Monthly Archives: març 2015

Un mes d´abril de musicals al Teatre Gaudí


Un mes de musicals al Teatre Gaudí

 

Aquest mes d’abril el Teatre Gaudí el dedica exclusivament als musicals amb
dues propostes que faran les delícies d’aquells fans del gènere però també
d’aquells que busquen històries commovedores i que remouen l’espectador:

 

- Un èxit de públic com Mares i filles que ens farà gaudir de nou de
tres artistes meravelloses com Nina, Mariona Castillo i Clara Peya

-

L’última obra de Pablo Ley i un desplegament de veus
extraordinàries amb el El viatge d’Orfeu

 

 

MARES I FILLES

A partir el 10 d’abril

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De dijous a dissabte a les 22h i diumenges a les 20h

Després d’esgotar entrades al Maldà, retorna aquest musical sobre les
relacions entre mares i filles. Una feliç coincidència que 9 anys després de
fer de mare i filla a Mamma Mia! aquestes dues actrius es retrobin per
acostar al públic aquesta història universal. Tant la crítica com els
espectadors van sortir entusiasmats i és per aquest motiu que recuperem
aquest musical.

Mares i filles és un musical que presenta dues dones amb un vincle estret i
indissoluble, una mare i una filla, que necessiten separar-se per continuar
endavant amb la seva pròpia vida. El conflicte, com sempre, esclata quan cap
de les dues vol renunciar al que té.

 

 

EL VIATGE D’ORFEU

Del 2 al 19 d’abril

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De dimecres a dissabte a les 20h i diumenges a les 18h

El 2 d’abril s’estrena EL VIATGE D’ORFEU, un espectacle escrit per Pablo Ley
i dirigit per Josep Galindo que amb un equip de 9 veus extraordinàreis i 5
músics en directe. Un muntatge preciosista en la posada en escena que ens
proposa un viatge. Però es tracta, sens dubte, d’un viatge especial. Un
viatge poètic fet de paraules, música i acció. Un recorregut cap a
l’interior de cada un de nosaltres en la recerca de la felicitat. El viatge
és individual i intransferible, cadascú s’enfonsarà en el seu propi món,
sempre cap a la llum.

EL VIATGE D’ORFEU (del 2 al 19 d´abril) Teatre Gaudí


EL VIATGE D’ORFEU

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TEATRE Gaudí
DEL 2 AL 19 D’ABRIL (2015)
Horari: De dimecres a dissabte a les 20:00h.
Diumenge a les 18:00h.
Preu: 20€. Espectacle en català.
Durada: 1:20 h.
HÍBRID (TEATRE-DANSA-MÚSICA)

 

Dramatúrgia: Pablo LeyFancelli
Direcció escènica: Josep Galindo
Composició musical: Jorge de la Torre­­

Aldara Ojeda – Un mestre de cerimònies

Maria Colom – Una veterinària
Roi Sastre – Un camioner

Irene Gellida – Una dissenyadora de moda­
Aina Cuesta – Una astrofísica

Yolanda Sey – Una hostessa de vol
Joan Scufesis – Un director de banc

Berta Pipó – Una dona submisa
KathySey – Una nena africana

 

Música:
Núria García – violí / Xavi López – saxo, clarinet i flauta / Anscari Montori– guitarra / Tony García- percussió i bateria / Jorge de la Torre – piano

 

EL VIATGE D’ORFEU
proposa, com indica explícitament el títol, un viatge. Però es tracta, sens dubte, d’un viatge especial. Un viatge poètic fet de paraules, música i acció. Un recorregut cap a l’interior de cada un de nosaltres en la recerca de la felicitat. El viatge és individual i intransferible, cadascú s’enfonsarà en el seu propi món, sempre cap a la llum.

L’ÚLTIMA TROBADA a La Villarroel de l’1 d’abril al 24 de maig


de l’1 d’abril al 24 de maig
L’ÚLTIMA TROBADA a La Villarroel

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Després de l’èxit recollit al Teatre Romea i a la Gira

L’Última Trobada, dirigida i protagonitzada per Abel Folk, torna a Barcelona, a La Villarroel, després de l’èxit recollit tant en la seva estada al Teatre Romea (on va ser vista per més de 10.000 espectadors) com a la posterior gira per tota Catalunya. Estarà en cartellera des de l’1 d’abril fins el 24 de maig.
Anna Barrachina acompanyarà Abel Folk i Jordi Brau, en el millor record que es podria donar a Rosa Novell, qui va interpretar aquest paper en una de les seves últimes actuacions.

L’Última Trobada de Sándor Márai
Un petit castell de caça a Hongria, al peu dels Carpats, on alguna vegada es van celebrar elegants vetllades en salons decorats a l’estil francès plens de música de Chopin, ha canviat radicalment d’aspecte.
L’esplendor d’abans ja no existeix, tot anuncia el final d’una època. Dos homes que de joves havien estat amics inseparables, es retroben després de 41 anys sense haver-se vist. Un d’ells ha passat molt de temps vivint a l’Extrem Orient, l’altre, en canvi, no s’ha mogut de la seva propietat. Però ambdós han viscut a l’espera d’aquest moment, doncs entre ells s’interposa un secret d’una singular força. Tot convergeix en un duel sense armes, tal vegada molt més cruel, amb un punt en comú: el record inesborrable d’una dona. La tensió augmenta, frase a frase, fins a fer-se gairebé insuportable, però la prosa continua, implacable, precisa, fidel reflex de l’obstinació dels protagonistes per furgar fins als recons més profunds de les seves ànimes, allí on es troben aquelles veritats que quan es descobreixen provoquen, alhora, un indefugible dolor i un incontenible impuls vital.

La crítica ha dit

La versión de Abel Folk, figura capital de un espectáculo donde el actor y director juraría que tiene la presenencia escénica más destacada y constante de toda su carrera
Joan-Anton Benach – La Vanguardia

No es tracta d’una peça de suspens, sinó d’una llarga reflexió sobre l’amistat, la traició, la covardia, l’amor i les passions humanes.

Time Out

Sándor Márai podría estar satisfecho de esta adaptación de l’Última Trobada. (…) La relación de la luz y los sentimientos de los protagonistas se revela acertada.

Sergi Doria – ABC

La Torre Eiffel, se inaguró el 31 de mazro de 1889


Torre Eiffel

Torre en París, Francia

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La torre Eiffel, inicialmente nombrada torre de 300 metros, es una estructura de hierro pudelado diseñada por Maurice Koechlin y Émile Nouguier y construida por el ingeniero francés Gustave Eiffel … Wikipedia

Dirección: Champ de Mars, 5 Avenue Anatole France, 75007 Paris, Francia

Inicio de la construcción: 28 de enero de 1887

Plantas: 3

Inauguración: 31 de marzo de 1889

Altura: 301 m

Ingenieros: Maurice Koechlin, Alexandre Gustave Eiffel, Émile Nouguier

Arquitecto: Stephen Sauvestre

El 30 de marzo de 1987: en Londres, el cuadro Los Girasoles, de Vincent van Gogh, logra el récord en una subasta celebrada con el pago de 22 millones de libras.


El 30 de marzo de 1987: en Londres, el cuadro Los Girasoles, de Vincent van Gogh, logra el récord en una subasta celebrada con el pago de 22 millones de libras.

 

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Autenticidad

En marzo de 1987 obtuvo resonancia mundial la noticia de la compra de un Jarrón con catorce girasoles por el magnate japonés Yasuo Goto en una subasta en Christie’s de Londres, pagando una cifra récord hasta entonces en una subasta, de 39,9 millones de dólares. La pintura reside en la actualidad en el Sompo Japan Museum of Art de Tokio. Después de la compra se planteó una controversia sobre si se trataba de una auténtica obra de Van Gogh o una falsificación de Émile Schuffenecker, una polémica finalmente resuelta en 2002 con la publicación de un informe conjunto del Museo Van Gogh de Ámsterdam y del Art Institute of Chicago que confirmaba la autenticidad del cuadro, aunque matizaba que Schuffenecker había restaurado la obra y realizado algunos pequeños retoques propios

Los girasoles (en francés: Les Tournesols, en neerlandés: Zonnebloemen) es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con doce girasoles, uno con tres y otro con cinco.

