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Ava Gardner Murió en Londres de una neumonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.

Ava Gardner
Murió en Londres de una neumonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.

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Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 – Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine clásico estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue «el animal más bello del mundo»

Ava Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Brogden, en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. Su madre, Molly, era una mujer bautista de orígenes irlando-escoceses e ingleses y su padre, Jonas Bailey Gardner, era un hombre católico de ascendencia irlandesa y amerindia. Cuando los hermanos aún eran pequeños, la familia Gardner perdió la propiedad que tenía en Brogden y Jonas Gardner se vio obligado a trabajar como aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en el colegio mayor de Brogden.

Al cumplir Ava 13 años, toda la familia se trasladó a Newport News, en el estado de Virginia, esperando mejorar su suerte. Pero, en poco tiempo, ante las dificultades de encontrar empleo, tuvieron que volver a mudarse a Rock Ridge, un suburbio de Wilson (Carolina del Norte). El año 1935 su padre, Jonas Gardner, murió de bronquitis y Ava y algunos de sus hermanos decidieron acudir a la escuela de Rock Ridge con el fin de graduarse. De esta forma, Ava pudo ir posteriormente a clases de secretariado en el Atlantic City Christian College.

Con 18 años, Ava se había convertido en una bella joven de ojos verdes y una preciosa melena de color castaño. Así, el año 1941, mientras estaba visitando a su hermana Beatriz en Nueva York, el marido de ésta, que era fotógrafo, le pidió si le podía hacer algunas fotos y, satisfecho con el resultado, decidió colgarlas en el escaparate de su Estudio Fotográfico de la Quinta Avenida.

Dio la casualidad de que, mientras sus fotografías estaban expuestas en el establecimiento de su cuñado, Barnard «Barney» Duhan, un cazatalentos de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, las vio y decidió ponerse en contacto con ella. Duhan entró en la tienda y pidió su número de teléfono pero, no consiguió que nadie se lo diera. Finalmente, se fue comentando que «alguien tenía que enviar información de ella a la MGM» y su hermana lo hizo inmediatamente. En poco tiempo, Ava, que aún era una estudiante del Atlantic Christian College, viajó de nuevo a Nueva York para entrevistarse con los directivos que la MGM tenía en las oficinas de la ciudad y aquel mismo año se le ofreció un contrato de siete años con la compañía. En 1941 dejó la escuela para ir a Hollywood con su hermana Beatriz y lo primero que hizo fue ir a clases de arte dramático y de dicción ya que su acento de Carolina del Norte era prácticamente incomprensible.

Fue en el año 1942 cuando comenzó a intervenir como protagonista en películas y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), una comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Béla Lugosi, o Three men in white de 1944, una comedia-drama de médicos en la que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.

Su gran oportunidad llegó en 1946 con dos títulos: el thriller Whistle stop, en el que tiene un papel principal junto al mítico -y hoy olvidado- George Raft; y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway Los asesinos, donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y al siempre excelente Edmond O’Brien. Esta última película será la que la ponga en el mapa dentro de la industria de Hollywood.

En los siguientes años despunta en The hucksters (junto a Clark Gable), Venus era mujer (comedia más bien bobalicona pero simpática) y Soborno (1949), estupendo thriller dramático donde actúa junto a Robert Taylor, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas.

A partir de aquí, comienza su reinado encadenando producciones de muchos medios para los grandes estudios, y realizando grandes interpretaciones. Sobresalen: El gran pecador (drama moral -que no moralista- con grandes trabajos de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guion impecable), Mundos opuestos (1949, donde la actriz trabaja en pantalla junto a James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin), Pandora y el holandés errante (1951), drama onírico-vanguardista, donde Ava actuaba con James Mason y otra de sus sonadas conquistas, el torero Mario Cabré, rodando el film parcialmente en España y llenando los titulares de la prensa de la época. En esta etapa comienzan sus escalas en Madrid, sus estancias en España y sus amores (con Luis Miguel Dominguín, etc).

Rodó Magnolia, remake de una legendaria obra musical de Broadway, finalmente los productores decidieron que no utilizase su propia voz en las partes cantadas. Trabajó con Howard Keel y Agnes Moorehead. Luego actuó en Mi pasado prohibido junto a Robert Mitchum (1951), con quien mantuvo otro de sus affaires. Siguieron las películas: Las nieves del Kilimanjaro (su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward) y Mogambo (1953), film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava actúa junto a la bella Grace Kelly, al lado de un imponente Clark Gable.

Tras Los caballeros del rey Arturo, clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud. Todavía brilla en La condesa descalza, en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth, donde da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones -si no la mejor-, acompañada por Humphrey Bogart, Edmond O´Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.

Luego llegan films de menor éxito y/o entidad: el drama romántico-de aventuras Destinos cruzados (junto a Stewart Granger), la comedia de origen teatral La cabaña (junto a David Niven), su tercer Hemingway llamado en España Fiesta (al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones), la biografía de la Duquesa de Alba en La Maja Desnuda (1958; con Tony Franciosa encarnando a Goya) y el drama On the Beach ( La hora final, en España), sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear, que Stanley Kramer rodó en 1959 junto a Gregory Peck y Fred Astaire.

Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como «el animal más bello del mundo», slogan que Ava odiaba.

Los años 60 van a cambiar todo esto, tanto porque Ava Gardner va envejeciendo como porque cambian los gustos del público. En 1960 actúa en El ángel vestía de rojo junto a su amigo Dirk Bogarde, película que tuvo que ser rodada en Italia, pese a estar ambientada durante la Guerra civil española.

Ella encuentra mayor dificultad a la hora de encontrar papeles de altura, o al desechar títulos memorables como Dulce pájaro de juventud, La Pantera Rosa o El Graduado, entre otros. No obstante, tres películas sobresalen de esta etapa: en 55 días en Pekín (1963), realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con Charlton Heston y David Niven a su lado. Siete días de mayo (1963) es casi la mejor película estadounidense de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director -John Frankenheimer- donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March. Por último, en 1964 protagonizó La noche de la iguana (dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams), destacándose junto a Richard Burton y Deborah Kerr.

Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en películas que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: La Biblia (1966), superproducción dirigida por John Huston, y Mayerling (1968), en la que trabajó con Omar Sharif y Catherine Deneuve.

A partir de 1969 Gardner se instaló en Londres, donde vivió parcialmente retirada. En este año actúa bajo las órdenes del actor/director Roddy McDowall en el filme La balada de Tam Lin donde McDowall le rinde un homenaje a su belleza. Esta película fue reeditada y lanzada en 1972 bajo el título La viuda diabólica.

Dos películas de los años 70, El juez de la horca (1972) y Terremoto (1974) fueron grandes éxitos, cintas dignas y bastante apreciables y buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física. También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton: El hombre que decidía la muerte. Por último, Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial El pájaro azul (1976), junto a Elizabeth Taylor, Jane Fonda y Cicely Tyson, primera coproducción en plena guerra fría entre EE.UU. y la ex Unión Soviética.

Posteriormente intervino en el filme de género catástrofe El puente de Cassandra (1977) junto a Sophia Loren, Burt Lancaster, Richard Harris, Martin Sheen y O.J. Simpson, en la interesante cinta de terror La centinela (al lado de Christina Raines y Chris Sarandon) (1977), en Ciudad en llamas (1979) y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso: El secuestro del presidente (1980), donde el susodicho era el notable Hal Holbrook). Actuó también en el filme biográfico del escritor D.H. Lawrence, El sacerdote del amor (1981), junto a Ian McKellen y John Gielgud.

Su último trabajo para el cine fue en 1982 en Regina, junto a Anthony Quinn, rodada íntegramente en Cinecittá, donde componía a una mamma posesiva y tirana. Esta película no fue estrenada comercialmente, y fue conocida a través del VHS.

Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como Harem, junto a Omar Sharif, y Knots Landing. También participaría en la serie Anno Domini, donde interpreta a Agripina, la inescrupulosa madre del emperador Nerón, y en una nueva versión de El largo y cálido verano, junto a Jason Robards, Don Johnson y Cybill Shepherd. Su última labor actoral la realizó en el piloto de una serie televisiva junto a Stefanie Powers, titulada Maggie, que no llegó a estrenarse.

