Archivo por meses: julio 2015

Pau Alabajos en concert #PaualsTerrats ( divendres 31 de juliol i dissabte 1 d’agost)

 

 

 

 

 

 

 

 

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Pau Alabajos en concert
#PaualsTerrats

Els Terrats en Cultura de la temporada d’estiu s’acomiaden amb un concert irrepetible de la mà del cantautor Pau Alabajos.
Divendres 31 de juliol i dissabte 1 d’agost
A les 20.30 h
Barri de Sarrià

Reserva localitats
https://docs.google.com/forms/d/1zmwcS8ETMTp7pO-lphDVRO10LdfKbjbEjV8J-a9jcrU/viewform

 

Després de fer un concert antològic, acompanyat d’una orquestra simfònica, al Palau de la Música de València i de treure un disc amb l’enregistrament d’aquella trobada inoblidable (Pau al Palau), Alabajos vol fer un nou gir cap a l’intimisme i ens presenta Pau als Terrats, un espectacle que resum una dècada de cançons.

 

El cantautor Pau Alabajos és un dels màxims exponents de la cançó en català. Hereu dels compositors més privilegiats, la seva música transmet emocions, pensaments i un interès pel que passa al nostre voltant. El seu repertori va des de les balades més intimistes fins a la denúncia de la corrupció urbanística o els escàndols polítics i humans a València, a Catalunya i a la resta del món. Gràcies a aquest compromís, i gràcies a la seva música delicada i de qualitat, Pau Alabajos s’ha guanyat un lloc dins el panorama musical estatal.

 

 

Fitxa artística
Guitarra i veu: Pau Alabajos

‘Broadway in Bryant Park’ (del 9 de julio al 13 de agosto) Bryant Park

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Como cada verano desde hace 15 años se prepara en Nueva York se celebrará una nueva edición del ciclo de conciertos ‘Broadway in Bryant Park’. Los principales musicales actualmente en cartel en Broadway y en el Off-Broadway participarán en esta 15ª edición de esta serie de conciertos presentada por la emisora radiofónica 106.7 Lite FM.

Las actuaciones gratuitas tendrán lugar cada jueves entre las 12.30h y las 13.30h del mediodía a partir del 9 de julio y hasta el 13 de agosto de 2015 en el escenario ubicado en el Bryant Park, parque situado tras la New York Public Library, en la 6ª avenida, entre las calles 40 y 42 de Manhattan.

Este año 2015 presentarán algunos de sus mejores números musicales recién estrenados como IT SHOULDA BEEN YOU, AMAZING GRACE o SOMETHING ROTTEN!; dos de los triunfadores de los Tony 2014, BEAUTIFUL y A GENTLEMAN’S GUIDE TO LOVE AND MURDER; o clásicos como LES MISÉRABLES y WICKED.

Respecto a esta nueva edición de ‘Broadway in Bryant Park’, Chris Conley, director de programas de 106.7 Lite FM ha declarado: “El verano de 2015 marca un increible hito para nosotros -15 años de música y actuaciones- y estamos increiblemente orgullosos de que este evento se haya convertido en una tradición estival en Nueva York para nuestros oyentes, los fans de Broadway, y los visitantes de la ciudad. Esperamos que en esta nueva temporada de verano se reunan nuevos y anteriores espectadores para disfrutar de nuestras actuaciones de Broadway preferidas.”

El calendario previsto de actuaciones de ‘Broadway in Bryant Park 2015’ es el siguiente:

9 de julio de 2015: Stomp, WICKED, IT SHOULDA BEEN YOU, Fuerza Bruta
16 de julio de 2015: FINDING NEVERLAND, CHICAGO, SISTAS: THE MUSICAL, MAMMA MIA!
23 de julio de 2015: KINKY BOOTS, BEAUTIFUL, THE PHANTOM OF THE OPERA, Sayonara
30 de julio de 2015: MATILDA, ON THE TOWN, LES MISERABLES, THE FANTASTICKS
6 de agosto de 2015: AMAZING GRACE, SOMETHING ROTTEN!, RUTHLESs!, ALLEGIANCE: A NEW MUSICAL, A GENTLEMAN’S GUIDE TO LOVE AND MURDER
13 de agosto de 2015: Mrs. Smith’s Broadway Cat-Tacular!, ONCE UPON A MATTRESS, THE KING AND I, DAMES AT SEA

El Teatro Tívoli presenta dos obras cumbres del ballet romántico “El Lago de los Cisnes” y “La Bella Durmiente” (del 28 julio al 9 de agosto) Teatro Tívoli

El Teatro Tívoli presenta dos obras cumbres del ballet romántico

LA BELLA DURMIENTE

 

 

 

 

 

 

 

BALLET DE MOSCU

LOS TUTÚS, LA ÚLTIMA TENDENCIA EN MODA ESTE VERANO EN BARCELONA

“El Lago de los Cisnes” y “La Bella Durmiente” se representarán en Barcelona del 28 julio al 9 de agosto

El BALLET DE MOSCÚ vuelve a Barcelona, ciudad en la que, en cada nueva temporada, siente con fuerza el cariño y respeto de su público exigente y crítico.

Un maravilloso sueño se pone en marcha en 1989 cuando el director Timur Fayziev, solista de las mejores compañías rusas desde su adolescencia, funda el BALLET DE MOSCÚ, su objetivo: difundir y contagiar su pasión por el mundo del ballet.

En la actualidad, EL BALLET DE MOSCÚ se enorgullece de la fuerza de su experiencia, son 26 años de giras internacionales ininterrumpidas. Su éxito reside en sumar calidad, compromiso, pasión por y con el mundo del Ballet.

En escena, los artistas cautivan a su público trasmitiendo emotividad y la técnica más depurada de la escuela rusa, interpretando, en esta ocasión, dos obras cumbres del ballet romántico:

El Lago de los Cisnes – del 28 de julio al 2 de agosto

Bella Durmiente – del 4 al 9 de agosto

Robin McLaurin Williams (Chicago, Illinois, 21 de julio de 19511 – Paradise Cay, California, 11 de agosto de 2014)

Robin Williams

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Robin McLaurin Williams (Chicago, Illinois, 21 de julio de 19511 – Paradise Cay, California, 11 de agosto de 2014) fue un humorista y actor estadounidense.

Ganó un Óscar y cinco Globos de Oro, y fue generalmente conocido por sus actuaciones en películas cómicas tales como Mrs. Doubtfire, Jumanji, Hook; ; Aladdín, Las aventuras del barón Munchausen, The Birdcage, Night at the Museum, o Happy Feet, como también aclamado por la crítica en películas dramáticas como Patch Adams, Good Will Hunting, Dead Poets Society, Awakenings, The Fisher King, One Hour Photo o Good Morning, Vietnam entre otras.

Nació en Chicago, en el estado de Illinois, como hijo (con otros dos hermanos) de un ejecutivo de la industria del automóvil. Creció en un ambiente económicamente holgado y no mostró en su infancia y primera adolescencia interés por la interpretación. Se concentró en cambio en sus estudios y en la práctica de deportes.

En 1967 la familia de Williams se trasladó a Mycra, en California. En el colegio en el que continuó sus estudios, se despertó su interés por el teatro. A raíz de ello abandonó los estudios de política, con la intención de iniciar una carrera de actor. La casualidad le llevó a ingresar en la prestigiosa academia de interpretación Juilliard School en Nueva York. Tres años después, Williams regresó a California y se instaló en San Francisco, buscando su oportunidad para actuar en comedias teatrales. En 1976 tuvo una prueba y fue contratado, lo que marcó el inicio de su carrera.

Dos años después trabajó en Mork & Mindy, una serie de televisión en la que interpretaba a un extraterrestre, con el que obtuvo un éxito arrollador. La serie continuó durante años y Williams corría el riesgo de quedarse encasillado en el papel. Por ello la abandonó e hizo una primera película de cine, que pasó inadvertida. Su verdadero debut lo tuvo en Popeye, de Robert Altman, película que no consiguió el éxito esperado, pero que sí dio a conocer a Williams a las audiencias de cine. Su siguiente película fue The World According to Garp, de George Roy Hill, en la que interpretaba a un personaje difícil, agradable pero no cómico. Williams también superó esta prueba de forma brillante e incrementó su popularidad.

Más de 50 instituciones recibieron gratis dinero y tiempo de Williams para obras sociales

Entre 1987 y 1991, Williams actuó entre otras en tres películas que le valieron una nominación al Óscar como mejor actor principal. La primera fue Good Morning, Vietnam, en la que interpretaba a un locutor de radio del ejército durante la guerra de Vietnam. La segunda nominación la ganó por Dead Poets Society, en la que su papel fue de profesor de literatura de un colegio, y la tercera por The Fisher King en la que interpreta a un vagabundo.

Su talento para cambiar la voz e imitar acentos le permitió hacer papeles hilarantes, como en Mrs. Doubtfire. En la década del 90, Williams alternó papeles cómicos con interpretaciones dramáticas, realizando papeles de perfiles psicológicos muy complejos como es el caso del film Retratos de una obsesión, y se convirtió en uno de los grandes actores contemporáneos.

