Foto de cartell :Bito Cels
Copyright Cia Sixto Paz Produccions

Prorroguem fins el 29/3

L’efecte
de Lucy Prebble
Traducció de Jordi Prat i Coll. Direcció: Carol López

Sala Beckett – Gràcia

del 04/02/15 al 08/03/15
de dimecres a dissabte 21.30h
diumenge 18h

Aquest espectacle funciona pel sistema de “taquilla inversa”: l’espectador decideix el preu després de veure la funció.

Autor: Lucy Prebble (més informació)

Traducció: Jordi Prat i Coll

Direcció: Carol López

Intèrprets:

Connie: Nausicaa Bonnín

Tristan: Pau Roca

Lorna (Dra. James): Montse Germán

Tom: Paul Berrondo

Escenografia: Paula Bosch

Il·luminació: Luis Martí

Vestuari: Berta Riera

Música i so: Pablo Miranda

Moviment: Íngrid López Belmonte

Disseny cartell: Edu Buch

Fotografia cartell: Bito Cels

Ajudant de direcció: Jan Vilanova

Producció: David Costa i Adriana Nadal

Agraïments: Guille Comín, Familia Piella, Miriam Martí, Laura Casero, Bito Cels, Ivan Carrero, David Gónzalez, CazcarraImageGroup, Sala Muntaner, Antonia i Victoria del Bar La Gaviota, i en especial a Juan Carlos Martel per la seva generositat.

Durada: 1h 30 minuts

Una producció de Sixto Paz Produccions

SINOPSI

«Puc diferenciar perfectament qui sóc d’un efecte secundari.»

A L’efecte, dos joves voluntaris es comprometen a participar en un assaig clínic d’un nou fàrmac antidepressiu que augmenta els nivells de dopamina a l’organisme. En sucumbir a la força gravitatòria de l’atracció i l’amor, però, posaran en entredit l’èxit de l’estudi.
Ara bé, què és l’amor? El resultat dels efectes químics d’una pastilla o un misteri que escapa a qualsevol comprensió?
En aquesta obra, Lucy Prebble, autora de la sèrie britànica Secret Diary of a Call Girl, fa una vibrant exploració teatral sobre el cervell humà, els límits de la medicina i la inevitabilitat de l’atracció física.

Próxima estrena del TNC: No feu bromes amb l’amor,
d’Alfred de Musset i traducció de Jaume Melendres.

L’espectacle es representarà a la Sala Petita del 5 de febrer al 22 de març.

Natàlia Meléndez, directora del Festival Internacional de Teatro
Clásico de Almagro, dirigeix aquest text fonamental en la història
del teatre occidental. Una peça clau per entendre l’evolució
dramatúrgica que traça una línia invisible des del Romeu i Julieta de
Shakespeare o les comèdies de Marivaux, fins al Leonci i Lena de Büchner
—inspirada directament en aquesta obra d’Alfred de Musset— o El
despertar de la primavera de Wedekind.

Els intèrprets són: Carmen Balagué, Clara de Ramon, Carles Martínez,
Anna Moliner, Albert Pérez, Ramon Pujol i Ferran Rañé. I el cor format
per: Júlia Barceló, Xavier Capdet, Amanda Delgado, Oriol Escursell,
Jordi Sanosa, Jordi Serra, Tomás Taboada.

No feu bromes amb l’amor

«Les paraules són paraules, però els petons són petons. No sóc gaire
llesta, i me n’adono de seguida quan vull dir alguna cosa. Les grans
senyores saben a què atenir-se quan els besen la mà dreta o l’esquerra:
els seus pares les besen al front,els seus germans al agalta, els seus
enamorats, als llavis; a mi tothom em fa un petó a cada galta, ia ixò em
fa posar trista.»
Alfred de Musset, No feu bromes amb l’amor

Al llarg dels segles, el teatre ha explorat la pulsió amorosa en els
adolescents per entendre millor els conflictes derivats del xoc entre
aquells impulsos íntims que qüestionaven les dinàmiques socials i
aquelles estructures familiars que les organitzaven. No feu bromes amb
l’amor és un text fonamental en la història del teatre occidental,
una peça clau per entendre l’evolució dramatúrgica que traça una línia
invisible des del Romeu i Julieta de Shakespeare o les comèdies de
Marivaux, fins al Leonci i Lena de Büchner —inspirada directament en
aquesta obra d’Alfred de Musset— o El despertar de la primavera de
Wedekind.

El Baró vol casar el seu fill Perdican amb la seva neboda Camille, que
acaba de passar uns anys de formació en un convent. Els dos cosins, que
havien tingut una relació molt íntima quan eren infants, es retrobaran
amb una aparent fredor que respondrà més aviat a les prevencions davant
d’aquest casament de conveniències que no pas als veritables sentiments
que encara mantenen l’un per l’altre, i que tanmateix s’esforçaran a
ignorar per orgull, a pesar dels danys col·laterals que això pugui
ocasionar.

Una magnífica oportunitat per recordar el llegat del malaguanyat Jaume
Melendres, autor d’una traducció que conserva tota la vigència gràcies a
la saviesa d’aquell home de teatre.

Activitats paral·leles: col·loqui amb Jaume Mascaró
6 de febrer en acabar la funció, a la mateixa Sala Petita.
Entrada gratuïta
Més informació aquí
( http://www.tnc.cat/ca/content/col%C2%B7loqui-amb-jaume-mascar%C3%B3)

Susana Solano, Joan Maria Minguet y la galería Kowasa, entre los Premios GAC

La escultora Susana Solano, el crítico Joan Maria Minguet, la galería barcelonesa Kowasa y el coleccionista Andreu Rodríguez han sido algunos de los galardonados en la gala de los Premios GAC-Noche del Galerismo, entregados hoy en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA).

