 000 dólares, Parker y Phillips firmaron un acuerdo con RCA Victor el 21 de noviembre para adquirir el contrato de Presley con Sun por una cantidad sin precedentes de 40 000 dólares.80 nota 3 Presley, quien tenía 20 años, era todavía menor de edad, por lo que su padre firmó el contrato.81 Parker acordó con los dueños de Hill y Range Publishing, Jean y Julian Aberbach crear dos entidades: Elvis Presley Music y Gladys Music, para recopilar todo el nuevo material grabado por el cantante. Se obligó a los compositores a renunciar a un tercio de sus derechos de autor a cambio de que Presley interpretara sus temas. nota 4 Hacia diciembre, RCA comenzó a promocionar ampliamente a su nuevo cantante y antes del fin de aquel mes relanzó muchas de las canciones que grabó con Sun.

El 10 de enero de 1956, Presley hizo sus primeras grabaciones para RCA en Nashville. Con la finalidad de extender el grupo de los músicos de apoyo de Presley (Moore, Black y Fontana), RCA contrató al pianista Floyd Cramer, al guitarrista Chet Atkins y a tres cantantes de fondo, incluyendo a Gordon Stoker del cuarteto Jordanaires, para llenar el sonido. Esta sesión produjo la cambiante e inusual «Heartbreak Hotel», lanzada como sencillo el 27 de enero. Parker finalmente hizo que Presley figurara en la televisión nacional y para esto programó seis presentaciones en dos meses en el programa Stage Show de CBS. En el programa, filmado en Nueva York, los líderes de big bands y los hermanos Tommy y Jimmy Dorsey eran los presentadores. Tras su primera aparición, el 28 de enero, Presley se quedó en la localidad para grabar en el nuevo estudio neoyorquino de RCA. Las sesiones produjeron ocho canciones, incluyendo una versión del himno de rockabilly de Carl Perkins «Blue Suede Shoes». En febrero, el tema de Presley «I Forgot to Remember to Forget», una grabación de Sun lanzada el agosto anterior, llegó a la cima de la lista de música country de Billboard.88 El contrato de Neal expiró y el 2 de marzo, Parker se convirtió en el mánager del cantante.

RCA Victor lanzó su álbum, Elvis Presley el 23 de marzo. Compuesto por cinco pistas no lanzadas previamente en su paso por Sun, sus otras siete pistas eran de gran variedad. Había entre ellas dos temas de country y una alegre canción pop. Las otras definirían centralmente el sonido emergente del rock and roll: «Blue Suede Shoes» —«Un progreso con respecto a la de Perkins en casi todos los aspectos» según el crítico Robert Hilburn— y tres números de R&B que fueron temas del repertorio en directo de Presley por un tiempo, versiones de canciones de Little Richard, Ray Charles y The Drifters. Como Hilburn describe, estas «eran las más reveladoras de todas. A diferencia de muchos artistas blancos [...] que resbalaron en los arenosos bordes de las versiones originales de R&B de las canciones de la década de 1950, Presley les dio otra forma. No sólo aportó a las melodías su propia personalidad [en lo] vocal sino que hizo que la guitarra, no el piano, sea el instrumento principal en los tres casos». Se convirtió el primer álbum de rock and roll en alcanzar la cima de la lista de Billboard, posición en la que permaneció diez semanas.86 Aunque Presley no fue un instrumentista innovador como Moore o los intérpretes afroamericanos contemporáneos Bo Diddley y Chuck Berry, el historiador cultural Gilbert B. Rodman argumenta que la portada del álbum, «de Elvis pasando un buen momento en el escenario con una guitarra en sus manos tuvo un papel crucial en transformar la guitarra [...] en el instrumento que capturaba mejor el estilo y espíritu de esta nueva música»

]

Presley hizo la primera de dos presentaciones en el Milton Berle Show de la NBC el 3 de abril de 1956. Su interpretación, en la cubierta del USS Hancock en San Diego, recibió aplausos de un público compuesto por la tripulación y los pasajeros. Días más tarde, un vuelo que llevaría a Presley y su banda a Nashville para una sesión de grabación los dejó sumamente impresionados, ya que un motor sufrió un accidente y el avión casi cae sobre Arkansas.93 Doce semanas después de su lanzamiento original, «Heartbreak Hotel» se convirtió en el primer éxito pop número uno de Presley. A fines de abril, comenzó un ciclo de presentaciones de dos semanas en el New Frontier Hotel y Casino de Las Vegas Strip. Los espectáculos tuvieron una recepción bastante pobre por parte de los huéspedes conservadores y de mediana edad y un crítico de Newsweek lo describió como «una jarra de licor de maíz en una fiesta de champaña».94 Durante este ciclo, Presley, quien tenía serias ambiciones actorales, firmó un contrato de siete años con Paramount Pictures.95 Comenzó una gira por el medio oeste a mediados de mayo y visitó 15 ciudades. Había asistido a numerosos conciertos de Freddie Bell and the Bellboys en Las Vegas y su versión de «Hound Dog», un éxito de 1952 de la cantante de blues Big Mama Thornton, lo impresionó profundamente, al punto que la canción se utilizó para el cierre de sus presentaciones.97 Tras un concierto en La Crosse, Wisconsin, se publicó un mensaje urgente en el diario de la diócesis católica local dirigido al director del FBI J. Edgar Hoover que advertía que «Presley es definitivamente un peligro para la seguridad de los Estados Unidos. [...] Sus acciones y movimientos buscan avivar las pasiones sexuales de los adolescentes. [...] Tras el concierto, más de mil adolescentes trataron de ingresar a su camerín. [...] Indicaciones del daño que Presley hizo en La Crosse son las dos niñas de secundaria [...] en cuyo abdomen y muslos estaba [su] autógrafo».

Su segunda presentación en el Milton Berle Show fue el 5 de junio en el estudio de Hollywood de la NBC, durante otra gira ajetreada. Berle lo persuadió para que dejase su guitarra entre bastidores y además le dijo: «Deja que te vean, hijo». Durante la presentación, Presley detuvo su veloz interpretación de «Hound Dog» con un movimiento de su mano y realizó una lenta versión de la misma acentuándola con enérgicos y exagerados movimientos corporales.99 Esto le representó una ola de controversias.100 Los críticos de televisión estaban indignados: Jack Gould de The New York Times comentó: «El señor Presley no posee una habilidad discernible para el canto. [...] Su fraseo, si puede llamárselo de esta forma, consiste en variaciones estereotipadas similares a una aria cantada en la ducha por un principiante. [...] Una de sus especialidades es un acentuado movimiento del cuerpo [...] que imita en forma primaria al repertorio de las rubias explosivas de las pasarelas de cabaret». Ben Gross del periódico de Nueva York Daily News opinó que la música popular «ha tocado fondo en los [movimientos] de Elvis Presley. [...] Elvis, quien mueve su pelvis [...] llevó a cabo una exhibición sugestiva y vulgar, teñida de los niveles de salvajismo que debería ser exclusivo de los [...] prostíbulos».102 Ed Sullivan, cuyo espectáculo de variedades era el más popular a nivel nacional, lo juzgó «incongruente con el público familiar». Para su pesar, pronto se halló siendo llamado «Elvis el pelvis», lo que consideró «una de las expresiones más infantiles que escuché nunca, viniendo de un adulto».

Los programas tenían tantos espectadores que Presley consiguió una presentación programada para el 1 de julio en el Steve Allen Show de NBC en Nueva York. Allen, quien no era seguidor del rock and roll, presentó a un «nuevo Elvis», vestido con moño negro y levita. Presley cantó «Hound Dog» en menos de un minuto, usando un sombrero alto. Como describió el historiador televisivo Jake Austen: «Allen pansaba que Presley carecía de talento y era absurdo, [...] arregló todo para que mostrara su contricción». Allen, por su parte, comentó más tarde que halló a Presley «extraño, desgarbado, con ese carisma provinciano, esa belleza difícil de definir y su encantadora y seductora extravagancia» y simplemente mostró al cantante la «fábrica de comedia» habitual de su programa.106 Presley se referiría luego a la interpretación que realizó allí como la más ridícula de su carrera. Más tarde esa noche, apareció también en Hy Gardner Calling, otro programa popular. Cuando la prensa le preguntó si había aprendido algo de las críticas recibidas, Presley respondió: «No, no lo he hecho, no siento que esté haciendo nada malo. [...] No veo cómo cualquier tipo de música tendría una mala influencia en la gente cuando se trata sólo de música. [...] Quiero decir, ¿cómo puede la música rock and roll hacer a alguien rebelarse contra sus padres?».

Al día siguiente, Presley grabó «Hound Dog» junto con «Any Way You Want Me» y «Don’t Be Cruel». The Jordanaires grabaron las armonías vocales, como lo habían hecho en The Steve Allen Show; además, el grupo trabajaría junto a Presley en la década de 1960. Unos pocos días más tarde, el cantante realizó un concierto al aire libre en Memphis, sobre el que anunció: «¿Sabes? Toda esa gente de Nueva York no va a cambiarme nada. Les mostraré cómo es el verdadero Elvis esta noche».108 En agosto, un juez de Jacksonville, Florida, ordenó a Presley moderar sus acciones. En su siguiente interpretación se mostró más recatado, excepto cuando realizó un movimiento sugestivo con su dedo meñique para burlarse de la orden. El sencillo de «Hound Dog» y «Don’t Be Cruel» reinó en la cima de las listas durante 11 semanas —un récord que no sería superado durante 36 años.110 Las sesiones de grabación para el segundo álbum de Presley tuvieron lugar en Hollywood durante la primera semana de septiembre. Jerry Leiber y Mike Stoller, los autores de «Hound Dog» crearon a su vez «Love Me».

El programa de Allen con Presley —en su primera presentación— derrotó al de Ed Sullivan de la cadena CBS. El presentador, pese a su juicio de junio, contrató al cantante por tres presentaciones por una suma sin precedentes de 50 000 dólares La primera, el 9 de septiembre de 1956, fue vista por aproximadamente 60 millones de espectadores —un récord de 82,6% del público televisivo.112 El actor Charles Laughton presentó el espectáculo y reemplazó a Sullivan mientras se recuperaba de un accidente automovilístico.103 Presley figuró esa noche en dos segmentos de la CBS Television City en Hollywood. Según la leyenda de Elvis, se lo filmó de la cintura para arriba. Observando fragmentos de los programas de Allen y Berle junto a su productor, Sullivan opinó que Presley «tenía algún objeto colgando debajo de la ingle de sus pantalones, entonces, cuando mueve sus piernas atrás y adelante, se puede ver el relieve de su polla. [...] Creo que es una botella de Coca-Cola. [...] Simplemente no podemos pasar esto un domingo por la noche, ¡esto es un espectáculo familiar!».111 Sullivan dijo públicamente a TV Guide «En cuanto a sus vaivenes, la cosa entera se puede controlar con [determinados tipos de] tomas».111 De hecho, lo mostraron de pies a cabeza en los dos primeros bloques. Ya que el trabajo de las cámaras era relativamente discreto durante su debut, con planos donde se recortaban sus piernas cuando bailaba, el público del estudio reaccionó de forma usual: gritando. La interpretación del cantante de lo que sería su próximo sencillo, la balada «Love Me Tender» provocó que se solicitaran casi un millón de copias de forma previa al lanzamiento oficial Más que ningún otro evento, su primera presentación en The Ed Sullivan Show fue lo que lo hizo famoso a nivel nacional en proporciones sin precedentes.

Acompañando su ascenso a la fama, estaba teniendo lugar un cambio cultural que él mismo ayudó a inspirar y acabó simbolizando. El historiador Marty Jezer afirmó que, encarnando la «locura pop más grande desde Glenn Miller y Frank Sinatra [...] Presley integró el rock and roll en el mainstream de la cultura popular. [...] Debido a que Presley creó el patrón artístico, otros artistas lo siguieron. [...] [Él], más que nadie, dio a la juventud una confianza en sí mismos como individuos y de alguna forma unificó a [esa] generación —la primera en Estados Unidos en sentir el poder de una cultura adolescente unificada».

La respuesta del público en los conciertos en directo de Presley comenzó a volverse cada vez más febril. Moore recuerda: «Él comenzaría con You ain’t nothin’ but a Hound Dog (“eres simplemente un sabueso”) y ellos simplemente tendrían un colapso nervioso. Siempre reaccionaban de la misma manera, siempre era un escándalo». En los dos conciertos que dio en septiembre en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, se añadieron cincuenta guardaespaldas a la fuerza policial para prevenir los disturbios entre el público.118 Elvis, el segundo álbum de Presley, se lanzó en octubre y llegó rápidamente al primer puesto. Sobre el impacto cultural y musical de los trabajos de Presley, desde «That’s All Right» hasta Elvis, el crítico de rock Dave Marsh opinó que «estas grabaciones, más que ningunas otras, contienen las semillas de lo que el rock and roll era, ha sido y muy probablemente de lo que será».

Presley regresó al programa de Sullivan, presentado esta vez por él mismo, el 28 de octubre. Tras su interpretación, un grupo de personas en Nashville y St. Louis quemaron un muñeco con su forma.103 Su primera película, Love Me Tender se lanzó el 21 de noviembre. Aunque no tuvo una inmensa cantidad de ventas, el título original de la película, The Reno Brothers, se cambió para hacer énfasis en su último sencillo número uno: «Love Me Tender» había llegado a la cima de las listas de venta a principios de ese mes. Para tomar ventaja de la popularidad de Presley, se añadieron cuatro números musicales a lo que originalmente era un papel en el que únicamente actuaba. Si bien no recibió buenas críticas, tuvo un buen desempeño en taquilla.