Desde el principio de su carrera, Williams luchó con gran esfuerzo para conservar su personalidad única como humorista y para convertirse al mismo tiempo en un excelente actor de carácter. Tenía claro que no debía perder sus cualidades propias, pero que necesitaba dominar la interpretación para ser alguien en el mundo del cine. Consiguió ciertamente realizar su objetivo. Considerado un actor de gran versatilidad tanto en comedia como en drama, gana finalmente el tardío reconocimiento de la Academia, que le otorga el Óscar por su actuación en Good Will Hunting, filmada en 1997.

En 1992, puso la voz en inglés para la película animada de Disney Aladdín, interpretando al genio de la lámpara, y en su tercera parte en 1996. Durante 1995 interpretó a Alan Parrish en la película de aventuras Jumanji, basada en un relato infantil de 32 páginas publicado por Chris Van Allsburg, junto con Bonnie Hunt y los niños Kirsten Dunst y Bradley Pierce, recibiendo buenas críticas y éxitos en taquilla. En el mismo año, tiene un papel secundario en la película Nueve meses, interpretando al cómico y escandaloso Dr. Kosevich, quien recibe al hijo de Julianne Moore y Hugh Grant.

En 1996, uno de sus años de mayor éxito, actúa formidablemente en el drama cómico Jack, donde interpreta a un niño de diez años que tiene una enfermedad (similar a la progeria) que lo hace ver treinta años mayor; dirigida por Francis Ford Coppola, música de Michael Kamen y Bryan Adams, comparte protagonismo junto a Diane Lane, Brian Kerwin, Jennifer López y Bill Cosby. En el mismo año, interpreta a Armand Goldman, un homosexual dueño de un teatro-cabaret llamado The Birdcage, en la película de comedia que lleva el mismo nombre, compartiendo créditos junto con Nathan Lane y Gene Hackman.

En 1998, interpreta la vida del doctor Hunter «Patch» Adams en la película Patch Adams, dirigida por Tom Shadyac, en su lucha por obtener el título de médico con su terapia de la risa que tanto hizo entender a colegas médicos y público en general. Tuvo gran aceptación en el público, con gran éxito en taquilla, nominaciones al Óscar y Globo de Oro y ha sido una de las películas más recordadas de Williams. Comparte protagonismo junto con Monica Potter y Philip Seymour Hoffman. Tiempo después, es contratado para actuar junto con Cuba Gooding Jr. y Annabella Sciorra en el drama Más allá de los sueños, obteniendo grandes críticas por sus actuaciones como por su dirección fotográfica, ganadora de un Óscar de la Academia.

Ya en 1999 actúa en el drama cómico El hombre bicentenario, interpretando al robot humanoide inteligente Andrew, que con el pasar del tiempo va adquiriendo sabiduría y sentimientos, pidiendo a sus dueños la libertad tan anhelada por la humanidad; al ser libre construye su propia casa empezando una nueva vida, luego irá en busca de robots similares como él y, al final de su búsqueda y llegando al lugar de origen de su partida, encuentra a un científico, hijo del creador de la serie de robots como Andrew, quien estaba creando fórmulas para hacer aparentar a los robots como seres humanos, empezando una nueva aventura para Andrew: ser el ser humano más viejo de la historia. Williams comparte protagonismo junto con Sam Neill, Embeth Davidtz y Oliver Platt.

En 2002, protagoniza su película de acción Insomnia junto con Al Pacino y Hilary Swank, película rodada en el estado de Alaska.

2006 es el año donde actúa en un sinnúmero de films: El hombre del año, como un entusiasta conductor de televisión que se postula a la presidencia de Estados Unidos; Night at the Museum, como la estatua de Theodore Roosevelt en el museo de Nueva York junto con Ben Stiller, repitiendo su papel en la secuela de 2009; en la animada Happy Feet, hace la voz de dos personajes y comparte créditos con Elijah Wood, Britanny Murphy, Hugo Weaving, Nicole Kidman y Hugh Jackman, así como también en su segunda parte de 2011; en la comedia RV protagoniza a un ejecutivo que es obligado a suspender sus vacaciones a escondidas de su familia para conseguir un ascenso en su trabajo.

En 2007, actúa como el molesto reverendo Frank en la comedia License to Wed, junto con Mandy Moore y John Krasinski.

En 2009, trabaja junto con John Travolta y Kelly Preston en la comedia de Disney, Old Dogs.

El primer matrimonio de Robin Williams fue con Valerie Velardi el 4 de junio de 1978, con quien tiene un hijo, Zachary Pym (Zak) (nacido el 11 de abril de 1983). Durante el primer matrimonio de Williams, él estuvo involucrado en una relación extramarital con Michelle Tish Carter, una camarera a quien conoció en 1984. Ella lo demandó en 1986, afirmando que él no le había dicho que estaba infectado con herpes simple antes de embarcarse a una relación sexual con ella a mitad de la década de 1980, durante la cual, dijo, que él le transmitió el virus a ella. El caso se resolvió fuera de los tribunales. Williams y Velardi se divorciaron en 1988.

El 30 de abril de 1989, se casó con Marsha Garces, quien era niñera de su hijo, ya estando esta embarazada; tienen dos hijos, Zelda Rae (nacida el 31 de julio de 1989) y Cody Alan (nacido el 25 de noviembre de 1991). En marzo de 2008, Garces solicitó el divorcio de Williams, citando diferencias irreconciliables.

El 20 de agosto de 2007, el hermano mayor de Williams, Robert Todd Williams, murió de complicaciones de una cirugía de corazón realizada un mes antes.

Williams fue miembro de la Iglesia Episcopal. Describió su afiliación religiosa en una rutina de comedia diciendo:
tengo la idea de un chicagüense protestante, episcopaliano-católico light: mismos rituales, mitad de culpa.

Mientras estudiaba en Juilliard, Williams se hizo amigo de Christopher Reeve. Tuvieron varias clases juntos en las que eran los únicos estudiantes, y siguieron siendo amigos por el resto de la vida de Reeve. Williams visitó a Reeve después del accidente de caballo que lo llevó a estar tetrapléjico, y lo animó fingiendo ser un excéntrico doctor de Rusia (similar a su papel en Nine Months). Williams afirmaba que estaba allí para practicarle una colonoscopía. Reeve dijo que ésa fue la primera vez que rió desde el accidente y supo que la vida iba a continuar bien.

Se sabe que Williams era un fanático de la saga The Legend of Zelda. De igual manera, confesó que decidió llamar a su hija Zelda Williams basándose en la «Princesa Zelda.

Durante la década de 1970 y 1980, Williams tuvo una adicción a la cocaína; ha dicho que desde entonces lo ha dejado. Williams era un amigo cercano de John Belushi. Él dijo que la muerte de su amigo y el nacimiento de su hijo lo llevó a dejar las drogas: «¿Fue una llamada de atención? Oh sí, en un gran nivel. El gran jurado también ayudó».

El 9 de agosto de 2006, Williams se internó en un centro de rehabilitación (ubicado en Newberg, Oregón), luego admitió que era un alcohólico.

Su publicista dio el anuncio:
«Después de 20 años de sobriedad, Robin Williams se ha encontrado bebiendo nuevamente y ha decidido tomar medidas proactivas para lidiar con esto por su propio bien y el de su familia. Él pide que respeten su privacidad y la de su familia durante este tiempo. Espera volver a trabajar este otoño para apoyar sus próximos lanzamientos de películas».
En 2011, ya recuperado, apareció en el documental de la BBC para Discovery Channel, en el especial «Curiosidad: ¿Cómo funcionan las drogas?».

Problemas de salud

Williams fue hospitalizado en marzo de 2009 debido a problemas cardíacos. Pospuso su gira en solitario para someterse a una cirugía para reemplazar su válvula aórtica. La cirugía se completó con éxito el 13 de marzo de 2009, en la Clínica Clevelan

El 11 de agosto de 2014, Williams fue encontrado muerto en su domicilio de Paradise Cay, California en lo que aparentemente podría haber sido un suicidio por asfixia, según el informe inicial del Departamento del Sheriff del Condado de Marin.El 12 de agosto fue confirmado que el actor fue encontrado ligeramente suspendido en el aire con un cinturón atado a su cuello por un extremo y el otro enganchado a la parte superior de un armario en su dormitorio.

El 14 de agosto, su esposa Susan Schneider dio a conocer que el actor padecía la enfermedad de Parkinson, sobre la cual aún no se encontraba preparado para hablar de ello públicamente.

Tras la muerte y la posterior cremación del cuerpo de Robin Williams, sus cenizas fueron esparcidas en el océano Pacífico, en la bahía de San Francisco.

El 7 de noviembre de 2014 fue declarada oficialmente la muerte del actor como suicidio, a causa de “asfixia por ahorcamiento” esto tras haber obtenido los exámenes toxicológicos, los cuales mostraron la ausencia de alcohol o drogas ilícitas

Caiguts del cel (del 4 de setembre al 25 d’octubre de 2015) Teatre Condal

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Caiguts del cel

del 4 de setembre al 25 d’octubre de 2015
AUTOR: Sébastien Thiéry
DIRECCIÓ: Sergi Belbel

Sinopsi

La vida tranquil·la i feliç d’una parella petit burgesa de mitjana edat es veu trastocada bruscament quan, un bon dia, sense motiu ni explicació aparents, comencen a aparèixer diners dins el menjador de casa seva. La situació s’embolica quan s’hi veuen implicats la dona de fer feines estrangera de la parella i un peculiar veí molt inquietant. I tot, per arribar a un final absolutament inesperat que cap espectador no hauria de revelar.