Ava Gardner fue pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes cuyas propuestas de matrimonio siempre rechazó, si bien nunca rechazó ninguno de sus espléndidos regalos. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tormentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, y que fue seguramente el amor de su vida, así como ella el de él. Se cuenta que aún en su vejez, escuchaba en su casa los discos de Frank.

Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron una histerectomía.

Murió en Londres de una neumonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.

Filmografía

Ava Gardner en Cruce de destinos (1956).Maggie (Tv, 1986, inédita)
The long hot summer (TV, Un largo y cálido verano, 1985)
Knots Landing (TV, 1985)
Harem (TV, 1985)
A.D. Anno Domini (TV, 1984)
Regina Roma (íd., 1982)
Priest of Love («Sacerdote del amor», 1981)
The Kidnapping of the President (El secuestro del presidente, 1980)
City on Fire («Emergencia», 1979, Alvin Rakoff)
The Sentinel (La centinela, 1977, Michael Winner)
El puente de Casandra (1977, George Pan Cosmatos)
The Blue Bird («El pájaro azúl», 1976, George Cukor)
Permission to Kill («El hombre que decidía la muerte», 1975, Cyril Frankel)
Terremoto (1974, Mark Robson)
The Life and Times of Judge Roy Bean («El juez de la horca», 1972, John Huston)
The Ballad of Tam Lin. (1969) aka: The Devil’s Widow (1972)
Go west (1971) (F.A.D)
Mayerling (íd., 1968, Terence Young)
La biblia («The bible», 1966, John Huston)
La noche de la iguana («The night of iguana», 1964, John Huston)
Siete días de mayo (1964, John Frankenheimer)
55 días en Pekín («55 days at Peking», 1963, Nicholas Ray)
The Angel Wore Red («Los ángeles visten de rojo», 1960, Nunnally Johnson)
La hora final (1959, Stanley Kramer)
La maja desnuda (1959)
Sun Also Rises, The («Fiesta», 1957)
Little Hut, The («La cabaña», 1957, Mark Robson)
Bhowani Junction («Cruce de destinos», 1956, George Cukor)
La condesa descalza (1954, Joseph L. Mankiewicz)
Knights of the Round Table («Los caballeros del rey Arturo», 1953, Richard Thorpe)
Mogambo (íd., 1953, John Ford)
Ride, Vaquero! (1953, John Farrow)
Las nieves del Kilimanjaro (1952, Henry King)
Lone Star («Estrella del destino», 1952, Vincent Sherman)
Show Boat («Magnolia», 1951, George Sidney)
My Forbidden Past («Odio y orgullo», 1951, Robert Stevenson)
Pandora y el holandés errante (1951, Albert Lewin)
East Side, West Side («Mundos opuestos», 1949, Mervyn LeRoy)
The Great Sinner («El gran pecador, 1949, Robert Siodmak)
The Bribe («Soborno», 1949, Robert Z. Leonard)
One Touch of Venus («Venus era mujer», 1948, William A. Seiter)
The Hucksters (1947)
Singapore (1947)
The Killers ( Forajidos’ en españa, 1946, Robert Siodmak)
Whistle Stop (íd., 1946)
She Went to the Races (1945)
Three Men in White (1944)
Maisie Goes to Reno (1944)
Ghosts on the Loose («La casa encantada», 1943)
Mighty Lak a Goat (1942)
Joe Smith, American (1942)

Adeline Virginia Woolf (Stephen de soltera); (Londres, 25 de enero de 1882 – Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941)

Virginia Woolf

VirginiaWoolf

Adeline Virginia Woolf (Stephen de soltera); (Londres, 25 de enero de 1882 – Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941) fue una novelista, ensayista, escritora de cartas, editora, feminista y escritora de cuentos británica, considerada como una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX.

Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura significativa en la sociedad literaria de Londres y un miembro del grupo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando: una biografía (1928), Las olas (1931), y su largo ensayo Una habitación propia (1929), con su famosa sentencia «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción». Fue redescubierta durante la década de 1970, gracias a este ensayo, uno de los textos más citados del movimiento feminista, que expone las dificultades de las mujeres para consagrarse a la escritura en un mundo dominado por los hombres.

Virginia Woolf nació con el nombre de Adeline Virginia Stephen en Londres en 1882. Su padre era el novelista, historiador, ensayista, biógrafo y montañero Sir Leslie Stephen (1832-1904).4 La madre, una belleza famosa, Julia Prinsep Jackson (1846-1895) era la segunda esposa de su padre; había nacido en la India, hija del Dr. John y Maria Pattle Jackson y más tarde se había trasladado a Inglaterra con su madre, donde sirvió de modelo para los pintores prerrafaelitas como Edward Burne-Jones.5 Sus padres habían estado casados previamente y habían enviudado, y, en consecuencia, el hogar tenía hijos de los tres matrimonios. Leslie tenía una hija de su primera esposa, Minny Thackeray: Laura Makepeace Stephen, que fue declarada mentalmente incapaz y vivió con la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico en 1891.6 Julia tenía tres hijos de su primer marido, Herbert Duckworth: George (1868-1934), Stella (1869-1897) y Gerald Duckworth (1870-1937). Leslie y Julia tuvieron otros cuatro hijos juntos: Vanessa Stephen (1879), Thoby Stephen (1880), Virginia (1882), y Adrian Stephen (1883).

La joven Virginia fue educada por sus padres en su literario y bien relacionado hogar del número 22 de Hyde Park Gate, Kensington. Asiduos visitantes al domicilio de los Stephen fueron, por ejemplo, Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James y Edward Burne-Jones. Aunque no fue a la escuela, Woolf recibió clases de profesores particulares y de su padre. La eminencia de Sir Leslie Stephen como editor, crítico y biógrafo, y su relación con William Thackeray (era el viudo de la hija menor de Thackeray), significaba que sus hijos fueron criados en un entorno lleno de las influencias de la sociedad literaria victoriana. Henry James, George Henry Lewes, Julia Margaret Cameron (tía de Julia Stephen) y James Russell Lowell, que fue el padrino honorífico de Virginia, estaban entre los visitantes de la casa. Julia Stephen estaba igualmente bien relacionada. Descendía de una camarera de María Antonieta, provenía de una familia de famosas bellezas, que dejaron su impronta en la sociedad victoriana como modelos para los artistas prerrafaelistas y los primeros fotógrafos. Además, acompañando a estas influencias, estaba la inmensa biblioteca en la casa de los Stephen, de la que Virginia y Vanessa (a diferencia de sus hermanos, que recibieron una educación formal) aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Sin embargo, según las memorias de Woolf, sus recuerdos más vívidos de la infancia no fueron de Londres sino de St Ives en Cornualles, donde la familia pasó sus vacaciones de verano entre 1882 y 1894. La casa de veraneo de los Stephen, Talland House, tenía vistas a la playa de Porthminster y al faro de Godrevy. Todavía se alza en el mismo lugar, aunque en cierta medida alterada. Recuerdos de esas vacaciones familiares e impresiones del paisaje, especialmente el faro de Godrevy, impregnaron la ficción que Woolf escribió en años posteriores, principalmente Al faro.

Pronto padeció Virginia la primera de sus depresiones, con la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando Virginia tenía trece años de edad, y la de su medio hermana Stella dos años después, quien había tomado las riendas del hogar familiar tras la muerte de Julia Stephen, pero abandonó la casa paterna para casarse con Jack Hills y falleció durante la luna de miel, a causa de una peritonitis.

La muerte de su padre por cáncer en 1904 provocó un ataque alarmante y fue brevemente ingresada. Sus crisis nerviosas y posteriores períodos recurrentes de depresión, los modernos eruditos (incluido su sobrino y biógrafo, Quentin Bell) han sugerido, estuvieron también influidos por los abusos deshonestos que ella y su hermana Vanessa padecieron a manos de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth8 (que Woolf recuerda en sus ensayos autobiográficos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate). Las circunstancias exactas no se conocen bien, pero se cree que contribuyeron al problema psicológico que sufrió la autora, un trastorno bipolar. En su texto autobiográfico A Sketch of the Past, la propia Virginia Woolf solo aludió a estas desdichadas experiencias de forma velada, de acuerdo con la rígida moral de la época victoriana. Su biógrafa Hermione Lee escribió que: «Las pruebas son suficientes, pero también lo bastante ambiguas como para posibilitar interpretaciones psicobiográficas contradictorias, que presentan imágenes completamente diferentes de la vida interior de Virginia Woolf».