Van Gogh pintó los primeros cuatro cuadros en agosto de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia, y otros tres similares en enero del año siguiente. Las pinturas están todas ejecutadas en lienzos de cerca de 90 x 70 cm.

Usó un pigmento en sus girasoles, el amarillo de cromo o cromato de plomo, al cual deben su misterioso y enigmático color. La descomposición del cromato de plomo por efecto de la exposición a la luz convirtió el amarillo brillante original en un tono pardo verdoso.

Van Gogh se estableció en Francia en marzo de 1886, tras un duro invierno en que falleció su padre y pasó penurias económicas. Animado por su hermano Theo, se estableció en París, la capital del arte en aquel entonces, donde se vivía un ambiente de efervescencia artística, provocado por la aparición unos años antes del impresionismo. En la capital francesa conoció a otros artistas, como Toulouse-Lautrec, Pissarro, Seurat, Signac y Gauguin, con los que compartía un deseo de renovación del impresionismo. Sin embargo, su naturaleza inquieta le llevó a buscar un lugar más tranquilo para trabajar, y aconsejado por Toulouse-Lautrec se instaló en Arlés (Provenza), donde llegó el 20 de febrero de 1888. Aquí de nuevo se vio en una apurada situación económica, ya que no vendió ninguno de sus cuadros, pero subsistió gracias a la ayuda económica de su hermano. Al cabo de unos meses se reunió con él su amigo Paul Gauguin, con el que convivió por un período de dos meses. Sin embargo, la fricción entre sus diferentes temperamentos provocó graves disputas entre ambos, hasta que el 23 de diciembre Vincent atacó a su amigo con una navaja de afeitar, que luego volvió contra sí mismo y se cortó la oreja. Poco después ingresó en un hospital siquiátrico en Saint-Rémy, donde procuró olvidar sus frustraciones refugiándose en su trabajo. El año pasado en Arlés fue quizá el más fecundo de su carrera, en el que creó algunas de sus obras más originales.

Van Gogh empezó a pintar Los girasoles a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. Su casa en Arlés tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Los cuadros están estrechamente ligados a la amistad entre Van Gogh y Gauguin,4 hecho que se demuestra porque uno de los cuadros fue a decorar la habitación de Gauguin. Por otro lado, su amigo le hizo un retrato pintando los girasoles, conservado en el Museo van Gogh de Ámsterdam. El motivo inicial de los girasoles era meramente decorativo, Vincent quería decorar su casa ante la inminente llegada de su amigo, y eligió un motivo que aunaba la belleza con la evocación de la naturaleza, además de que le permitía plasmar su color preferido, el amarillo.

Con la esperanza de llegar a vivir con Gauguin en nuestro estudio, quiero pintar una serie de cuadros. Nada más que grandes girasoles… Si llevo a cabo mi plan, pintaré una docena de cuadros. El conjunto es una sinfonía en azul y amarillo. Trabajo todos los días desde que sale el sol. Porque las flores se marchitan enseguida y hay que pintarlo todo de una vez.

Aunque la serie más famosa de girasoles de Van Gogh es la que realizó en Arlés, durante su estancia en París realizó ya varias obras con esta flor como temática principal, entre agosto y septiembre de 1887. En estas obras las flores aparecen solas, sin el jarrón que incorporaría más tarde en su serie arlesiana, y aparecen cortadas o marchitas, con unos colores violentos y de fuertes tonalidades, preludiando sus obra

La casa amarilla, Museo van Gogh de Ámsterdam. Esta era su casa de Arlés, que decoró de amarillo, una prueba de la importancia concedida a este color por el artista en esa época.
Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan. En su día fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh empleó en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones y beiges. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, empleó verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.

Para Van Gogh el amarillo tenía un especial simbolismo, era el color que representaba su mundo interior, hecho que se demuestra porque mandó pintar de ese color su casa en Arlés, donde por primera vez tenía algo propio, un espacio personal, que pensaba convertir en una comunidad de artistas dedicados únicamente a la creación artística. El amarillo es para el artista la vida, el calor, la luz, al ser el color del sol; como él mismo expresó en una carta a su hermano:

Ahora tenemos un calor magnífico e intenso y no corre nada de viento, es lo adecuado para mí. Un sol, una luz que, a falta de un calificativo mejor, sólo puedo definir con amarillo, un pálido amarillo azufre, un amarillo limón pálido. ¡Qué hermoso es el amarillo!

Carta a Theo nº 522.9

En esta etapa de su vida el color fue cobrando en la obra de Vincent una autonomía propia, convirtiéndose más en un aspecto esencial de las cosas y no tanto una descripción física. Así, el color es el medio de expresión de su vida interior, de sus sentimientos, lo que le acerca en ese punto a otro movimiento artístico finisecular, el simbolismo. Ello se denota en su serie de los girasoles, donde destaca la fuerza cromática por encima de la mera descripción realista, ya que estas flores evocan la imaginación del artista, la fuerza expresiva de su temperamento artístico.10 Otro detalle que apunta al simbolismo es la precisión de los contornos, que en esta corriente artística se hacía para subrayar su singularidad, para remarcar su condición de «símbolos»; esta técnica fue denominada por Édouard Dujardin cloisonismo, y fue también empleada profusamente por Gauguin. Sin embargo, Vincent la empleaba de forma caprichosa, supeditada al conjunto de la obra, por lo que recibió el reproche de su amigo, que era más dogmático en su utilización, lo que fue uno de los motivos de fricción entre ambos.

Tras la ruptura con Gauguin Vincent le escribió a su hermano Theo sobre Los Girasoles:

Tú ya sabes que a Gauguin le gustaba especialmente. Sobre ella ha dicho entre otras cosas: “Esto… esto es… la flor”. Tú ya sabes: la peonia es propia de Jeannin, la malva de Quost y el girasol es propio de mí.

Carta a Theo nº 573.12

CAP A UN CANVI DE PARADIGMA EN EL TEATRE ESPANYOL? DILLUNS 30 DE MARÇ, 20H – TEATRE ROMEA


CAP A UN CANVI DE PARADIGMA EN EL TEATRE ESPANYOL?

DILLUNS 30 DE MARÇ, 20H – TEATRE ROMEA

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A

 

 

Amb el suport de l’ Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música
(INAEM) i de l’Institut de Cultura de l’Ajuntament de Barcelona (ICUB)

Diàleg amb Guillem Clua i Andrés Lima.

Modera: Borja Sitjà

El teatre i el món. L’autor local en un món global.

Internacionalitzar-se implica fer produccions singulars, innovadores,
d’altra qualitat, però també, i de manera creixent, tractar temes que puguin
interessar arreu.

Una cosa és fer un Ibsen extraordinari, una altra, vendre un text actual.
Artistes i directors són objecte d’un mercat global, però els textos també
ho són.

Com es treballa aquest objectiu, conjuntament amb l’exigència d’una major
implicació en la problemàtica concreta que ens afecta a casa nostra?

GUILLEM CLUA

Llicenciat en Periodisme, inicia la seva formació teatral a la London
Guildhall University. La seva projecció internacional ha estat imparable des
de l’estrena el 2005 de la seva obra La pell en flames a La Villarroel,
Madrid (Centro Dramático Nacional, 2012) i ciutats dels EUA i América del
Sud. També ha estrenat al Spanish Repertoir Theatre de Manhattan Gust a
cendra (2006), Marburg a Caracas (Veneçuela) i Smiley a Xile (2013). El seu
primer musical, Killer, s’ha estrenat a Atenes i Xipre el 2012 i
pròximament s’estrenarà a Nova York.

ANDRÉS LIMA

(Madrid, 1961) Director, actor i dramaturg, fundador de la companyia
Animalario. Reconegut amb quatre premis Max. Ha treballat per a la
Comédie-Française (Les joyeuses commères de Windsor, 2011 i Bonheur, 2009) i
el Stadsteater de Goteborg, Suècia (El caso Danton, 2012 i Blackbird, 2010).
Altres treballs recents: Desde Berlin (Romea, 2014), Viento (es la dicha de
amor), Teatro de la Zarzuela, 2013; Elling, Madrid, 2012 i Urtain (2008).