El 4 de diciembre, Presley llegó a los estudios de Sun Records, donde Carl Perkins y Jerry Lee Lewis se encontraban grabando y se dedicó a improvisar con ellos. Aunque Phillips ya no tenía derecho a lanzar cualquier material grabado por Presley, se aseguró de que dicha sesión quedase registrada en las cintas. Los resultados se convirtieron en la leyenda de las grabaciones del «Million Dollar Quartet» —se supuso durante mucho tiempo que Johnny Cash también había tocado, pero sólo se presentó allí en una ocasión debido a una invitación de Phillips.120 El año finalizó con una historia en portada del Wall Street Journal que reportaba que la mercancía de Presley le había aportado 22 millones de dólares y la declaración de Billboard de que había posicionado más canciones en el Top 100 que ningún otro artista desde que se crearon las listas. En su primer año completo en RCA, una de las compañías más grandes de la industria de la música, Presley había producido cerca del 50% de las ventas de sencillos de la discográfica

Presley realizó su tercera y última presentación en el espectáculo de Ed Sullivan el 6 de enero de 1957 —en esta ocasión, también se lo filmó desde la cintura para arriba. Algunos comentaristas afirmaron que Parker intentó darle una apariencia de censura para generar más polémica en la prensa.Cualquier presentación, como describe el crítico Greil Marcus, Presley «no se restringía. Olvidando la insípida ropa negra que había usado en los dos primeros espectáculos, optó por el extravagante disfraz de bajá. Desde el maquillaje de sus ojos, el cabello que caía sobre su cara hasta la contextura abrumadoramente sexual de su boca, estaba interpretando el papel de Rodolfo Valentino en The Sheik, sin todos sus frenos».103 Al terminar, para enseñar su registro vocal y desafiar los deseos de Sullivan, Presley cantó un suave espiritual negro llamado «Peace in the Valley». Hacia el final del programa, Sullivan lo declaró «un muchacho de bien, realmente decente». Dos días después, la junta de reclutamiento de Memphis anunció que Presley se clasificaría como A1 —es decir, en óptimas condiciones para el servicio militar— y sería probablemente reclutado en ese año.

Cada uno de los sencillos que Presley lanzó en el primer semestre de 1957 fueron número uno: «Too Much», «All Shook Up» y «(Let Me Be Your) Teddy Bear». En aquel entonces ya era una estrella internacional y comenzaba a atraer admiradores incluso donde su música no se lanzaba de forma oficial. Bajo el título «Grabaciones de Presley desatan la locura soviética», The New York Times reportó que las ediciones de su música hechas en placas de rayos X desechadas —copias pirata— estaban alcanzando precios muy altos en Leningrado. Entre filmaciones de películas y sesiones de grabación, el cantante halló también tiempo para adquirir una mansión de 18 habitaciones a trece kilómetros al sur de Memphis para él y sus padres: Graceland. Loving You, la banda sonora de su segunda película lanzada en julio fue el tercer álbum número uno seguido del cantante. La canción homónima al título fue compuesta por Leiber y Stoller, a quienes se contrató para componer las seis canciones grabadas en las sesiones para Jailhouse Rock, el siguiente filme de Presley. El equipo de compositores produjó las pistas y creó fuertes lazos de trabajo con el cantante, de tal modo que, incluso los llamaba «su hechizo de buena suerte». El tema homónimo también fue un éxito número uno, como así el Jailhouse Rock EP.

.
Presley llevó a cabo tres breves giras durante el año y continuó generando una respuesta alocada del público. Un periódico de Detroit sugirió que «el problema con ir a ver a Elvis Presley es que es probable que te maten». Un grupo de estudiantes de Villanova le arrojaron huevos en Filadelfia y en Vancouver, llegando la multitud a causar tal disturbio que terminaron destruyendo el escenario.130 131 Frank Sinatra, famoso por inspirar el desvanecimiento en las adolescentes en la década de 1940, condenó este nuevo fenómeno musical. En un artículo de una revista, describió el rock and roll como «brutal, feo, degenerado, lleno de vicios. [...] Aloja casi todas las reacciones negativas y destructivas en los jóvenes. Es cantado, tocado y escrito, mayoritariamente, por gansos cretinos. [...] Deploro este afrodisíaco de olor a podrido».132 Cuando se le pidió una respuesta a esto, Presley comentó: «Admiro a ese hombre, tiene derecho a decir lo que quiera. Tiene un gran éxito y es un buen actor, pero creo que no debería haber dicho eso. [...] [El rock and roll] es una tendencia, [es] lo que él tuvo que enfrentar cuando comenzó hace varios años».

Leiber y Stoller regresaron al estudio para grabar Elvis’ Christmas Album. Hacia el fin de una sesión, compusieron una canción a petición de Presley: «Santa Claus Is Back in Town», una balada cargada de insinuaciones.134 Este lanzamiento navideño extendió la lista de álbumes número uno consecutivos del cantante a cuatro y se volvería con el tiempo el álbum navideño más vendido de la historia. Tras las sesiones, Moore y Black, quienes percibían modestos sueldos semanales y no así el éxito masivo financiero de Presley, renunciaron. Aunque se los trajo de nuevo y se les dio un sueldo diario unas semanas más tarde, se hizo claro que la banda no había sido parte del círculo íntimo del cantante por cierto tiempo. El 20 de diciembre, Presley recibió el anuncio de su reclutamiento. Se le concedió un aplazamiento para finalizar King Creole, en la cual Paramount y el productor Hal Wallis ya habían invertido 350 000 dólares. Un par de semanas después, «Don’t», otro tema de Leiber y Stoller se transfomó en su décima canción en la cima de las listas de venta, 21 meses después de que «Heartbreak Hotel» lo llevase al primer puesto por primera vez. Las sesiones para su banda sonora comenzaron en Hollywood a mediados de enero. Leiber y Stoller aportaron tres canciones, pero esta sería la última vez que colaboraran en forma tan cercana con Presley. Otro encuentro en un estudio el 1 de febrero marcó otro final: esa fue la última vez que Black tocaría con Presley, ya que falleció en 1965.

El 24 de marzo de 1958, Presley se enlistó en el ejército estadounidense como un soldado raso en Fort Chaffee, cerca de Fort Smith, Arkansas. El capitán Arlie Metheny, el oficial de información, no estaba preparado para la atención de la prensa provocada por la llegada del cantante. Cientos de personas se reunieron para ver al artista cuando éste bajaba del autobús; algunos fotógrafos inclusive se hallaban instalados ya en la base. Presley anunció que esperaba cumplir con su temporada militar, además de señalar que no quería ser tratado de forma diferente a cualquier otro soldado, diciendo: «El ejército puede hacer lo que quiera conmigo».140 Más tarde, en Fort Hood, Texas, la teniente coronel Marjorie Schulten le dio carta blanca a la prensa por un día, así que al día siguiente declaró que Presley estaba fuera del alcance de los medios.

Poco después de que Presley iniciara su entrenamiento básico en Fort Hood, fue visitado por Eddie Fadal, un empresario al que había conocido cuando se hallaba de gira en Texas. Fadal informó a los medios de que Presley estaba convencido de que su carrera como cantante había llegado a su fin —«Estaba firmemente convencido de eso»—.142 Presley obtuvo un permiso para ausentarse del entrenamiento por dos semanas a principios de junio, tras lo cual visitó cinco lugares en Nashville. Hecho lo anterior, regresó a su entrenamiento, aunque a principios de agosto a su madre se le diagnosticó hepatitis y su estado de salud se agravó. Ante esto, el cantante obtuvo una licencia de emergencia para visitar a su madre, llegando a Memphis el 12 de agosto. Dos días después, ella falleció de insuficiencia cardíaca, a los 46 años de edad. Presley quedó devastado;143 su relación con ella había sido por lo general extremadamente cercana: incluso en ese entonces, ellos se comunicaban entre sí con un lenguaje de bebés y Presley la llamaba con nombres de mascotas.

Al finalizar su entrenamiento en Fort Hood, Presley se unió a la 3.ª División Blindada en Friedberg, Alemania, el 1 de octubre. Ahí fue cuando tuvo su primer acercamiento con las anfetaminas a través de un sargento, volviéndose «prácticamente evangélico sobre sus beneficios» que eran principalmente una «mayor fuerza» y una notoria pérdida de peso. De hecho, varios de sus amigos en la división se mostraron condescendientes con él sobre su uso.Asimismo, durante su temporada militar, Presley comenzó a practicar el karate, disciplina a la cual le guardó una suma seriedad, incorporándolo luego en sus actuaciones en vivo.146 Sus compañeros en la base militar cumplieron con el deseo de Presley en cuanto a que se lo recordara como un soldado capaz y ordinario, a pesar de su fama, cuyo mayor atributo había sido su generosidad estando en pleno servicio. Se sabe que el cantante donó su salario del ejército a la caridad, además de comprar televisores para la base y una serie de uniformes adicionales para todos.

Mientras se hallaba en Friedberg, conoció a Priscilla Beaulieu, que en ese entonces apenas tenía 14 años de edad. Posteriormente, ambos contraerían matrimonio tras un noviazgo de siete años y medio de duración.148 En su autobiografía, Priscilla dijo que a pesar de sus preocupaciones de que ello podría arruinar su carrera, Parker convenció a Presley de que para ganar el respeto de la gente debía servir a su país como un soldado regular más allá de ingresar a los Servicios Especiales, donde habría sido capaz de realizar algunas actuaciones musicales y permanecer en contacto con el público. Los reportes de la prensa hicieron eco sobre las preocupaciones de Presley por su carrera, sin embargo el productor de RCA Steve Sholes y Freddy Bienstock, de Hill and Range, ya se habían preparado cuidadosamente para su ausencia de dos años. Con una cantidad considerable de material inédito, ambos lograron mantener un flujo constante de lanzamientos exitosos en ese entonces. Se sabe que entre su ingreso al servicio militar y su posterior aprobación, Presley había logrado ingresar 40 temas en el top ten de las listas de popularidad, entre los cuales se incluyeron «Wear My Ring Around Your Neck», «Hard Headed Woman» y «One Night» en 1958, así como «(Now and Then There’s) A Fool Such as I» y «A Big Hunk o’ Love» en 1959.151 RCA igualmente logró lanzar en este período cuatro álbumes recopilatorios de material previo grabado por el cantante, destacándose Elvis’ Golden Records (1958), el cual logró alcanzar el tercer puesto en el listado japonés LP chart.

Enfoque en el cine (1960–67)[editar]

El regreso de Elvis[editar]

Presley regresó a los Estados Unidos el 2 de marzo de 1960, y fue licenciado honorablemente con el rango de sargento tres días después.152 Debido al constante asedio con el que se topó el tren que lo llevó de Nueva Jersey a Tennessee prácticamente en todo el camino, Presley se vio en la necesidad de satisfacer a sus seguidores realizando apariciones espontáneas en ciertas escalas del tren.153 La noche del 20 de marzo entró al estudio Nashville de RCA para editar pistas que formarían un nuevo álbum junto con un sencillo, «Stuck on You», que se lanzó de inmediato para convertirse en un éxito instantáneo.154 En otra sesión en Nashville llevada a cabo dos semanas después surgieron dos de sus sencillos más exitosos, las baladas «It’s Now or Never» y «Are You Lonesome Tonight?», junto con el resto del álbum Elvis Is Back!, que muestra varias canciones descritas por Greil Marcus como una completa «amenaza» de Chicago blues «dirigida por la guitarra acústica con súper altavoces de Presley, la brillante ejecución de Scotty Moore y el trabajo de sax hecho por Boots Randolph. La interpretación de Elvis no era sexy, sino pornográfica».155 En su integridad, el material «evocó la visión de un intérprete que podía serlo todo», en las propias palabras del historiador musical John Robertson: «un ídolo adolescente coqueto con un corazón de oro; un amante tempestuoso y peligroso; un cantante de gutbucket blues; un artista sofisticado de un club nocturno; [un] rockero estridente».156 Lanzado sólo algunos días después de que se finalizara su grabación, el material logró posicionarse en el segundo puesto del Billboard 200.