A lo largo de su vida, Woolf se vio acosada por periódicos cambios de humor y enfermedades asociadas. Aunque esta inestabilidad a menudo influyó en su vida social, su productividad literaria continuó con pocas interrupciones hasta su suicidio.

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Después de la muerte de su padre, y segunda crisis nerviosa de Virginia, Vanessa y Adrian vendieron el número 22 de Hyde Park Gate y compraron una casa en el número 46 de Gordon Square en Bloomsbury. Se estableció con su hermana Vanessa –pintora que se casaría con el crítico Clive Bell – y sus dos hermanos en el barrio londinense de Bloomsbury, que se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury.11 Tras estudios en King’s College de Cambridge,12 y King’s College de Londres, Woolf conoció a Lytton Strachey, Clive Bell, Rupert Brooke, Saxon Sydney-Turner, Duncan Grant y Leonard Woolf. Varios miembros del grupo de Bloomsbury atrajeron notoriedad en 1910 con el Dreadnought hoax, en el que Virginia participó disfrazada de un miembro de la familia real abisinia. Su charla completa en 1940 sobre el engaño del Dreadnought ha sido descubierta recientemente y está publicada en las memorias recogidas en la versión extensa de The Platform of Time (2008). Los artistas del grupo de Bloomsbury compartían ciertos criterios estéticos. Mostraban cierto rechazo hacia la clase media alta a la que pertenecían, y se consideraban herederos de las teorías estecistas de Walter Pater que tuvieron resonancia a finales de siglo XIX. Dentro de este grupo hubo intensas relaciones intelectuales, pero también emotivas y personales. Formaron parte de él, la pintora Dora Carrington y los escritores Gerald Brenan y Lytton Strachey, entre otros.

En 1912, cuando contaba treinta años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y miembro también del grupo de Bloomsbury. A pesar de su bajo rango social y económico – Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un «judío sin un céntimo» – la pareja compartió un lazo muy fuerte. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: «Hacer el amor — después de 25 años que no podemos tolerar el estar separados … ver que es un enorme placer ser deseado: una esposa. Y nuestro matrimonio tan completo». Los dos colaboraron también profesionalmente, fundando juntos en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot, Sigmund Freud, Laurens van der Post y otros.13 La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson. Después de un comienzo tentativo, comenzaron una relación sexual que duró la mayor parte de los años 1920.14 En 1928, Woolf regaló a Sackville-West la obra Orlando, una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos. Nigel Nicolson, hijo de Vita Sackville-West, la consideró «la carta de amor más larga y encantadora en la historia de la literatura»14 Después de que acabara su romance, las dos mujeres siguieron siendo amigas hasta la muerte de Woolf en 1941. Virginia Woolf también permaneció estrechamente relacionada con sus parientes supervivientes, Adrian y Vanessa; Thoby había muerto de enfermedad a los veintiséis años de edad.

Durante su vida, sufrió una enfermedad mental hoy conocida como trastorno bipolar. Después de acabar el manuscrito de una última novela (publicada póstumamente), Entre actos, Woolf padeció una depresión parecida a la que había tenido anteriormente. El estallido de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz y la fría acogida que tuvo su biografía sobre su amigo Roger Fry empeoraron su condición hasta que se vio incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó. Se puso su abrigo, llenó sus bolsillos con piedras y se lanzó al río Ouse cerca de su casa y se ahogó. Su cuerpo no fue encontrado hasta el 18 de abril. Su esposo enterró sus restos incinerados bajo un árbol en Rodmell, Sussex.

En su última nota a su marido escribió:

I feel certain I am going mad again. I feel we can’t go through another of those terrible times. And I shan’t recover this time. I begin to hear voices, and I can’t concentrate. So I am doing what seems the best thing to do. You have given me the greatest possible happiness. You have been in every way all that anyone could be. I don’t think two people could have been happier till this terrible disease came. I can’t fight any longer. I know that I am spoiling your life, that without me you could work. And you will I know. You see I can’t even write properly. I can’t read. What I want to say is I owe all the happiness of my life to you. You have been entirely patient with me and incredibly good. I want to say that everybody knows it. If anybody could have saved me it would have been you. Everything has gone from me but the certainty of your goodness. I can’t go on spoiling your life any longer. I don’t think two people could have been happier than we have been. Siento que voy a enloquecer de nuevo. Creo que no podemos pasar otra vez por una de esas épocas terribles. Y no puedo recuperarme esta vez. Comienzo a oír voces, y no puedo concentrarme. Así que hago lo que me parece lo mejor que puedo hacer. Tú me has dado la máxima felicidad posible. Has sido en todos los sentidos todo lo que cualquiera podría ser. Creo que dos personas no pueden ser más felices hasta que vino esta terrible enfermedad. No puedo luchar más. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí tú podrás trabajar. Lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiera escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirlo —todo el mundo lo sabe. Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo. V.

Woolf comenzó a escribir profesionalmente en 1905, inicialmente para el Times Literary Supplement con una pieza de periodismo sobre Haworth, hogar de la familia Brontë. Su primera novela, Fin de viaje, se publicó en 1915 por la editorial de su medio hermano, Gerald Duckworth and Company Ltd. En esta novela, como en Noche y día la escritora ya se muestra dispuesta a romper los esquemas narrativos precedentes, pero apenas merecieron consideración por parte de la crítica. Sólo tras la publicación de La señora Dalloway y Al faro, los críticos comenzaron a elogiar su originalidad literaria. En estas obras destacan la maestría técnica y el afán experimental de la autora, quien introducía imágenes propias de la poesía en sus narraciones.

La obra de Woolf puede entenderse como un diálogo con Bloomsbury, particularmente su tendencia (informada por G.E. Moore, entre otros) hacia el racionalismo doctrinario.20 Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia. Influida por la filosofía de Henri Bergson[cita requerida], Woolf experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual, en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje, como en su relación con el tiempo histórico y colectivo. Así, Orlando (1928) constituye una fantasía libre, basada en algunos pasajes de la vida de Vita Sackville-West, en que la protagonista vive cinco siglos de la historia inglesa. Se distingue del resto de novelas al intentar representar a una persona real, hacer «Una biografía», como dice el subtítulo. En Las olas (1931) las reflexiones de los seis protagonistas se asemejan a recitativos y crean un ambiente de poema en prosa.

La última obra de Woolf, Entre actos (1941) resume y magnifica sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre temas del flujo del tiempo y de la vida. Es el más lírico de sus libros, escrito principalmente en verso.

Escribió asimismo una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que resaltó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora. En Una habitación propia revela la evolución de su pensamiento feminista. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush) y otra sobre el crítico R. Fry (Fry). Asimismo, junto a E. M. Forster, llegó a escribir una carta a varios periódicos ingleses sobre el efecto que la censura tenía sobre el ánimo de los escritores, a raíz del intento del Sunday Express de condenar la novela de temática lésbica El pozo de la soledad (The Well of Loneliness, en inglés), de Hall.

La obra novelística de Virginia Woolf recibe influjos de Marcel Proust, James Joyce, Dorothy Richardson, Katherine Mansfield y posiblemente Henry James. Lo que le es realmente característico, lo que la hace prominente entre sus contemporáneos es precisamente que trató de hallar un camino nuevo para la novela, apartándose y dejando de lado el realismo imperante y abandonando la convención de la historia así como la tradicional descripción de los personajes.

Woolf siguió publicando novelas y ensayos como un intelectual pública con éxito tanto de crítica como de público. Gran parte de su obra la publicó a través de la Hogarth Press. Ha sido saludada como una de las grandes novelistas del siglo XX y una de las más destacadas modernistas.