BORJA SITJÀ

(Barcelona, 1957) Gestor artístic de prestigi internacional. Actual Director
del Teatre Romea i de BIT. Va ser Director artístic de l’Odéon-Théâtre de l’
Europe de París, membre del Consell Assessor de la Biennal de Venècia i
Director Artístic del Parc i Grande Halle de la Villette de París, Conseller
artístic internacional del TNC, Director del Festival Internacional
Barcelona-Grec; Director artístic del Fòrum Universal de les Cultures de
Barcelona 2004 i director de creació de l’ Institut Ramon Llull. Des de
l’any 2000 és Oficial de l’Ordre de les Arts i les Lletres de la República
Francesa

 

Hospital, 51 08001, Barcelona / T 93 318 14 31 – F 93 301 93 18

DILLUNS 30 DE MARÇ, 20H – TEATRE ROMEA

Vincent Willem van Gogh (Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.


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Vincent Willem van Gogh (Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo, las otras son correspondencia con amigos y familiares.

A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un asesinato accidental. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control,5 de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.

Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el mismo nombre que le habían puesto a un hermano que nació muerto exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.

Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e irregular, pues sus padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos en Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y alemán.6 Dos años después se matriculó en el Instituto Hannik (Tilburg) y permaneció allí hasta que dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Allí nació su afición por la pintura, aunque durante el resto de su vida se enorgulleció de ser autodidacta.

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte. Tras abandonar los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empezó a trabajar en 1869, a la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (más tarde Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya de la que su tío Vincent fue socio. Se adaptó bastante bien a esta nueva vida, llegando a escribir:

Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se vuelve uno.

Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a los comercios del lugar. Y fue en la capital británica, donde tuvo un primer contacto con Eugenia, hija de Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se hospedó. Se enamoró de ella, pero la chica estaba comprometida y lo rechazó.10 En 1874, un año después de su estancia en Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt y confesó su malestar por Úrsula. Vivió aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés por su trabajo.

En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En una exposición de dibujos de Jean-François Millet comentó:

Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna cosa como: descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.

El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó que había sido despedido de la galería de arte y que tendría que irse el 1 de abril. El despido fue debido a que interponía sus gustos personales sobre las ventas que debía hacer. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor. Su familia le propuso que abriera él mismo una galería, donde podría ofrecer la clase de pintura que él escogiera. Rechazó la idea y más tarde insistió a su hermano, también marchante de arte, para que dejase su trabajo ya que «el comercio de arte era una farsa».

Su amigo Albert Djemal, un escritor, lo trató de ayudar. A fines de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años. Por aquel tiempo Van Gogh aumentó su fanatismo religioso. Le entusiasmaba la lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás de Kempis. Después de estar un tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir al púlpito de la iglesia y leer un sermón que se había preparado escrupulosamente. Sobre este primer sermón existe una copia que envió a su hermano Theo con frases como:

Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde ahora, predicaré el Evangelio por todo el mundo.

Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo de 1877 se trasladó a Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y también abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista. Fue rechazado por no saber ni latín ni griego y su dificultad para hablar en público, aunque realmente el motivo era su falta de subordinación. Cada vez le era más difícil adaptarse a un cierto orden y someterse a alguien que le dirigiese.

En 1879, compadecidos por su profundo fervor, fue enviado como misionero a la región de Mons a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente duras realizó durante 22 meses un trabajo evangelizador entre los mineros de la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que le llegaran a temer. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada día más. Además repartía entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias. Sus superiores decidieron entonces enviarle a Cuesmes, permaneciendo un año completo en una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que sentía una gran simpatía: «Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los demás trabajadores y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo que estos tipos todavía inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz.(…)». Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió los consejos de su hermano Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda económica, y decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura

Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.

El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee), que acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la respuesta de Kee fue: «No, jamás, jamás». A pesar de esta negativa, insistió mediante cartas que la viuda no contestaba, además de negarse a verlo. Vincent insistió con los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa». En diciembre de 1881, escribió a su hermano, le contó la historia y las disputas con su padre: «Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día».

En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le aconsejó e insistió en la importancia de que aprendiese perspectiva y dibujo. Vincent hizo entonces sus primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como se ve en las acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881).

Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo rumbo. Desesperado tras el rechazo de su prima Kee, o quizá por compasión, Vincent recogió de la calle a Sien Hoornik, una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. En el dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las palabras de Jules Michelet del tratado La Femme (1860): Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?. Sien, por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto, unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte de su padre, de su hermano Theo y su primo Mauve (con quien llegaría a discutir y romper su amistad), hizo que este intento de vida familiar también fracasara.

Concluida esta relación con Clasina María Hoornik (Sien), se trasladó a Drente, al norte de los Países Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos realizados anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la soledad; en las cartas dirigidas a su hermano, le insistía en que abandonara su trabajo de marchante y siguiese el camino de la pintura. En diciembre de 1883 regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había sido trasladado.

En Nuenen, fue bien recibido por su familia que le acondicionó una habitación como taller. En este periodo se dedicó a dibujar y pintar el trabajo en los telares. Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard al que había conocido en Bruselas y que había venido a pasar unos días en Nuenen, los dos juntos estudiaron y pintaron a los tejedores rurales. En estas obras Van Gogh no consiguió la misma técnica que su amigo, pero éste le sirvió de ejemplo.

La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta pintura consigue el efecto de enmarcar al tejedor en el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo

En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo, ahora de la hija de un vecino, Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se encontraron con la firme oposición de la familia de Margot, la cual llegó a intentar suicidarse. Poco después el 26 de marzo de 1885, muere repentinamente el padre de Vincent. Las disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas, hicieron que se marchase de su casa para irse a vivir a un lugar más amplio que le ofreció el sacristán de la iglesia católica; en su familia, que eran protestantes, este hecho fue considerado como una ofensa.

Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus grandes obras tempranas: Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la representación de una figura, en esta obra se encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.

En una de sus cartas expresó:

(…) He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente.(…).

Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de patatas, que la gente de los alrededores pudo comprar a precios asequibles.

En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas (obviamente, en la impresión en papel las figuras están invertidas). De las veinte litografías, Juliana Montford ha logrado localizar ocho, entre las que se encuentra la del Museo Thyssen-Bornemisza.

Campesinos comiendo patatas (1885) Litografía sobre papel Japón. Museo Thyssen-Bornemisza
Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible y vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios. Rappard le hizo esta crítica basada en una de las 20 litografías:

Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente. Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos? En este cuadro los personajes posan. La mano de la mujer del fondo…!qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el asa? ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia.

Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard, se debía también al propio enfado que éste tenía con Van Gogh, por el hecho de no haber tenido noticia directa, de la muerte repentina del padre de Vincent. Al principio de esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota a pesar de su amistad : «¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu familia?»

A la vista de esta pintura en París, Camille Pissarro quedó profundamente impresionado por la fuerza expresiva del cuadro. También Émile Bernard escribió en un artículo:

Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante.

Naturaleza muerta con biblia (1885) 65 x 78 cm
Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los colores puesto que él tenía un sentido del color mucho más luminoso.30 Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y acuarelas, y cerca de doscientas pinturas al óleo. Los colores usados continuaban siendo oscuros. Su hermano Theo se quejaba, en una de sus cartas, de que eran demasiado apagados y no estaban en la línea del estilo del momento, donde destacaban las pinturas brillantes de los impresionistas. Vicent escribió al respecto:

He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He encontrado «tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (…) tratar de dar un valor claro por medio de tonos relativamente obscuros. En una palabra, expresar la luz por oposición a la obscuridad. Ya sé todo lo que piensas del “demasiado negro”, pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido,(…).31

El cuadro Naturaleza muerta con biblia, fue pintado en octubre de 1885 antes de su partida hacia Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo de ese año.32 Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda una educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola, el libro del naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la composición, Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar ambos símbolos al mismo nivel.

En noviembre de 1885 llegó a Amberes, donde ocupó un pequeño taller encima de una tienda de pinturas; el alquiler lo pagaba su hermano. Compró en unos anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de yeso de esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real Academia de Amberes, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica. Descubrió las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas le abrieron la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda. En esta época contrajo sífilis, que aunque fue tratada médicamente, le hizo perder casi todos los dientes. En febrero de 1886, comentó en cartas dirigidas a Theo que sólo se había podido permitir seis o siete comidas calientes desde el mes de mayo anterior.