Caiguts del cel és una comèdia que fa plorar de riure i, és al mateix temps, una metàfora punyent del sistema capitalista i un retrat àcid i divertidíssim d’un dels vicis que mai sembla passar de moda: la cobdícia.

Durada: 2 hores

Fitxa artística

AUTOR: Sébastien Thiéry
DIRECCIÓ: Sergi Belbel

REPARTIMENT:
Emma Vilarasau
Jordi Bosch
Carles Martínez
Anna Barrachina

COPRODUCCIÓ: Focus i Trasgo Producciones

Natalie Wood (nacida Natalia Nikoláevna Zakhárenko (en ruso: Наталья Николаевна Захаренко), San Francisco, 20 de julio de 1938 – Isla de Catalina, de Los Angeles, 29 de noviembre de 1981)

Natalie Wood

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Natalie Wood (nacida Natalia Nikoláevna Zakhárenko (en ruso: Наталья Николаевна Захаренко), San Francisco, 20 de julio de 1938 – Isla de Catalina, de Los Angeles, 29 de noviembre de 1981) fue una actriz estadounidense de orígenes rusos ganadora del Globo de Oro.

5Sus padres habían emigrado de Rusia poco antes de nacer ella. Pronto su padre sustituyó el apellido familiar por el de Gurdín, y a los 4 años quedó inscrita en el registro como Natasha Gurdín.

Instada y apoyada por María, su ambiciosa madre, Natasha se convirtió en una estrella de cine infantil que intervino en numerosas películas con notable éxito, siendo una de las pocas que consiguió superar la transición de estrella infantil a actriz adulta. Esta ambición de su madre por que fuera famosa se debe a que cuando estaba embarazada le leyó la mano una anciana que estaba en la calle, diciéndole: «Su hija será una gran estrella, pero deberá tener mucho cuidado con las aguas oscuras». Esto de las aguas oscuras «explicaría» más tarde su muerte. Natalie no sabía nadar, debido a que su madre le advirtió toda la vida sobre el respeto que debería tenerle al agua.

Cuando Natalie tenía 9 años, su madre y ella estaban caminando cuando se encontraron con un rodaje. Su madre le dijo que fuera a sentarse en las rodillas del director y que le cantara una canción. Éste, al escuchar su hermosa voz y su gracia, le hizo su primer contrato para la película: Miracle on 34th. Street.

Natalie Wood disfrutó durante un período del estrellato, debido sin duda a su físico, a su capacidad expresiva y a la eficacia de sus actuaciones. Fue nominada al Oscar en tres ocasiones, por su interpretación en Rebelde sin causa, Esplendor en la hierba (consideradas dos obras maestras) y Amores con un extraño.

Otro de sus grandes films fue West Side Story, en el que interpretó el papel principal de María. Ya que tenía una bonita voz, fue ella quién cantó todas sus canciones. Sin embargo, finalmente fue doblada por una cantante profesional, lo que le causó una gran decepción.

En estos años, en el apogeo de su carrera cinematográfica, a Natalie Wood se la consideró la actriz más popular de Hollywood junto con Elizabeth Taylor. Su historial incluye otras películas importantes como The Searchers (Centauros del desierto) de John Ford y El candidato con un joven Robert Redford.

Wood estuvo casada en dos ocasiones con el actor Robert Wagner. Estuvo un tiempo de novia con Elvis Presley.

Murió prematuramente en 1981 cuando cayó de noche al agua desde su yate The Splendor (así llamado en honor a la película que la consolidó como actriz, Esplendor en la hierba). La nave estaba fondeada frente a la isla de Catalina, cerca de Los Ángeles, y en esos días Natalie terminaba la película Brainstorm, con Christopher Walken, amigo del matrimonio que estaba con ellos al ocurrir la desgracia. Fue una extraña muerte: se ahogó, pero la causa está envuelta en un misterio. Se habla que estaba bajo la influencia del alcohol y las drogas o que quizás se suicidó. Tenía 43 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles (California).

En 2011, la policía reabrió el caso cuando se hizo público un libro de la escritora Marti Rully quien asegura que en la muerte de la actriz, su esposo Robert Wagner estaba plenamente involucrado. En dicho libro, la escritora exhibe un testimonio del capitán del yate, The Splendor, Dennis Davern, quien manifestó a la escritora que Wagner había intervenido en la muerte de la actriz.

 

Filmografía parcial

Proyecto Brainstorm (1983)
The Last Married Couple in America (1980)
Willie and Phil (1980)
Meteoro (1979)
Peeper (1975)
El candidato (1972)
Bob & Carol & Ted & Alice (1969)
This Property is Condemned (1966
Penelope (1966)
The Great Race (1965)
Inside Daisy Clover (1965)
Sex and the Single Girl (1964)
Amores con un extraño (1963)
Gypsy (1962)
Esplendor en la hierba (1961)
West Side Story (1961)
All the Fine Young Cannibal
Marjorie Morningstar (1958)
The Searchers (1956)
Rebelde sin causa (1955)
The Star (1952)
No Sad Songs for Me «Amarga Sombra» (1950)
La promesa verde (1949)
The Ghost and Mrs. Muir (1947)
Miracle on 34th Street (1947)
Tomorrow is Forever (1946)

ESCENAS DE LA VIDA CONYUGAL (01/10/2015 – 18/10/2015) TEATRE TÍVOLI

ESCENAS DE LA VIDA CONYUGAL

D’INGMAR BERGMAN. DIRECCIÓ: NORMA ALEANDRO

TEATRE TÍVOLI · BARCELONA

01/10/2015 – 18/10/2015

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Escenas de la vida conyugal, amb Ricardo Darín i Érica Rivas, arrenca a Barcelona la seva gira espanyola

El muntatge, dirigit per Norma Aleandro (El hijo de la novia), viatjarà després a Madrid i València

Un autèntic esdeveniment teatral a l’Argentina, on més 150.000 espectadors ja l’han pogut veure

La comèdia dramàtica d’Ingmar Bergman que va canviar per sempre el concepte ‘matrimoni’

Barcelona, ​​juliol 2015 • Després de l’èxit de la pel·lícula Relatos Salvajes, Ricardo Darín i Érica Rivas treballen junts de nou en Escenes de la vida conyugal, un autèntic esdeveniment teatral a Argentina que ja han pogut gaudir més de 150.000 espectadors. El muntatge es podrà veure de l’1 al 18 d’octubre al Teatre Tívoli de Barcelona, ​​del 21 d’octubre al 15 de novembre a la sala Roja dels Teatros del Canal de Madrid i del 18 de novembre al 6 de desembre al teatre Olympia de València.

Norma Aleandro – que va interpretar el 1992 aquesta obra al costat d’Alfredo Alcón – és ara l’encarregada de dirigir a Darín i Rivas en una brillant comèdia d’Ingmar Bergman que va canviar per sempre el concepte «matrimoni». El mateix Bergman va adaptar al teatre la seva pròpia pel·lícula, amb la qual va obtenir, entre altres guardons, el Globus d’Or a la Millor Pel·lícula Estrangera.

Juan i Mariana relaten al públic una seqüència d’escenes que té a veure amb el seu matrimoni i la relació que mantenen després del seu divorci. En un àmbit atemporal i sense referències concretes a cap època, s’impliquen en un joc en què alternativament són actors i personatges, traspassant la quarta paret i fent còmplices als espectadors, que inevitablement es veuen reflectits en moltes de les situacions.

AUTOR | INGMAR BERGMAN

DIRECCIÓ | NORMA ALEANDRO

INTÈRPRETS | RICARDO DARÍN I ERICA RIVAS

PRODUCCIÓ | MAIPO

EMMARCANT EL SOMNI: DIÀLEG, LA NOVA INSTAL·LACIÓ D’ASSUMPCIÓ MATEU A LA VINYA DELS ARTISTES DE MAS BLANCH I JOVÉ

EMMARCANT EL SOMNI: DIÀLEG, LA NOVA INSTAL·LACIÓ D’ASSUMPCIÓ MATEU A LA VINYA DELS ARTISTES DE MAS BLANCH I JOVÉ

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MAS BLANCH I JOVÉ, celler premiat en la categoria “Art i Cultura” en els I Premis d’Enoturisme de la Generalitat de Catalunya, presenta la seva sisena edició i viu la seva jornada més poètica.

Escultures i vi d’excel·lent qualitat per construir territori

La Vinya dels Artistes, inaugurada l’any 2010 amb un homenatge pòstum a Josep Guinovart, ideòleg del projecte, ja ha complert sis anys.

Pels escenaris muntats enmig de les vinyes del celler Mas Blanch i Jové hi han passat artistes tan diversos com prestigiosos i espectacles de tot tipus: des d’òpera, fins a pallassos, passant per música de tot tipus, màgia, dansa, pintura, titelles, bombolles de sabó… I cada any, almenys una nova escultura s’ha anat incorporant a aquesta inusual sala d’exposicions, creant un patrimoni que enriqueix artísticament el municipi de La Pobla de Cérvoles.