Woolf está considerada una de las grandes renovadoras del idioma inglés. En sus obras ella experimentó con la corriente de pensamiento y lo psicológico subyacente así como los motivos emocionales de los personajes. La reputación de Woolf declinó profundamente después de la Segunda Guerra Mundial, pero su eminencia fue restablecida con el auge de la crítica feminista en los años 1970.

Su obra fue criticada por epitomar el estrecho mundo de la intelectualidad inglesa de clase media. Algunos críticos juzgaban que carecía de universalidad y hondura, sin el poder de comunicar nada de relevancia emotiva o ética al desilusionado lector medio, cansado de los estetas de los años veinte. También la criticaron por anti-semita, a pesar de estar felizmente casada con un judío. Este antisemitismo se saca del hecho de que ella a menudo escribió sobre personajes judíos en arquetipos y generalizaciones estereotípicos.28 El creciente antisemitismo de los años veinte y treinta tuvo una influencia inevitable en Virginia Woolf. Escribió en su diario, «No me gusta la voz judía; no me gusta la risa judía.» Sin embargo, en una carta de 1930 al compositor Ethel Smyth, citada en la biografía de Nigel Nicolson, Virginia Woolf, recuerda que presumía del judaísmo de Leonard confirmando sus tendencias snob, «Cómo odié casarme con un judío – Menuda snob que era, pues ellos tienen una inmensa vitalidad.»29 En otra carta a su querida amiga Ethel Smyth, Virginia da una mordaz denuncia del Cristianismo, apuntando a su «egotismo» con pretensiones de superioridad moral y afirmando que «mi judío tiene más religión en la uña de un pie –más amor humano, en un pelo.»30 Virginia y su esposo Leonard Woolf realmente odiaban y temieron al fascismo de los años treinta con su antisemitismo sabiendo que ellos estaban en la lista negra de Hitler. Su libro de 1938 Tres guineas era una censura al fascismo.

Las peculiaridades de Virginia Woolf como escritora de ficción han tendido a oscurecer su fuerza central: Woolf es sin duda la más grande novelista lírica en el idioma inglés. Sus novelas son altamente experimentales: una narrativa, frecuentemente sin acontecimientos y lugares comunes, se refracta – y a veces casi se disuelve—en la conciencia receptiva de los personajes. Un intenso lirismo y virtuosismo estilístico se funden para crear un mundo abundante con impresiones auditivas y visuales.

Recientemente, los estudios sobre Virginia Woolf se han centrado en temas feministas y lésbicos en su obra, como en la colección de 1997 o ensayos críticos, Virginia Woolf: Lesbian Readings, edición de Eileen Barrett y Patricia Cramer. Más controvertidamente, Louise A. DeSalvo interpreta la mayor parte de la vida y carrera de Woolf a través de la lente del abuso sexual incestuoso que experimentó Woolf cuando joven en su libro de 1989 Virginia Woolf: The Impact of Childhood Sexual Abuse on her Life and Work.

La ficción de Woolf también se estudia por su penetración en temas como neurosis de guerra, guerra, clase y la moderna sociedad británica. Sus mejores obras de no ficción, Una habitación propia (1929) y Tres guineas (1938), examinan las dificultades que las escritoras e intelectuales tienen que afrontar porque los hombres tienen un poder legal y económico desproporcionado, y el futuro de las mujeres en la educación y la sociedad.

El libro de Irene Coates Quién teme a Leonard Woolf: un caso por la cordura de Virginia Woolf asume la tesis de que el tratamiento que Leonard Woolf dio a su esposa fomentó su mala salud y al final fue el responsable de su muerte. La tesis, no aceptada por la familia de Leonard, ha sido ampliamente investigada y llena algunos de los vacíos en el relato habitual de la vida de Virginia Woolf. Por el contrario, el libro de Victoria Glendinning Leonard Woolf: A Biography, que tiene aún más amplia investigación y está apoyado en testimonios contemporáneos, argumenta que Leonard Woolf no sólo apoyó ampliamente a su esposa, sino que la permitió vivir todo ese tiempo proporcionándola la vida y la atmósfera que necesitaba para vivir y escribir. Relatos del supuesto anti-semitismo de Virginia (Leonard fue un judío secular) no sólo se toman en su contexto histórico sino gravemente exagerados. Los propios diarios de Virginia apoyan este punto de vista del matrimonio de los Woolf.

En vida de Virginia Woolf apareció al menos una biografía. El primer estudio autorizado de su vida se publicó en 1972 por su sobrino, Quentin Bell. En 1992, Thomas Caramagno publicó el libro The Flight of the Mind: Virginia Woolf’s Art and Maniac-Depressive Illness. La biografía de Hermione Lee Virginia Woolf (1996) proporciona un examen riguroso y fidedigno de la vida y obra de Woolf. En 2001 Louise DeSalvo y Mitchell A. Leaska editaron The Letters of Vita Sackville-West and Virginia Woolf. La obra de Julia Briggs, Virginia Woolf: An Inner Life, publicada en 2005, es el examen más reciente de la vida de Woolf. Se centra en los escritos de Woolf, incluyendo sus novelas y sus comentarios sobre el proceso creativo, para arrojar luz sobre su vida. El libro de Thomas Szasz My Madness Saved Me: The Madness and Marriage of Virginia Woolf (ISBN:0-7658-0321-6) se publicó en 2006.

La obra de Rita Martin Flores no me pongan (2006) considera los últimos minutos de la vida de Woolf para debatir temas polémicos como la bisexualidad, el judaísmo y la guerra. Escrito en castellano, la obra fue interpretada en Miami con dirección de la actriz Miriam Bermúdez.

En el cine

¿Quién teme a Virginia Woolf? fue una obra de teatro estadounidense (1962) de Edward Albee y una película (1966) dirigida por Mike Nichols (guion de Ernest Lehman adaptado a partir de la obra). Virginia Woolf no aparece como un personaje. Según la obra de teatro, el título de la obra — que es sobre una pareja casada universitaria alcohólica y disfuncional — se refiere a una broma académica sobre «¿Quién teme vivir la vida sin falsas ilusiones?».
Virginia Woolf es un personaje en la película Las horas (2002), dirigida por el director Stephen Daldry y basada en la novela homónima de Michael Cunningham, gira en torno al libro de Virginia Woolf titulado La señora Dalloway. Por su interpretación de la escritora, Nicole Kidman se llevó un Oscar a la mejor actriz.

Bibliografía

Novelas

Fin de viaje (The Voyage Out, 1915).
Noche y día (Night and Day, 1919).
El cuarto de Jacob (Jacob’s Room, 1922).
La señora Dalloway (Mrs. Dalloway, 1925).
Al faro (To the Lighthouse, 1927).
Orlando (1928).
Las olas (The Waves, 1931).
Los años (The Years, 1937).
Entre actos (Between the Acts, 1941).

Colecciones de cuentos

Kew Gardens (1919)
Monday or Tuesday (1921)
The New Dress (1924)
A Haunted House and Other Short Stories (1944). La casa encantada se publicó en 1983 por Editorial Lumen, ISBN 978-84-264-1135-8
Mrs. Dalloway’s Party (1973). Editorial Lumen publicó La señora Dalloway recibe en 1983, ISBN 978-84-264-2934-6
The Complete Shorter Fiction (1985). En ella se publicó por primera vez el relato Phyllis and Rosamond («Phyllis y Rosamond»), que se incluye, precedido de nota biográfica, en la pág. 481 ss de la antología Cuando se abrió la puerta. Cuentos de la Nueva Mujer (1882-1914), Alba Editorial, Clasica maior, 2008, ISBN 978-84-8428-418-5.

Alianza Editorial ha publicado los Relatos completos en 1994, ISBN 978-84-206-3277-3 y en 2008, ISBN 978-84-206-5992-3, traducidos por Catalina Martínez Muñoz y edición de Susan Dick.