Organizados por el Gremio de Galerías de Arte de Cataluña y la Asociación Art Barcelona, los premios GAC nacieron en 2008 con el objetivo de potenciar el papel difusor y emprendedor de las galerías de arte catalanas, y esta noche, ya consolidados como cita anual del mundo de la cultura, han reunido a más 250 personas.

Susana Solano ha sido distinguida con el Premio Honorífico-Fundación Banc Sabadell «en reconocimiento a su trayectoria y a su papel clave en la difusión del arte».

La escultora catalana ha participado en múltiples certámenes internacionales, como las bienales de Venecia y Sao Paulo, el «Documenta de Kasel VIII y XI, el «Skulptur Projekte» en Münster (1987) y el «Carnegie Internacional» de Pittsburg (1988).

Solano ha recibido premios como el «Special Prize» de Tokio (1985), el «Premio CEOE a las Artes» (1996) y el «Premio Tomás Francisco prieto de la Real Casa de la Moneda» (2011).

El premio «a la crítica» ha sido para el escritor y presidente de la Asociación Catalana de Críticos de Arte, Joan Maria Minguet, «por su mirada inconformista y su amplia y fecunda actividad en las distintas disciplinas relacionadas con el sector, la docencia, el comisariado y la crítica».

La galería Kowasa ha recibido el premio «por su trayectoria», al haberse posicionado como una de las galerías especializadas en fotografía más importantes de Europa.

Por su parte, la galería brasileña Mendes Wood DM, que representa regularmente al artista catalán Daniel Steegmann Mangrané, ha recibido el premio «por su proyección internacional», ya que, en palabras del jurado, ha apostado «por la brillante combinación entre artistas emergentes y consolidados» y «en exposiciones vanguardistas y experimentales» .

Andreu Rodríguez ha recibido el premio «‘al coleccionismo’ por ser el promotor y patrocinador de la colección de arte electrónico más importante de España».

David Armengol y Martí Manén, responsables de la exposición «Capítol I: Crònica. Narració, historia i subjectivitat» del centro Fabra i Coats, han recibido el premio «al comisariado».

El premio GAC a los medios de comunicación ha recaído en el suplemento «Cultura/s», de La Vanguardia, y el premio «DKV al artista joven con la mejor exposición en galería», otorgado a artistas menores de 35 años, ha sido entregado a Alicia Kopf por «Seal sounds under the floor», expuesta en la Galería Joan Prats.

Como novedad de esta edición, se ha añadido el premio «a la mejor exposición en galería», para, en palabras del presidente de los Premios GAC, Ramón Sicart, «dar la posibilidad de que cualquiera de los que se haya presentado a la selección, independientemente de su recorrido y edad, pueda ganarlo».

En este caso se ha entregado a la Galería Estrany de la Mota, asociación entre Antoni Estrany y Àngels de Mota desde 1996, por la exposición de Ignasi Aballí «Ver visiones».

El jurado estaba compuesto por la directora de la Fundació Gala-Salvador Dalí de Figueres, Montse Aguer; los artistas Nora Ancarola y Adrian Melis; la directora de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Nekane Aramburu; los coleccionistas Alicia Aza y Harold Berg; el director del Piramidon Centre d’Art Contemporani, Jordi Bohigas; Joan Anton Maragall, de Galería Trama; la crítica de arte, Rosa Pera, y Jaume Vidal.

EFE

•L’obra s’ha representat a més de 70 domicilis de Catalunya, creant el seu propi circuit alternatiu
•Estel Solé s’estrena com a dramaturga amb un retrat generacional que explora els límits de l’amistat

Després de més d’un any de fer funcions per cases de tot Catalunya i d’haver-se estrenat a El Salvador, Santo Domingo, Guatemala i Mèxic, Animals de Companyia –el primer text dramàtic de l’actriu i poeta Estel Solé- s’instal·la a la Sala 2 del Club Capitol a partir del proper 4 de febrer.

L’èxit d’aquesta comèdia ha començat des de baix: s’ha representat a més de 70 domicilis particulars de Catalunya, en una aposta personal de Solé per crear el seu propi públic i apropar el teatre a la gent. Animals de Companyia ha estat un autèntic fenomen boca-orella que ha dut als menjadors privats un sopar d’amics que qüestiona els valors de l’amistat. És un retrat generacional però, sorprenentment ha emocionat al públic de totes les edats.

En un context de recessió, el teatre surt a buscar els seus propis vehicles de distribució en una experiència imaginativa en què l’autor es transforma en productor i promotor per tirar endavant un projecte d’emprenedoria artística.

Un projecte col·lectiu

Animals de Companyia és una comèdia amarga que l’Estel Solé va escriure després de treballar durant dos mesos amb els actors que formarien el repartiment. En destaquen la quotidianitat de les situacions i els diàlegs àgils, frescos, divertits i punyents que fins ara han atrapat el públic assistent.

Un sopar de benvinguda a una amiga que torna a casa després de dos mesos d’ingrés psiquiàtric és el pretext d’un muntatge coral on Eduard Buch, Jacob Torres, Mercè Martínez, Míriam Tortosa i Martina Tressera exploren els límits de la sinceritat, la fragilitat de l’autoestima, els vincles de lleialtat, i el costum com a cohesionant de les relacions humanes.