Presley retornó al medio televisivo el 12 de mayo, como invitado en el programa The Frank Sinatra Timex Special —algo irónico para Frank Sinatra y él, dado el rechazo que tenía Sinatra respecto al rock and roll—. También conocido como Welcome Home Elvis, el especial televisivo se había grabado a finales de marzo, la única vez en todo el año que Presley hizo alguna interpretación frente a una audiencia. Parker garantizó un pago inaudito de 125 000 dólares por los ocho minutos que Presley permaneció cantando. La transmisión atrajo una gran audiencia.157

La banda sonora G.I. Blues de la primera película de Presley desde su regreso alcanzó los primeros puestos de ventas en octubre. Su primer LP de material sacro, His Hand in Mine, se lanzó apenas dos meses después y logró posicionarse en el puesto 13 del pop chart estadounidense, así como en el tercer sitio del mismo listado en territorio británico, los cuales son logros importantes si se considera que se trata de un álbum gospel. En febrero de 1961, Presley llevó a cabo dos espectáculos para un evento caritativo en Memphis, a nombre de 24 asociaciones regionales. Durante un almuerzo previo al evento, RCA lo presentó con una placa que certificaba que el artista había logrado vender más de 75 millones de copias a nivel mundial.158 En una sesión de 12 horas de duración en Nashville, a mediados de marzo, surgió la mayor parte del siguiente álbum del cantante, Something for Everybody.159 De acuerdo con John Robertson, dicho material ejemplifica el sonido Nashville, estilo restringido y cosmopolita que definiría la música country en los años 1960. Además de ofrecer una perspectiva del estilo que adoptaría Presley por lo menos en los siguientes cinco años, el álbum es en gran parte «un pastiche agradable y amenazante de la música que alguna vez fue el patrimonio de Elvis».160 Con el tiempo se convertiría en su sexto LP en alcanzar los primeros puestos de las listas. El 25 de marzo se organizó en Hawái otro concierto benéfico para recaudar fondos para un memorial de Pearl Harbor. Esa sería la última presentación pública de Presley por siete años.161

Perdido en Hollywood[editar]

Para entonces, Parker ya había programado una apretada agenda cinematográfica para Presley, centrada específicamente en comedias musicales de presupuesto modesto y, básicamente, estándares en cuanto a su trama y estructuras. Al principio, Presley insistió en aparecer en filmes serios, sin embargo una vez que dos de sus cintas dramáticas —Flaming Star (1960) y Wild in the Country (1961)— no obtuvieron los ingresos esperados, decidió irse por las comedias. Entre las 27 películas en las que participó durante los años 1960, hubo si acaso algunas excepciones.162 A grandes rasgos, sus cintas fueron duramente criticadas por los medios; en una de las reseñas, se las catalogó como un «panteón de mal gusto».163 A pesar de ello, la mayoría de ellas logró ser un éxito en taquilla. Hal Wallis, productor de nueve de éstas, declaró en algún instante: «Una película de Presley es la única cosa segura que hay en Hollywood [en referencia a sus buenas recaudaciones]».164

Fotografía de Elvis como parte de la campaña promocional de Jailhouse Rock, en 1957.
De las películas protagonizadas por el cantante en esta época, quince se hicieron acompañar de bandas sonoras mientras que cinco se comercializaron junto con sus respectivos soundtracks en formato EP. La rapidez entre las fechas de producción y de estreno de las películas —con frecuencia, actuaba en tres cintas al año— terminó por afectar su carrera musical. De acuerdo con Jerry Leiber, el concepto de las bandas sonoras ya era notorio desde antes de que Presley dejara el ejército: «tres baladas, un [número] medio tempo, un tempo ascendente y un hit de danza tipo blues».165 Conforme avanzó la década, la calidad de los temas incorporados en cada banda sonora fue «decreciendo progresivamente».166 Julie Parrish, quien apareció en Paradise, Hawaiian Style (1966), dijo que detestó varias de las canciones elegidas para sus películas.167 Gordon Stoker, de The Jordanaires, describe lo siguiente respecto a la idea de Presley de desechar este concepto: «El material era tan malo que él sentía como si no pudiese cantarlo».168 La mayoría de los álbumes de este tipo contenían una o dos canciones escritas por notables personajes tales como el dúo conformado por Doc Pomus y Mort Shuman. Pero en términos generales, de acuerdo con el biógrafo Jerry Hopkins, los números indicaban como si hubiesen sido «escritas por hombres que nunca comprendieron en verdad a Elvis o el rock and roll».169 A pesar de la calidad de las canciones, se comentó que Presley había interpretado bien las piezas, aunque con cierto compromiso.170 No obstante, para otros como el crítico Dave Marsh tampoco Presley salía bien librado al respecto. En su reseña, Marsh detalló: «Presley no lo está intentando, probablemente lo más sabio en el material como ‘No Room to Rumba in a Sports Car’ y ‘Rock-a-Hula Baby’».119

En la primera mitad de la década, tres de las bandas sonoras de Presley alcanzaron el primer puesto en las listas de popularidad, y unas cuantas de sus canciones más populares provinieron de sus películas, como por ejemplo «Can’t Help Falling in Love» (1961) y «Return to Sender» (1962). («Viva Las Vegas», el tema para la película del mismo nombre de 1964 fue un éxito menor al lanzarse en el lado B, volviéndose realmente popular tiempo después). Sin embargo, como ocurriera con la calidad artística, el éxito comercial empezó a deteriorarse con el paso del tiempo. Durante un lapso de casi cinco años —que van de 1964 a 1968— Presley únicamente logró que uno de sus sencillos alcanzara el top ten de los listados: «Crying in the Chapel» (1965), un tema gospel grabado en 1960. En cuanto a material no relacionado con bandas sonoras, entre el lanzamiento de Pot Luck en junio de 1962 y el estreno de la banda sonora para el especial televisivo que marcó su regreso en noviembre de 1968, solamente un LP de material inédito se lanzó al mercado: el álbum gospel How Great Thou Art (1967). Este le dio al cantante su primer Grammy en la categoría de «Mejor interpretación sacra». Tal y como Marsh describió, Presley era «sin lugar a dudas el más grandioso intérprete blanco de música gospel de su época [y] realmente el último artista del rock & roll que convirtió al gospel en un componente vital de su personalidad musical y de sus canciones».171

Poco antes de la temporada navideña de 1966, más de siete años desde su primer encuentro, Presley le propuso matrimonio a Priscilla Beaulieu. Ambos se casaron el 1 de mayo de 1967, en una breve ceremonia celebrada en su suite en el hotel Aladdin en Las Vegas.172 El flujo de películas estándares y las bandas sonoras producidas en un solo montaje continuó. No fue sino hasta octubre de 1967, cuando el LP para el filme Clambake registró un nuevo récord de ventas bajas para un material del artista, cuando los ejecutivos de RCA empezaron a preocuparse al respecto. «Ya para entonces, por supuesto, el daño estaba hecho», como señalaron luego los historiadores Connie Kirchberg y Marc Hendrickx. En su apunte, añadieron: «Elvis fue visto como una broma por los amantes serios de la música, y catalogado como un artista que ya no era exitoso por todos excepto por sus seguidores más leales».173

Véase también: Anexo:Filmografía de Elvis Presley

Regreso (1968–73)[editar]

Elvis: el especial del regreso de 1968[editar]

La única hija de Presley, Lisa Marie, nació el 1 de febrero de 1968, durante una etapa en la que el cantante comenzaba a sentirse extremadamente infeliz con su carrera.174 De los ocho sencillos que lanzó entre enero de 1967 y mayo de 1968, solamente dos figuraron en el top 40, y ninguno de éstos logró posicionarse más arriba del sitio número 28.175 Su siguiente banda sonora, Speedway, llegaría al sitio 82 del listado Billboard. En ese tiempo, Parker volvió a programarle a Presley algunas apariciones en televisión, medio del que se había ausentado desde el Sinatra Timex Show en 1960. Al final, logró un acuerdo con la NBC en donde la compañía aceptó financiar un programa en vivo del cantante además de transmitir un especial navideño.176

Grabado a finales de junio, el especial —conocido simplemente como Elvis— se transmitió el 3 de diciembre de 1968. Posteriormente llamado «el especial del regreso de 1968», el programa mostró a Presley cantando con una banda frente a una pequeña audiencia, convirtiéndose en las primeras actuaciones en vivo del artista desde 1961. En los segmentos en vivo, Presley vistió un ajustado traje de cuero negro, y tocó la guitarra e interpretó varias de sus canciones en un estilo desinhibido semejante al de sus primeras interpretaciones de rock and roll. El director y coproductor Steve Binder había trabajado lo suficiente como para hacer que el cantante se sintiera cómodo y producir al mismo tiempo un programa que fuera distinto a la hora de villancicos que Parker originalmente planeó.177 El show, que pasó a ser el más visto de NBC en esa temporada, logró atraer a un 42% del total de la audiencia.178 Jon Landau, de la revista Eye, señaló: «Hay una especie de magia cuando miras a un hombre que se ha perdido a sí mismo y encuentra su camino de vuelta a casa. Cantó con el tipo de poder que la gente ya no espera de los cantantes de rock ‘n’ roll. Movió su cuerpo con una falta de pretensión y esfuerzo que debió haber hecho que Jim Morrison se pusiera verde de envidia».179 Dave Marsh consideró el especial como una «grandeza emocional y una resonancia histórica».180

Para enero de 1969, el sencillo «If I Can Dream», escrito para el especial, alcanzó el puesto 12 en los listados de ventas. La banda sonora ingresó a su vez en el top ten. De acuerdo con Jerry Schilling, el especial del regreso de 1968 le recordó a Presley de lo que «él no había sido capaz de hacer por años, siendo por fin capaz de elegir a la gente; de elegir qué cantar y no lo que le dijeran que debía estar en la banda sonora. [...] Estaba fuera de prisión, hombre».178 Binder señaló luego acerca de la reacción de Presley sobre el especial: «Le puse a Elvis el programa de 60 minutos y me dijo en la sala de exhibición: ‘Steve, es la mejor cosa que jamás haya hecho en mi vida. Te doy mi palabra de que nunca más cantaré una canción en la que no crea’».178

From Elvis In Memphis y el International Hotel[editar]

Impulsado por el éxito del especial del regreso, Presley se sometió a una prolífica serie de sesiones de grabación en el American Sound Studio, que al final llevaron a la creación del aclamado álbum From Elvis in Memphis. Estrenado en junio de 1969, se convirtió en su primer álbum secular no inspirado en alguna película y surgido de un período en los estudios de grabación en ocho años, por lo menos. Dave Marsh describió al compilatorio como «una pieza maestra en la que Presley de inmediato se entiende con las tendencias musicales pop que parecían haber desaparecido en él durante los años en que se involucró en el cine. Canta canciones country, soul y rockeras con una verdadera convicción y un logro impresionantes».181 El álbum incorporó el sencillo «In the Ghetto», lanzado en abril y que alcanzó el tercer puesto en el pop chart —el primer éxito top ten no gospel de Presley desde «Bossa Nova Baby» en 1963—. Al anterior, le siguieron otros hits provenientes de sus sesiones en el American Sound: «Suspicious Minds», número uno de la lista de Billboard en el año de 1969 «Don’t Cry Daddy» y «Kentucky Rain».

Fotografía de Elvis, en 1970.
En esa época, Presley retomó su interés en volver a aparecer en vivo de forma regular. Tras el éxito del especial de 1968, las ofertas no se hicieron esperar de varias regiones del mundo. Entre ellas destacó la del London Palladium que ofreció hasta 28 000 dólares por un contrato de una semana, a la cual Parker respondió: «Esto suena bien para mí, ahora ¿cuánto pueden conseguir para Elvis?».182 En mayo, el recién inaugurado International Hotel en Las Vegas, acreedor de la mayor sala de exposiciones en la ciudad, anunció que había contratado a Presley. Ciertamente, se llegó a un acuerdo con él en donde éste llevaría a cabo 57 presentaciones en cuatro semanas, comenzando el 31 de julio de ese año. Moore, Fontana y The Jordanaires declinaron participar en esas apariciones, preocupados de perder la sesión lucrativa que tendrían en Nashville. Debido a esto, Presley tuvo que juntar una nueva compañía de primera categoría encabezada por el guitarrista James Burton y que incluía además a dos grupos gospel, The Imperials y Sweet Inspirations.183 A pesar de ello, se sintió un tanto nervioso al respecto: su único acuerdo anterior en Las Vegas, en 1956, había sido un desastre. Parker, quien intentó convertir el regreso del intérprete en el evento comercial del año, se encargó de supervisar que dichas apariciones tuvieran aún un mayor impulso promocional. Por su parte, el dueño del hotel Kirk Kerkorian acordó enviar su propio avión a Nueva York para que trajera consigo a reporteros especializados en el rock con tal de que estuviesen presentes en la actuación debut de Presley.184

Presley se subió al escenario sin ninguna presentación. La audiencia de 2200 personas, entre las cuales se hallaban varias celebridades, le dio una ovación de pie antes de que cantara siquiera una nota y una adicional al término de su actuación. Una tercera aclamación le siguió a la interpretación de «Can’t Help Falling in Love» (canción que sería su tema de cierre para muchas de sus apariciones en los años 1970).185 En una conferencia de prensa tras el show debut, cuando un reportero se refirió a él como «El Rey», Presley apuntó hacía Fats Domino, quien se hallaba en el lugar, y dijo: «Ese es el verdadero rey del rock and roll».186 Al día siguiente, las negociaciones de Parker con el dueño del hotel llevaron a la firma de un contrato de cinco años en el que Presley debía cantar cada febrero y agosto, con un salario anual de un millón de dólares.187 Newsweek comentó: «Hay varias cosas increíbles sobre Elvis, pero lo más fascinante es su poder de permanencia en un mundo donde las carreras meteóricas desaparecen como estrellas fugaces».188 Rolling Stone a su vez catalogó el regreso de Elvis como «su resurrección supernatural».189 En noviembre, la última película de Presley, Change of Habit, se estrenó. El álbum doble From Memphis To Vegas/From Vegas To Memphis salió a la venta en ese mismo mes y volvierón nuevamente las ventas millonarias de álbumes que había tenido su renovación con el extraordinario Elvis From Memphis, el primer LP contaba con cinco actuaciones desde el International Hotel, mientras que el restante contenía más cortes de sus sesiones en el American Sound. «Suspicious Minds» se posicionó en el primer puesto de los listados, convirtiéndose en el primer tema pop de Presley en alcanzar tal logro en los Estados Unidos en más de siete años, así como el último en hacerlo.