Los cuentos de Virginia Woolf han sido, además, objeto de otras publicaciones y antologías en español:
La niñera Lugton, cuento infantil, se publicó por Editorial Debate en 1992, ISBN 978-84-7444-578-7. También conocido como «La cortina de la niñera Lugton».
Una rosa sin espinas, Editorial Planeta, 1999, ISBN 978-84-08-03275-5
La viuda y el loro, en tono humorístico, Editorial Debate, 1989, ISBN 978-84-7444-328-8 y Gadir Editorial, 2009, ISBN 978-84-935237-4-9.
La sociedad se ha publicado junto con La inocentada del acorazado, obra de su hermano Adrian Stephen, por Valdemar en 1999, ISBN 978-84-7702-293-0

«Biografías

Virginia Woolf publicó tres libros a los que ella subtituló «Una biografía»:
Orlando: A Biography (1928, normalmente se la considera una novela, inspirada por la vida de Vita Sackville-West)
Flush: A Biography (Flush, 1933). Es una obra aún más explícita de transgénero: un cuento de ficción como «corriente de conciencia» obra de Flush, un perro; no ficción en el sentido de narrar la historia de la propietaria del perro, Elizabeth Barrett Browning). Editado en España por: Ediciones Destino en 1956 ISBN 978-84-233-0393-9, en 1988 ISBN 978-84-233-1647-2, en 1991 ISBN 978-84-233-2031-8, en 1991 ISBN 978-84-233-1006-7, en 2003 ISBN 978-84-233-3509-1; Salvat Editores, en 1971 ISBN 978-84-345-7289-8, en 1983 ISBN 978-84-345-8053-4 y en 1986 ISBN 978-84-345-8310-8 y Jorge A. Mestas en 2008 ISBN 978-84-95311-98-6

Además, el final de Flush aparece en la selección de relatos breves Las mejores historias sobre perros, Ediciones Siruela, 2005, ISBN 978-84-7844-889-0, junto con otros de Chesterton, Jack London, Hugh Walpole o Rudyard Kipling.
Roger Fry: A Biography (Roger Fry: una biografía, 1940). Normalmente se la considera no ficción; no obstante, se advierte que «La habilidad novelística [de Woolf] jugó en contra de su talento como biógrafa, porque sus observaciones impresionistas encajaban mal con la necesidad simultánea de reunir una multitud de hechos.»33 ) Ha sido editada por Edhasa en 1984 con el título de Roger Fry, ISBN 978-84-350-0446-6

Libros de no ficción

Modern Fiction (1919)
The Common Reader (El lector común, 1925. Traducido por Editorial Lumen en 2009, ISBN 978-84-264-1699-5
A Room of One’s Own (Una habitación propia, 1929). Publicada en España por Seix Barral en 1997 ISBN 978-84-322-3038-7, en 1997 ISBN 978-84-322-1521-6, en 2008 ISBN 978-84-322-1789-0 y en 2009 ISBN 978-84-322-1964-1, y por Círculo de Lectores en 2004 ISBN 978-84-672-0617-3. Publicada también con el título de Un cuarto propio en 1991 por Ediciones Júcar, ISBN 978-84-334-2817-2: en 2003 or la Editorial Horas y Horas, ISBN 978-84-96004-02-3 y en 2007 por Alianza Editorial, ISBN 978-84-206-5526-0
On Being Ill (1930)
The London Scene (1931). Londres ha sido publicada por Editorial Lumen en 2005 y por Viena Ediciones en 2008 ISBN 978-84-8330-476-1; Escenas de Londres fue publicada por Editorial Lumen en 1986 ISBN 978-84-264-2973-5
The Common Reader: Second Series (1932)
Three Guineas (Tres guineas, 1938). Publicado por Editorial Lumen en 1980 ISBN 978-84-264-4006-8, 1983 ISBN 978-84-264-1133-4 y 1999 ISBN 978-84-264-4954-2
The Death of the Moth and Other Essays (1942). Traducido al castellano en 2009 por Luïsa Moreno Llort para la editorial Capitán Swing Libros como La muerte de la polilla y otros escritos (índice aquí).
The Moment and Other Essays (1947)
The Captain’s Death Bed And Other Essays (1950)
Granite and Rainbow (1958)
Books and Portraits (1978)
Women And Writing (Las mujeres y la literatura, 1979). Publicado en España en 1981 por Editorial Lumen ISBN 978-84-264-4013-6
Collected Essays (cuatro volúmenes)

Teatro
Freshwater: A Comedy (interpretado en 1923, revisado en 1935, y publicado en 1976). Freshwater fue publicado en España por Editorial Lumen en 1980, ISBN 978-84-264-2957-5

El 25 de enero de 1890: Nellie Bly, como reportera (en referencia al libro La vuelta al mundo en ochenta días escrito por Julio Verne). completó la vuelta al mundo en 72 días.

Nellie Bly

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Elizabeth Jane Cochran (Cochran’s Mills, Pensilvania; Nellie nació el 5 de mayo de 1864 – Nueva York; 27 de enero de 1922) fue una predecesora del periodismo investigativo y ella fue pionera del periodismo encubierto. Fue llamada «Pink» en alusión al vestido rosado claro que usó en su bautismo. Cochran fue mejor conocida bajo su seudónimo Nellie Bly. Aparentemente después cambió su apellido a Cochrane (con una ‘e’ añadida).

Una columna sexista en el periódico Pittsburgh Dispatch la impulsó a redactar una incisiva respuesta al editor. La calidad de la misiva hizo que este último invitara a Cochran (que estaba en busca de empleo) a unirse al diario como reportera. El mismo editor fue el que le dio a «Pink» el seudónimo Nellie Bly, en honor al personaje de la canción del mismo nombre, de Stephen Foster.

Bly escribió algunos artículos de investigación antes de ser relegada a la sección para mujeres. Abandonó el Dispatch y viajó a Nueva York, donde solicitó empleo en el periódico sensacionalista The New York World, de Joseph Pulitzer. Pulitzer la contrata, y se le asigna como primer trabajo la escritura de un artículo sobre un asilo psiquiátrico para mujeres en Blackwell’s Island. Bly se internó en el asilo, exponiéndose a las horribles condiciones a las que se sometía a las pacientes. Este tipo de periodismo en encubierto eventualmente se convertiría en su estilo particular.

En 1888 se le sugirió al World que mandara un reportero en un viaje alrededor del mundo, en referencia al libro La vuelta al mundo en ochenta días (escrito por Julio Verne). Nellie Bly fue elegida como la reportera a realizar dicha hazaña y el 14 de noviembre de 1889 partió en su viaje de 24.889 millas desde Nueva York.

«Setenta y dos días, seis horas, once minutos y catorce segundos después de su salida desde Hoboken» (el 25 de enero de 1890) Nellie regresó a Nueva York. Bly estableció un nuevo récord mundial al dar la vuelta al mundo en tan poco tiempo pero meses después, George Francis Train rompió esta nueva marca al completar dicho viaje en 62 días.

En sus viajes alrededor del mundo visitó Inglaterra, Japón, China, Hong Kong, el hogar de Julio Verne, Brindisi, Colombo y San Francisco. Fue también la primera mujer en navegar el mundo sola, sin compañía, y protección de un hombre y llegó a inspirar a las mujeres occidentales.

Nellie Bly contrajo matrimonio con el millonario, Robert Seaman, en 1895 y al mismo tiempo se retiró del periodismo por algún tiempo. Cuando Seaman murió en 1904, Nellie tomó las riendas de sus compañías. Nellie trabajó archivando noticias una vez más y reportó los eventos de la convención de 1913 a favor del sufragio femenino. Ella también viajó a Europa durante la Primera Guerra Mundial y fungió como reportera desde el frente del este.

Elizabeth «Pink» Cochrane murió a los 57 años de neumonía.

En Brooklyn, Nueva York existe un pequeño parque de atracciones que lleva el nombre de Elizabeth y tiene como tema La vuelta al mundo en ochenta días.

Lista de Nominados a los Premios Feroz 2015 (25 de enero)

Los Premios Feroz 2015 se entregan este domingo

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Las películas ‘La isla mínima’ y ‘Magical Girl’ lideran las nominaciones de la segunda edición de los Premios Feroz 2015, que se entregarán este domingo en una gala que tendrá lugar en el Gran Teatro Ruedo Las Ventas y estará presentada por la actriz Bárbara Santa-Cruz.