Cadascun dels events organitzats és únic el que permet a cada edició sorprendre als espectadors amb una història completament diferent, guiada de la mà de l’artista convidat de l’any i maridada amb menjar i vins Saó en un entorn pintoresc i inoblidable.

Si el primer any, l’Any 0 de Guinovart, va haver-hi un saxofon i una guitarra per inaugurar “L’Orgue de Camp”, l’Any 1 va ser Carles Santos qui va omplir de música -amb 5 pianos i una violinista voladora- tots i cadascun dels racons de La Vinya dels Artistes deixant, fins i tot, un llaüt català navegant a sobre d’una alzinera, “La Sargantaneta”.

Per l’Any 2, Esteve Casanoves va crear un cep metàl·lic gegant que actualment vigila els ceps des d’unes vistes privilegiades i il·lumina tènuement les nits de La Pobla de Cérvoles amb un sistema de fibres òptiques i plaques solars. L’Any 3 es va dedicar a Joan Brossa i de la mà de Hermann Bonnín i la Fundació Joan Brossa, es va crear un itinerari poètic pel poble i es es van presentar diferents espectacles per acabar inaugurant el “Cap de Bou” amb capgrossos i grallers i l’amfiteatre “El No Res del Tot”. L’Any 4 fou dedicat a l’escultora Susana Solano que va presentar la seva escultura “Signatures nº1” situada entre les oliveres.

Enguany, en la seva sisena edició, l’artista Assumpció Mateu ha emmarcat el paisatge amb la seva mirada i ha introduït les seves connotacions simbòliques per expressar el diàleg cel i terra, entre el que es veu i el que no es veu, entre la presència i l’absència, entre la vida interior i l’exterior… Un retall de paisatge, poètic, majestuós, introspectiu i completament respectuós amb l’entorn.

Els més de 500 assistents també van poder visitar les altres escultures, així com l’impressionant obra de 60m. “Entre el Cel i la Terra” que el pintor Gregorio Iglesias va crear durant dos mesos enmig de La Vinya dels Artistes i que actualment recobreix les quatre parets de la sala de bótes del celler.

La festa va acabar amb un espectacle de dansa i també eqüestre, creat per Sandra Carré i Lu Arroyo (Cia. Ylalú). 5 ballarines, dues xanqueres, un genet i un cavall, recreen un món de somni ballant entre oliveres i emocionant a l’espectador per finalment desaparèixer per l’escala infinita que comença a l’alzinera i que s’enfila cap al cel…

La festa va continuar amb un sopar servit enmig de la Vinya dels Artistes i maridat amb els vins Saó Blanc, Saó Rosat, Saó Abrivat i Saó Expressiu del celler Mas Blanch i Jové.

UNA MICA D’HISTÒRIA

Guinovart, un dels grans pintors catalans contemporanis, reconegut a tot el món, té exposada l’última obra que va crear abans de morir (un increïble mural de 10 metres dedicat al vi) donant la benvinguda als visitants del celler Mas Blanch i Jové, a la DO Costers del Segre. Guinovart, gran amic de la família, també va ser l’ideòleg de la «Vinya dels Artistes»: una iniciativa única i pionera que integra plenament al vi en l’univers artístic. Una sala d’exposicions a l’aire lliure, enmig de la vinya, on escultures magistrals són testimonis del creixement dels ceps.

La Vinya dels Artistes es va inaugurar oficialment el 2010*, i com a homenatge a l’esperit que la va concebre es va dedicar l’Any 0 a Guinovart, inaugurant de forma pòstuma la seva escultura «L’Orgue de Camp».

L’Any 1 va ser dedicat al músic, compositor i creador Carles Santos, qui va crear l’obra “Vi Sonor”, un gran espectacle musical, un passeig per la història de la música i la gastronomia que va reunir més de 400 persones. Cinc pianistes, un violí i un cor, en aquell indret únic van aconseguir transportar als convidats i fer-los viure una nit inoblidable. Com a testimoni del seu pas per la Vinya dels Artistes, Carles Santos hi va deixar la seva llegendària barca «La Sargantaneta» navegant a sobre d’una de les alzineres.

Esteve Casanoves va ser l’artista convidat durant Any 2. Casanoves dissenyà un amfiteatre que es va inaugurar amb l’espectacle «A la Molla de l’Os, l’Olivera» de la directora teatral Maria Vera: una combinació de música, dansa i poesia que va crear un sentiment d’amor entre l’espai i els espectadors i que va servir com preàmbul de «La Llum Planant Damunt la Terra», la impressionant escultura de més de 8 metres d’altura d’Esteve Casanoves que, presidint la vinya, integra el ferro, el vidre i la llum perquè es fusionin amb La Terra.

L’any 3 i va estat dedicat al gran poeta Joan Brossa. La festa organitzada per Mas Blanch i Jové i la Fundació Joan Brossa va ser de l’estil brossià més pur. Es va emplenar de poesia visual el municipi de La Pobla de Cérvoles, es va fer sortir màgia de darrera les bótes, òpera al mirador de La Pobla de Cérvoles, Commedia del Arte a la Cabana del Guinovart, riures nostàlgics a sota d’una alzinera i capgrossos d’enmig les oliveres per inaugurar l’escultura “Cap de Bou”, inspirada en el poema visual de Brossa.

Paral•lelament, el pintor borgenc Gregorio Iglesias va pintar enmig el camí de La Vinya dels Artistes, la seva obra ‘Entre el Cel i la Terra’ un impressionant mural de 60 metres, creat durant gairebé dos mesos a l’aire lliure amb tintes xines i colors naturals i que, des dia 22 de juny de 2013 folra de forma permanent les quatre parets de la sala de bótes.

L’any 4 fou dedicat a Susana Solano que va crear una nit enigmàtica i màgica per la presentació de la seva instal·lació “Signatures nº1”.

I és que pels responsables de Mas Blanch i Jové, “L’art i el vi mariden molt bé, de fet considerem cada ampolla de vi una petita obra d’art, tot i que efímera perquè està destinada a ser gaudida i desaparèixer”. Mas Blanch i Jové, elabora 5 vins -el Saó Blanc, el Saó Rosat, el Petit Saó, el Saó Abrivat i el Saó Expressiu- que no paren d’acumular premis (Decanter World Wine Awards, Concours Mondiel de Bruxelles…) i altes puntuacions en les més prestigioses guies espanyoles i internacionals (Wine Advocate de Parker, Guía Peñín, Guia Gourmets, Stephen Tanzer…) i tots ells amb una relació qualitat / preu excel•lents.

Hilaire-Germain-Edgar de Gas , más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés

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Hilaire-Germain-Edgar de Gas , más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo de la danza; más de la mitad de sus obras representan a danzantes, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo, aunque Degas rechazaba el nombre y prefería llamarlo realismo o arte realista.1 Degas es considerado uno de los más destacados dibujantes en la historia en cuanto al dominio de la representación del movimiento dentro de sus pinturas, especialmente dentro de sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Los retratos realizados por Degas han sido descritos como memorables debido a la complejidad psicológica y su capacidad de proyectar la soledad humana dentro de sus pinturas.

Al inicio de su carrera, Degas se inclinaba por la vocación de la pintura histórica. Debido a sus múltiples estudios en el arte clásico y entrenamiento riguroso Degas tenía las habilidades necesarias para dedicarse al arte histórico. Sin embargo a sus treinta años de edad decide cambiar de curso y comienza a retratar escenas contemporáneas con métodos clásicos, adquiridos de sus estudios como pintor histórico, convirtiéndose en pintor clásico moderno.

Hilaire-Germain-Edgar De Gas nació en París Francia el 19 de julio de 1834, siendo el mayor de los cinco hijos de Célestine Musson De Gas, hija de una familia criolla de Nueva Orleans, y de Augustin De Gas, un banquero francés. Años más tarde, a una edad adulta, adoptaría un nombre mucho más simplificado de su apellido a “”Degas”” con el cual sería conocido por el resto de su vida a diferencia de su hermano René quién adoptaría otra versión del apellido renombrándolo como “de Gas”. Degas comienza su educación a la edad de once años en el Lycée Louis-le-Grand, dos años más tarde su madre fallece convirtiendo a su padre y a su abuelo como sus principales influencias el resto de su juventud.

Degas comenzó a pintar a una edad temprana, después de graduarse del Lycée con bachillerato en literatura a los 18 años en 1853, instaló un estudio de arte en su casa. Al graduarse, Degas se registra como replicador de arte en el Museo de Louvre, sin embargo termina ingresando en la Facultad de Leyes en la Universidad de París por petición de su padre en noviembre de 1853, sin embargo le dedica muy poco esfuerzo a sus estudios. En 1855, Degas conoce a Jean Auguste Dominique Ingres, quien el admiraba y que su consejo nunca olvidó «Dibuja líneas y más líneas joven,de ambas de la vida y de la memoria, así te convertirás en un buen artista». En abril de ese mismo año, Degas es admitido a la Escuela de Bellas Artes (“École des Beaux-Arts”) donde comienza a estudiar dibujo bajo la guía de Louis Lamothe,6 con quién comenzó a prosperar siguiendo el estilo de Ingres. En julio de 1856, Degas viaja a Italia dónde se establecería los tres años consiguientes comenzando sus primeros estudios para su primera obra La familia Bellelli. Al mismo tiempo el dibujó y pinto varias copias de obras de artistas renacentistas como Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, entre otros. Sin embargo, contrario a las prácticas convencionales, Degas seleccionaba detalles de los retablos que atraían su atención, usualmente figuras secundarias o alguna cabeza de trataba como a un retrato.