Cassandra Peterson conoció a Presley en esta época en Las Vegas, donde trabajaba como cabaretera. Sobre su encuentro con el cantante, recordó: «Él era tan renuente a usar drogas cuando lo conocí. Le mencioné que fumaba marihuana, y él simplemente se horrorizó. Me dijo: ‘Nunca vuelvas a hacerlo de nuevo’».190 Ciertamente, en ese entonces Presley no solamente estaba en desacuerdo con el uso de las drogas, sino que rara vez bebía. De hecho, varios de sus familiares habían sido alcohólicos, y él intentaba evitar esa tendencia.191

De vuelta a los tour y encuentro con Nixon[editar]

Presley regresó al International Hotel a principios de 1970 para cumplir con el primer compromiso anual de los dos estipulados al año en el contrato, llevando a cabo dos espectáculos por noche. Las grabaciones de estos shows se incluyeron en el álbum On Stage.192 A finales de febrero, Presley realizó seis espectáculos que rompieron récords de asistencia en el Houston Astrodome.193 En abril, el sencillo «The Wonder of You» se convirtió en un éxito en el Reino Unido, posicionándose también en el primer puesto del listado estadounidense adult contemporary. MGM filmó material con los ensayos y el concierto en el International Hotel acontecido en agosto para el documental Elvis: That’s the Way It Is. Presley apareció desde entonces vestido regularmente con un traje con una capa de tipo alada, que pasaría a convertirse en su vestimenta típica durante sus presentaciones en vivo. En esta serie de presentaciones, el cantante recibió amenazas de muerte donde le exigieron que le pagara a los amenazadores 50 000 dólares. Se sabe que Presley había recibido anteriormente otras amenazas de muerte desde los años 1950, aunque en ocasiones él no llegaba a enterarse de las mismas.194 El FBI tomó con seriedad la amenaza, así que se predispuso de un equipo de seguridad en el hotel al menos por los siguientes dos espectáculos del cantante. Presley subió al escenario en esos shows con una pistola Derringer en su bota derecha y una más de calibre .45 en su pretina, aunque al final no se reportó incidente alguno en dichas presentaciones.195 196

El álbum That’s the Way It Is, producido para acompañar al documental y que incorpora tanto grabaciones de estudio como en vivo, marcó un cambio en su estilo. El historiador musical John Robertson recalcó: «La autoridad que conlleva la interpretación de Presley ayudó a distinguir el hecho de que el álbum se apartó decisivamente de la inspiración estadounidense de las sesiones en Memphis para avanzar a un sonido más moderado. Puso el ritmo country en un segundo plano, mientras que el soul y R&B los dejó en Memphis, quedando un sonido pop muy fino y perfectamente decente para la multitud de Las Vegas, aunque fue un paso retrógrada definitivo para Elvis».197 Una vez que terminó su compromiso con el International Hotel el 7 de septiembre, Presley se embarcó en un tour de conciertos de una semana de duración, hecho principalmente en la región sur del país, siendo su primera gira desde 1958. Otro tour de una semana se realizó en la Costa Oeste de los Estados Unidos en noviembre de ese año.198

Presley se reunió con el presidente de EE.UU Richard Nixon en el Despacho Oval de la Casa Blanca el 21 de diciembre de 1970.
El 21 de diciembre de 1970, Presley llevó a cabo un osado encuentro con el presidente Richard Nixon en la Casa Blanca, en el cual le expresó al mandatario su patriotismo y su desprecio hacia la cultura de drogas hippie. Ante esto, le pidió una medalla de la Oficina de Narcóticos y Drogas Peligrosas, para guardarla con otros objetos similares que había estado coleccionando y que significaban para él una aprobación legal de sus esfuerzos patrióticos. Nixon, que aparentemente encontró incómoda esta reunión, expresó su creencia de que Presley podía enviarle un mensaje positivo a los jóvenes y que era por lo tanto importante que él «conservara su credibilidad». Presley le dijo a Nixon que la banda inglesa The Beatles, cuyas canciones cantaba regularmente en sus conciertos durante esa época,199 ejemplificaban lo que él concebía como una tendencia «anti-estadounidense» y abuso de drogas en la cultura popular200 (Presley había tenido un encuentro de cuatro horas hacía cinco años antes con la banda). Al enterarse de dichas declaraciones, Paul McCartney dijo luego que él se sentía un poco confundido al respecto: «[...] Lo más irónico era que nosotros tomábamos drogas [ilegales], y mira lo que le pasó a él», a manera de referencia a la muerte de Presley, provocada por el abuso de medicamentos recetados.201

La Cámara Junior de los Estados Unidos nombró a Presley como uno de sus «Diez jóvenes más destacables de la Nación» de ese año, el 16 de enero de 1971.202 No mucho después, la ciudad de Memphis decidió llamar «bulevar Elvis Presley» al tramo sur de la carretera 51, justamente donde se encuentra Graceland. Ese mismo año, Presley se convirtió en el primer cantante de rock and roll en ganar el galardón Grammy a la carrera artística (entonces conocido como Premio Bing Crosby) por la Academia Nacional de Grabación de Artes y Ciencias, la organización de los premios Grammy.203 En 1971 se lanzaron al mercado tres nuevos álbumes de estudio no relacionados con algún filme, cifra equiparable a la cantidad de álbumes de este tipo producidos por Presley en los ocho años previos. El que obtuvo mejores críticas fue Elvis Country, un álbum conceptual que se enfocó en los rasgos más prominentes del género.204 No obstante, el de mayores ventas fue Elvis Sings the Wonderful World of Christmas, catalogado como «la verdadera declaración de todas» por Greil Marcus. En su reseña, añadió: «En medio de diez canciones navideñas dolorosamente gentiles, cada una cantada con una sinceridad y humildad asombrosas, uno puede descubrir que Elvis define su camino a través de seis minutos ardientes de ‘Merry Christmas, Baby’, un tema blues obsceno de Charles Brown. [...] Si el pecado [de Elvis] era su falta de vida, su pecaminosidad era lo que le devolvía esa vida».205

Divorcio y Aloha from Hawaii[editar]

MGM nuevamente grabó una presentación de Presley en abril de 1972, esta vez para Elvis on Tour, el cual obtuvo poco después un Globo de Oro en la categoría de «mejor documental». Su álbum gospel He Touched Me, lanzado ese mismo mes, le haría ganar su segundo Grammy como «mejor interpretación influyente». Una gira de 14 fechas comenzó luego con una serie de cuatro espectáculos sin predecentes consecutivos en el Madison Square Garden de Nueva York.206 El concierto del 10 de julio se grabó y lanzó en formato LP una semana después. Asimismo, Elvis: As Recorded at Madison Square Garden pasó a ser uno de los álbumes más exitosos del cantante. Tras este tour, se lanzó el sencillo «Burning Love» que marcaría el último éxito de Presley que ingresaría al top ten de los listados pop estadounidenses. De acuerdo con el crítico de rock Robert Christgau: «Es el sencillo más emocionante que Elvis haya hecho desde ‘All Shook Up’ [...] ¿Quién más puede hacer que ‘It’s coming closer, the flames are now licking my body’ suene como una asignación con la banda de reserva de James Brown?».207

Fotografía de Priscilla Presley en 2003, con quien estuvo casado Elvis de 1967 a 1973.
Mientras tanto, Presley y su esposa comenzaron a distanciarse cada vez más, rara vez llegando a dormir juntos. En 1971, un amorío que el cantante tenía con Joyce Bova provocó —sin que él lo supiera— su embarazo y posterior aborto. Con frecuencia, él veía la posibilidad de mudarse con ella a Graceland, diciendo que de alguna forma iba a abandonar a Priscilla.208 Los Presley se separaron el 23 de febrero de 1972, luego de que Priscilla revelara su relación sentimental con Mike Stone, un instructor de karate que su hasta entonces marido le había recomendado. Priscilla mencionó sobre esta revelación que una vez que él se enteró «la sujetó y le hizo el amor con fuerza», diciendo: «Así es como un verdadero hombre le hace el amor a su mujer».209 Cinco meses después, la nueva novia de Presley, Linda Thompson, una compositora y ganadora de Miss Tennessee USA, se mudó con él.210 Presley y su esposa presentaron una demanda de divorcio el 18 de agosto de ese año.211

En enero de 1973, Presley llevó a cabo dos conciertos benéficos para la fundación contra el cáncer Kui Lee, aunado con la grabación de un especial televisivo innovador, Aloha from Hawaii. El primer espectáculo sirvió a manera de ensayo aunque el acompañamiento de fondo afrontó problemas técnicos que terminarían afectando la transmisión en vivo dos días después. Transmitido como se había programado el 14 de enero, Aloha from Hawaii se convirtió en el primer concierto por satélite a nivel internacional transmitido por televisión, logrando una audiencia de aproximadamente mil millones y medio de espectadores.212 213 214 La vestimenta del cantante pasó a ser el ejemplo más reconocido del vestuario que Presley usaría en lo sucesivo y con el cual se asociaría desde entonces. Como describió Bobbie Ann Mason: «Al final del espectáculo, cuando extiende su capa de águila estadounidense, con las alas del ave en su espalda totalmente estiradas, adopta una figura divina».215 El doble álbum de esa presentación, Aloha from Hawaii: Via Satellite, lanzado en febrero, llegó a los primeros puestos de ventas llegando a comercializarse más de 5 millones de copias solamente en territorio estadounidense.216 Consecuentemente, se convirtió en el último álbum pop de Presley en llegar al primer sitio de las listas estadounidenses en toda su trayectoría.

En un evento de medianoche realizado ese mismo mes, cuatro hombres irrumpieron en el escenario para atacar aparentemente al intérprete. Los guardias de seguridad saltaron para defender a Presley, aunque el cantante se defendió asimismo con sus movimientos de karate logrando sacar a uno de los intrusos del escenario por cuenta propia. Tras el espectáculo, se obsesionó con la idea de que esos hombres habían sido enviados por Stone (pareja de Priscilla) para matarlo. Si bien luego se descubrió que se trataba de simples fanáticos eufóricos, él exclamó con enojo: «Hay mucho dolor en mí [...] Stone [debe] morir». Sus arrebatos continuaron a tal grado que ni un médico pudo tranquilizarlo, aún después de administrarle largas dosis de medicamentos. Después de dos días completos de rabía, Red West, su amigo y guardaespaldas, se sintió obligado a obtener un precio para un contrato de asesinato, librándose de ello sólo después de que Presley dijera en algún momento: «Demonios, sólo dejémoslo por ahora [el tema]. Quizá es algo fuerte».217

Deterioro de salud y muerte (1973–77)[editar]

Crisis médica y últimas sesiones de estudio[editar]

El divorcio de Presley ocurrió el 9 de octubre de 1973.218 A partir de entonces, comenzó a enfermarse cada vez más constantemente. Hacia finales de 1973, fue hospitalizado en estado semicomatoso por los efectos del abuso en el consumo de Demerol. De acuerdo con su médico de cabecera, el doctor George C. Nichopoulos, Presley «sentía que al obtenerlas [drogas] de un doctor no era el adicto común de siempre que salía a la calle a conseguirlas».219 Desde su regreso, había realizado cada año más eventos en vivo y para 1973 presentó un total de 168 conciertos, su agenda más ocupada en toda su trayectoría.220 A pesar del deterioro de su salud, en 1974 llevó a cabo otra serie intensiva de presentaciones.221

La salud de Presley se agravó en septiembre, él apenas podía acabar las introducciones. 222 Wilkinson señaló que unas noches después en Detroit «lo miré en su vestuario, sólo tirado sobre una silla, incapaz de moverse. Con frecuencia pensaba ‘Jefe, ¿porqué no simplemente cancela este tour y se toma un año libre…?’ Le dije algo de esto alguna vez en un momento a solas. Él palmeó mi espalda y dijo ‘Estaré bien. No te preocupes’».222 Presley continuó sus giras ante multitudes de seguidores. Como señaló la crítica cultural Marjorie Garber, Presley ahora era visto como un cantante pop de mal gusto: «de hecho se había convertido en Liberace. Incluso sus fanáticos ahora eran matronas de edad madura y abuelas de pelo azul».223

Vista frontal de Graceland, hogar de Elvis desde su juventud y por el resto de su vida.
El 13 de julio de 1976, Vernon Presley —que se había involucrado de cerca en los asuntos financieros de su hijo— despidió a los guardaespaldas de «la Mafia de Memphis» Red West (amigo de Presley desde los años 1950), Sonny West y David Hebler, citando la necesidad de «reducir los gastos».224 225 226 Cuando esto ocurrió, Presley se encontraba en Palm Springs. Un asociado de Presley, John O’Grady, detalló que los guardaespaldas habían sido despedidos debido a que su duro trato a los fanáticos había dado origen a varias demandas.227 No obstante, el hermanastro de Presley, David Stanley, aseguró que los guardaespaldas habían sido despedidos porque daban muchas declaraciones sobre la drogodependencia de Presley.228 Presley y Linda Thompson se separaron en noviembre y poco después el cantante se involucró sentimentalmente con Ginger Alden.229 A ella le propuso matrimonio, dándole el anillo de compromiso apenas dos meses después, aunque varios de sus amigos luego mencionaron que él no tenía intenciones serias de volver a casarse.230

En RCA, donde habían gozado de un constante flujo de material grabado por Presley por más de una década, los ejecutivos comenzaron a preocuparse debido al poco interés de Presley en querer grabar nuevos temas en el estudio. Después de una sesión en diciembre de 1973 de la que resultaron 18 canciones inéditas, cantidad suficiente para armar dos nuevos álbumes, Presley no regresó a los estudios en todo el año siguiente.231 Parker fue el responsable de otro álbum recopilatorio llamado Elvis: As Recorded Live on Stage in Memphis.232 Grabado el 20 de marzo, el material incluye una versión de «How Great Thou Art» que le daría al cantante su tercer y último premio Grammy.233 Cabe señalarse que los tres premios Grammy que Presley obtuvo a lo largo de su trayectoria, de un total de 14 nominaciones, eran por grabaciones gospel. Presley regresó a los estudios en marzo de 1975, aunque los intentos de Parker de llevar a cabo otra sesión hacia finales de año resultaron infructuosas.234 En 1976, RCA envió un estudio móvil a Graceland que dio como resultado la realización de dos sesiones de grabación en la casa de Presley.235 Si bien dichas sesiones pudieron haber resultado comfortables para el artista, el proceso de grabación le representó un gran esfuerzo.236