Lista de Nominados a los Premios Feroz 2015

Nominados 2015

Mejor película dramática

10.000 km., de Carlos Marqués-Marcet

Hermosa juventud, de Jaime Rosales

La isla mínima, de Alberto Rodríguez

Loreak, de Jon Garaño, Jose Mari Goenaga

Magical Girl, de Carlos Vermut

Nominados 2015
Mejor comedia

8 apellidos vascos, de Emilio Martínez Lázaro

Carmina y amén, de Paco León

Justi & Cia, de Ignacio Estaregui

Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, de Javier Fesser

La vida inesperada, de Jorge Torregrosa

Mejor dirección

Jon Garaño y Jose Mari Goenaga por Loreak

Paco León por Carmina y amén

Carlos Marqués-Marcet por 10.000 km.

Alberto Rodríguez por La isla mínima

Carlos Vermut por Magical Girl

L’Oréal Professionnel
Mejor actriz protagonista

Elena Anaya por Todos están muertos

Carmina Barrios por Carmina y amén

Ingrid García-Jonsson por Hermosa juventud

Bárbara Lennie por Magical Girl

Natalia Tena por 10.000 km.

Mejor actor protagonista

Raúl Arévalo por La isla mínima

Luis Bermejo por Magical Girl

Javier Cámara por La vida inesperada

Javier Gutiérrez por La isla mínima

David Verdaguer por 10.000 km

Mejor actriz de reparto

Itziar Aizpuru por Loreak

Nerea Barros por La isla mínima

María León por Carmina y amén

Carmen Machi por 8 apellidos vascos

Yolanda Ramos por Carmina y amén

Mejor actor de reparto

Jesús Carroza por El Niño

Karra Elejalde por 8 apellidos vascos

Eduard Fernández por El Niño

José Sacristán por Magical Girl

Antonio de la Torre por La isla mínima

Mejor guión

Carlos Marqués-Marcet y Clara Roquet por 10.000 km.

Jaime Rosales y Enric Rufas por Hermosa juventud

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos por La isla mínima

Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi y Jon Garaño por Loreak

Carlos Vermut por Magical Girl

Mejor música original

Julio de la Rosa por La isla mínima

Pascal Gaigne por Loreak

Rafael Arnau por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo

Roque Baños por El niño

Lucio Godoy y Federico Jusid por La vida inesperada

Mejor tráiler

Carlos Prieto Cabrera por 10.000 km.

Jesús de la Vega por 8 apellidos vascos

Rafa Martínez por Carmina y amén

Daniel Fernández y Cristina Sutherland por La isla mínima

Miguel A. Trudu por Magical Girl

Mejor cartel

Priscila Clementti por A escondidas

Álvaro León Acosta y Luis León Acosta por Carmina y amén

Sergio González, Julio Vergne y Cristina Sutherland por La isla mínima

Iker Ayestarán por Loreak

Carlos Vermut por Magical Girl

Les plantes enfiladisses fan jardins verticals. Les millors espècies per a cada espai (25 de gener)

Les plantes enfiladisses fan jardins verticals. Les millors espècies per a cada espai

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Aquest diumenge, 25 de gener, primer taller de l’any del cicle ‘Fes de casa teva un jardí’. Apunteu-vos-hi!

Balcons, terrasses, espais petits, les plantes enfiladisses permeten crear frondosos jardins verticals i, a la vegada, oferir un refugi per a moles espècies de fauna auxiliar del jardiner. Coneixerem les espècies adequades a cada situació i el seu manteniment.

Dia i horari: diumenge 25 de gener a les 11 i a les 12 h.

Lloc: Parc de la Trinitat. Pg. de Santa Coloma, 91-93

Transport públic: Metro L1 Trinitat Vella

Inscripcions a: Centre de Formació del Laberint.
formacio.laberint@bcn.cat

Els tallers se celebren un diumenge al mes, entre els mesos d’octubre i juny, en diversos espais verds de la ciutat, amb la intenció d’apropar els coneixements en jardineria i biodiversitat al públic en general, en funció a la temàtica i l’època de l’any.

Un any més, i en el marc de la programació del curs 2014-2015 del Centre Formació del Laberint, tornen els tallers de jardineria del cicle «Fes de casa teva un jardí».

El programa del Centre de Formació del Laberint té l’objectiu de difondre els coneixements i la gestió conjunta de la jardineria i la biodiversitat a aficionats, tècnics i, en general, a totes aquelles persones que hi estiguin interessades.

Més informació aquí http://w110.bcn.cat/portal/site/MediAmbient

Gimnastes de Catalunya, Canàries, Holanda i Gran Bretanya competeixen al XVII Trofeu Internacional Vila de Gràcia (24 de gener)

Gimnastes de Catalunya, Canàries, Holanda i Gran Bretanya competeixen al XVII Trofeu Internacional Vila de Gràcia

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El Trofeu Internacional Vila de Gràcia de gimnàstica artística femenina torna un any més a la seva tradicional cita amb els amants d’aquest esport. Enguany, la competició arriba a la 17a edició amb un cartell integrat per 42 gimnastes d’11 clubs: vuit catalans, un canari, un holandès i un britànic. La prova, organitzada pel Gràcia Gimnàstic Club, tindrà lloc el dissabte 24 de gener pel matí (entre 10 i 14 h) al pavelló del mateix club (c/ Molist, 2-4; Gràcia; Barcelona).

Arissa. L’ombra i el fotògraf, 1922-1936 (fins el 12 d´abril) CCCB – Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

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Comissari/s
Valentín Vallhonrat, Rafael Levenfeld

Antoni Arissa (Sant Andreu 1900 – Barcelona 1980) va ser probablement el fotògraf que va aplicar d’una manera més interessant els principis de la Nova Visió al nostre país i és un dels fotògrafs de referència del segle XX. La progressiva implantació dels principis de la typophoto, promoguts per Laszlo Moholy-Nagy, va propiciar el naixement d’un nou llenguatge visual en el qual la fotografia es va convertir en la substituta del dibuix, renovant el disseny de cartells, llibres, revistes i diaris. Arissa, impressor d’ofici, treballant des de Barcelona, es va inserir plenament en aquesta tendència.

La mostra que ara acull el CCCB es compon de més de 160 fotografies en blanc i negre que recorren la seva trajectòria professional a través de tres blocs estilístics: el pictorialisme, entre 1922 i 1928; l’evolució cap a les solucions visuals de la modernitat fins al començament dels anys trenta i la Nova Visió, des de 1930 fins al 1936, quan Arissa s’incorpora plenament a les avantguardes fotogràfiques.

Les fotografies de l’exposició provenen de les col·leccions de negatius preservats per la Fundación Telefónica i l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya i incorpora els escassos tiratges efectuats per l’autor que es conserven en paper. El projecte culmina els esforços de la Fundación Telefónica en la recuperació d’arxius fotogràfics, tasca iniciada amb l’Arxiu Fotogràfic de la Companyia i ampliada posteriorment amb fotògrafs com Luis Ramón Marín, Josep Brangulí (a qui el CCCB ja va dedicar una exposició l’any 2011) i Virxilio Vieitez.

Amb la presentació en paral·lel dels projectes Arissa. L’ombra i el fotògraf i Shadowland relacionem dues aventures artístiques que amb un segle de distància estan connectades per la investigació al voltant de la composició i la llum.

Observacions:

Espai taller. L’exposició inclou un espai taller amb diversos materials i escenes per finalitzar la visita amb una experiència fotogràfica a partir de la llum i l’ombra. Activitat disponible els caps de setmana i festius, gratuïta amb l’entrada a l’exposició.

CCCB – Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Montalegre, 5 – 08001 Barcelona

Instal·lacions lumíniques i cultura popular ompliran el centre de Barcelona durant les festes de Santa Eulàlia (del 6 al 12 de febrer)

Instal·lacions lumíniques i cultura popular ompliran el centre de Barcelona durant les festes de Santa Eulàlia

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Barcelona celebra la festa major d’hivern del 6 al 12 de febrer amb un programa d’actes tradicionals en honor a Santa Eulàlia. Enguany es podrà veure el seguici festiu de Manresa, que participarà a la festa com a ciutat convidada

Per quart any consecutiu, i en el marc de la festa, també tindrà lloc el festival LLUM BCN, que durant tres dies omplirà patis i places de Ciutat Vella amb una vintena d’instal·lacions lumíniques creades per escoles i professionals del disseny

Del 6 al 12 de febrer Barcelona celebra la festa major d’hivern en honor a la seva copatrona, Santa Eulàlia. Una festa que en les darreres edicions suma tradició amb noves formes d’expressió que transformem el centre de la ciutat amb el llenguatge de la llum. Així, al calendari d’activitats de les festes de Santa Eulàlia, marcat pels actes de cultura popular i tradicional s’hi suma el festival LLUM BCN.