Al regresar a Francia en 1859, Degas instala un estudio en la ciudad de París lo suficientemente grande para trabajar en el retrato de La familia Bellelli, obra la cual estaba intencionada para ser exhibida en el Salón de París, sin embargo la pintura se mantuvo incompleta hasta 1867. Alrededor de esa época, Degas comienza a trabajar sobre varias de sus pinturas históricas: Alejandro y Bucéfalo y La hija de Jephthah en 1859-60; Sémiramis construyendo Babilonia en 1860; y Jóvenes espartanos alrededor de 1960.9 En 1861 Degas comenzó sus primeros estudios sobre caballos en su visita a su amigo Paul Valpincon en Normandía. Su primera exhibición en el Salón fue hasta 1865, cuando el jurado acepta su pintura Escena de Guerra en la Edad Media que no atrajo gran atención.10 Degas siguió exponiendo sus obras en el Salón de manera anual, sin embargo durante los cinco años consiguientes ninguna de las obras que fueron presentadas volvieron a ser pinturas históricas, su Steeplechase—El Jockey callendose (Salón de 1866) marcaba su creciente compromiso al arte contemporaneo. El cambio en el arte de Degas, el cual pasa de centrarse en pinturas históricas a retratar temas contemporáneos, fue influenciado principalmente por Édouard Manet, quien Degas había conocido en 1864 cuando ambos artistas copiaban el mismo Velázquez en el Museo del Louvre.

Al inicio de la Guerra franco-prusiana en 1870, Degas se une a la Guardia Nacional en defensa de París, por lo que se ve obligado a dejar de pintar por un tiempo. Es durante una práctica de tiro de rifle que se le es detectado un problema en la vista, por el resto de su vida su mala visión se vuelve una preocupación constante.

Al terminar la guerra en 1872, Degas decide establecerse en Nueva Orleans, Luisiana, donde vivían varios de sus relativos, incluyendo a su hermano René, por varios años vivió en casa de un tío criollo en la avenida Esplanade.13 Durante esos años en Nueva Orleans, Degas produjo varias obras, algunas de retratos familiares, una de ellas fue “Una oficina de algodón en Nueva Orleans”, que llamó la atención de regreso a Francia, fue la única de sus obras que fue adquirida por un museo.

En 1873, Degas regresa a París un año antes de la muerte de su padre, poco después se entera de las deudas que tenía su hermano. Para salvar la reputación de su familia, Degas termina por vender su casa al igual que varias colecciones que había heredado para pagar las deudas de su hermano, lo que causó que por primera vez en su vida Degas tuviera que vivir de su arte como único ingreso, creó muchas de sus más grandes obras durante ésos años.

Ahora desinteresado con el Salón, Degas se une a un grupo de jóvenes artistas que comenzaban a organizar una sociedad exhibicionista independiente. Dicho grupo fue conocido más tarde como Los impresionistas. Entre 1874 y 1886, el grupo había montado alrededor de ocho exposiciones, conocidas como Exhibiciones impresionistas . Degas lideró el grupo organizando las exhibiciones donde presentaría muchos de sus trabajos, a pesar de sus constantes desacuerdos con los demás integrantes del grupo. Su desacuerdo con las pinturas a la intemperie lo hizo tener varios conflictos con varios paisajistas del grupo incluyendo a Claude Monet. Conservador en cuanto a sus actitudes sociales, Degas aborrecía el escándalo que creaban las exhibiciones al igual que el nivel de publicidad y anuncio que buscaban sus colegas.1 El término “impresionismo” como tal era rechazado por Degas y le disgustaba que lo asociasen con éste. Insistía que se incluyeran obras no-impresionistas dentro de las exhibiciones, como las de Jean-Louis Forain y Jean-François Raffaëlli. Éstos conflictos llevaron a la disolución del grupo en 1886.

Conforme al mejoramiento de su situación financiera, Degas fue adquiriendo nuevamente colecciones de artistas que éste admiraba como El Greco, Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin e inclusive Vincent van Gogh. Hubieron tres artistas en particular idolatrados por Degas cuyas obras formaron gran parte de su colección personal: Ingres, Delacroix y Daumier. En el inventario final de la colección de Degas se documentaron 20 pinturas y 88 dibujos de Ingres y 13 pinturas y alrededor de 200 dibujos de Honoré Daumier, sin embargo no se encontró ningún Monet dentro de su colección.

A finales de 1880s, Degas comenzó a desarrollar su pasión por la fotografía.17 A lo largo de su vida, Degas retractó varios amigos muchas veces bajo luz de lampara como en su retrato doble de Renoir y Mallarmé. También fotografió bailiarinas y desnudos (los cuales fueron utilizados como referencia para varias de sus pinturas y dibujos) . Conforme pasaron los años, Degas comenzó a aislarse siendo fiel a su creencia de que un pintor no debería tener vida personal. La controversia del Caso Dreyfus llevó el lado anti semitista de Degas a un extremo y cortó toda conexión con sus amigos judíos.20 Todas estas creencias e ideales conservativos llevaron a Degas a vivir aislado de la sociedad.

Degas continua con sus obras en pastel alrededor de 1907 y se cree que se dedica principalmente a sus esculturas hasta finales de 1910 su carrera termina para el año de 1912, cuando éste deja de trabajar en pinturas y es obligado a mudarse debido a la demolición de su residencia en Victor Masse. Debido a su aislamiento social, Degas nunca estuvo casado y vivió el resto de su vida solo, casi ciego debido al problema ocular que se había desarrollado a través de los años, paseando por las calles de París antes de llegar a su muerte en septiembre de 1917.

Degas es a menudo clasificado como un artista impresionista, descripción entendible sin embargo insuficiente. El impresionismo se originó entre 1860s-1870s surgido a partir del realismo de pintores tales como Courbet y Corot. Los impresionistas pintaban las realidades del mundo que los rodeaba usando colores brillantes y saturados, concentrándose principalmente en los efectos de la luz, y buscaban llenar sus cuadros con cierta inmediación.

Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas ya que el “nunca adoptó la técnica de mancha y color», y constantemente menospreciaba su práctica de pintura al aire libre. De acuerdo con la historiadora de arte, Carol Armstrong, Degas era un anti-impresionista que criticaba a menudo las obras que seguían dicho movimiento. Tal y como el mismo Degas llegó a explicar “Ningún arte fue nunca menos espontáneo que el mío. Lo que hago es el resultado de un reflejo y del estudio de grandes maestros; de inspiración, espontaneidad, temperamento, yo no sé nada.» Sin embargo, el tipo de arte de Degas se apega mucho más al impresionismo que a cualquier otro movimiento artístico. Sus escenas sobre la vida parisina, la composición y sus experimentos con ambos el color y la forma; sin mencionar su cercanía con varios notables artistas impresionistas como Cassatt o Manet; relacionan indudablemente a Degas con el movimiento Impresionista.

El estilo de Degas refleja el respeto que éste sentía hacia los maestros clásicos (fue un copiador entusiasta durante gran parte de su vida) y refleja de igual manera su gran admiración hacia Jean Auguste Dominique Ingres y Eugène Delacroix. Degas era un gran colector de grabados japoneses, cuyos principios composicionales influyeron fuertemente en sus obras, al igual que el realismo de ilustradores populares como Daumier y Gavarni. Aunque Degas es reconocido principalmente por caballos y bailarinas, él comenzó con pinturas históricas convencionales como La hija de Jephthah (1859-61) y Los jóvenes espartanos(1860-62) en los cuales su acercamiento a un trato menos convencional a la figura era ya notable. Durante los principios de su carrera, Degas dedicó gran parte de su tiempo a retratos tanto individuales como grupales, como por ejemplo su brillantemente compuesta y psicológicamente conmovedora obra La familia Bellelli (1858-67) que retracta a su tía con su esposo e hijos. En varias de sus obras, como aquella previamente mencionada, Degas refleja esta tensión que sentía presente entre hombres y mujeres. Dentro de sus primeras obras, Degas ya mostraba las primeras evidencias del estilo que más tarde desarrollaría a detalle recortando de maneras extrañas los formatos del retrato y eligiendo puntos de vistas inusuales para sus pinturas y dibujos.

A finales de la década de 1860, Degas cambia las inclinaciones históricas de sus pinturas y comienza a dedicarse a la observación de la vida contemporánea. Las escenas de carreras de caballos le permitieron estudiar sobre el movimiento de los caballos y los jinetes dentro de un contexto moderno. Eventualmente comenzó a pintar mujeres trabajando como modistas o lavanderas. Mlle. Fiocre en el Ballet La Souce,exhibida en el Salón de 1868, fue su primer gran obra que introduciría un nuevo tema con el que se le identificaría particularmente: bailarinas.

En varias de sus pinturas subsecuentes, Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras bambalinas, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo. A partir de 1870, las obras de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su hermano que habían dejado a la familia en bancarrota y las pinturas de bailarinas vendían bien.Degas comenzó de igual manera a retractar en cafés como lo son sus obras L’Absinthe y Cantante con un guante.