Debido a las preocupaciones de su sello discográfico y su mánager, en una serie de sesiones de estudio realizadas entre julio de 1973 y octubre de 1976, Presley grabó prácticamente el contenido completo de seis álbumes. Aunque él ya no era una presencia notable en las listas de popularidad, cinco de esos materiales ingresaron en el top five del country chart y tres alcanzaron el primer puesto de ventas: Promised Land (1975), From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee (1976) y Moody Blue (1977).237 Algo similar ocurrió con sus sencillos, los cuales ya no serían catalogados como éxitos, aunque Presley al fin y al cabo era una presencia importante no sólo en el mercado estadounidense sino también en la radio AC. Ocho sencillos provenientes de esta época se posicionaron en el top ten de los listados. «My Boy» se convirtió en un número uno del género AC en 1975, mientras que «Moody Blue» alcanzó a posicionarse en la cima del country chart alcanzando un segundo puesto en el AC chart en 1976.238 No obstante, su grabación más aclamada por la crítica de esa época debutó un poco después: el clásico soul «Hurt», catalogado por Greil Marcus como el «ataque apocalíptico» del cantante.239 Dave Marsh añadió al respecto de la actuación de Presley: «Si él se sintiera como suena, lo maravilloso no hubiera sido que le quedaba un año más de vida sino su intento de sobrevivir ese mismo lapso de tiempo».240

Último año y muerte[editar]

El periodista Tony Scherman escribió que, para principios de 1977 «Elvis Presley se había convertido en una caricatura grotesca de su elegante y enérgica forma de ser. Un tanto pasado de peso y con su mente opacada por la farmacopea que diariamente ingería, era casi incapaz de sacar adelante sus breves conciertos».241 En Alexandria, Luisiana, el intérprete estuvo en el escenario por menos de una hora y «le resultaba imposible comprender».242 Incluso, no pudo presentarse en Baton Rouge; ni siquiera fue capaz de levantarse de su cama del hotel donde se hallaba, así que el resto de la gira se canceló.242 A pesar del acelerado deterioro de su salud, se involucró en más tours en lo sucesivo. En Rapid City, Dakota del Sur, «él estaba tan nervioso en el escenario que podía hablar a duras penas», según el biógrafo de Presley Samuel Roy, no pudiendo «realizar ni un movimiento significativo».243 Guralnick señaló que los fanáticos «empezaban a volverse cada vez más volubles sobre su decepción, pero todo parecía no importarle a Elvis, cuyo mundo ahora se hallaba confinado casi por completo a su cuarto y sus libros de espiritismo».244 Uno de sus primos, Billy Smith, recordó cómo Presley se sentaba en su cuarto y hablaba durante horas, a veces evocando sus segmentos favoritos de Monty Python y sus propios escapes pasados, aunque más frecuentemente se centraba en sus obsesiones paranoicas que a Smith le recordaban a Howard Hughes.245 «Way Down», el último sencillo de Presley, se estrenó el 6 de junio. Mientras tanto, su último concierto ocurrió en el pabellón Market Square Arena, en Indianápolis, el 26 de junio.

Tumba de Presley en Graceland.
El libro Elvis: What Happened?, coescrito por los tres guardaespaldas despedidos un año antes, se publicó el 1 de agosto.246 Se convirtió en el primer material en exponer detalladamente los años en que Presley se drogó. Tras su publicación, el cantante quedó devastado e intentó sin éxito evitar su lanzamiento ofreciéndole dinero a la editorial responsable.247 En ese entonces, sufría de diversas enfermedades: glaucoma, hipertensión arterial, daños en el hígado y megacolon. En todas ellas, Presley presentaba un cuadro médico grave causado posiblemente por el consumo excesivo de drogas.219

Se había programado que Presley volara fuera de Memphis en la noche del 16 de agosto de 1977, con miras a iniciar otra gira. Esa tarde, Alden lo encontró inconsciente en el suelo de su baño. Ante esto, los médicos intentaron reanimarlo, sin embargo no lo lograron. La muerte del cantante se hizo pública oficialmente a las 3:30 p.m en el Baptist Memorial Hospital.248

Tras su muerte, el presidente de EE.UU Jimmy Carter ofreció una declaración en la que dijo que Presley había «cambiado para siempre el rostro de la cultura popular estadounidense».249 Miles de personas se reunieron afuera de Graceland para observar el ataúd abierto. Uno de los primos de Presley, Billy Mann, aceptó 18 000 dólares a cambio de una fotografía exclusiva del cadáver de Presley; la imagen apareció en la portada del siguiente ejemplar de National Enquirer, convirtiéndose en el número más vendido de todos los tiempos.250 Alden exigió 105 000 dólares a Enquirer para publicar su historia, pero tuvo que reducir la cantidad al romper su acuerdo de exclusividad.251 Presley no le dejó nada en su testamento.252

El funeral de Presley ocurrió en Graceland el jueves 18 de agosto de 1977. En pleno funeral, fuera de la residencia, un automóvil arremetió contra un grupo de fanáticos, matando a dos mujeres e hiriendo de gravedad a una tercera persona.253 Un aproximado de 80 000 personas participaron en la procesión hacia el cementerio de Forest Hill, donde Presley fue enterrado al lado de su madre.254 Pocos días después, «Way Down» alcanzó los primeros puestos de las listas de popularidad pop y country del Reino Unido.255 Después de un fallido intento de robar el cuerpo del cantante a finales de agosto, los restos de Elvis Presley y de su madre fueron trasladados al Jardín de Meditación de Graceland el 2 de octubre, donde se hallan enterrados desde entonces.251

Después de 1977[editar]

El traje característico de Elvis en sus presentaciones en vivo, junto a una de sus guitarras, en una exhibición en Graceland.
Entre 1977 y 1981, seis sencillos de Presley lanzados de manera póstuma se convirtieron en un éxito en diez países y en 1982, Graceland se abrió al público.238 Al atraer más de medio millón de visitantes al año, es la segunda casa más visitada en los Estados Unidos, sólo después de la Casa Blanca.256 Fue declarado monumento histórico nacional en 2006.257 Desde su muerte, Presley fue inducido en cuatro salones de la fama de música: el Salón de la Fama del Rock (1986), el Salón de la Fama del Country (1998), el Salón de la Fama del Gospel (2001) y el Salón de la Fama del Rockabilly (2007). En 1984, recibió el Premio W. C. Handy de la Blues Fundation y el primer Sombrero de Oro de la Academia de Música Country; en 1987 recibió el Premio al mérito de los American Music Awards.258

Una remezcla del tema «A Little Less Conversation» hecha por Junkie XL (acreditado a «Elvis vs JXL») fue utilizada en una campaña publicitaria de Nike durante la Copa Mundial de Fútbol de 2002. Encabezó las listas de más de 20 países y fue incluida en una recopilación de éxitos número uno de Presley, ELV1S, que también fue un éxito internacional. En 2003, una remezcla de «Rubberneckin’», una grabación de 1969, encabezó la lista estadounidense de ventas, al igual que un relanzamiento del 50° aniversario de «That’s All Right» al año siguiente.259 Este último también tuvo un gran recibimiento en el Reino Unido, alcanzando el número tres de la lista UK Singles Chart.

En 2005, se reeditaron otros tres sencillos, «Jailhouse Rock», «One Night»/«I Got Stung» e «It’s Now or Never», que llegaron al número uno en el Reino Unido. Un total de 17 canciones de Presley se reeditaron durante el año, todas ellas alcanzando un lugar dentro de las cinco primeras posiciones de las listas de popularidad del mismo país.260 Por quinto año consecutivo, Forbes nombró a Presley la celebridad fallecida que generaba más dinero, con un ingreso bruto de 45 millones de dólares.261 En 2010, se lanzó el disco Viva Elvis: The Album donde su voz fue sobrepuesta con nuevas grabaciones instrumentales.262 263

Presley mantiene los récords de más canciones en el top 40 y en el top 100 en las listas de Billboard: el estadístico Joel Whitburn calcula los totales respectivos en 104 y 151;264 mientras el historiador de Presley, Adam Victor, le otorga 114 y 138.265 Los récords de Presley por el mayor número de éxitos en el top 10 y sencillos número uno varían dependiendo de cómo se contabilicen los sencillos dobles «Hound Dog/Don’t Be Cruel» y «Don’t/I Beg of You», que preceden a la creación de la lista Billboard Hot 100.nota 5 Según Whitburn, Presley tiene el récord de más sencillos en el top 10 con 38;266 pero en la lista actual hecha por Billboard, ocupa el segundo lugar con 36, detrás de Madonna con 37.267 Whitburn y Billboard coinciden en que The Beatles tienen el récord de más sencillos número uno con 20 y que Mariah Carey es segunda con 18.266 Sin embargo, Whitburn considera 18 éxitos número uno de Presley, mientras Billboard lo coloca en tercer lugar con 17.268 Según Whitburn y el Salón de la Fama del Rock, Presley conserva el récord de más semanas en el número uno: 80;269 270 pero según Billboard, empata con Carey con 79 semanas.271 272 El cantante también tiene el récord de más éxitos número uno en las listas británicas con 21, y el de más sencillos en el top 10, con 76.273 274

Estilo musical[editar]

Influencias[editar]

Las primeras influencias musicales de Presley procedían de la música gospel. Su madre recordó que a la edad de dos años, en la iglesia de la Asamblea de Dios en Tupelo, a donde regularmente asistía la familia, «él se deslizó fuera de mi regazo, corrió al pasillo y se subió a la plataforma. Ahí se quedó parado mirando hacia el coro e intentando cantar con ellos.»275 En Memphis, Presley asistía con frecuencia a las noches de gospel en el Auditorio Ellis, donde grupos como The Statesmen Quartet interpretaban su música en un estilo tal que, Guralnick sugiere, sembró las semillas de las futuras presentaciones de Presley:

The Statesmen eran una combinación eléctrica… incluían algunos de los cantos más emocionantes y una teatralidad osada nunca antes vista en el mundo del entretenimiento… vestidos en trajes que podrían haber salido de la ventana de Lansky… El cantante Jim Wetherington, conocido universalmente como «el Gran Jefe», mantenía su trasero firme, moviendo incesantemente primero su pierna izquierda y, a continuación, su derecha, mientras la tela de la pierna de los pantalones danzaba y brillaba. «Llegó tan lejos como se puede llegar en la música gospel,» dijo Jake Hess. «Las mujeres podían saltar, al igual que lo hacen en un concierto de pop». Los predicadores con frecuencia se opusieron a los movimientos lascivos… pero el público reaccionó con gritos y abucheos.276

Como adolescente, Presley tuvo intereses musicales amplios, se interesó profundamente en las expresiones musicales de los afroamericanos así como de los de raza blanca. Aunque nunca tuvo ningún entrenamiento formal, sus conocimientos musicales ya eran considerables cuando hizo sus primeras grabaciones profesionales en 1954, a la edad de 19 años. Cuando Jerry Leiber y Mike Stoller lo conocieron dos años más tarde, se asombraron por su conocimiento enciclopédico del blues.277 En una conferencia de prensa al año siguiente, con orgullo declaró: «conozco prácticamente cada canción religiosa que se ha escrito».131

Géneros[editar]

Disco de vinilo con el tema «Love Me Tender», grabada en 1956.
Paul Friedlander describe los elementos del estilo rockabilly (que caracteriza como «esencialmente… una construcción de Elvis Presley») que el cantante y sus compañeros de banda desarrollaron en Sun Records: «el estilo vocal crudo y emotivo, la mala pronunciación y el énfasis en la sensación rítmica [del] blues con las cuerdas y el rasgueo de la guitarra del country».278 También considera al solo de guitarra de Moore en «That’s All Right», la primera grabación del grupo, como «una combinación del fingerpicking tipo country de Merle Travis, la ejecución de dos notas acústicas tipo boogie de forma simultánea, y notas dobladas del género blues, un trabajo de una sola secuencia, es un microcosmo de esta fusión.»278

En RCA, el sonido del rock and roll de Presley creció distintguiéndose del rockabilly con una voz grupal en el estribillo, guitarras eléctricas más amplificadas 279 y una actitud más fuerte e intensa.280 Mientras que fue conocido por tomar canciones de diversas fuentes y darles un acondicionamiento para adaptarlas al rockabilly/rock and roll, también grabó canciones en otros géneros desde comienzos de su carrera, desde el pop estándar «Blue Moon», pasando por la balada country «How’s the World Treating You?» en su segundo LP, hasta el blues de «Santa Claus is Back in Town». En 1957, se lanzó su primer disco de gospel, el EP de cuatro pistas Peace in the Valley. Con más de un millón de copias certificadas, se convirtió en el EP de gospel más vendido en la historia de la música grabada.281 Presley continuaría grabando temas gospel periódicamente por el resto de su vida.