Fitxa tècnica

Idea original, dramatúrgia i desenvolupament del projecte: Estel Solé

Repartiment: Eduard Buch, Jacob Torres, Mercè Martínez, Míriam Tortosa i Martina Tressera

Escenografia: Ramon B. Ivars

Il·luminació i so: Bernat Tresserra

Vestuari: Maria Armengol

Il·lustració i tipografia: Paula Bonet

Fotografia: Lita Bosch

Assistent de fotografia: Berta Vicente

Producció: Carles Roca i Olalla Calvo

Assistent de producció: Violeta Borrell

Construcció d’escenografia: Ricardo Alcaide

Regidoria: Clàudia Flores

Tècnic Teatre: Alfons Mas

Disseny gràfic: Eduard Buch

Administració: Teresa Gómez

Distribució: Vania Produccions

Mijaíl Baryshnikov

Mijaíl Nikoláyevich Barýshnikov (en ruso: Михаи́л Никола́евич Бары́шников; Riga, Letonia 27 de enero de 1948), apodado «Misha» (diminutivo ruso del nombre «Mijaíl»), es un bailarín, coreógrafo y actor letonio-soviético. A menudo se lo reconoce como el mejor bailarín de ballet del mundo. El crítico Clive Barnes una vez lo llamó «el bailarín más perfecto que jamás haya visto».

Barýshnikov (cuyo nombre es a veces transliterado tanto en español como en diversos idiomas como Baryshnikov, Baríshnikov o también Barishinikov y sus variantes) nació en Riga, en la República Socialista Soviética de Letonia (Unión Soviética), de padres rusos. Su padre era oficial del ejército y su madre costurera. Cuando Mijaíl tenía doce años, su madre se suicidó, por lo que él quedó al cuidado de su padre y su abuela. El artista recuerda su infancia como relativamente feliz, acudiendo a las escuelas públicas locales y siendo un niño activo en la natación y fútbol. Pensando entonces que el ballet era muy difícil de entender, no le prestó ninguna atención especial. Su madre, sin embargo, era una gran aficionada. A los once años presentó su solicitud para ingresar a la Escuela de Ballet del Teatro de la Ópera de Riga, en la cual fue aceptado un año después, en 1960, y donde continuaría sus estudios académicos. Durante este tiempo, Barýshnikov aprendió a hablar francés y aspiraba a ser concertista de piano. Con el tiempo, se enamoró más del ballet que del piano y como resultado de su propio interés y su éxito en festivales escolares, decidió seguir la carrera de bailarín.

En 1963, durante una visita a Leningrado, solicitó la entrada en la famosa Academia Vagánova de Ballet. Fue inmediatamente admitido y se unió a la clase del célebre maestro de ballet Aleksandr Pushkin, quien anteriormente había enseñado a Rudolf Nuréyev. Barýshnikov comentó posteriormente que Pushkin fue «como un padre» para él. Al completar sus estudios en 1966, se unió al Ballet Kírov en Leningrado. A pesar de la tradición, no empezó como aprendiz en el cuerpo de baile, sino que hizo su debut profesional como solista, en Giselle. Ese mismo año ganó la medalla de oro en la competición internacional de ballet de Varna, Bulgaria. A su vuelta de Leningrado, continuó con el mismo éxito. Después de tan solo dos años como profesional, se le ofreció su primer papel principal en Goryanka de Oleg Vinográdov, papel coreografiado específicamente para Barýshnikov. Ese mismo año, recibió la medalla de oro en la primera competición de ballet de Moscú, además del premio Nizhinski. Se convirtió en el bailarín más joven en recibir el Premio del Estado al Mérito de la U.R.S.S. Durante su estancia en Rusia, fue pareja de Irina Kolpakova, a quien muchos consideraban la más grande bailarina clásica viviente, en ballets como La bella durmiente, El cascanueces, Giselle, Coppélia, La llama de París, y Don Quijote, y coreografió Vestris (1969), en el que representó a Auguste Vestris, y Creación del mundo (1971), una opera nueva satírica y religiosa en la que Barýshnikov hizo de Adán junto a Kolpakova como Eva. Sin embargo, su deseo de trabajar con más coreógrafos occidentales, junto a sus preocupaciones sobre lo que él consideraba el declinar del Ballet Kírov, lo llevó a un creciente desasosiego.

Después de conocer al coreógrafo francés Roland Petit en Leningrado, este lo invitó a participar en una gira por Canadá. En 1974, durante esta gira, el bailarín pidió asilo político en Toronto. Más tarde afirmó que Christina Berlin, una amiga suya angloamericana, le ayudó a ingeniar su deserción durante la gira de Londres de 1970. Su primera actuación después de salir del aislamiento temporal en Canadá fue con el Ballet Nacional de Canadá en una versión televisada de La Sílfide. Más tarde se trasladaría a los Estados Unidos.

De 1974 a 1979 fue bailarín principal con el American Ballet Theatre (ABT), donde fue pareja de Gelsey Kirkland. También trabajó con el New York City Ballet de George Balanchine e hizo giras con compañías de ballet y danza moderna alrededor del mundo durante 15 meses. Varios papeles fueron creados para él, incluyendo Opus (1971) y The Dreamer (1979), de Balanchine y Jerome Robbins, Rhapsody (1980), de Balanchine y Frederick Ashton, y Other Dances (con Natalia Makárova) de Jerome Robbins. Volvió a ABT en 1980 como bailarín y director artístico, puesto que mantuvo durante una década. El 3 de julio de 1986, se convirtió en ciudadano naturalizado de los Estados Unidos.