LLUM BCN

Al festival, que enguany celebra la quarta edició, la llum esdevindrà la matèria primera de les vint instal·lacions lumíniques que transformaran la fesomia d’edificis emblemàtics i patis de Ciutat Vella.

L’edició d’enguany coincideix amb la declaració del 2015 com a any Internacional de la Llum per part de les Nacions Unides. Per aquest motiu, l’Ajuntament de Barcelona i l’ICFO-Institut de Ciències Fotòniques, organitzen l’esdeveniment que marca el punt de partida d’un any ple d’activitats, que consistirà amb un pregó de l’arquitecta Benedetta Tagliabue el divendres 6 de febrer, a les 19 h, al Saló de Cròniques de l’Ajuntament, i a continuació, a les 20.15 h, a la plaça de Sant Jaume, la Colla Jove de Barcelona i els Castellers de Badalona oferiran una actuació on els castellers estaran il·luminats. Amb aquest esdeveniment es vol fer visible la importància de la fotònica en una ciutat que concentra gran part de l’excel·lència en recerca i innovació del país.

El divendres 6 i dissabte 7 febrer, de 18.30 a 24 h, i el diumenge 8 de 18.30 a 23 h, es podran veure una vintena d’instal·lacions lumíniques al cor de Ciutat Vella creades per alumnes i escoles de disseny, il·luminació, arquitectura o interiorisme de Barcelona, i amb la col·laboració de l’Institut de Ciències Fotòniques (ICFO ) i l’Associació Professional de Dissenyadors d’Il·luminació (APDI) entre d’altres entitats i artistes de reconegut prestigi.

Entre ells, una dotzena de patis transformatssantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/patis> de palaus i edificis del centre de la ciutat:

ESPAI

INSTAL·LACIÓ

ESCOLA

Palau Bru – Seu SGAE (Pg. Colom, 6)

Batec de llum

Elisava

Palau Sessa-Larrard (c. Ample, 28)

Tempus fugit

UPC. Master Lighting Design. Disseny d’il·luminació Arquitectònica

Pati Llimona (c. Regomir, 5)

Llum d’aigua

UPC-CCCB. Postgrau de Disseny d’Interiors

Baixada de Vialdecols, 5

Teixint el passat

LLOTJA. Escola Superior de Disseny i Art

Palau Centelles (Baixada de Sant Miquel, 6-8)

Impluvium

LA SALLE

Casa Padellàs MUHBA (c. del Veguer, 2-4)

Fragmentació

BAU. Centre Universitari de Disseny de Barcelona

Arxiu de la Corona d’Aragó. Palau del Lloctinent (c. dels Comtes, 5)

Light Work

ICFO. Institut de Ciències Fotòniques

Porxo del Saló del Tinell (pl. Sant Iu, 5-6)

Neu morta

Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB)

Verger Museu Frederic Marès (pl. Sant Iu, 5-6)

Verger i oracle

Escola Superior d’Art Dramàtic (ESAD)

Casa de l’Ardiaca (c. Santa Llúcia, 1)

Pluja de llum

IAAC. Institute for Advanced Architecture of Catalonia

Palau Moja (c. Portaferrissa, 1)

Un sopar èpic

EINA. Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona (UAB)

Ateneu Barcelonès. Palau Savassona (c. Canuda, 6)

Xarxa de llum

IED. Instituto Europeo di Design

Per poder visitar-los es proposen tres itinerarissantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/itineraris> diferents: mar, catedral i rambla. Cada un d’aquests recorreguts estarà senyalitzat amb llums de diferent color i guiarà els visitants per tots els patis il·luminats.

En paral·lel als recorreguts pels patis dels edificis, LLUM BCN també proposa instal·lacions artístiquessantaeulalia.bcn.cat/llumbcn/espectacles-places> a diferents places de Ciutat Vella.

ESPAI

INSTAL·LACIÓ

CREADORS

Plaça de la Mercè

Neptú

Jordi Teixidó i Eyesberg Studio

Plaça de Sant Just

Som una font

Jordi Teixidó

Plaça del Rei

Suspès

David Sarsanedas. PlayMID

Pla de la Seu

Un cavall que només és galop/ M. Supercube

Rémi Brun. Mocaplab

Plaça de Sant Felip Neri

Sortint de la foscor

David López. EDL Creative Water

Plaça de la Vila de Madrid

Ignis fatuus

SLIDEMEDIA LAB

Com en edicions anterior, les projeccions a les façanes tornen a ser protagonistes durant les nits de festa. Així la façana de l’Ajuntament de Barcelona projectarà Barcekholm, el mapping que es va poder veure durant la Mercè 2014, i Trets de llum, cinc càpsules audiovisuals creades per alumnes d’ELISAVA. A La Pedrera es tornarà a projectar La Pedrera, emocions en moviment, una coreografia que es va crear amb motiu del centenari de l’edifici en la qual vuit ballarins en viu interactuen amb les projeccions en vídeo sobre la façana.

Actes de cultura popular i tradicional a les festes de Santa Eulàlia

Al febrer, gegants, capgrossos, dracs, diables, àligues, castellers, colles sardanistes i altres expressions de cultura popular i tradicional es desperten per celebrar la Festa Major d’Hivern, una tradició que compta amb segles d’història.

Enguany hi participa el seguici festiu de Manresa, la ciutat convidada. Durant la festa també es presentarà la colla Ball de Bastons de Barcelona, una formació creada amb membres de les colles bastoneres de Barcelona perquè tota la ciutat pugui estar representada en un sol conjunt bastoner en ocasions especials. Una altra novetat és la reproducció de la bandera de Santa Eulàlia que l’associació de recreació històrica La Coronela de Barcelona ha confeccionat i que oferirà a la ciutat.

A aquestes novetats, s’hi afegeixen els actes que marca el protocol festiu de la ciutat, com el Ball de l’Àliga, la col·locació del penó, la passejada de les Laies, la jornada castellera o el correfoc, entre altres.

Institut de Cultura de Barcelona

Obert el període de *recepció de projectes per a **residència al Viver de Creadors.* Nau Ivanow

Residències

Viver

La Nau Ivanow posa una especial atenció al suport als joves creadors i a projectes culturals que inicien la seva activitat, essent una línia prioritària. Les residències de la Nau Ivanow volen donar resposta a les dificultats d’aquests creadors per accedir a espais de treball i d’assaig des d’on poder engegar projectes.

Les residències se centren en el treball d’assaig i producció d’un espectacle, així com en el treball de gestió i el dia a dia de l’activitat de tot tipus de projectes culturals. La residència d’assaig i exhibició, enfocada a les arts escèniques, ofereix a creadors joves i emergents l’espai i els recursos tècnics necessaris per a l’assaig, producció i exhibició del seu projecte escènic. La residència al Viver de Creadors ofereix l’espai de treball necessari a creadors i professionals de la cultura que es troben en la fase inicial de creació d’un projecte o empresa cultural per tal que hi desenvolupin la seva activitat. La residència creativa vol facilitar l’accés de col·lectius artístics a un espai laboratori on treballar l’àmbit més creatiu del projecte, és a dir, la idea i el seu desenvolupament.

Residència assaig [TANCADA]

Obert el període de recepció de projectes d’arts escèniques per a residències d’assajos, residència tècnica i possibilitat d’exhibició del 26 de gener al 26 d’abril de 2015.

Tipologia de projectes: Projectes teatrals, tant de muntatges de textos clàssics com contemporanis, de nova dramatúrgia (originals o adaptacions) o de creació col·lectiva.