El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a su hermano menor Theo, a quien avisó con esta simple nota: «Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si lo deseas». Theo, que trabaja en Boussod & Valadon, le descubrió a Vincent los trabajos del impresionismo; lo que produjo una paleta más luminosa, donde el color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra. Durante los dos años siguientes, los dos hermanos tuvieron múltiples fricciones y siempre tuvo que ser Theo el que cediese y perdonase.

Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin, Georges Pierre Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pissarro, Paul Cézanne. Van Gogh, como muchos pintores de la época, admiraba el arte japonés: Hokusai, Hiroshige, Utamaro. Prueba de ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen ese país de modo escenográfico. A las reproducciones procedentes del Japón se las llamaba japonaiserie. Dos de estas obras realizadas por Van Gogh fueron Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.35 De ellas, Van Gogh dejó escrito el siguiente comentario:

Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa… Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco.

Utilizó los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a una expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro también le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a su paleta, gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando paisajes urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con colores más vivos; los rojos, amarillos y azules con sus complementarios ya se pueden apreciar casi en todas sus pinturas de este periodo.

Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió, con la ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura en lo que atañe a la investigación psicológica en los retratos. Pudo apreciar las pinturas exóticas realizadas por Gauguin en la Martinica. El retrato de Mujer en el Café de Tambourin es del mes de febrero de 1887. No representa una bebedora en una taberna cualquiera sino que es la imagen concreta de Agostina Segaroti, una antigua modelo de los pintores Degas y Corot, y que en ese momento era la propietaria del bar. El cuadro respira un cierto atractivo exótico, desde el peinado de la mujer pasando por su vestido hasta el fondo de la pintura, donde en su decoración se observan láminas japonesas. Una de las cosas más importantes que aprendió en esta época fue la aplicación del contraste complementario, el contraponer los tres colores básicos (amarillo, rojo y azul) a la mezcla formada por los otros dos, como combinación rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja, que refuerzan su tono o se neutralizan al mezclarse en un gris deslucido. Se observa la aplicación de esta técnica en los Cuatro girasoles donde claramente existe el contraste complementario entre el amarillo y el azul vivo del fondo.

Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy», en cuya trastienda de su establecimiento habían expuesto sus obras Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Seurat. Este retrato se considera la obra representativa de su etapa parisina. Con una presentación frontal, es una imagen de una estructura simple, que contrasta con el fondo decorado con estampas japonesas. El artista holandés estaba dispuesto a realizar su sueño mediterráneo en busca de la luz cegadora de la Provenza, con la explosión de la naturaleza y los colores puros, colores que había estudiado en su colección de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil en el que su arte se inclinó hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y la fatiga mental agravaron su condición física.

El 21 de febrero de 1888 llega a Arlés, al sur de Francia. Primero se instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que pagaba cinco francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y además el espacio era muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que veía (como Huerto en flor con vistas de Arlés) y ya no necesitaba estampas japonesas, como él mismo reconoció en una carta dirigida a su hermana: «Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante» Sus primeros cuadros en Arlés fueron típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor, la realizó en marzo de 1888.

Los descargadores en Arlés (1888) Museo Thyssen-Bornemisza.
Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta del Ródano, el canal del sur de Arlés que reflejó en diversas obras como El puente de Langlois. Durante este periodo empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos que caracterizan su obra pictórica de los últimos tiempos.40 El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje a Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona santa Sara Kali. Van Gogh acudió a observarlo y aprovechó para realizar pinturas durante ese tiempo. Entre estos cuadros está la obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries:41

He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había pequeñas barcas verdes, rojas y azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en flores. Son tan pequeñas que casi nunca van a alta mar. Salen cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza

Vincent van Gogh, junio 1888.

Puesta del sol en Montmajour (1888) Museo Van Gogh.
El Museo Van Gogh el 9 de septiembre de 2013 anunció una nueva obra confirmada como pintura de Van Gogh: Puesta del sol en Montmajour, realizada en Arlés. Entre las evidencias que han hecho detectar su autenticidad se encuentran dos cartas de Van Gogh dirigidas a su hermano Theo fechadas en julio de 1888 en las que describe el cuadro realizado:

Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más, a la Monticelli , el sol se derramaba sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro.

Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).

Retratos

Al principio de su estancia en Arlés se dedicó a la realización de retratos. Sin embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para él, sobre todo si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a finales del mes de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la lectura del libro Madame Chisanthème de Pierre Loti. Con los hombres le fue más fácil convencerlos, a cambio les invitaba a una copa en la taberna. Podía retratarlos sin ningún problema, y así realizó las obras de El campesino, retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin.

Con el cartero de nombre Joseph Roulin tuvo una buena amistad,45 46 casado con la señora Augustine Roulin y que tenía tres hijos: Marcelle Roulin, Armand Roulin y Camille Roulin. Vincent hace un gran número de pinturas sobre esta familia; el retrato conocido como “La Berceuse” muestra a la señora de Joseph Roulin, también está el Retrato de Armand Roulin, el Retrato de Camille Roulin y al cartero le pintó hasta en seis retratos. El poeta, Retrato de Eugène Boch, lo realizó en una visita que le hizo este artista belga en el mes de julio, según explica a su hermano. En este retrato quería captar las ideas románticas del personaje:

He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el fondo intensamente azul, he conseguido un efecto misterioso, como si fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul.

Vincent van Gogh, julio 1886

El Sembrador (1888).
Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación. Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer plano, Los segadores con Arlés al fondo, La cosecha, Campos labrados, La viña verde y una de sus obras paisajistas más conocidas El sembrador, realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en el campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador. Con los colores azul y púrpura, y los amarillos relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste cromático

Casa amarilla (1888).
Van Gogh tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener paredes de ese color) en Place Lamartine situada al norte de la ciudad de Arlés.48 Theo le envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, con el que mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos habrían de fundar y que pedirían la participación de Seurat, Signac y Bernard.

También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arlés. Gauguin vivía en aquel tiempo en Pont-Aven en Bretaña. Estaba lleno de deudas, se sentía incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo de pintores, pero seguramente no había pensado en Van Gogh como componente del mismo. Su meta era la Martinica, pero la cuestión económica era un impedimento.50 Theo van Gogh era el galerista y el marchante de Gauguin y éste pensaba que detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de Theo se ocultaba alguna estratagema comercial, por lo que no se decidía a viajar hacia Arlés. Así se lo hizo saber en una carta dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888:

Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi solamente por mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno y proyecta alguna cosa…

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Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó pagando todas las deudas que tenía Gauguin, entonces viajó a Arlés el 23 de octubre.51 Mientras, Vincent había realizado diversas series de pinturas para decorar la casa, especialmente la habitación destinada a Gauguin,

La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo XIX. Según escribió en el año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica:

El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento provocado por las cosas con los medios propios de las citadas artes. Lo que se debería expresar no es la imagen sino su carácter.

En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Gogh buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su gran fuerza expresiva y esta fuerza exigía un gran delirio de sentimientos.

Durante este mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.

Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envió un autorretrato, con el título de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación con el japonismo, ya que se retrató con la cabeza rapada al estilo bonzo.

Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps. Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del cielo. En cambio el color empleado por Gauguin era mucho más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.

Corte del lóbulo de la oreja

Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja izquierda del primero, o de parte de ella. Gauguin en sus memorias56 señala que Van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja y que por la noche el holandés se automutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja completa). A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a un burdel de Arlés, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente regresó a la «casa amarilla». A la mañana siguiente la policía lo encontró inconsciente, y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.57 Se avisó a Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arlés con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.

Autorretrato con oreja vendada (1889).
Gauguin declaró a la policía que la pérdida del lóbulo se habría debido a una autolesión. Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la noticia de que su hermano Theo se iba a casar.

Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas fuentes existentes y a que la versión generalmente admitida se basa en las memorias de Gauguin, publicadas en 1903. En 2009 Hans Kaufmann y Rita Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens (La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio), revisaron el incidente estudiando el informe policial, las noticias publicadas en los periódicos de la época, la correspondencia de los dos pintores y los pocos testimonios existentes, muy posteriores a los hechos. Llegaron a la conclusión de que fue Gauguin quien hirió a Van Gogh con su sable en la disputa (era maestro de esgrima), y que una vez solo Van Gogh habría terminado de recortar la oreja. No se encontraron ninguna de las armas. Van Gogh no habría dicho nada para proteger a su amigo, y Gauguin habría regresado precipitadamente a París debido a su mala conciencia.

Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, del que existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja herida fue la izquierda.62 En uno Van Gogh se representa fumando una pipa para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en la que predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio de los elementos iconográficos. Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado ya que presentaba síntomas de manía persecutoria, se imaginaba que le querían envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo tratamiento del Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arlés que avisaron a la policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un ex-monasterio, en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria, entre los que se encontraba el manicomio de Saint-Rémy. En el sanatorio tenía dos habitaciones, una de ellas habilitada para hacerla servir de taller.64 Cuando no podía pasear, pintaba cuadros de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.

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Cuando dejó de salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, empezó obras donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando desarrolló los efectos pictóricos de los árboles. De los olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos. Más tarde pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint Paul y Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes. Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.

En Sant Remy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir de las que él interpretaba el color a su manera. De esta forma exploró temas religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el cabello y la barba de color rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt). También volvió a copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet). Todas se conservan en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.

La primera exposición fue en París en 1889, en el Salón de los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que en otros años, para que pudiera coincidir con la Exposición Universal de aquel mismo año. La elección de obras las hacían los mismos artistas pero los nuevos socios sólo podían presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano las dos pinturas que quería enviar: La noche estrellada (1888) e Iris (1889).

En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una exposición en Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis obras: dos de la serie de los girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos las había pintado en Arlés, La viña roja y Vista de Arlés, y dos más en Sant Remy. Durante la inauguración, Henri de Groux criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa Toulouse-Lautrec y Paul Signac. En esta misma exposición vendió la obra El viñedo rojo, adquirida por la pintora perteneciente al grupo Los XX, Anna Boch,69 hermana de su amigo Eugène Boch.

Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890, donde expuso la cuota completa de diez pinturas.

Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores; padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando volvió a escribir a Theo, le explicó que había decidido abandonar la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse en Auvers-sur-Oise.

La iglesia de Auvers-sur-Oise.
Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París, se instaló en una habitación de la pensión Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarle y visitarle. Bajo la atención del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa, en dos meses pintó más de setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el jardín, a su hija Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo doctor. Van Gogh volvió a refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustaban los paisajes de Auvers, como antes habían maravillado a tantos otros pintores como Corot, Pissarro, Armand Guillaumin y Cézanne.

Escribió a su madre estas reflexiones:

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto.

En esta población es donde empezó a utilizar el formato horizontal de doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise había sido utilizado por el pintor Charles-François Daubigny de la escuela de Barbizon. Van Gogh había pintado algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.

Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise, está construido sobre líneas fuertes y definidas, que producen el efecto de una escultura recortada sobre el azul intenso del cielo, efecto que da una sensación de oscuridad. La profundidad la consigue con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos caminos aparecen colocados de manera similar en una obra posterior, Campo de trigo con cuervos. Van Gogh señala en sus cartas la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y amenazantes. Se ha dicho que los símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren la premonición de la muerte. Las dos bandas de color, con el contraste del azul y el amarillo, anulan el espacio de la perspectiva. La composición de la perspectiva en el campo abierto tiene un sentido inverso, sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera. El azul del cielo está en un solo plano y consigue crear una unidad, mientras que el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en tres y el verde complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está considerado como una de las mejores obras del artista.

Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van Gogh; basta leer algunos fragmentos de tal poema (Van Gogh, el suicidado por la sociedad):

(…) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro, equivale la tierra al mar? (…) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino de pintura líquida(…) Van Gogh ha retornado los colores a la Naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? (…) aquel que supo pintar tantos soles embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección de las olivas, los Alyscamps; (…) ‘El puente’, sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia, (…).

Muerte

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de febrero de 1890, Van Gogh sufrió una nueva crisis que fue “el punto de partida de uno de los episodios más tristes en una vida ya plagada de tristes acontecimientos”. Este período duró hasta finales de abril, tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a escribir, sin embargo siguió dibujando y pintando.78 Hughes escribe que entre mayo de 1889 y mayo 1890, «tuvo arrebatos de desesperación y alucinación que le impedía trabajar, y entre ellos, meses en los que pudo hacerlo y lo hizo marcado por el éxtasis extremo visionario».79 Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, se disparó en el pecho con un revólver. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo. «Yo arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón destruida a medias»: éstas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de muerte el 29 de julio de 1890.80 Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.81 Y Theo como consecuencia de los trastornos mentales que le generaba una insuficiencia renal,82 probablemente por piedras en el riñón,83 aunque según otros autores su enfermedad mental se la producía la sífilis,84 85 solo poco después de la muerte de Vincent ingresó en una clínica de Utrecht, donde falleció el 25 de enero de 1891: a los seis meses de la muerte de Vincent. En 1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado junto al de su hermano.

Sin embargo, en 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no se suicidó, sino que murió por un disparo accidental efectuado por dos muchachos que jugaban con una pistola. En una biografía sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven Naifeh y Gregory White Smith mantienen que el disparo provino de René y Gaston Secrétan, dos hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que eran conocidos del pintor, por lo que no habría querido incriminarlos y se habría autoinculpado. Según los autores, René era un chico problemático al que gustaba vestirse de «cowboy», y se entretenía disparando a animales con una vieja pistola del calibre 38. Así, el 27 de julio de 1890 Van Gogh habría salido como siempre a pintar, recibiendo de forma accidental el disparo del menor de los hermanos. Según Naifeh, historiador del arte titulado en Princeton, «revisamos los testimonios iniciales que dieron lugar a la versión del suicidio, y vimos que no eran nada sólidos». Este autor afirma que en la entrevista que René Secrétan dio en 1956, el año de estreno de la película que Vincente Minnelli realizó sobre el pintor holandés, su testimonio «está lleno de culpabilidad». Esta teoría no está confirmada con otras pruebas ni aceptada por la mayoría de la comunidad académica, y el Museo Van Gogh de Ámsterdam considera prematuro valorar las conclusiones a las que han llegado estos autores

Detalle de autorretrato (1889)
Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia).87 Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet.

Impresionismo

La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura.

Posimpresionismo

Quizá Van Gogh representó mejor el posimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como Cézanne, Van Gogh y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.

Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que contiene algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenían técnicas diferentes; Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la vía del color.

Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvard Munch (autor de El Grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (autor de La entrada de Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh, después de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz del sur, le empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los Olivos de Saint-Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provenza, se caracterizan en general por remolinos y espirales. Desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del expresionismo.

En Alemania y Austria, expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán de la técnica de Van Gogh, del nerviosismo, la exageración de las líneas y colores, que hacen que surja mejor la expresión de los sentimientos y las emociones. El color y el empaste en la proyección de la pintura de Van Gogh, se formalizó quince años más tarde con el surgimiento del fauvismo. Según Van Gogh: «En lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del color para expresarme con más fuerza».

Reconocimientos

Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar a Van Gogh, para rendirle homenaje en el Salón de los Independientes, en la exposición realizada en 1891, escribió:

Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran maestro, una persona que me perturba, me emociona, llama mi atención (…) Van Gogh poseía, de una manera poco frecuente, algo que diferencia un hombre de otro: estilo (…) es decir, afirmación de la personalidad

Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consiguió el dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En sus obras consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura francesa.

Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco después del de el pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas ventas de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas, en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte) a la que siguieron otras exposiciones, como la de 1905 en Ámsterdam, o la de Colonia en 1912, Nueva York en 1913 y Berlín de 1914. Todas ellas tuvieron un gran impacto sobre las generaciones artísticas posteriores.95 A mediados del siglo XX Van Gogh fue reconocido como uno de los mayores pintores de la historia.96 97 En el año 2007, un grupo de historiadores holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su enseñanza en las escuelas e incluyó a Van Gogh como uno de los cincuenta temas del canon, junto con otros iconos nacionales como Rembrandt y De Stijl.

Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon y, finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres. Las tres obras curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888.99

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se ha pagado más en todo el mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de $53,9 millones en “Sotheby’s”, Nueva York.100 Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no pudo terminar de pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no revelada) al Getty Center de Los Ángeles. El 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por $82,5 millones en Christie’s, estableciendo así un nuevo precio récord.

Procedimientos de trabajo

La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color, el trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.

Se cree que Van Gogh hizo un reaprovechamiento de lienzos ya usados en más de un tercio de su producción durante sus primeros trabajos. En 2008, un equipo de la Universidad Tecnológica de Delft y la Universidad de Amberes utilizó avanzadas técnicas de rayos X para descubrir una imagen de la cara de una mujer pintada anteriormente e incluso conseguir su coloración, que se encontraba por debajo de la obra Mancha de hierba

Cartas

Theo van Gogh a la edad de 21 años. Theo fue un defensor permanente y amigo de su hermano mayor.
Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas, la mayor parte dirigidas a su hermano, Theo van Gogh. Se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están datadas, los historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. La recopilación de estas fuentes textuales ha sido muy valiosa para establecer las bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van Gogh. Es interesante hacer constar que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su etapa de París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo tanto hay menos información.1

Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas doscientas cartas dirigidas a amigos y familiares especialmente con su hermana Wilhelmina.106 Las cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger, quien explicó la «inquietud» que sentía al mostrar el drama de la vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros artistas para comprobar la consonancia del carácter con el arte de éstos.

Royal Albert Hall se inaguró el 29 de marzo de 1871


Royal Albert Hall

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El Royal Albert Hall es una sala de conciertos en Londres. Inaugurado el 29 de marzo de 1871, es uno de los teatros más emblemáticos del mundo y una de las construcciones más distintivas del Reino Unido. Está ubicado en Albertopolis, en el extremo norte del área de South Kensington, en la ciudad de Westminster.

El Royal Albert Hall fue construido para cumplir la visión del príncipe Alberto, consorte de la reina Victoria, de un “Salón Central” que fuera utilizado para promover las artes y las ciencias en South Kensington, rodeado de museos y centros de aprendizaje.

Iba a llamarse The Central Hall of Arts and Sciences, pero se lo renombró Royal Albert Hall of Arts and Sciences por decisión de Victoria, en memoria de su esposo.

En 1851, con motivo de la Gran Exposición en Hyde Park (Londres), se construyó el The Crystal Palace. La exposición tuvo un gran éxito y esto hizo que el príncipe Alberto propusiera la construcción de una serie de instalaciones permanentes para la cultura y educación de la gente.

La propuesta fue aprobada y el sitio fue comprado con una parte de los beneficios recaudados en la exposición. En abril de 1867 la reina Victoria firmó la «Royal Charter of the Corporation of the Hall of Arts and Sciences» para poder iniciar la construcción y operación del teatro y el 20 de mayo se colocó la primera piedra. Sin embargo, el progreso del proyecto fue muy lento y, en 1861, Alberto murió sin poder ver realizadas sus ideas. No obstante, se propuso la construcción de un monumento en su memoria, el Albert Memorial, orientado hacia el Royal Albert Hall.

La ceremonia oficial de inauguración fue el 29 de marzo de 1871. El discurso de bienvenida estuvo a cargo de Eduardo, Príncipe de Gales. Aunque Victoria no dio un discurso, sí comentó que el edificio le recordaba a la Constitución Británica.

El Royal Albert Hall, monumento clasificado de Grado 1, fue diseñado por los ingenieros civiles Francis Fowke y Henry Young Darracott Scott, de la Royal Engineers, y construido por los hermanos contratistas Thomas y Charles Lucas.3 Los diseñadores estuvieron fuertemente influenciados por la forma de los antiguos anfiteatros, así como también por las ideas de Gottfried Semper, mientras él trabajaba en el South Kensington Museum.

Para su construcción se emplearon ladrillos rojos de Fareham, con bloques de decoración hechos de terracota, fabricados por Gibbs and Canning Limited. Tiene un tamaño de 83 metros (eje mayor) por 72 metros (eje menor) y una forma elíptica. El domo, diseñado por el ingeniero Rowland Mason Ordish, está hecho de cristal y acero forjado, se encuentra a 41 metros de altura en el techo. Originalmente, el teatro fue diseñado para poder albergar 8000 personas, capacidad que ha sido aumentada hasta 9000, aunque las medidas de seguridad actuales han restringido la capacidad máxima permitida, lo que permite un cupo de 5544, incluyendo gente de pie en la Galería.

El friso

En el exterior, hay un gran friso ornamental de mosaico que abarca toda la circunferencia del teatro, y representa «El Triunfo de las Artes y las Ciencias», haciendo referencia a la dedicación del teatro. En el friso están plasmados 16 temas, en orden contrario a las manecillas del reloj, comenzando desde el norte

Inicialmente se pensó que el friso fuera esculpido en piedra, como el friso del Parnaso, que corre alrededor de la base del Albert Memorial, pero en el momento en que el friso fue propuesto, el tiempo y el dinero para la construcción del Salón estaban por agotarse, por lo que se decidió que el friso se creara como un mosaico plano.

Sobre el friso hay una inscripción con letras de terracota de 30 centímetros que combinan hechos históricos con frases bíblicas

«This Hall was erected for the advancement of the Arts & Sciences and works of industry of all nations in fulfilment of the intention of Albert Prince Consort · The site was purchased with the proceeds of the Great Exhibition of the year MDCCCLI · The first stone of the Hall was laid by Her Majesty Queen Victoria on the twentieth day of May MDCCCLXVII and it was opened by her Majesty the twenty ninth of March in the year MDCCCLXXI · Thine O Lord is the greatness and the power and the glory and the victory and the majesty for all that is in the heaven and in the earth is thine · The wise and their works are in the hand of God · Glory be to God on high and on Earth peace». «Este Salón fue construido para la promoción de las artes y las ciencias y las obras de la industria de todas las naciones, en cumplimiento de la intención del consorte el Príncipe Alberto · El sitio fue comprado con las ganancias de la Gran Exhibición del año MDCCCLI · La primera piedra del Salón fue puesta por Su Majestad la Reina Victoria el día veinte de mayo de MDCCCLXVII y fue inaugurada por Su Majestad el veintinueve de marzo en el año MDCCCLXXI · Tu Señor es la grandeza y el poder y la gloria y la victoria y el honor por todo lo que está en el cielo y en la tierra son tuyas · Los sabios y sus obras están en manos de Dios · Gloria a Dios en las alturas y paz sobre la tierra».

El friso tardó dos años en completarse y se creía, en el momento de su presentación, que era el mosaico moderno más grande en existencia.

Desde su inauguración, han pasado por su escenario artistas reconocidos internacionalmente, de música clásica hasta bandas de rock. Ha sido sede de galas benéficas, entregas de premios, banquetes, conferencias, eventos públicos y torneos de tenis. Se llevaron a cabo las graduaciones del Imperial College, acogió el Festival de Eurovisión 1968, el primero transmitido en color, y albergó a celebridades como Laura Pausini, Paul McCartney, Elton John, Slash, B.B. King, David Bisbal, Yanni, bond, Eric Clapton, Mark Knopfler, George Harrison, David Gilmour, Deep Purple, Bob Dylan, Led Zeppelin, Rod Stewart, Camel, Sting, Eric Idle, Michael Palin, Terry Jones, Terry Gilliam, Umberto Tozzi, Jack Bruce, Jimmy Page, Robert Plant, Sarah Brightman, Julio Iglesias, Mick Jagger, Muse, Frank Sinatra, Phil Collins, Pete Townshend, The Corrs, Robbie Williams, The Last Shadow Puppets, Arctic Monkeys, Enrique Iglesias, Noel Gallagher, Depeche Mode, Snow Patrol, The Stranglers, The Killers, Porcupine Tree y, recientemente Steven Wilson, Opeth, Emeli Sandé, Adele, Florence and the Machine, Mystery Jets, Foals y Juan Luis Guerra

Eventos frecuentes

The BBC Proms

El Royal Albert Hall es la sede del The BBC Proms, el mayor festival mundial de música clásica que se realiza anualmente durante el verano, con una duración de ocho semanas y con un maratón de solistas, coros y orquestas transmitido a todo el mundo por la BBC.6 Por los Proms han pasado importantes figuras de la música clásica como Adrian Boult, Malcom Sargent, Colin Davis, Georg Solti, Evgeny Kissin, Joshua Bell, John Williams (guitarrista), Luciano Pavarotti, Jessye Norman, Plácido Domingo, Sarah Brightman, Renée Fleming, Bryn Terfel y Simon Rattle, entre otros.