La década de los 90 aportó grandes cambios para el bailarín, que no sólo continuó su actividad en producciones cinematográficas (Company Business, con Gene Hackman, 1991), sino que lanzó sus propias líneas de perfume Barýshnikov y de ropa para danza.

El cambio más importante en su vida profesional se registró tras la decisión de abandonar el ballet, cambiándolo por la danza moderna al fundar White Oak Dance Project, una compañía de giras que fundó junto con Mark Morris y de la que fue director artístico desde 1990 hasta 2002.

En diciembre de 2000, Misha (diminutivo de Mijaíl) obtuvo el premio John F. Kennedy Center, que compartió con el tenor español Plácido Domingo y la actriz Angela Lansbury.

En 2004 abrió su Centro de las Artes en Nueva York.

Recientemente, ha recibido dos doctorados honoris causa: el 28 de septiembre del 2007 del Conservatorio Shenandoah de la Universidad de Shenandoah, y el 11 de mayo de 2006, de la Universidad de Nueva York.

En agosto de 2007, Barýshnikov bailó con Ana Laguna la coreografía de Mats Ek: Lugar (título original sueco: Ställe) en la Dansens Hus, Estocolmo.

Barýshnikov era un bailarín único por varias razones. Era de baja estatura, por lo que tuvo que trabajar arduamente para combatir su falta adecuación para papeles como Sigfrido, héroe de El lago de los cisnes, donde se esperaba ver un bailarín más alto y apuesto. Aunque popularmente afirmó que «no importa lo alto que levantes la pierna. La técnica se basa en la transparencia, simplicidad y hacer un verdadero intento».3 Su forma de bailar era reconocida como de «libro de texto» por su brillante técnica, separación emocional y uso de «bravura», que se define como un estilo masculino y atrevido.

En 1980 conoció a la actriz Jessica Lange, con quien mantuvo una relación sentimental. Un año después nació su hija, Alexandra Barýshnikova. Cuando Barýshnikov y Lange se conocieron, él hablaba muy poco inglés, y tenían que comunicarse en francés. En 1982 el bailarín terminó su relación con Lange. Aunado a ello, Mijaíl enfrentó el grave problema de una operación de rótula, que puso en peligro su carrera. Barýshnikov lleva varios años en una relación con la exbailarina Lisa Rinehart, con quien contrajo matrimonio en 2006, y tienen tres hijos: Sofía, Anna y Peter. En una entrevista con Larry King, Barýshnikov afirmó que no creía en el matrimonio legal, porque el compromiso que implica la relación no tiene nada que ver con el matrimonio como contrato. También afirmó que no era religioso y que, por tanto, declararse frente a un altar no significaba nada para él.

Durante su carrera como actor, Barýshnikov fue reconocido en particular por su primer papel en la película de 1977 Paso decisivo («Paso decisivo» o «Momento de decisión») gracias a la cual recibió una nominación al Oscar. Además, participó como actor principal en la película de 1985 Noches blancas («Noches de Sol» o «Sol de medianoche»), coreografiada por Twyla Tharp y producida por Taylor Hackford en 1984, al lado de Gregory Hines e Isabella Rossellini, con quien mantuvo una discreta relación sentimental. Y en la película de 1987 Dancers. También hizo del novio de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), Aleksandr Petrovsky, en la última temporada de Sexo en Nueva York.

Barýshnikov hizo su debut televisivo bailando en 1976, en el programa de la PBS In Performance Live from Wolf Trap. Durante las navidades de 1977, la CBS trajo su aclamada producción del ballet clásico de Chaikovski El cascanueces a la televisión, y se ha mantenido hasta este día como la versión televisada más popular y más vista. Gelsey Kirkland, Alexander Minz y miembros del American Ballet Theatre también aparecen en esta versión. La producción se rodó en Canadá. Después de haber sido mostrada dos veces por la CBS, se pasó a la PBS, donde se televisó anualmente cada Navidad durante muchos años. Es una de las dos únicas versiones de El cascanueces nominada a un Emmy, la otra siendo The Hard Nut, de Mark Morris, una versión intencionadamente exagerada y satírica del famoso ballet. Posteriormente, Barýshnikov apareció en dos especiales de televisión de la ABC galardonados con un Emmy, en los que bailó música de Broadway y Hollywood, respectivamente. Durante los 70 y los 80, apareció varias veces con el American Ballet Theatre en Live from Lincoln Center y Great Performances.

Durante el verano del 2006, fue de gira con la compañía Hell’s Kitchen Dance, patrocinada por el Centro de las Artes Barýshnikov. Mostrando obras de los residentes del centro, Azsure Barton y Benjamin Millipied, la compañía fue de gira por los Estados Unidos y España.

El 2 de noviembre de 2006, Barýshnikov y la chef Alice Waters aparecieron en un episodio de la serie original Iconoclastas del canal televisivo Sundance. Los dos buenos amigos hablaron sobre sus estilos de vida, sus fuentes de inspiración y de los proyectos sociales que los hacen únicos. Durante el programa, Alice Waters visitó el Centro de las Artes de Barýshnikov en Nueva York. Después, la gira de Hell’s Kitchen Dance lleva a Barýshnikov Berkeley a visitar el restaurante de Alice Waters, Chez Panisse.

El 17 de julio de 2007, el programa de la PBS News Hour with Jim Lehrer hizo mención de Barýshnikov y su Centro de las Artes.

Distinciones

Doctorado Honoris Causae[editar]
New York University (11 de mayo de 2006)
Shenandoah University (28 de septiembre de 2007)
Monclaire State University (23 de mayo de 2008)

L’espectacle continua
Et convidem a conèixer la programació de la temporada febrer-maig 2015!