Después de su retorno del servicio militar en 1960, Presley continuó tocando rock and roll, pero su estilo característico disminuyó sustancialmente. Su primer sencillo de esta época, el éxito número uno «Stuck on You», es un ejemplo de este cambio. La publicidad de RCA se refiere a esto como mild rock beat; el discógrafo Ernst Jorgensen lo llama upbeat pop.282 El sonido moderno del blues/R&B capturado con éxito en Elvis Is Back! fue abandonado esencialmente durante seis años, hasta que resurgió en ciertas grabaciones de 1966 y 1967, como «Down in the Alley» y «Hi-Heel Sneakers».283 Durante la mayor parte de la década de 1960, el estilo del cantante enfatizó mucho la música pop, a menudo en forma de baladas como «Are You Lonesome Tonight?», un número uno en 1960. Mientras que el anterior era un tema dramático, la mayoría de lo que Presley grabó para sus bandas sonoras eran temas más alegres.284

Aunque Presley interpretó varias de sus baladas clásicas para su especial de regreso de 1968, el sonido del espectáculo estuvo dominado por la agresividad del rock and roll. Más adelante, grabó nuevas canciones de rock and roll puro que, como explicó, eran «difíciles de encontrar».285 Una importante excepción fue «Burning Love», su último éxito en las listas de música pop. Como su trabajo de la década de 1950, sus grabaciones posteriores regresaron al estilo pop y country, pero en permutaciones muy diferentes. Su estilo comenzó a utilizar un sonido rock más contemporáneo, así como soul y funk. Gran parte de Elvis In Memphis, así como «Suspicious Minds», grabados en las mismas sesiones, reflejan su nuevo rock y la fusión con el soul. A mediados de la década de 1970, muchos de sus sencillos encontraron un espacio en las estaciones de radio country, el primer lugar donde Presley se convirtió en una estrella.286

Rango y estilo vocal[editar]

El crítico de música Henry Pleasants observa que «Elvis Presley ha sido descrito como un barítono y un tenor. Un ritmo extraordinario… y su amplia gama de color vocal tienen algo que ver con esta divergencia de opinión».287 Identifica a Presley como un gran barítono, calcula su rango vocal en dos octavas y un tercio, «desde un sol4 de un barítono, hasta el si1 de un tenor, con una extensión hacia arriba en falsete a, por lo menos, un re bemol. La mejor octava de Presley está en el medio, re bemol a re bemol, dándole una nota adicional para obtener un tono más agudo o grave».287 Desde su punto de vista, su voz era «variable e impredecible» en el peor escenario y «a menudo brillante» en el mejor, con la capacidad para cantar «notas altas como sol y la que serían la envidia de cualquier barítono de ópera».287 Lindsay Waters, que estima el rango vocal de Presley en dos octavas y un cuarto, subraya que «su voz tenía una gama emocional desde susurros tiernos y suspiros hasta gritos y gruñidos rasposos, que podían pasar al oyente de la calma y entrega, al temor. Su voz no puede medirse en octavas, pero sí en decibelios; aún esto no resuelve el problema de cómo medir sus susurros delicados que apenas son audibles».288 Presley siempre fue «capaz de duplicar el sonido abierto, ronco, extasiante, de gritos, llantos e imprudencia de los intérpretes negros de rhythm and blues y gospel», escribió Pleasants, y «también demostró una notable capacidad para asimilar muchos otros estilos vocales».287

Controversia sobre su muerte[editar]

«El consumo de drogas prescritas estuvo fuertemente implicado» en la muerte de Presley, escribe Guralnick. «Nadie descartó la posibilidad de un choque anafiláctico provocado por las píldoras de codeína… a las cuales se sabía que tenía una alergia leve». Un par de informes de laboratorio presentados dos meses después sugirieron que la polimedicación había sido la causa principal de su muerte; uno de ellos reportó «catorce drogas en el cuerpo de Elvis, diez en cantidad significativa».289 El historiador forense y patólogo Michael Baden considera que la situación es complicada: «Elvis había tenido una cardiomegalia durante mucho tiempo. Esto, junto con su adicción a las drogas, causó su muerte. Pero fue difícil de diagnosticar; fue una llamada a juicio».290

La competencia y la ética de dos de los profesionales médicos involucrados se cuestionaron seriamente. Antes de que la autopsia se completara y de que se conocieran los resultados del estudio toxicológico, el Dr. Jerry Francisco declaró la arritmia como la causa de muerte, una condición que puede determinarse sólo en alguien que todavía está vivo.291 Las acusaciones de encubrimiento pasaron a generalizarse.290 Mientras que al médico principal de Presley, el Dr. Nichopoulos, se le exoneró de responsabilidad penal por el fallecimiento del cantante, los hechos se mostraron a sí mismos como sorprendentes: «en sólo los primeros ocho meses de 1977 tenía [prescritas] más de 10 000 dosis de sedantes, anfetaminas y estupefacientes: todo a nombre de Elvis.» Su licencia se le suspendió poco después durante tres meses. En la década de 1990 finalmente se le revocó de forma permanente después de que la Junta Médica de Tennessee presentara nuevos cargos.219

En 1994, la autopsia de Presley se examinó de nueva cuenta. El Dr. Joseph Davis declaró: «no hay nada en cualquiera de los datos que apoye una muerte por sobredosis. De hecho, todo apunta a un ataque cardíaco súbito y violento».219 Ya sea que la intoxicación por medicamentos fuera o no la causante de su fallecimiento, no hay duda de que la polimedicación contribuyó a la muerte prematura de Presley.291

Problemas raciales[editar]

Cuando Dewey Phillips estrenó «That’s All Right» en la radio de Memphis, muchos radioescuchas contactaron con la estación por teléfono y telegrama para pedir de nuevo que asumieran que era un cantante negro.59 Desde el comienzo de su fama nacional, Presley expresó su respeto por los artistas afroamericanos y su música, así como su desconocimiento de las normas de segregación y los prejuicios raciales que prevalecían en el sur. En una entrevista de 1956, recordó cómo en su infancia escuchaba al cantante de blues Arthur Crudup (el creador de «That’s All Right») «cantando como yo lo hago ahora, y dije que si alguna vez pudiera llegar al lugar donde pudiera sentir todo lo que el viejo Arthur siente, me convertiría en un músico como nunca nadie lo ha visto».45 The Memphis World, un periódico afroamericano, informó que Presley, «el fenómeno del rock and roll», «quebrantó las leyes de segregación de Memphis» asistiendo al parque de atracciones local, en la que fue designada como su «noche color».45 Esas declaraciones y acciones llevaron a Presley a ser aclamado entre la comunidad negra durante los primeros años de su estrellato.45 Por el contrario, según Arnold Shaw de Billboard, a muchos adultos blancos «no les gustaba y lo condenaron como depravado. Sin duda, el prejuicio anti-negro influyó en su antagonismo con los adultos. Independientemente de si los padres son conscientes de los orígenes sexuales negros de la frase ‘rock and roll’, Presley los impresionó al ser la representación visual y auditiva del sexo».292

A pesar de la imagen en gran medida positiva que tenían los afroamericanos de Presley, a mediados de 1957 se esparció un rumor en el que se aseguraba que el cantante había en algún momento anunciado que «lo único que los negros pueden hacer por mí es comprar mis discos y lustrar mis zapatos». Un periodista de la publicación afroamericana Jet, Louie Robinson, le dio seguimiento a la historia. En el set de El rock de la cárcel, Presley le concedió una entrevista, aunque él ya no trataba con la prensa. Negó haber hecho una declaración que en cualquier forma pudiese ser vista como racista. Robinson no encontró ninguna prueba de que Presley hubiera realizado tal comentario y por el contrario, se topó con el testimonio de muchas personas que afirmaban que Presley era cualquier cosa, menos racista.45 293 El cantante de blues Ivory Joe Hunter, que había oído el rumor antes de que visitara Graceland, informó de Presley: «me mostró gran cortesía, y creo que es uno de los mejores».294 Aunque la observación rumoreada fue totalmente desacreditada en el momento, aún se utilizaba contra Presley décadas más tarde.295 La identificación de Presley con el racismo (ya sea personal o simbólicamente) se expresó principalmente en la letra del éxito rap de 1989 «Fight the Power», por Public Enemy: «Elvis fue un héroe para la mayoría / pero nunca significó ni una mierda para mí / fue un racista recto ese mamón / simple y llano».296

La persistencia de esas actitudes se alimentó del resentimiento por el hecho de que Presley, cuya forma de hablar y su estilo musical y visual le debía mucho a la cultura afroamericana, logró el reconocimiento cultural y el éxito comercial que se le negó en gran medida a sus compañeros negros.293 En el siglo XXI, la noción de que Presley «robó» la música negra todavía tiene defensores.295 296 Uno de los artistas afroamericanos más notables en rechazar expresamente este punto de vista es Jackie Wilson, quien argumentó: «muchas personas han acusado a Elvis de robar la música de los negros, cuando de hecho casi cada solista negro copió las actuaciones de Elvis».297 A lo largo de su carrera, Presley claramente reconoció su deuda. Al hablar a su audiencia en el especial del regreso de 1968 dijo: «el rock and roll es básicamente gospel o rhythm & blues, o surgió a partir de ambos. La gente ha ido acrecentándolo, añadiendo instrumentos, experimentando con él, pero todo se reduce a [eso]». Nueve años antes, también declaró: «el rock and roll ha existido durante muchos años. Solía llamarse rhythm & blues».298

Presley también estuvo implicado en un escándalo en la década de 1950. Mientras la popularidad de Elvis Presley en los EE.UU. estaba en su mejor momento, México estaba en medio de una gran reacción anti-Elvis. Cuando la película de Elvis King Creole se proyectó en mayo de 1959 en el Cine las Américas en la Ciudad de México, los periódicos anunciaron la película bajo el título de Melodía Siniestra e informaron de un “motín” que se sucito. El novelista de contracultura mexicana Parménides García Saldaña, escribió un cuento, “El rey criollo”, acerca de la proyección, donde varios cientos de intrusos trituraron los asientos y arrojaron papeles encendidos a los espectadores. Algunos registros de la Ciudad de México afirman que una figura política mexicana de alto nivel, quería contratar a Presley para una fiesta privada, para lo cual envió al intérprete un cheque en blanco para llenarlo a su antojo. Presley, según la historia, le devolvió el cheque en blanco, por lo que el político, muy ofendido, inventó la historia de que a Elvis no le gustaban las mujeres mexicanas. Tabloides de Tijuana lo llamaron racista y homosexual, después de que el cantante supuestamente le dijo el columnista de chismes Federico de León: “Prefiero besar a tres mujeres negras que a una mexicana. Una mujer mexicana en la misma columna fue citada diciendo: Prefiero besar a tres perros que a Elvis Presley.299 300

Presley, ante esto, envió un comunicado de prensa para aclarar este malentendido, pero fue en vano. En México habían creado una imagen muy negativa de Presley. Prohibieron cualquier canción de Elvis en territorio mexicano. La exhibición de sus películas fue prohibida. Se negó la entrada a Presley a playas mexicanas para el rodaje de la película Fun in Acapulco. Pero el mercado mexicano valía mucho, y Hollywood no podía ignorar esto. Para limpiar su imagen, Presley interpretó el papel del hijo de una actriz mexicana (Dolores del Río) en Flaming Star (1960), interpretó el papel del novio de otra (Elsa Cárdenas ) en Fun in Acapulco (1964), y finalmente desempeñó el papel del hijastro de otra (Katy Jurado) en Stay Away, Joe (1968).301

Influencia del Coronel Parker y otros[editar]

Parker y los hermanos Aberbachs[editar]

Una vez que se convirtió en el mánager de Presley, el Coronel Tom Parker insistió en mantener un control excepcionalmente estrecho sobre la carrera de su cliente. Él y sus aliados de Hill & Range, los hermanos Jean y Julian Aberbach, percibieron la relación estrecha que se desarrolló entre Presley y los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller como una grave amenaza para ese control.302 Parker terminó la relación, deliberadamente o no, con el nuevo contrato que envió a Leiber a principios de 1958. Leiber creyó que había un error, la hoja de papel estaba en blanco, excepto por la firma de Parker y una línea que decía: «No hay ningún error, muchacho, sólo fírmalo y devuélvelo. No te preocupes, la rellenaremos más tarde». Leiber la rechazó, y terminó la fructífera colaboración de Presley con el equipo de composición.303 Otros cantautores respetados perdieron su interés o simplemente evitaron escribir para Presley debido a la exigencia de Parker de renunciar a un tercio de sus regalías habituales.304

En 1967, Parker tenía contratos con Presley que le daban el 50% de la mayoría de las ganancias del cantante en mercancía, grabaciones y películas.305 A partir de febrero de 1972, tomó una tercera parte de las ganancias de sus presentaciones en vivo306 y posteriormente la mitad, gracias a un acuerdo en enero de 1976.307 Priscilla Presley señaló que «Elvis detestaba la parte empresarial de su carrera. Firmaría un contrato sin siquiera leerlo».308 El amigo de Presley, Marty Lacker, considera a Parker como un «mentiroso y un estafador. Sólo estaba interesado en el ‘ahora dinero’: ganar la plata y desaparecer».309

A principios de 1969, Lacker fue el principal instrumento para convencer a Presley de que trabajara con el productor de Memphis Chips Moman, y sus músicos seleccionados en el American Sound Studio. Estas sesiones representan un cambio significativo del control que habitualmente ejercía Hill & Range. Moman todavía tuvo que lidiar con el personal de edición, cuyas sugerencias las consideraba inaceptables. Estuvo a punto de renunciar, hasta que Presley ordenó sacar al personal de Hill & Range del estudio.310 Aunque Joan Deary, ejecutivo de RCA, fue aclamado con elogios por la selección de canciones del productor y la calidad de las grabaciones,311 Moman, para su desgracia, no recibió el crédito por las grabaciones ni regalías por su trabajo.312