La tradicional última noche de los Proms es uno de los hitos del verano londinense. Es un show que concita multitudes dentro del hall y en Hyde Park y otros parques en otros lugares del reino Unido. El último concierto del festival (a menudo la Novena Sinfonía de Beethoven) finaliza con bises de clásicos la cultura victoriana como Pompa y circunstancia de Sir Edward Elgar, Land of Hope and Glory, Rule Britannia y Jerusalem.

El Cirque du Soleil ha realizado numerosas presentaciones en este teatro, iniciando en 1996 con el espectáculo Saltimbanco, extendiendo la presentación hasta 1997. En 1998 y 1999, presentaron Alegría. En 2003, después de varios años sin regresar al teatro, se presentan nuevamente con Saltimbanco. En 2004 y 2005 montan el espectáculo Dralion. En 2006 y 2007 se dio el regreso de Alegría, mientras que en el 2008, realizan la premiere de Varekai, regresando con este espectáculo en 2010, con motivo de la celebración de los 25 años del Cirque du Soleil. En 2011 y 2012 se presentan con Totem. En 2013 estarán presentando Kooza.

English National Ballet

Desde 1998, el English National Ballet se ha presentado en numerosas temporadas en sociedad con el teatro y Raymond Gubbay, incluyendo The Sleeping Beauty (2000), Romeo & Juliet (2001 y 2005), Swan Lake (2002, 2004, 2007 y 2010) y Strictly Gershwin (2008 y 2011).

Festival of Remembrance

The Festival of Remembrance de la Royal British Legion se celebra anualmente, un día antes del Rembrance Sunday. Este evento solemne, recuerda y honra a todos aquellos que han perdido la vida en los conflictos bélicos, y es a la vez una noche conmovedora y divertida.7

Teenage Cancer Trust

El Teenage Cancer Trust ha celebrado anualmente conciertos de caridad, comenzando en el año 2000. Iniciaron como un evento sencillo, pero a través de los años se han ido expandiendo hasta presentar una semana o más de presentaciones.

Roger Daltrey, vocalista de la banda británica The Who, ha estado profundamente envuelto en la realización de los conciertos para este evento.

Ceremonias de graduación
El teatro es usado anualmente por el Royal College of Art y el Imperial College London para sus ceremonias de graduación.

La Kingston University celebraba también sus ceremonias de graduación hasta 2008, año en que cambió de sede al nuevo Rose Theatre, Kingston.

Festa de la Cultura Vintage (29 de març) Encants de Barcelona


 

 

 

 

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Amb aquesta propera cita del mercat arribem a l’edició número 20 del Lost&Found Market. Són ja més de 7 anys d’un trajecte ple d’ il·lusió en el qual hem apostat, amb el suport de tots vosaltres, per posar en valor el consum d’objectes de segona mà. Estem també molt orgullosos d’haver fet la nostra petita aportació a la consolidació de la cultura vintage a la nostra ciutat, que cada dia compta amb més seguidors i projectes destacats.

I per celebrar-ho, hem decidit fer una edició especial del mercat en un emplaçament que per nosaltres suposa tot un referent: els Encants de Barcelona Així doncs el proper diumenge 29 de Març anirem als Encants per presentar la Festa de la Cultura Vintage.

Una jornada festiva que comptarà amb la participació de les parades dels Encants obertes, alguns dels nostres venedors especialitzats en productes vintage i els amics del Van Van Market (https://www.facebook.com/vanvanmarket?fref=ts) (una àmplia oferta gastronòmica servida en boniques caravanes antigues que s’ubicaran als voltants del mercat).

Vine a gaudir d’una jornada única plena de vintage, música i gastronomia en el marc incomparable dels Encants!

Edició de Juny
Avís a navegants: el proper mes de juny tornarem com sempre a la Barceloneta amb el mercat habitual, per seguir sumant més edicions al vostre costat (obertura d’inscripcions: 18 de maig)

Lost&Found Encants
On: Planta Baixa – Els Encants de Barcelona.
Quan: 29 de març 2015
Horari: 11h a 20h
Entrada públic: gratuïta.

FB Event: https://www.facebook.com/events/782049571880452/

 

 

 

 

Con esta próxima cita del mercado llegamos a la edición número 20 del Lost&Found Market. Son ya más de 7 años de un trayecto lleno de ilusión en el que hemos apostado, con el apoyo de todos vosotros, para poner en valor el consumo de objetos de segunda mano. Estamos también muy orgullosos de haber hecho nuestra pequeña aportación a la consolidación de la cultura vintage en nuestra ciudad, que cada día cuenta con más seguidores y proyectos destacados.

Y para celebrarlo hemos decidido hacer una edición especial del mercado en un emplazamiento que para nosotros es todo un referente: los Encants de Barcelona . Así que el próximo domingo 29 de Marzo nos vamos a los Encants para presentar la Fiesta de la Cultura Vintage.

Una edición especial que contará con la participación de las paradas de los Encants abiertas, algunos de nuestros vendedores especializados en productos vintage y los amigos del Van Van Market (https://www.facebook.com/vanvanmarket?fref=ts) (una amplia oferta gastronómica servida en bonitas caravanas antiguas que se ubicarán en los alrededores del mercado).

¡Ven a disfrutar de una jornada única llena de vintage, música y gastronomía en el marco incomparable dels Encants!
Edición de Junio
Aviso a navegantes: el próximo mes de junio volveremos como siempre a la Barceloneta con nuestro mercado habitual, para seguir sumando junto a todos vosotros muchas ediciones más (apertura de inscripciones: 18 de mayo)

Lost&Found Encants
Dónde: Planta Baja – Els Encants de Barcelona.
Cuándo: 29 de marzo 2015
Horario: 11h a 20h
Entrada público: gratuita.
FB Event: https://www.facebook.com/events/782049571880452/

 

Diumenge de Rams ( 29 de març)


Diumenge de Rams

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En el cristianisme el dia de Rams recorda l’entrada de Jesucrist muntat sobre un ruc a Jerusalem amb els seus deixebles, durant la pasqua jueva. Segons l’Evangeli, Jesús va ser rebut amb alegria. La gent de Jerusalem va alçar palmes i branques de llorer i d’olivera per donar-li la benvinguda.

Les palmes i els palmons són fulles de palmera tendra treballades artesanalment, que els padrins regalen als fillols el dia de Rams. Els palmons són peces més grans i senzilles, fetes a partir d’una fulla sencera de palmera. Les palmes, en canvi, requereixen molta més tècnica, perquè tenen les fulles trenades amb filigranes, seguint procediments semblants als de la cistelleria. Antigament les palmes eren més utilitzades per les nenes i els nens solien portar palmons.

Són típics de la festivitat de Rams perquè rememoren l’entrada triomfal de Jesús a Jerusalem, on segons les escriptures va ser rebut per la multitud amb rams. Al final de la missa del diumenge de Rams es fa una processó en què es beneeixen les palmes, els palmons i els rams de llorer. En algunes llars encara és tradició de penjar la palma beneïda al balcó i deixar-la-hi tot l’any, perquè hom creu que dóna protecció i bona sort.[1] Abans d’aquesta festa molts pobles i ciutats fan fires especialitzades on es poden trobar palmes, palmons i tota mena de cintes, flocs, figuretes i llaminadures per a ornar-les

El Diumenge de Rams fou una celebració multitudinària a molts països d’Europa com Alemanya, Croàcia, Espanya, Geòrgia, Itàlia, Lituània, Malta, Polònia i Portugal. Actualment ha perdut importància a moltes zones a causa de l’expansió general del laïcisme. Tot i així encara hi ha llocs al món, com les Filipines i Andalusia, on la celebració encara és de caràcter multitudinari i atreu masses de gent.