Al cambiar sus obras, Degas cambia de igual manera su técnica y su estilo. La paleta de colores opacos, que surgieron bajo la influencia de la pintura holandesa , fue remplazada por colores mucho más vivos y pinceladas mucho más marcadas. La falta de color en Ensayos de ballet (1876) e Instructor de ballet señala un posible cambio de su técnica influenciado por su interés en la fotografía. Los cambios de paleta, la técnica de pinceladas y el tipo de composición fueron evidencia de la influencia de la fotografía y del movimiento impresionista en Degas.

El estilo de Degas es distinguido por pasajes conspicuamente incompletos, incluso en pinturas altamente detalladas. Frecuentemente culpaba dichas faltas a sus problemas en la vista, argumento que fue refutado por varios colegas y coleccionistas que creían poco probable que alguien con problemas de vista pudiera pintar de tal manera».

Su interés en los retratos llevó a Degas a estudiar el comportamiento de las personas y la manera en qué estas revelan parte de su estatus a través de su fisionomía, postura, prendas y otros atributos. En su obra Retratos en la bolsa de valores, Degas retractó un grupo de trabajadores judíos con cierto indicio de anti-semitismo. En 1881 él exhibe dos obras en pastel: Criminal Physiognomies, el cual retractaba un grupo de jóvenes miembros de una pandilla que recientemente habían sido condenados bajo cargo de asesinato en el “Caso de la Abadía”. Degas atendió su juicio llevando consigo su libro de bosquejos, sus numerosos dibujos sobre la defensa revelan el interés de Degas con las ideas atavísticas traídas por científicos alrededor del siglo 19 para evidenciar la criminalidad innata.33 En sus pinturas de bailarinas y lavanderas, Degas refleja las ocupaciones de ambas no solo por su atuendo sino por su estructura física: sus bailarinas exhiben un físico atlético y grácil, mientras que las lavanderas poseen un cuerpo pesado y sólido.

Para finales de la década de 1870, Degas había dominado tanto el óleo sobre lienzo como el pastel. El medio seco, el cual aplicó en diversas y complejas capas y texturas,, le permita trazar con mucho más facilidad y explotar el uso de colores dentro de su trabajo.

Alrededor de esos años, Degas retoma la técnica de grabado, la cual había descartado diez años atrás. Al principio fue guiado bajo la tutela de su amigo Ludovic-Napoléon Lepic, un innovador de la técnica de grabado, y comenzó a experimentar con la litografía y monotipia.Degas tenía una fascinación muy particular en cuanto los efectos que producían la monotipia y constantemente se dedicaba a sobre trabajar las imágenes impresas utilizando pastel.35 Para 1880, la escultura se había convertido en más un filamento de la búsqueda de Degas de encontrar nuevas y diferentes medios, aunque el artista únicamente mostró una solo escultura a lo largo de su vida.

Dichos cambios en los medios comenzaron a presentar un peligro en las pinturas que Degas mostraría años más tarde. Empezó a dibujar y pintar a mujeres haciendo actividades cotidianas: una mujer bañándose (Después del baño, una mujer secándose), otra peinando su cabello, otra bañándose, etc. Las pinceladas que configuraban la forma muestran mucha más libertad que en sus obras anteriores y los fondos se vuelven cada vez más simplificados.

El meticuloso naturalismo de su juventud llevó a una creciente abstracción de las formas. A excepción de su característica brillantes como dibujante y su obsesión con la forma, las pinturas que realizó durante éstos años son muy poco parecidas a sus pinturas anteriores. Irónicamente, dichas pinturas son las que mayormente aplican las técnicas coloridas del impresionismo.

Para toda la evolución que vivió el estilo del arte de Degas, algunas características se mantuvieron sin cambiar a lo largo de toda su vida. Primeramente, sus pinturas eran pintadas en interiores (usualmente en su estudio) utilizando como referencia su memoria, fotografías o modelos; sus pocos paisajes fueron producidos a través de imaginación o incluso memoria. No era algo inusual de Degas el repetir un tema varias ocasiones, sin embargo hay una variación dentro de la composición o el tratamiento. Degas era deliberadamente un artista cuyos trabajos eran, como bien se refirió Andrew Forge, «bien preparadas, calculadas, practicadas, y desarrolladas en etapas. Estaban compuestas de partes. El ajuste de cada parte para crear un todo, el arreglo linear, era la ocasión para reflexión infinita y experimentación».38 Degas himself explained, «In art, nothing should look like chance, not even movement».

A lo largo de su vida, Degas solo mostró una sola escultura: Pequeña bailarina de catorce años (1881). Una escultura de cera casi tamaño real con cabello real vestida con un tutú, el cual provocó una fuerte reacción de críticas, la mayor parte encontraba el realismo de la escultura extraordinaria, sin embargo criticaban a la niña como poco atractiva.En una crítica, J.K. Huysmans escribió: «La terrible realidad de estatuilla evidentemente produce una inquietud en los espectadores; todas sus nociones acerca de la escultura están aquí volcadas. El hecho es que éste primer intento de Monsieur Degas ha revolucionado las tradiciones de esculturas de igual manera como lo hizo con la pintura.»

Degas creó un considerable número de otras esculturas en un periodo de 4 décadas, sin embargo se mantuvieron ocultos al públicos hasta en 1918. Ninguna de las esculturas de Degas, ni siquiera su Pequeña bailarina de catorce años fueron fundidas en bronce cuando éste seguía con vida.39 Aquellos que han estudiado las obras de Degas concuerdan que las esculturas no fueron creadas como auxiliares para su pintura, aunque varios artistas habitualmente exploraran formas de ligar el arte gráfico con el óleo, el dibujo con el pastel y la escultura con la fotografía. Degas asignó el mismo significado a sus esculturas que a sus dibujos: «Dibujar es una forma de pensar, esculpir es otra.»

Tras la muerte de Degas, sus herederos encontraron en su estudio alrededor de 150 esculturas de cera, varios en un mal estado. Consultaron al fundidor Adrien Hébrard, quién tras analizar las piezas concluyo que solo 74 de éstas podían ser fundidas en bronce. Se asume que, a excepción por la“ Pequeña bailarina de catorce años”, fueron fundidos de “surmoulage”. Un “surmoulage” de bronce es un tanto más pequeño y muestra mucho menos detalle en la superficie que su molde original. La Fundición Hébrard fundió bronce de 1919-1936, y cerró en 1937 poco antes de la muerte de Hébrard.

Degas, quien fuertemente sostenía que las artes deben estar apartadas de la vida personal41 vivía una vida sin aparentes complicaciones. Alrededor de la gente era reconocido por su ingenio, el cual era considerado como cruel en varias ocasiones. En una ocasión, el novelista George Moore se refirió a Degas como un “viejo avaro”, lo que llevó a que se creara deliberadamente la imagen de Degas como soltero misantrópico. Siendo profundamente conservativo en cuanto a temas políticos, él se oponía a todas las reformas sociales y mostraba un total desinterés en los avances tecnológicos como por ejemplo el teléfono.41 Degas llegaba a tales extremos que en una ocasión llegó a despedir a una modelo al enterarse que ésta era protestante.41 Aunque varias obras que pinto Degas entre 1865 y 1870 temas relacionados con judíos, su anti-semitismo se volvió aparente para mediados de 1870 con su pintura En el Bourse que fue considerada como una pintura fuertemente antisemitista al pintar el rostro de un banquero con una fuerte semblanza a una caricatura francesa antisemitista de la época.

El Caso Dreyfus, el cual dividió París de 1890s hasta inicios de 1900, hizo que se intensificara su antisemitismo. Para mediados de 1890, había cortado toda relación con judíos,20 públicamente descartando a sus amigos judíos y negándose a contratar personas que pudieran ser judías. Se mantuvo abiertamente semitista y miembro de los anti semitistas “Anti-Dreyfusards” hasta su muerte.

A lo largo de su vida, la recepción pública de las obras de Degas pasaba entre admiración a contemplación. Como artista prometedor en el modo convencional, Degas tenía un número de pinturas aceptadas por el Salón entre 1865 y 1870. Dichos trabajos fueron elogiados por Jules Antoine Castagnary.44 Poco después, Degas se une a los impresionistas, sin embargo rechaza las reglas rígidas, juicios y el elitismo del Salón- tal y como el Salón y el público en general rechazó su experimentación con el impresionismo.

Las obras de Degas eran controversiales, pero admiradas de igual manera por su capacidad de dibujo. Su Pequeña bailarina de catorce años o La Petite Danseuse de Quatorze Ans, la cual fue exhibida en las sexta presentación impresionista en 1881, fue probablemente su pieza más controversial; algunos críticos lo describieron como “fealdad atractiva” mientras que otros lo describían como “floreciente”.

En parte, la originalidad de Degas consistía en descartar las zonas lisas y clásicas de la escultura clásica y al mismo tiempo añadir cabello humano y ropaje a su escultura llevaron a la misma a reflejar o similar cierta imagen de muñeca. Sus relativamente “reales” adiciones aumentaban la ilusión, pero llevaron a varios cuestionamientos en cuanto a los parámetros de la “realidad” dentro del arte.