L’escenari del teatre, transformat en un plató de televisió, rebrà alguns dels protagonistes de la temporada com: Marta Angelat, Jordi Boixaderas, Oriol Broggi, Gerard Claret, Josep Ferré, Àngels Gonyalons, Xavi Pagès, Joan Pera, Sol Picó, Mercè Pons, Carles Raluy, Emma Vilarasau i Jaume Villanueva, entre d’altres.

Condueixen l’acte: Marina Romero i Lluís Marquina

La presentació comptarà amb actuacions en directe i se sortejarà una targeta regal per valor de 100 €

Esteu tots convidats. Us hi esperem!

Amb la col·laboració de:

Cugat.cat
Hotel Sant Cugat
La Vanguardia
Penedès. Denominació d’orígen
Estrella Damm
Codorníu

del 29 de gener a l’1 de febrer

ÚLTIMA VEZ / WIM VANDEKEYBUSLandhol: What the body does not remember

El debut sorprenent de Wim Vandekeybus amb la seva companyia Última Vez l’any 1987 va sacsejar el món de la dansa. A Nova York, Vandekeybus i els compositors Thierry de Mey i Peter Vermeersch van rebre el prestigiós Bessie Award per la seva “confrontació brutal entre la dansa i la música: el paisatge combatiu i perillós de What the body does not remember”.

Ara l’espectacle torna a girar mundialment amb uns altres intèrprets, 25 anys després d’haver-se presentat amb un gran èxit al Mercat de les Flors. La coreografia original de Vandekeybus es mou per la perillosa línia que separa l’atracció de la repulsió. De vegades, el resultat és la confrontació, primer entre dos ballarins, després entre dos grups, entre els ballarins i la música i entre els ballarins i un intricat i fascinant joc de línies. Però, sobretot, és una explosió d’agressivitat, por i perill.

Encara avui, després de gairebé trenta anys i un seguit de pel·lícules i vídeos, Wim Vandekeybus continua buscant la novetat i la innovació. “Des del meu punt de vista, cal que la forma canviï cada vegada (explica), per això un dia puc crear un espectacle essencialment musical (nieuwZwart) i després, per al proper projecte, fer una pel·lícula basada en les experiències d’un home (Monkey Sandwich) i llavors concebre un muntatge per a joves amb qui normalment em guardo prou de barrejar-me (Radical Wrong), optar per una obra de mitologia clàssica (Oedipus/Bêt noir) o fins i tot decantar-me per una peça analítica en què la fotografia té un paper protagonista (Booty Looting).

Direcció, coreografia i escenografia

Wim Vandekeybus

Intèrprets
Zebastián Méndez Marín, Aymara Parola, Maria Kolegova, Livia Balazova, Eddie Oroyan, Pavel Mašek, Jorge Jauregui Allue, Revé Terborg, German Jauregui Allue

Música original
Thierry De Mey, Peter Vermeersch

Direcció assaigs
Eduardo Torroja

Estilisme
Isabelle Lhoas, assistent Frédérick Denis, Isabelle de Cannière

Coordinació tècnica
Davy Deschepper

Disseny il·luminació
Francis Gahide

Il·luminació gira
Davy Deschepper

So gira
Bram Moriau

Producció Última Vez

Amb el suport Charleroi Danses, Centre Chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles
Coproducció KVS

Espectacle creat originàriament el 1987. Reestrena 2013-2014

Agraïments Louise De Neef, Benjamin Dandoy

Divendres 30 de gener hi haurà una xerrada amb els artistes en acabar la funció a la mateixa sala MAC

El 26 de enero de 1988: en el Majestic Theatre de Nueva York, se estrena el musical (de Andrew Lloyd Webber).

El fantasma de la ópera (musical de 1986)
(Redirigido desde «The Phantom of the Opera (musical de 1986)»)

El fantasma de la ópera es un musical con música de Andrew Lloyd Webber, letras de Charles Hart y Richard Stilgoe, y libreto de los propios Andrew Lloyd Webber y Richard Stilgoe. Está basado en la novela francesa Le Fantôme de l’Opéra de Gastón Leroux y, al igual que en ésta, su trama central se desarrolla en torno a Christine Daaé, una hermosa soprano de la Ópera de París que se convierte en la obsesión de un misterioso compositor desfigurado.

Dirigido por Harold Prince y coreografiado por Gillian Lynne, el espectáculo debutó en 1986 en el West End y dos años después llegó a Broadway, obteniendo numerosos galardones entres los que se incluyen los premios Olivier y Tony al mejor musical y al mejor actor (Michael Crawford). En la actualidad ocupa el primer puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway y el tercero en la del West End, por detrás de La ratonera y Los miserables.

Con unos ingresos globales de más de 6.000 de millones dólares, El fantasma de la ópera es la segunda producción teatral con mayor recaudación de la historia, solo por detrás de El rey león.1 En total ha sido visto por más de 130 millones de espectadores en todo el mundo.

En 1984 Andrew Lloyd Webber se puso en contacto con Cameron Mackintosh, coproductor de Cats y Song and Dance, para proponerle un nuevo musical. El compositor británico tenía en mente escribir una pieza romántica así que le sugirió adaptar la novela Le Fantôme de l’Opéra de Gastón Leroux. Juntos revisaron las versiones cinematográficas protagonizadas por Lon Chaney en 1925 y Claude Rains en 1943, pero en un principio no encontraron la forma de dar el salto de la pantalla al escenario. Posteriormente, Lloyd Webber adquirió en Nueva York una copia de segunda mano de la novela de Leroux, que llevaba mucho tiempo descatalogada, y ahí es donde por fin halló la inspiración necesaria para desarrollar el musical.