A lo largo de toda su carrera, Presley se presentó en sólo tres lugares fuera de los Estados Unidos, todos ellos en Canadá, durante las breves giras de 1957. En 1974, crecieron algunos rumores de que se presentaría en el extranjero por primera vez, cuando se conoció sobre una oferta de millones dólares para realizar una gira por Australia. Parker se mostró reacio a aceptar la oferta, lo cual llevó a Presley a especular sobre el pasado de su mánager y los motivos de su aparente falta de voluntad para solicitar un pasaporte. Parker rechazó en definitiva cualquier proyecto de Presley para trabajar en el extranjero, y afirmó que la seguridad en el exterior era pobre y que los recintos eran inadecuados para una estrella de su magnitud.313

Parker posiblemente ejerció un control aún más estricto sobre la carrera cinematográfica de Presley. En 1957, Robert Mitchum le pidió a Presley co protagonizar con él la cinta Thunder Road, en la que Mitchum había sido escritor y productor.314 Según George Klein, uno de sus amigos más antiguos, a Presley le ofrecieron papeles en West Side Story y Midnight Cowboy.315 En 1974, Barbra Streisand se acercó a Presley para que protagonizara con ella el remake de A Star is Born.316 En cada caso, las ambiciones que pudo haber tenido el cantante para realizar estos papeles se vieron frustradas por las demandas de su mánager en las negociaciones o por la simple negación de su parte. Según Lacker, «lo único que mantuvo en pie a Elvis después de sus primeros años era encontrar un nuevo desafío. Pero Parker mantuvo todo dentro del terreno de juego».309 La actitud operativa puede estar resumida mejor por la respuesta que Leiber y Stoller recibieron cuando llevaron un proyecto serio para Presley a Parker y a los propietarios de Hill & Range para su consideración. En el relato de Leiber, Jean Aberbach les advirtió que «nunca más intentaran interferir con el negocio o labores artísticas del proceso conocido como Elvis Presley».165

Mafia de Memphis[editar]

En la década de 1960, el círculo de amigos con los que Presley constantemente se relacionó hasta su muerte llegó a conocerse como la «Mafia de Memphis».317 «Rodeado por su presencia parásita», como el periodista John Harris dice, «no es de extrañar que, cuando cayó en la adicción y en el letargo, nadie activó la alarma: para ellos, Elvis era el banco, y tenía que permanecer abierto».318 Tony Brown, quien tocó el piano para Presley regularmente en los dos últimos años de vida del cantante, observó un rápido declive en su salud y la necesidad urgente de abordarlo, «pero todos sabíamos que no había esperanza, porque Elvis estaba rodeado por ese pequeño círculo de personas… todos esos que llamaba amigos».319 En defensa de la Mafia de Memphis, Marty Lacker dijo: «[Presley] fue su propio hombre. [...] Si no hubiésemos estado a su alrededor, habría muerto mucho antes».320

Larry Geller se convirtió en el estilista de Presley en 1964. A diferencia de los otros miembros de la «Mafia de Memphis», estaba interesado en cuestiones espirituales y recuerda cómo, desde su primera conversación, Presley le reveló sus pensamientos secretos e inquietudes: «quiero decir que tiene que haber un propósito… tiene que haber una razón… por qué fui elegido para ser Elvis Presley. … juro por Dios, que nadie sabe lo solo que estoy. Y qué tan vacío me siento realmente».321 De esta forma, Geller le dio libros sobre religión y el misticismo, que el cantante leyó vorazmente.322 Presley estaba preocupado por varias cuestiones en gran parte de su vida, llevando montones de libros con él en sus giras.219

Símbolo sexual[editar]

El título y la promoción de Girls! Girls! Girls! (1962) aprovechó el estatus de símbolo sexual de Presley.
El atractivo físico y sexual de Presley fue ampliamente reconocido. En palabras del crítico Mark Feeney, «Era hermoso, increíblemente hermoso».323 El director de televisión Steve Binder, quien no era un fanático de la música de Presley antes de ver el especial del regreso de 1968, informó: «soy totalmente hetero y tengo que decirles que, te detenías a mirarlo ya fueras hombre o mujer. Él tenía esa buena pinta. Y si no sabías que era una superestrella, no había ninguna diferencia; si entraba a la habitación, se sabía que alguien especial estaba en tu presencia».324 El estilo de su actuación, tanto como su belleza física, fue el responsable de la imagen erotizada de Presley. En 1970, el crítico George Melly lo describió como «el maestro de la sonrisa sexual, tratando a su guitarra como si fuera falo y chica».325 En su obituario de Presley, Lester Bangs lo acreditó como «el hombre que llevó abiertamente el flagrante y vulgar frenesí sexual a las artes populares en Estados Unidos».326 La declaración de Ed Sullivan de que percibía una botella de soda en los pantalones de Presley, se hizo eco en rumores de un tubo de papel o una barra de plomo colocada de la misma forma.327

Mientras que Presley fue comercializado como un ícono de la heterosexualidad, algunos críticos culturales han argumentado que su imagen era ambigua. En 1959, Peter John Dyer de la revista Sight and Sound, describió su rol en la pantalla como «agresivamente bisexual en apariencia».328 Brett Fermer colocó los «giros orgásmicos» de la secuencia de baile en El rock de la cárcel dentro de una serie de números musicales cinematográficos que ofrecen una «erotización espectacular, a la vez de una homoerotización de la imagen masculina».329 En el análisis de Yvonne Tasker, «Elvis fue una figura ambivalente que articuló una peculiar versión feminizada de la masculinidad de la clase trabajadora blanca como una pantalla de agresividad sexual».330

Lo que reforzó la imagen de Presley como un símbolo sexual fueron los reportes de sus aventuras con varias estrellas de Hollywood, desde Natalie Wood en la década de 1950, pasando por Connie Stevens y Ann-Margret en los años 1960, hasta Candice Bergen y Cybill Shepherd en la década de 1970. June Juanico de Memphis, una de las primeras parejas de Presley, posteriormente culpó a Parker de alentar a elegir a sus citas con fines publicitarios en mente.190 Sin embargo, Presley nunca se sintió cómodo bajo la escena de Hollywood, y la mayoría de estas relaciones eran insustanciales.331

Legado[editar]

Su música y su personalidad, fusionando los estilos del country blanco y el rhythm and blues negro, cambió permanentemente el rostro de la cultura popular estadounidense. Su popularidad fue inmensa, y fue un símbolo para la gente del mundo de la vitalidad, la rebeldía y el buen humor de su país. — Jimmy Carter, 17 de agosto de 1977.249

En 1956, la atención que Estados Unidos le prestó a Presley transformó el campo de la música pop y tuvo un gran efecto en el ámbito más amplio de la cultura popular.12 Como el catalizador de la revolución cultural que fue el rock and roll, Presley jugó un papel central no sólo para definirlo como un género musical, sino también para darle un toque de la cultura juvenil y una actitud rebelde.332 Con su origen mestizo, afirmado reiteradamente por Presley, el rock and roll ocupó una posición central en la cultura estadounidense y facilitó una nueva aceptación y reconocimiento de la cultura negra.333 En este sentido, Little Richard dijo de Presley: «fue un integrador. Elvis fue una bendición. No dejaban pasar la música negra, pero él abrió la puerta para la música negra».334 Al Green mencionó: «Rompió el hielo para todos nosotros».335 Presley también demostró el enorme alcance de las celebridades en la era de la comunicación: a los 21 años de edad, después de un año de su primera aparición en la televisión estadounidense, era una de las personas más famosas del mundo.336

Sello postal con la imagen de Presley, impreso por la Oficina Postal Alemana en 1988.
La imagen y la voz de Presley son reconocidas alrededor del mundo.337 338 En los sondeos y encuestas, es reconocido como uno de los artistas más importantes de la música pop y uno de los más influyentes entre los estadounidenses.nota 6 «Elvis Presley es la mayor fuerza cultural del siglo XX», dijo el compositor y director Leonard Bernstein. «Introdujo el ritmo a todo y todo cambió: la música, el idioma, la ropa. Es una nueva revolución social — los sesenta llegaron de ella».346 Bob Dylan describió su sensación después de escuchar por primera vez a Presley como «acabando de salir de la cárcel».335

En una edición del New York Times en el 25 aniversario de la muerte de Presley se afirmó: «todos los imitadores sin talento y todas las atroces imágenes en terciopelo negro pueden hacer que parezca poco más que un recuerdo lejano y perverso. Pero antes Elvis era un campeón, era su opuesto: una auténtica fuerza cultural. [...] Las innovaciones de Elvis son subestimadas porque en esta época de rock and roll, su música hard-rock y su estilo sensual han triunfado completamente».347 Para algunos, no sólo se consideran los logros de Presley, sino también sus fallos pues añaden más elementos a su legado, como en esta descripción de Greil Marcus:

Elvis Presley es una figura suprema en la vida estadounidense, cuya presencia, no importa cuán banal o predecible fue, no puede tener ninguna comparación real. … El rango cultural de su música se ha ampliado hasta el punto donde incluyen no sólo los éxitos del momento, sino también los recitales patrióticos, el gospel y el country puro y el blues realmente sucio. … Elvis emergió como un gran artista, un gran rockero, un gran proveedor de schlock, un personaje de gran corazón, un gran pelmazo, un gran símbolo de potencia, un gran comicastro, una gran persona agradable y, sí, un gran estadounidense.348

Discografía[editar]

Artículo principal: Anexo:Discografía de Elvis Presley

Se han publicado un gran número de grabaciones acreditadas a Elvis Presley, por lo que el número total de sus grabaciones originales asciende a entre 665 y 711, dependiendo de cuales se tomen en cuenta.265 323 El cantante comenzó su carrera y tuvo más éxito en una época cuando los sencillos eran el principal medio comercial de la música pop. En el caso de sus álbumes, la distinción entre los álbumes de estudio «oficiales» y otros formatos, a menudo no es clara. Además, la mayor parte de la década de 1960, su carrera se centró en bandas sonoras. Generalmente, en la década de 1970, sus álbumes más promocionados y más vendidos eran grabaciones en vivo. Este resumen discográfico muestra sólo los álbumes que alcanzaron la cima de la lista principal de música pop en Estados Unidos, el Billboard 200, o de la lista oficial de álbumes británicos, UK Albums Chart.237 349 nota 7

1956: Elvis Presley
1956: Elvis
1957: Loving You
1957: Elvis’ Christmas Album
1960: Elvis Is Back!
1960: G.I. Blues
1961: Something for Everybody
1961: Blue Hawaii
1962: Pot Luck
1964: Roustabout
1969: From Elvis in Memphis
1973: Aloha from Hawaii: Via Satellite
1974: Elvis: A Legendary Performer Volume 1
1975: Promised Land
1976: From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee
1977: Elvis’ 40 Greatest
1977: Moody Blue
1977: Elvis in Concert
2002: ELV1S: 30 #1 Hits
2007: The King

Filmografía

Anexo:Alias honoríficos en la música popular
Elvis has left the building
Anexo:Artistas musicales con mayores ventas
Anexo:Artistas que alcanzaron el número uno en el Billboard Hot 100

L’orfe del clan dels Zhao de Ji Junxiang (divendres 6 de febrer) Teatre-Auditori de Sant Cugat


archivo1-espectacles-326

L’orfe del clan dels Zhao

de Ji Junxiang

Data
divendres 6 de febrer . 21:00 h

Durada
2 hores (sense intermedi)

“Una història llegendària que ens remet a un món antic de venjances i traïcions entre clans. Un exemple de la literatura xinesa universal.”

El clan Zhao al complet és exterminat en una matança. La pròpia reina porta al seu ventre un Zhao (Zhao Wu) i, el mateix dia de la massacre, dóna a llum. Cheng Ying, un metge-sanador, l’assisteix en el part i sacrifica el seu propi fill acabat de néixer per salvar l’últim membre de la dinastia. Quan es fa gran, Zhao Wu, amb l’ajuda del doctor, busca venjar-se de la família rival i dels assassins i descobreix la implacable veritat de la seva infància, emprenent un èpic viatge de sacrifici i venjança.

Dramatúrgia
Marc Artigau i Oriol Broggi

​Versió
Joan Sellent a partir de la traducció castellana d’Alicia Relinque

Direcció
Oriol Broggi

Intèrprets:
Pablo Derqui
Borja Espinosa
Òscar Muñoz
Lluís Marco
Marta Marco
Ernest Villegas
I amb la música en directe de Joan Garriga

Producció: La Perla 29

Rumbacalí


Rumbacalí

rc-single-digital--rumba-gitana-or262-529

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

© Abel Echeverria

“El Duende la Luz y la Noche” (Kasba Music, 2015) és el primer disc de Rumbacalí, però què és Rumbacalí? Doncs simplement això: el duende, la luz y la noche… O el que és el mateix: Chacho, Maruja i Lita. Tres artistes (si el terme no es queda curt) veterans, que ara ens presenten, il•lusionats com si de la primera vegada es tractés, aquest nou projecte.

Josep Maria Valentí, “Chacho”: Gitano del barceloní carrer de la Cera, un dels vèrtexs del triangle que va donar peu al naixement de la rumba catalana. Carrer de la Cera, Hostafrancs i Gràcia. Peret, el Pescailla i Chacho. El primer gran pianista de la rumba catalana.

Maruja Garrido: Va ser musa de Dalí i parella artística d’Antonio Gades. Responsable d’un dels intents més agosarats de modernització del flamenc, només cal buscar a youtube “Maruja Garrido Dalí” per entendre de qui estem parlant.