Oferim:
1. Espai diàfan i agradable d’assajos per a companyies de teatre, de dilluns a dissabte, a mitja jornada durant 5 setmanes: de 10h a 15h o de 16h a 21h. Espai en exclusiva durant la residència i amb possibilitat d’implantació d’escenografia.
2. Espai per a residència tècnica durant 1 setmana, amb total disponibilitat del material tècnic de la sala.
3. Possibilitat que l’espectacle assajat pugui ser presentat durant 4 dies dins de la temporada de la Nau Ivanow.
4. Accés al viver de creadors per a tasques de producció les 24h i acompanyament i difusió del projecte en residència.

[convocatòria assaig 2015]

Residència viver
La Nau Ivanow ha obert la convocatòria de residència al Viver de Creadors amb la voluntat de donar suport a projectes culturals que estan en fase inicial. Oferim un espai diàfan i agradable de treball, amb taules de 2mx1m. La residència pot variar segons la viabilitat del projecte presentat, amb una durada d’un any.

[convocatòria viver 2015]

http://www.nauivanow.com

Loewe presenta hoy en París la nueva colección de hombre Otoño-Invierno 2015/16

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Loewe presenta hoy en París la nueva colección de hombre Otoño-Invierno
2015/16. Se trata de la tercera colección que Jonathan Anderson diseña
para la firma desde que fue nombrado director creativo.

Esta temporada revela diversas facetas de la nueva identidad de la firma,
que está en constante evolución. Se trata de una revisión de las prendas
básicas a través de una avanzada interpretación del lujo (un lujo juvenil,
funcional y consciente) presente en una serie de piezas ligeras e
innovadoras. En la colección confluyen diferentes y variadas influencias
estéticas (desde clásicas hasta deportivas o sofisticadas) que constituyen
el armario del hombre moderno.

Anna Pávlova (12 de febrero de 1881 – 23 de enero de 1931)

Anna Pávlova

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Anna Pávlovna Pávlova (12 de febrero de 1881 – 23 de enero de 1931), fue una famosa bailarina de ballet rusa de inicios del siglo XX.

Nació en San Petersburgo en el seno de una familia campesina de bajos recursos. Ella declaró que su padre murió cuando ella tenía dos años de edad. Es posible que fuese hija ilegítima, y los biógrafos especulan que su padre pudo ser el banquero Lázar Polyakov, lo que explicaría su deseo de no hablar mucho de su herencia paterna. Cuando tenía ocho años fue rechazada de la Escuela del Ballet Imperial por no tener suficiente edad. Pero dos años más tarde fue admitida y estuvo allí hasta los dieciséis. Pável Gerdt, Christian Johansson y Eugenia Sokolova fueron quienes la formaron en el ballet clásico. Luego bailó en el Teatro Mariinski. En los primeros años de los Ballets Rusos trabajó brevemente con Serguéi Diáguilev antes de fundar su propia compañía y presentarse por todo el mundo.

En 1909 recorrió Europa con los ballets de Serguéi Diáguilev y dos años más tarde formó su propia compañía. Unió sus aptitudes coreográficas y grandes dotes de actriz. Aportó muchas innovaciones creadoras. Sobresalió esencialmente en la interpretación de los ballets románticos. En 1919, durante una gira por México, Pávlova fue una de las primeras bailarinas clásicas en ejecutar el Jarabe Tapatío, vestida con la indumentaria de china poblana.

Pávlova cambió para siempre el ideal de las bailarinas. En los años 1890, se esperaba de las bailarinas del Teatro Mariinski que fueran técnicamente fuertes, y esto significaba, normalmente, tener un cuerpo poderoso, musculoso y compacto. Pávlova era delgada, de apariencia delicada y etérea, perfecta para los papeles románticos como Giselle. Sus pies eran extremadamente arqueados, tanto es así que reforzó sus zapatillas pointe agregando un pedazo de cuero duro en las suelas para soportar y aplanar el cuerpo del zapato. En ese tiempo, muchos se dieron cuenta de sus ideas y lo consideraron una de las creaciones más ingeniosas para ocultar la plataforma del boxy. Pues éste se convertiría en el zapato pointe moderno, mientras que el empleo de la técnica en pointes funcionó menos dolorosamente y más fácilmente para el pie arqueado.

Su número más famoso fue La muerte del cisne, coreografiado para ella por Michel Fokine, y música de «Le Cygne» del Carnaval de los animales (1887) del compositor francés, Camille Saint-Saëns. Otras interpretaciones en las que destacó fueron El lago de los cisnes, Giselle, Las Sílfides y Coppélia.

Anna Pávlova falleció de pleuresía en La Haya, Países Bajos, pocos días antes de cumplir 50 años, mientras estaba de gira. Su último deseo fue que le pusiesen su traje para La muerte del cisne, y sus últimas palabras fueron: «Tocad aquel último compás muy suavemente». De acuerdo con la tradición del ballet, en el día que ella tenía que actuar después, el espectáculo fue programado, con un solo proyector que iluminaba el escenario vacío donde debería estar la bailarina. Fue cremada, los servicios fúnebres se hicieron en la Iglesia Ortodoxa Rusa de Londres y fue incinerada en el Crematorio de Golders Green de esa misma ciudad, donde reposan sus cenizas.

El postre «Pávlova» fue llamado así por ella, si bien sus orígenes son discutidos. Tanto Nueva Zelanda como Australia reclaman el crédito.

Ruth St. Denis, una popular bailarina moderna dijo:
Pavlova vivió en el umbral del cielo y de la tierra como intérprete de los caminos de Dios.

AMERICANA, el Festival que estrena el cinema Nord-Americà que no arriba a les multisales, torna més grand (del 19 al 22 de febrer)

AMERICANA, el Festival que estrena el cinema Nord-Americà

que no arriba a les multisales, torna més gran.

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· El Festival programa 16 pel·lícules inèdites a les nostres sales en la seva segona edició.

La segona edició d’AMERICANA, el Festival dedicat al cinema independent Nord-Americà que l’any passat va sorprendre a Barcelona aconseguint més de 2.400 espectadors en un cap de setmana, tindrà lloc del 19 al 22 del proper mes de febrer als cinemes Girona de la ciutat comtal.

AMERICANA va néixer per oferir la possibilitat de veure en pantalla gran algunes de les millors produccions nord-americanes recents que, per la seva condició d’independents, no havien arribat a estrenar-se comercialment al nostre país. En la seva primera edició, el Festival va esgotar vuit de les dotze sessions programades. Gràcies a l’empenta de la resposta del públic, Americana creix aquest any en nombre de sales i pel·lícules exhibides, presentant setze títols de gèneres i estils per a tots els gustos, i amb alguns objectius clars que oferir al públic.

NO PERDRE DE VISTA L’INDIE

Per poder abastar des de les produccions que compten ja amb un recorregut de festivals i premis, avalades per la crítica internacional, fins aquelles gairebé desconegudes realitzades més al marge de la indústria, la programació d’Americana s’articula en dues seccions diferents, TOPSi NEXT.

AMERICANA TOPS és una selecció d’obres de la collita indie més esperada; deu pel·lícules que han estat reconegudes, nominades o guardonades a festivals i premis de referència com South By Southwest, Sundance, Locarno, els Independent Spirit Awards o Cannes, entre d’altres. Nous directors conviuen en aquesta secció amb autors consagrats.

AMERICANA NEXT descobreix les petites joies d’autors que avui, d’alguna manera, recorden més a l’indie original pel risc que assumeixen en la forma d’explicar les seves històries i de realitzar les seves produccions.

NO OBLIDAR ELS REFERENTS

En col·laboració amb el Festival, del 10 al 24 de febrer la Filmoteca de Catalunya ofereix el cicle Els nous indies, una selecció dels títols i autors més influents de l’Indie dels anys 90. Autors que van canviar, amb les seves primeres obres, la manera d’entendre i fer cinema. El director de la Filmoteca de Catalunya, Esteve Riambau, presentarà la seva programació.

El Festival Americana pot celebrar una segona edició principalment gràcies al suport del Consolat General dels Estats Units d’Amèrica a Barcelona, a la seva ambaixada a Espanya i a Movistar. La Cònsol General dels Estats Units a Barcelona, Tanya C. Anderson, assistirà per explicar la seva col·laboració.

http://americanafilmfest.com/