En un principio Lloyd Webber tanteó a Jim Steinman para que escribiese las letras debido a su obsesión con la oscuridad, pero Steinman lo rechazó para poder finalizar sus compromisos con un disco de Bonnie Tyler. El siguiente letrista en entrar en el proyecto fue Alan Jay Lerner, pero lo tuvo que abandonar al caer gravemente enfermo. Ninguna de las aportaciones de Jay Lerner (presentes sobre todo en la canción «Masquerade») están acreditadas. Richard Stilgoe, que ya había trabajado con Lloyd Webber en Starlight Express, fue quien finalmente realizó gran parte de las letras, pero más tarde, Charles Hart, un joven y entonces relativamente desconocido letrista, reescribió la mayoría del material, además de crear letras originales para «Think of Me». Aún así, parte del trabajo de Stilgoe se mantiene en la versión definitiva del musical.
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Insípida en parte por una versión musical anterior de Ken Hill, la partitura de Lloyd Webber tiene a veces un estilo cercano a la ópera, pero siempre manteniendo la forma y la estructura de un musical. Los pasajes operísticos están reservados principalmente para personajes secundarios como André, Firmin, Carlotta o Piangi, y también se utilizan para recrear las óperas ficticias que se representan dentro del espectáculo (Hannibal, Il muto y la obra maestra del Fantasma Don Juan Triumphant). Estos fragmentos fueron compuestos por Lloyd Webber al estilo de las grandes óperas de Meyerbeer, Mozart e incluso Gilbert y Sullivan, y se presentan como números musicales interrumpidos por diálogos dejando claro el formato de «representación dentro de una representación». Los extractos musicales de la ópera Don Juan Triumphant que se escenifica al final del segundo acto suenan modernos para la época, sugiriendo que el Fantasma era un compositor adelantado a su tiempo.

Maria Björnson diseñó la escenografía y los más de 200 trajes, incluyendo los elaborados vestidos del número musical «Masquerade». Sus decorados, que contienen elementos tan icónicos como la lámpara de araña, la góndola subterránea o la gran escalinata, ganaron multitud de premios y reconocimientos. Harold Prince, director de Cabaret, Candide, Follies, y Evita (también de Lloyd Webber), fue contratado para dirigir la producción, mientras que Gillian Lynne, coreógrafa y directora asociada de Cats, se hizo cargo de la coreografía.

En 1985 un anticipo del primer acto se representó en Sydmonton, en la casa del propio Lloyd Webber. Los protagonistas fueron Colm Wilkinson como Fantasma (quien posteriormente originaría el personaje en la producción de Toronto), Sarah Brightman como Kristin (Christine) and Clive Carter como Raoul (quien posteriormente formaría parte del elenco que estrenó el musical en Londres). En esta versión preliminar del espectáculo se utilizaron las letras originales de Richard Stilgoe y muchas de las canciones tenían títulos que después fueron modificados, como es el caso de «What Has Time Done to Me» («Think of Me») y «Papers» («Notes»). La máscara del Fantasma cubría la cara entera y el personaje la llevaba durante toda la obra, limitando la visión del actor y tapando su voz. Por este motivo Björnson diseñó la icónica media mascara y se añadió la escena del Fantasma con la cara descubierta. Algunos vídeos de este primer anticipo se incluyeron en la edición en DVD de la adaptación cinematográfica de 2004.

Producción original de Londres

El fantasma de la ópera se estrenó en el Her Majesty’s Theatre del West End el 9 de octubre de de 1986, con funciones previas desde el 27 de septiembre. Dirigida por Harold Prince, la producción contó con coreografía de Gillian Lynne, diseño de escenografía y vestuario de Maria Björnson, diseño de iluminación de Andrew Bridge, diseño de sonido de Martin Levan y orquestaciones de David Cullen y el propio Lloyd Webber. Michael Crawford fue escogido para interpretar el papel protagonista, junto a Sarah Brightman como Christine, Steve Barton como Raoul, Rosemary Ashe como Carlotta, Mary Millar como Madame Giry, Janet Devenish como Meg Giry, John Savident como Monsieur Firmin, David Firth como Monsieur André y John Aron como Piangi. En la actualidad continúa representándose en el Her Majesty’s Theatre, donde el 19 de marzo de 2013 celebró su función número 11.000, y ocupa el tercer puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia del West End, por detrás de La ratonera y Los miserables.

Producción original de Broadway

En Broadway debutó el 26 de enero de 1988 en el Majestic Theatre, con funciones previas desde el 9 de enero. Michael Crawford, Sarah Brightman y Steve Barton reptieron los papeles que habían estrenado en Londres, acompañados de Judy Kaye como Carlotta, Leila Martin como Madame Giry, Elisa Heinsohn como Meg Giry, Nick Wyman como Monsieur Firmin, Cris Groenendaal como Monsieur André y David Romano como Piangi. La producción continúa representándose a día de hoy en el mismo teatro, donde el 26 de enero de 2013 celebró su 25º aniversario. Con más de 11.000 funciones a sus espaldas, El fantasma de la ópera es el espectáculo de mayor permanencia en cartel de la historia de Broadway.