Lita Claver, la “Maña”: actriu i vedette que va passar amb gran èxit per tots els escenaris del centre neuràlgic de la “revista de variétés” barcelonina, el Paral•lel, en l’última gran època de l’estil, des de la seva arribada a la ciutat, a finals dels anys seixanta, fins a la desaparició d’aquest a principis del segle XXI.

I sí, Chacho és “El Duende”, Maruja és “La Luz” i Lita és “La Noche” però ha de ser així necessàriament o es poden intercanviar els papers? Respon-te tu mateix: Creus que el Chacho té “Luz” i és “Noche”? I Maruja? I Lita? Tenen “Luz” i “Duende”? Escolta el disc i decideix …

Aquest disc és ni més ni menys que el resultat d’haver arribat fins aquí, d’haver-se aixecat després de mil entrebancs, d’haver somrigut a la vida una i mil vegades. És un treball producte de la màgia artística que posseeixen, de la lluminositat de les seves veus, de la nocturnitat compartida. És producte del seu passat, sí, però sobretot és el seu present. I és que aquí es deixen anar, o un cop més es tornen a deixar anar. Acompanyats per tota la joventut que arrela en els seus cors, es llancen a l’aventura, per voluntat pròpia i per ganes de passar-ho bé, sense necessitat de demostrar absolutament res de cara a l’exterior.

I per a fer-ho s’han vist acompanyats també per artistes de la talla de “Sicus” Carbonell. Sense l’alma mater de Sabor de Gràcia aquest disc mai hauria vist la llum. Ell ha estat el productor del treball per al qual s’ha envoltat d’alguns dels millors músics i coristes actuals de la rumba catalana ,membres o col•laboradors habituals de Sabor de Gràcia, La Troba Kung-fú o Peret. I si això no fos suficient trobem col•laboracions vocals d’artistes com Marinah, Adrià Salas (cantant de La Pegatina), Juan (dels Banis) o Las Migas.

“El Duende la Luz y la Noche” conté tretze cançons, entre les quals trobem temes inèdits (com el primer single i vídeo del disc, “Rumba gitana”), versions (com un medley de Joan Manel Serrat en català dedicat a l’autor , “Per Serrat”) o revisions d’alguns dels seus èxits (com “Es mi Hombre” o “Chao, chao, chao, buru, buru”), a més d’un sentit homenatge a tots aquells “duendes”que els segueixen donant llum en la nit (“Cometas de luz”).

I acabarem aquest text de presentació de l’obra recomanant la cançó “Mi bombón”, pòstuma interpretació del Tio Toni, inoblidable, qui va formar part del projecte inicial de Rumbacalí i el qual no ha pogut veure aquest disc acabat.

A ell va dedicat aquest treball …

26 de gener, llançament del vídeo i del single “Rumba gitana”.

9 de febrer, llançament de l’àlbum.

20 de febrer, presentació i signatura de discos a FNAC Triangle.

26 de febrer, actuació a Luz de Gas.

NO FEU BROMES AMB L’AMOR ( 05/02/2015 > 22/03/2015 ) Sala Petita TNC


Sala Petita. 05/02/2015 > 22/03/2015

NO FEU BROMES AMB L’AMOR
Alfred de Musset
Direcció: Natalia Menéndez

nofeubromes_cap_color

Edat recomanada
A partir de 14 anys

Al llarg dels segles, el teatre ha explorat la pulsió amorosa en els adolescents per entendre millor els conflictes derivats del xoc entre aquells impulsos íntims que qüestionaven les dinàmiques socials i aquelles estructures familiars que les organitzaven. No feu bromes amb l’amor és un text fonamental en la història del teatre occidental, una peça clau per entendre l’evolució dramatúrgica que traça una línia invisible des del Romeu i Julieta de Shakespeare o les comèdies de Marivaux, fins al Leonci i Lena de Büchner —inspirada directament en aquesta obra d’Alfred de Musset— o El despertar de la primavera de Wedekind.

El Baró vol casar el seu fill Perdican amb la seva neboda Camille, que acaba de passar uns anys de formació en un convent. Els dos cosins, que havien tingut una relació molt íntima quan eren infants, es retrobaran amb una aparent fredor que respondrà més aviat a les prevencions davant d’aquest casament de conveniències que no pas als veritables sentiments que encara mantenen l’un per l’altre, i que tanmateix s’esforçaran a ignorar per orgull, a pesar dels danys col·laterals que això pugui ocasionar.

Una magnífica oportunitat per recordar el llegat del malaguanyat Jaume Melendres, autor d’una traducció que conserva tota la vigència gràcies a la saviesa d’aquell home de teatre.

Fitxa artística

Amb:

Carmen Balagué

Júlia Barceló

Xavier Capdet

Amanda Delgado

Oriol Escursell

Carles Martinez

Anna Moliner

Albert Pérez

Ramon Pujol

Clara de Ramon

Ferran Rañé

Jordi Sanosa

Jordi Serra

Tomás Taboada

Direcció d’escena
Natalia Menendez

Traducció
Jaume Melendres

Escenografia
Quim Roy

Vestuari
Maria Araujo

Il·luminació
Juan Gomez Cornejo

So i Composició
Luis Miguel Cobo

Moviment
Jordi Cortés

Producció
Teatre Nacional de Catalunya

.

.

Facebook

Twitter

Tweets

Limbo és el nou espectacle de l’Era de les Impuxibles, amb lletres de Marc Rosich (estrena 5 de febrer) Teatre Gaudí


Limbo és el nou espectacle de l’Era de les Impuxibles, amb lletres de Marc
Rosich i música de Clara Peya

limbo

El Teatre Gaudí torna a produir aquesta prometedora companyia que ha
desenvolupat un segell únic en la fusió de música, dansa i teatre

Clara Peya és ja una peça clau dels escenaris barcelonins. Jove compositora
i intèrpret que ha desenvolupat gran part de la seva trajectòria en les arts
escèniques. No és pas cap sorpresa que dins les seves col·laboracions es
trobin ja noms consagrats com el de Marc Rosich, que per a l’estrena de
Limbo ha posat les lletres i la dramatúrgia, o Nina, que recentment ha
participat a Mares i filles al Círcol Maldà.

El proper 5 de febrer s’estrena el quart espectacle de la companyia L’Era de
les Impuxibles, LIMBO, que torna a comptar amb la música de Clara Peya, la
coreografia d’Ariadna Peya, la direcció de Miriam Escurriola, els textos de
Marc Rosich i les interpretacions de Mariona Castillo i Tatiana Monells. Una
nova exploració dins el territori de la dansa-teatre i jugant amb la
potència de la música en directe. Aquest és el llenguatge de la companyia i
el que té continuïtat en aquesta nova creació. I alhora, el diàleg de
creació entre dansa, música i teatralitat és més profund o fa una passa més:
la composició de tots els temes originals especialment per la peça.

L’espectacle

A partir de les experiències del Miquel i del Pol, a partir de les seves
pàgines viscudes des de petits fins avui, la companyia pretén fer un
espectacle de reflexió sobre què vol dir ser transgènere, sobre els seus
reptes quotidians i sobre la seva lluita en la recerca de la identitat
pròpia i la seva reafirmació davant les etiquetes, molt sovint inútils, que
la societat els ofereix. A partir de les seves reflexions, estirant els
punts de vista reflectits en les seves vivències, s’aixeca una dramatúrgia
on la paraula vol ser un element d’expressió més, en constant diàleg i
equilibri amb música, posada en escena i dansa.

La dramatúrgia se centrarà en la plasmació del joc de miralls que viu el cos
de la veu protagonista, en el seu limbo incert entre la masculinitat i la
feminitat… un cos que no vol saber d’etiquetes i que, en un món on els
calaixos acostumen a ser estancs i les classificacions gens proclius a
acceptar les excepcions, lluita per entendre’s i reafirmar-se en la seva
singularitat.

La peça parteix d’una excusa argumental prou significativa: el protagonista,
encarnat per l’actriu Mariona Castillo, no pot pujar a un avió perquè el
control de seguretat detecta que al seu carnet d’identitat hi figura un nom
femení i la fotografia d’una noia. Mentre és retinguda a la zona del duty
free de l’aeroport, atrapada en aquest limbo que dóna títol al muntatge, el
protagonista anirà desgranant els capítols més importants de la seva vida,
de manera que les tensions entre la seva part femenina i la seva part
masculina acabaran amb un pacte d’entesa i acceptació.

Animals de Companyia” aterra al Capitol el 4 de febrer després d’un any de gira per cases particulars


cartell190-526

•L’obra s’ha representat a més de 70 domicilis de Catalunya, creant el seu propi circuit alternatiu
•Estel Solé s’estrena com a dramaturga amb un retrat generacional que explora els límits de l’amistat

Després de més d’un any de fer funcions per cases de tot Catalunya i d’haver-se estrenat a El Salvador, Santo Domingo, Guatemala i Mèxic, Animals de Companyia –el primer text dramàtic de l’actriu i poeta Estel Solé- s’instal·la a la Sala 2 del Club Capitol a partir del proper 4 de febrer.

L’èxit d’aquesta comèdia ha començat des de baix: s’ha representat a més de 70 domicilis particulars de Catalunya, en una aposta personal de Solé per crear el seu propi públic i apropar el teatre a la gent. Animals de Companyia ha estat un autèntic fenomen boca-orella que ha dut als menjadors privats un sopar d’amics que qüestiona els valors de l’amistat. És un retrat generacional però, sorprenentment ha emocionat al públic de totes les edats.

En un context de recessió, el teatre surt a buscar els seus propis vehicles de distribució en una experiència imaginativa en què l’autor es transforma en productor i promotor per tirar endavant un projecte d’emprenedoria artística.

Un projecte col·lectiu

Animals de Companyia és una comèdia amarga que l’Estel Solé va escriure després de treballar durant dos mesos amb els actors que formarien el repartiment. En destaquen la quotidianitat de les situacions i els diàlegs àgils, frescos, divertits i punyents que fins ara han atrapat el públic assistent.

Un sopar de benvinguda a una amiga que torna a casa després de dos mesos d’ingrés psiquiàtric és el pretext d’un muntatge coral on Eduard Buch, Jacob Torres, Mercè Martínez, Míriam Tortosa i Martina Tressera exploren els límits de la sinceritat, la fragilitat de l’autoestima, els vincles de lleialtat, i el costum com a cohesionant de les relacions humanes.

Fitxa tècnica

Idea original, dramatúrgia i desenvolupament del projecte: Estel Solé

Repartiment: Eduard Buch, Jacob Torres, Mercè Martínez, Míriam Tortosa i Martina Tressera

Escenografia: Ramon B. Ivars

Il·luminació i so: Bernat Tresserra

Vestuari: Maria Armengol

Il·lustració i tipografia: Paula Bonet

Fotografia: Lita Bosch

Assistent de fotografia: Berta Vicente

Producció: Carles Roca i Olalla Calvo

Assistent de producció: Violeta Borrell

Construcció d’escenografia: Ricardo Alcaide

Regidoria: Clàudia Flores

Tècnic Teatre: Alfons Mas

Disseny gràfic: Eduard Buch

Administració: Teresa Gómez

Distribució: Vania Produccions

L’efecte de Lucy Prebble ,Sala Beckett – Gràcia (del 04/02/15 al 08/03/15) Prorroguem fins el 29/3


efect

 

 

 

Foto de cartell :Bito Cels
Copyright Cia Sixto Paz Produccions

Prorroguem fins el 29/3

 

L’efecte
de Lucy Prebble
Traducció de Jordi Prat i Coll. Direcció: Carol López

Sala Beckett – Gràcia

del 04/02/15 al 08/03/15
de dimecres a dissabte 21.30h
diumenge 18h

Aquest espectacle funciona pel sistema de “taquilla inversa”: l’espectador decideix el preu després de veure la funció.

Autor: Lucy Prebble (més informació)

Traducció: Jordi Prat i Coll

Direcció: Carol López

Intèrprets:

Connie: Nausicaa Bonnín

Tristan: Pau Roca

Lorna (Dra. James): Montse Germán

Tom: Paul Berrondo

Escenografia: Paula Bosch

Il·luminació: Luis Martí

Vestuari: Berta Riera

Música i so: Pablo Miranda

Moviment: Íngrid López Belmonte

Disseny cartell: Edu Buch

Fotografia cartell: Bito Cels

Ajudant de direcció: Jan Vilanova

Producció: David Costa i Adriana Nadal

Agraïments: Guille Comín, Familia Piella, Miriam Martí, Laura Casero, Bito Cels, Ivan Carrero, David Gónzalez, CazcarraImageGroup, Sala Muntaner, Antonia i Victoria del Bar La Gaviota, i en especial a Juan Carlos Martel per la seva generositat.

Durada: 1h 30 minuts

Una producció de Sixto Paz Produccions

SINOPSI

“Puc diferenciar perfectament qui sóc d’un efecte secundari.”

A L’efecte, dos joves voluntaris es comprometen a participar en un assaig clínic d’un nou fàrmac antidepressiu que augmenta els nivells de dopamina a l’organisme. En sucumbir a la força gravitatòria de l’atracció i l’amor, però, posaran en entredit l’èxit de l’estudi.
Ara bé, què és l’amor? El resultat dels efectes químics d’una pastilla o un misteri que escapa a qualsevol comprensió?
En aquesta obra, Lucy Prebble, autora de la sèrie britànica Secret Diary of a Call Girl, fa una vibrant exploració teatral sobre el cervell humà, els límits de la medicina i la inevitabilitat de l’atracció física.