Su compilación de desnudos al pastel exhibidos en la octava exhibición impresionista en 1886, produjo “el mayor cuerpo de la escritura crítica en el artista durante el curso de su vida… La reacción total era positiva y elogiosa.

Reconocido como uno de los artistas más importantes de la época, Degas es ahora considerado como uno de los fundadores del impresionismo. Aunque su trabajo chocaba con muchos límites en cuanto estilo, su colaboración con otros grandes artistas impresionistas y sus exhibiciones, sus pinturas y dibujos dinámicos de escenas cotidianas, su uso atrevido de colores saturados, sirvieron para finalmente atarlo al movimiento impresionista como uno de sus mayores representantes.

13è SAN MIGUEL MAS I MAS FESTIVAL (del 28 de juliol a l´1 de setembre)

13è SAN MIGUEL MAS I MAS FESTIVAL

Del 28 de juliol a l’1 de setembre de 2015

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El concert “Scketches of Catalonia”, a càrrec de la Miles Tribut Big Band, donarà el tret de sortida el pròxim 28 de juliol al 13è San Miguel Mas i Mas Festival, una programació amb prop de 300 actuacions i més d’un centenar de produccions que ompliran de música la ciutat de Barcelona fins a l’1 de setembre.

La Miles Tribut Big Band celebra així al Palau de la Música Catalana els 55 anys de la publicació del disc de Miles Davis & Gil Evans “Scketches of Spain”, coincidint també amb el 55è aniversari del Jamboree Jazz Club. Sota la direcció de Joan Chamorro, aquesta brillant big band comptarà amb solistes de primer nivell com Andrea Motis, Llibert Fortuny, Matthew Simon, Jordi Bonell, Magalí Datzira i Carles Benavent. Un planter amb alguns dels millors intèrprets de jazz del nostre país.

Tom Jones porta al Festival Castell de Peralada els seus grans i èxits (18 de juliol)

Tom Jones porta al Festival Castell de Peralada els seus grans i èxits

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Aquest dissabte, a l’Auditori del Parc del Castell, es podran escoltar els grans èxits que durant cinc dècades han marcat diverses generacions i que són encara d’una gran vigència

Sir Tom Jones debuta al Festival de Peralada en un bon moment professional i físic, està vivint una segona joventut. Ha assegurat que està molt content que la seva gira 2015 inclogui festivals com el de Peralada “als festivals, hi ha moltes persones que et veuen per primer cop, cosa que sempre és bona.” Als seus 75 anys diu que es diverteix damunt de l’escenari cantant amb naturalitat.. sense traves.
El seu espectacle Tom Jons Live omplirà la nit empordanesa amb les cançons més populars del seu repertori com Delilah, It’s Not Unusual, What’s New Pussycat, Green, Green Grass of Home, She’s a Lady, Kiss o Sex Bomb, entre d’altres.
L’estil de Tom Jones, anomenat també com el Tigre de Gal·les, captiva a molts per la seva veu càlida i al mateix temps molt cabalosa. Es va donar a conèixer a la dècada de 1960 per la seva gran veu, pel seu extravagant estil i per la seva sensualitat, elements que han estat claus en la seva imatge com a artista. L’any 1966 la seva popularitat va començar a consolidar-se quan es va transformar en un gran crooner. Ha venut més de 100 milions de discos a tot el món.

 

#TomJonesPeralada15 # FIMCP2015 # FIMCP15 #ElClassicdelEstiu

Joaquín Salvador Lavado Tejón, conocido como Quino (Guaymallén, Mendoza, 17 de julio de 1932)

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Joaquín Salvador Lavado Tejón, conocido como Quino (Guaymallén, Mendoza, 17 de julio de 1932), es un humorista gráfico e historietista argentino. Su obra más renombrada es la tira cómica Mafalda, publicada originalmente entre 1964 y 1973.

Joaquín Salvador Lavado nació en la provincia argentina de Mendoza el 17 de julio de 1932.3 Lo llamaron Quino desde pequeño para distinguirlo de su tío, el ilustrador Joaquín, que fue quien despertó su vocación de dibujante a edad muy temprana. En 1945 tras la muerte de su madre, empieza a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Mendoza. Su padre muere poco después, cuando Quino tenía 16 años; al año siguiente abandona la escuela, con la intención de convertirse en autor de historietas cómicas, y pronto vende su primera historieta. Intenta encontrar trabajo en las editoriales porteñas, pero fracasa. Tras hacer el servicio militar obligatorio, en 1954 se establece en Buenos Aires en condiciones paupérrimas.

Publicó su primera página de humor en el semanario Esto Es, a partir de entonces empezó a publicar en muchos otros medios: Leoplán, TV Guía, Vea y Lea, Damas y Damitas, Usted, Panorama, Adán, Atlántida, Che, el diario Democracia, entre otros.

En 1954 empezó a publicar regularmente en Rico Tipo, y luego en Tía Vicenta y Dr. Merengue. Poco después empezó a hacer dibujos publicitarios. Publicó su primer libro recopilatorio, Mundo Quino, en 1963, tras lo que le encargaron unas páginas para una campaña de publicidad encubierta para la empresa de electrodomésticos Mansfield, para las que crea el personaje de Mafalda. La campaña no llegó a realizarse, por lo que la primera historia de Mafalda se publicó en Leoplán, tras lo que pasó a publicarse regularmente en el semanario Primera Plana ya que el director del semanario era amigo de Quino. Entre 1965 y 1967 se publicó en el diario El Mundo; pronto publicó el primer libro recopilatorio, y empieza a editarse en Italia, España (donde la censura obliga a etiquetarlo como «para adultos»), Portugal y otros países.

Tras abandonar la tira de Mafalda el 25 de junio de 1973, según él mismo por agotársele las ideas, Quino se trasladó a Milán, desde donde continuó realizando páginas de humor.

En el año 2008, por iniciativa del Museo del Dibujo y la Ilustración y con curaduría de Mercedes Casanegra, la empresa Subterráneos de Buenos Aires realizó dos murales de Mafalda en la estación Perú en la Plaza de Mayo.

En el año 2009 participó con un original de Mafalda, realizado para El Mundo, en la muestra Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico que el Museo del Dibujo y la Ilustración realizó en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires.

El 21 de mayo de 2014 obtuvo el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades,5 galardón que le fue entregado el 25 de octubre siguiente.6

Los protagonistas suelen ser gente normal haciendo su vida, aunque Quino no renuncia a escenas surrealistas o alegóricas (como policías arrojando valium en las bocas abiertas de manifestantes) y a las reacciones caricaturescas.

Así, aunque Mafalda aparenta ser una tira más con protagonista infantil, sus contenidos suelen ser más cercanos y a la vez adultos que otras tiras similares. Destaca, por ejemplo, la preocupación de Mafalda por la política mundial o la obsesión de Manolito con el dinero. A pesar de ello, estos personajes aún pueden ser vistos por los lectores como niños reales con padres reales, y no como «adultos en cuerpos de niño».

El humor de Quino es típicamente ácido e incluso cínico, ahondando con frecuencia en la miseria y el absurdo de la condición humana, sin límites de clase. Así, hace al lector enfrentarse a la burocracia, los errores de la autoridad, las instituciones inútiles o la estrechez de miras. No duda así en usar sus viñetas para enviar mensajes de contenido social a sus lectores. Otro recurso típico es la reducción al absurdo de situaciones conocidas. Con frecuencia, los chistes buscan la sonrisa como medio de enfrentarse a la cruda realidad.

Este enfoque pesimista de la realidad no impide que sus historias estén llenas de ternura y muestren una honda simpatía por las inocentes víctimas de la vida (empleados, niños, amas de casa, pensionistas, oscuros artistas…), sin ocultar sus fallos y limitaciones. Pero incluso en sus caricaturas de jefes opresivos y burócratas sin sentimientos se atisba cierta simpatía, por ser a su vez víctimas de su propia estupidez.

La óptica de Quino es probablemente producto de las vicisitudes de Argentina en los últimos cuarenta años; su mezcla de pesimismo y humanismo es posiblemente una de las principales razones de su gran éxito en toda Latinoamérica y gran parte del mundo fuera de Latinoamérica, lo que explica que sus historietas de tópico argentino aporteñado de las décadas de 1960 y 1970 hayan sido editadas y traducidas a muy distintos idiomas aparte del original español rioplatense.

 

Cronología

Plaza Mafalda, en el barrio porteño de Colegiales1932: Nace en San José, Mendoza, Argentina, el 17 de julio. Es el menor de tres hermanos.