Producción original de México

La première mundial en idioma español tuvo lugar el 16 de diciembre de 1999 en el Centro Cultural de México, D.F. Producida por las empresas MAT Theatrical & Entertainment y OCESA del grupo CIE, la versión mexicana fue una réplica exacta del montaje original de Cameron Mackintosh y The Really Useful Group, con libreto adaptado al español por Álvaro Cerviño y dirección musical de Isaac Saúl. El elenco estuvo liderado por Juan Navarro y Saulo Vasconcelos como Fantasma, Irasema Terrazas y Claudia Cota como Christine, José Joel como Raoul, Tatiana Marouchtchak como Carlotta, Tere Cabrera como Madame Giry, Laura Morelos como Meg Giry, Luis René Aguirre como Monsieur Firmin, Luis Miguel Lombana como Monsieur André y Javier Cortés como Piangi. Después de aproximadamente 400 representaciones y 550.000 espectadores, la producción bajó el telón por última vez el 14 de enero de 2001

Producción original de Madrid

El fantasma de la ópera se estrenó en Madrid el 4 de septiembre del 2002 en el Teatro Lope de Vega,4 ocupando el lugar dejado por La bella y la bestia. La producción corrió a cargo de CIE, y desde 2003 también por parte de Stage Entertainment, asociadas bajo el nombre CIE Stage Holding. El montaje de Madrid fue una réplica exacta de las puestas en escena de Londres y Broadway, con una inversión de más de 9 millones de euros y una nueva traducción al castellano firmada por Eduardo Galán (que en 2009 también se utilizaría en Buenos Aires). Arthur Masella, quien ya había estado al frente de El fantasma de la ópera en ciudades como Estocolmo, Sídney, Ámsterdam o México, D.F., fue el director asociado en España, con Denny Berry como coreógrafa asociada, Kristen Blodgette como supervisora musical, Moira Chapman como directora residente y Pablo Eisele dirigiendo la orquesta de 20 músicos.

El reparto original estuvo encabezado por Luis Amando como Fantasma y Felicidad Farag como Christine, alternándose con Juan Carlos Barona y Julia Möller en algunas funciones. Junto a ellos, Armando Pita como Raoul, Susana Casas como Carlotta, Anna Argemí como Madame Giry, Evangelina Esteves como Meg Giry, David Venancio Muro como Monsieur Firmin, Enrique R. del Portal como Monsieur André y Enrique Ferrer como Piangi completaron el elenco. Durante la estancia de El fantasma de la ópera en Madrid se produjeron algunos cambios en el reparto principal: Teresa Barrientos y Angels Jiménez reemplazaron a Felicidad Farag y Anna Argemí como Christine y Madame Giry respectivamente, Zenón Recalde pasó al alternar el personaje de Raoul con Armando Pita y Ruth Nabal se incorporó a la compañía como alternante de Carlotta.

La producción española de El fantasma de la ópera se mantuvo en cartel hasta el 27 de junio de 2004, tras haber realizado 762 funciones en las que fue vista por más de 730.000 espectadores. La recaudación total ascendió a 37 millones de euros

Producción original de Buenos Aire

La tercera puesta en escena en español de El fantasma de la ópera después de los montajes de México y España tenía previsto debutar en Argentina en 2008, pero una vez comenzadas las audiciones, el proyecto se pospuso debido a cambios en el equipo de producción.6 Finalmente el musical pudo estrenarse el 19 de marzo de 2009 en el Teatro Ópera de la Avenida Corrientes de Buenos Aires, de la mano de la empresa brasileña Time for Fun. Con dirección musical de Gerardo Gardelín y traducción de Eduardo Galán, el espectáculo estuvo protagonizado por Carlos Vittori como Fantasma (alternándose con Juan Pablo Skrt), Claudia Cota como Christine (quien ya había interpretado el mismo personaje en México, D.F.), Nicolás Martinelli como Raoul, Mirta Arrúa Lichi como Carlotta, Lucila Gandolfo como Madame Giry, Silvina Tordente como Meg Giry, Ricardo Bangueses como Monsieur Firmin, Walter Canella como Monsieur André y Santiago Sirur como Piangi. La última función tuvo lugar el 29 de noviembre de 2009.7

Celebración del 25º aniversario en el Royal Albert Hall

Los días 1 y 2 de octubre de 2011 tuvieron lugar en el Royal Albert Hall de Londres tres representaciones para celebrar el 25º aniversario de El fantasma de la ópera, evento que fue proyectado en los cines de varios países. Producida por Cameron Mackintosh, la celebración no fue en versión concierto como ocurrió con el 25º aniversario de Los miserables (también de Mackintosh), sino que presentó una nueva puesta en escena similar a la de la gira que después recorrió Reino Unido entre 2012 y 2013.

El reparto estuvo liderado por Ramin Karimloo (Fantasma) y Sierra Boggess (Christine), quienes ya habían protagonizado la secuela Love Never Dies que se representó en el Adelphi Theatre de Londres, acompañados de Hadley Fraser (Raoul), Wendy Ferguson (Carlotta), Liz Robertson (Madame Giry), Daisy Maywood (Meg Giry), Barry Jame (Monsieur Firmin), Gareth Snook (Monsieur André) y Wynne Evans (Piangi). La celebración fue dirigida por Laurence Connor, con coreografía de Gillian Lynne (al igual que el montaje original) y escenografía diseñada por Matt Kinley basándose en la original de Maria Björnson, cuyo vestuario volvió a utilizarse. La iluminación fue de Patrick Woodroffe y el diseño de sonido de Mick Potter.

Al final del espectáculo aparecieron Andrew Lloyd Webber y Cameron Mackintosh para dar un pequeño discurso previo a la actuación de Sarah Brightman y los fantasmas Colm Wilkinson, John Owen-Jones, el australiano Anthony Warlow y el sueco Peter Jöback, junto a miembros de elencos anteriores de la producción de Londres.