Als Països Catalans, tradicionalment, el dia de Rams es commemora anant a l’església a beneir el palmó dels nens, la palma de les nenes, o una branqueta de llor. Generalment també són els padrins els que regalen les palmes i palmons als fillols

Per tota la geografia catalana es representa La Passió, sent les més famoses les d’Esparreguera i Olesa.

A la Ciutat Vella de Barcelona té lloc la Processó de la Burreta en la que una representació de Jesucrist entra al barri vell muntat sobre un ase.

A Santa Coloma de Gramenet surt la Processó de la Borriquita, Borriquilla o Camarón (per la sembança de Jesucrist amb el cantant Camarón de la Isla).

A Lloret de Mar, La Selva, es fa el tradicional repartiment de llor És tradició a les comarques gironines, que el padrí i la padrina regalin un tortell al seu fillol o fillola

Cambio de hora 2015: Este domingo, a las 2.00 serán las 3.00


El objetivo es aprovechar mejor la luz solar y consumir menos electricidad

Cambio de hora 2015: Este domingo, a las 2.00 serán las 3.00

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Este domingo, a las 2.00 serán las 3.00

La madrugada del próximo domingo, 29 de marzo, comenzará oficialmente el horario de verano, con el cambio de hora. Habrá que adelantar el reloj y a las 2.00 serán las 03.00 horas.

El cambio supone un ahorro potencial estimado de energía que podría alcanzar el 5%, según estimaciones del Instituto de Diversificación para el Ahorro Energético (IDAE). El adelanto de la hora está fijado por una Directiva Comunitaria del año 2000, por lo que rige en el conjunto de la Unión Europea el «cambio de hora».

El cambio de hora se generalizó de forma desigual desde 1974, a raíz de la primera crisis del petróleo, por la que algunos países decidieron adelantar sus relojes para aprovechar mejor la luz solar y consumir menos electricidad en iluminación.

En España y la Unión Europea se aplica desde 1981 con una Directiva que ha sido renovada cada cuatro años hasta que en el año 2001 se consolidó su carácter indefinido. El cambio se realiza el último domingo de marzo y el horario estival se mantiene hasta el último domingo de octubre, cuando volverá a regir la hora «normal» o de invierno y se deberá retrasar una hora.

La UE entiende en su Directiva que este cambio contribuye al «buen funcionamiento» de algunos sectores, como los de transportes y de comunicaciones, pero también otras ramas de la industria y, por ello requiere una programación a largo plazo.

Para IDAE, tras analizar «exhaustivamente» las repercusiones, la medida tiene impactos «positivos» no solo sobre el ahorro sino sobre otros sectores como el transporte, las comunicaciones, la seguridad vial, las condiciones de trabajo y los modos de vida, la salud, el turismo o el ocio.

En concreto, el potencial de ahorro de iluminación en España por el cambio de hora puede llegar al 5 por ciento del consumo eléctrico en iluminación, un dato que equivale, según los precios de 2014, a unos 300 millones de euros, de los que 210 se ahorrarían en edificios del sector terciario y la industria y de 90 millones en las viviendas, es decir unos 6 euros por hogar.

En este contexto, el IDAE recomienda «contribuir» al ahorro energético durante todo el año haciendo un «uso inteligente» de la iluminación y propone seguir pautas o hábitos que pueden permitir un ahorro de hasta 100 euros al año «sin renunciar al confort».

Finalmente, aconseja aprovechar la luz natural; acordarse de apagar la luz cuando se salga de una habitación; usar bombillas de bajo consumo y lámparas LED como alternativa eficiente a las lámparas halógenos; usar iluminación localizada; decorar las viviendas con colores claros; limpiar con regularidad las fuentes de luz; usar reguladores electrónicos de flujo para las halógenas; acordarse de los tubos fluorescentes en baños, cocinas, trasteros y garajes e instalar detectores de presencia en zonas de paso.

3a temporada de l’Orquestra Camera Musicae al Palau de la Música Catalana ( del 28 de març al 16 de juliol)


3a temporada de l’Orquestra Camera Musicae al Palau de la Música Catalana

DEL 28 DE MARÇ AL 16 DE JULIOL

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Concert 1: dissabte 28 de març de 2015, 18h, Sala de Concerts: LA CINQUENA DE BEETHOVEN i JUDITH JÁUREGUI. Obres de Beethoven – Judith Jáuregui, piano – Tomàs Grau, director

Concert 2: dilluns 27 d’abril de 2015, 19h, Sala de Concerts: FRAGMENTS i ESCENES DE MUSICALS (Concert extraordinari, fora d’abonament). Obres de Guinovart – Cor Jove de l’Orfeó Català – Albert Guinovart, piano i direcció – Esteve Nabona, director

Concert 3: divendres 22 de maig de 2015, 20.30h, Petit Palau: EL AMOR BRUJO 1915-2015. Falla i la influència de París. Obres de Falla, Ravel i Debussy – Tomàs Grau, director

Concert 4: diumenge 14 de juny de 2015, 18h, Petit Palau: LA SIMFONIA CONCERTANT. Obres de Mozart, Atterberg i Grieg. Oleguer Beltran, concertino-director – Joaquín Riquelme, viola

Concert 5: dijous 16 de juliol de 2015, 20.30h, Sala de Concerts: DE CATALUNYA AL MÓN – Marta Mathéu, soprano – Albert Guinovart, piano – Tomàs Grau, director

El preu de les entrades és de 25€ i 20€ en el cas de la Sala de Concerts i de 15€ en el cas del Petit Palau. Consulteu descomptes i abonaments a través del web del Palau de la Música Catalana: http://www.palaumusica.cat

Sobre l’OCM

L’Orquestra Camera Musicae (OCM) de la demarcació de Tarragona, fundada l’any 2006, va néixer en el marc de la companyia d’òpera del mateix nom amb l’objectiu de participar en les seves representacions operístiques. El setembre de 2007 es va presentar al públic en solitari.

D’ençà de la temporada 2008-09, l’OCM organitza la seva pròpia temporada de concerts, amb caràcter estable, on compagina el repertori clàssic amb la descoberta de noves obres i de nous compositors.

L’Orquestra va iniciar la temporada 2009-2010 el seu projecte de residència a l’Auditori de l’Escola Municipal de Música Pau Casals del Vendrell, vigent en l’actualitat.

L’OCM ha gaudit d’una gran rebuda per part del públic i ha estat seleccionada per participar en cites de la importància del San Miguel Mas i Mas Festival, el Festival de Música de Llívia, el Festival Interludi de Calonge, el Festival Internacional de Sabadell, el Festival Internacional de Cambrils, el Festival Internacional d’Altafulla o el Festival de Rialp, entre d’altres. Així mateix ha actuat en sales de concert com L’Auditori de Barcelona, el Teatre Principal de Maó i el Palau de la Música Catalana, on produeix la seva pròpia temporada de concerts d’ençà de la temporada 2012-2013. L’OCM també desenvolupa una temporada de concerts pròpia al Teatre Tarragona i al Teatre Fortuny de Reus.

De manera paral·lela a la seva activitat concertística, l’OCM ha enregistrat els discs Mediterráneo i Un conte de Nadal, i prepara diversos enregistraments, entre els quals destaca el de l’òpera Alba Eterna, del pianista i compositor Albert Guinovart, i el d’Estrenes de l’OCM, on quedaran reflectits tots els encàrrecs realitzats per la formació tarragonina al llarg d’aquests anys.

Des del seu inici, Tomàs Grau n’és el director titular i artístic, i des de la temporada de concerts 2012-13 el flautista Claudi Arimany exerceix el rol d’artista en residència. A partir d’aquesta temporada 2014-15, Jordi Mora és el principal director convidat de la formació.

L’Orquestra Camera Musicae compta amb el suport de l’Institut Català de les Empreses Culturals i de la Diputació de Tarragona, el patrocini de Repsol i de la Fundació Privada Mútua Catalana, i la col·laboració de Port Tarraco i Munich. És membre de l’Associació Catalana d’Orquestres Professionals.