En febrero de 2012 la celebración del 25º aniversario fue editada en CD, DVD y Blu-ray, y en marzo de ese mismo año comenzó a emitirse en el programa de televisión Great Performances de la cadena estadounidense PBS.

Producción del 25º aniversario

Coincidiendo con el 25º aniversario de su estreno en Londres, Cameron Mackintosh lanzó una producción completamente nueva que debutó el 13 de marzo de 2012 en el Theatre Royal de Plymouth, como parte de una gira por Reino Unido e Irlanda que recorrió ciudades como Manchester, Bristol, Dublín, Leeds, Edinburgo, Milton Keynes, Cardiff, Southampton o Birmingham, donde realizó su última función el 4 de mayo de 2013. Esta renovada versión del musical contó con un equipo creativo diferente al de la puesta en escena original, con dirección de Laurence Connor (responsable también de la celebración del 25º aniversario en el Royal Albert Hall), coreografía de Scott Ambler, diseño de escenografía de Paul Brown, diseño de vestuario de Maria Björnson, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, orquestaciones de David Cullen y supervisión musical de John Rigby. El reparto estuvo encabezado por John Owen-Jones y Earl Carpenter compartiendo el papel de Fantasma, Katie Hall como Christine, Simon Bailey como Raoul, Angela M. Caesar como Carlotta, Elizabeth Marsh como Madame Giry, Hannah Cadec como Meg Giry, Andy Hockley como Monsieur Firmin, Simon Green como Monsieur André, Vincent Pirillo como Piangi y Olivia Brereton como alternante de Christine en algunas representaciones.

Tras el éxito obtenido en Reino Unido, la producción del 25º aniversario comenzó un tour nacional por Estados Unidos que arrancó el 27 de noviembre de 2013 en el Performing Arts Center de Providence, Rhode Island, con un elenco liderado por Mark Campbell como Fantasma, Julia Rose Udine como Christine, Ben Jacoby como Raoul, Jacquelynne Fontaine como Carlotta, Linda Balgord como Madame Giry, Hannah Florence como Meg Giry, Craig Bennett como Monsieur Firmin, Edward Staudenmayer como Monsieur André, Frank Viveros como Piangi y Grace Morgan como alternante de Christine en algunas representaciones.8

Otras producciones

El fantasma de la ópera se ha representado en más de 30 países a lo largo del mundo, incluyendo Alemania, Argentina, Australia, Austria, Bélgica, Brasil, Canadá, China, Corea del Sur, Dinamarca, España, Estados Unidos, Filipinas, Hungría, Irlanda, Japón, México, Nueva Zelanda, Países Bajos, Polonia, Reino Unido, Rusia, Singapur, Sudáfrica, Suecia, Suiza y Taiwán, y ha sido traducido a 13 lenguas. Exceptuando las versiones de Hungría, Nueva Zelanda, Polonia y el montaje del 25º aniversario, todas las producciones internacionales han sido clones de la puesta en escena original.

En Brasil se estrenó el 19 de abril de 2005 en el Teatro Abril de São Paulo, siendo la segunda vez que el musical pudo verse en Latinoamérica. Producido por la empresa Time for Fun, estuvo protagonizado por Saulo Vasconcelos como Fantasma (quien ya había interpretado el mismo personaje en México, D.F.), Kiara Sasso como Christine y Nando Prado como Raoul.

Una versión reducida rebautizada como Phantom – The Las Vegas Spectacular debutó el 24 de junio de 2006 en The Venetian Resort Hotel Casino de Las Vegas, en un teatro construido para la ocasión que imitaba a la Ópera Garnier de París. La producción tenía una duración de 95 minutos en un único acto y fue dirigida y coreografiada por Harold Prince y Gillian Lynne respectivamente, con diseño de escenografía de David Rockwell y un reparto original compuesto por Brent Barrett y Anthony Crivello como Fantasma, Sierra Boggess y Elizabeth Loyacano como Christine, Tim Martin Gleason como Raoul, Elena Jeanne Batman y Geena Jeffries Mattox como Carlotta, Rebecca Spencer como Madame Giry, Brianne Kelly Morgan como Meg Giry, Lawson Skala como Monsieur Firmin, John Leslie Wolfe como Monsieur André y Larry Wayne Morbitt como Piangi. La tecnología y los efectos especiales fueron actualizados, incluyendo una lámpara de araña rediseñada que se elevaba por el aire durante la obertura mientras el teatro entero (no solo el escenario) regresaba a sus tiempos de esplendor de 1881. Alrededor de 45 minutos de material fueron eliminados, incluyendo la secuencia completa del ensayo de «Don Juan Triumphant» y varios fragmentos de «Poor Fool, He Makes Me Laugh» y «The Point of No Return». Otros cambios fueron similares a los que se hicieron para la adaptación cinematográfica de 2004, como situar la caída de la lámpara en el clímax de la historia (durante la interpretación de «The Point of No Return») en lugar de hacia la mitad del espectáculo. La producción de Las Vegas bajó el telón por última vez el 2 de septiembre de 2012.

En 2011 The Really Useful Group, propietario del copyright, liberó algunos derechos del espectáculo para conmemorar su 25º aniversario. Esto implica que las organizaciones educativas y sin ánimo de lucro, incluidas las escuelas y las agrupaciones de teatro amateur, pueden representar el musical si pagar por los derechos de autor. En mayo de 2011 la H. B. Beal Secondary School de London, Ontario, se convirtió en la primera escuela en montar El fantasma de la ópera con la nueva licencia.