1935: Quino descubre lo que será la pasión de su vida cuando su tío Joaquín (dibujante publicitario) los entretiene una noche con sus dibujos.
1945: Fallece su madre. Ese mismo año se inscribe en la Escuela de Bellas Artes de Mendoza.
1948: Fallece su padre. Abandona la Escuela de Bellas Artes porque quiere dedicarse al dibujo humorístico.
1950: Dibuja su primera historieta para publicidad.
1951: Sufre su primer revés al ir a Buenos Aires y no vender sus chistes en revistas y diarios.
1954: Logra por fin que le acepten su primera página de chistes sin palabras en el semanario Esto Es.
1955-1959: Colabora con páginas de humor en numerosas publicaciones.
1960: Teniendo ya una buena colocación profesional como colaborador de varias publicaciones se casa con Alicia Colombo, su compañera para toda la vida.
1962: Hace su primera exposición en una librería de Buenos Aires.
1963: Año fundamental en la vida del autor. Publica su primer libro de recopilación de chistes gráficos, «Mundo Quino», y crea la historieta Mafalda para una agencia de publicidad que no la utiliza.
1964: El 29 de septiembre Mafalda ve la luz en el semanario Primera Plana.
1965: El diario El Mundo empieza a publicar la tira de Mafalda.
1966: Primera recopilación de tiras de Mafalda en un libro. La edición se agota en dos días.
1967: A final de año se interrumpe la tira de Mafalda por la desaparición de El Mundo. Quino por su parte sigue haciendo la página de chistes gráficos.
1968: Se reanuda la publicación en el semanario Siete Días. Mafalda, tras haber sido publicada en algunos otros países de Iberoamérica, aparece por primera vez en Europa en una recopilación de textos y humor gráfico realizada en Italia.
1969: «Mafalda la contestataria», primer libro europeo dedicado a Mafalda. Este libro, publicado en Italia, cuenta con una presentación de Umberto Eco.
1970: Editorial Lumen comienza a editar los libros de Mafalda.
1971: El semanario Triunfo, de Madrid, empieza a publicar sus chistes gráficos ([1]). Mafalda se extiende por toda Europa.
1972: Tras haber firmado contratos de merchandising para evitar especulaciones con el personaje, Quino firma un contrato para una serie animada de Mafalda dirigida por Catu. Además publica «A mí no me grite», Editorial Siglo XXI Argentina. El éxito de Mafalda en todo el mundo desborda a Quino.
1973: Se empiezan a difundir los dibujos animados. El 25 de julio Quino entrega las cuatro últimas tiras y hace que Mafalda y sus amigos se despidan. Se publica su tercer libro, Yo que usted…, editorial Siglo XXI Argentina.
1974: Se publica Diez años con Mafalda. De 1974 a 1976 el semanario de humor español Hermano Lobo publica sus viñetas ([2
1976: Quino se radica en Milán.
1977: Ilustra, a petición de Unicef, la «Declaración de los Derechos del Niño».
1978: Quino recibe el Trofeo Palma de Oro del Salon Internacional del Humorismo de Bordighera.
1979: Con autorización de Quino, Glenat empieza a editar las tiras de Mafalda coloreadas. Se publica Gente en su sitio.
1981: En Buenos Aires se estrena un largometraje de Mafalda, montaje de cortos hechos para la televisión.
1982: El Salón Internacional de Humorismo de Montreal lo nombra Cartoonist del Año. Se publica Ni arte, ni parte.
1983: Realiza dibujos de Mafalda para una campaña de odontólogos argentinos sobre higiene bucal. Se publica Déjenme inventar.
1985: Dibujos para propaganda de algunos programas de nutrición, sanidad y cultura del gobierno argentino. Se publica Quinoterapia. Primeros cortometrajes que se producen y realizan en Cuba sobre páginas de humor de Quino: «Quinoscopio».
1987: Se publica «Sí, cariño…».
1988: Su ciudad natal, Mendoza. lo distingue con el título de Ciudadano Ilustre como Maestro del Humor, la Sensibilidad y la Justicia de Proyección Nacional e Internacional. Dibuja un cartel para el Ministerio de Relaciones Exteriores argentino conmemorando los Derechos Humanos y los cinco años de democracia en Argentina.
1989: En el 25 aniversario de Mafalda se publica «Mafalda inédita». Se publica «Potentes, prepotentes e impotentes».
1991: Se publica Humano se nace.
1992: Se organiza en Madrid la exposición «El Mundo de Mafalda». Se publica Todo Mafalda.
1993: 1ª edición de «Toda Mafalda», Editorial de la Flor. D.G. Producciones, S.A. en colaboración con TVE produce 104 episodios de la historieta Mafalda realizados por Juan Padrón en el ICAIC, cortometrajes que no han sido comercializados en la televisión argentina. Se publica ¡Yo no fui!, ediciones de la Flor.
1994: Se celebran en Milán los treinta años de Mafalda con una reunión en el Circolo della Stampa con la presencia de Umberto Eco, Marcello Bernardi, Fulvia Serra (directora de la revista Linus) y Román Gubern (presidente del Instituto Cervantes de Roma).
1995: Se inicia la publicación de páginas de humor de Quino en El País Semanal, dominical del diario El País, de Madrid.
1996: Se publica en Argentina Cuentecillos y otras alteraciones, de Jorge Timossi, con ilustraciones de Felipe hechas por Quino. Se publica ¡Qué mala es la gente!.
1997: Recibe un curioso premio Placa de Plata, otorgado por la Asociación Madrileña de Empresarios de Restaurantes y Cafeterías, por haber contribuido con sus manifestaciones gráficas al prestigio y la difusión gastronómica. También se le otorga el premio de la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid.
1998: Ediciones De La Flor reedita el primer libro de Quino, Mundo Quino, con prólogo del autor. Es distinguido por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires como Maestro de Arte en reconocimiento de su labor. Recibe el Premio B’nai B’rith Derechos Humanos, que esa organización otorga anualmente a personas que se han destacado en la promoción y defensa de esos derechos. Publica su página web.
1999: En abril, Ediciones de la Flor reedita A mí no me grite. La Librería Internacional invita a Quino a San José, Costa Rica, con el auspicio del diario La Nación.
2000: El Instituto Cubano del Libro expone la muestra «El Mundo de Quino» en el Centro Wilfredo Lam, subsede de la novena Feria Internacional del Libro de La Habana. Litexa Boliviana S.A. invita a Quino a La Paz, Bolivia, con motivo de la Feria del Libro, con el auspicio de Lloyd Aéreo Boliviano y la Alcaldía de La Paz. En esta oportunidad, la relación establecida con el público lo llevó a comprometerse a asistir a la Feria del Libro.
2001: Durante julio y agosto realiza una muestra itinerante de humor en Bolivia. A su vez, en Grecia, con motivo del 5º Festival Internacional del Humor, Quino expone una muestra de sus dibujos y de algunas tiras de Mafalda, con el auspicio del Ministerio de Cultura de Grecia y la Unesco. En octubre es invitado al Salón Internacional del Cómic de Gijón. Con motivo de la muestra Iberoamericana de Humor Gráfico, la Universidad de Alcalá de Henares lo nombra Catedrático Honorífico del Humor. En noviembre, Ediciones Glénat y Hachette Canadá invitan a Quino al 23º Salon du Livre de Montreal.
2002: En septiembre es invitado a exponer su obra de humor gráfico y Mafalda en el «21ème Salon Internacional de la Caricature, du Dessin de Presse et d’Humour», de Saint Just le Marte. En noviembre el IILA (Instituto Italo-Latino Americano) y la Embajada de la República Argentina organizan en Roma la exposición de Quino «Il Padre di Mafalda ha altri figli» en la Scuderie del Palazzo Santacroce.
2003: Realiza una exposición de sus trabajos y una charla en la ciudad de Bahía Blanca, Argentina. Inaugura la Feria Internacional del Libro de Guayaquil, Ecuador. En septiembre realiza una exposición de su obra en Biarritz (Francia) con motivo del festival de la CITA 2003. La Universidad de Guadalajara le otorga el premio-homenaje «La Catrina» y se realiza una exposición de su obra.
2004: Inaugura en Milán la exposición “De viaje con Mafalda” conmemorando los 40 años de la primera publicación del personaje en Argentina. En julio, Ediciones de la Flor publica su nuevo libro, ¡Qué presente impresentable!. En agosto inaugura en Buenos Aires la exposición “Quino, 50 años”, celebrando los 50 años de la publicación de su primer dibujo humorístico en la revista Esto Es. La exposición se traslada luego a Córdoba y Mar del Plata. En noviembre, Éditions Glénat (Francia) organiza en París un homenaje a Quino acompañado de una exposición de dibujos de sus colegas franceses que agasajan a Mafalda, y lanza el libro «Un présent impresentable». El 17 de noviembre es declarado Ciudadano Ilustre de Buenos Aires.
2005: La exposición «De viaje con Mafalda» se presenta en Roma, Nápoles, Zagarolo (Roma), Voghera (Pavía), Jesolo (Venecia), Bolonia y Barcelona. La exposición “Quino 50 Años” continúa su itinerancia por Argentina presentándose en Rosario, Casilda, Mendoza y San Rafael.
2007- Presente: Se retira del dibujo, aunque se sigue publicando sus tiras.
2008: Presentan en el mural de un subte, tiras de Mafalda.
2009: Deja de publicar tiras en la Revista Viva, tras escribir una carta en la que anuncia su retiro.
2009: Participa con un original de Mafalda realizado para el diario El Mundo en la muestra «Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico» que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores del humor gráfico en Argentina a través de su historia.
Diciembre de 2012: La tira Mafalda llega en formato eBook a la Tienda Kindle de Estados Unidos en español. Sus 12 libros son publicados oficialmente.
Diciembre de 2012: Mafalda hace su llegada oficial a las redes sociales, con las cuentas en Twitter, Facebook y Pinterest. Por primera vez en su historia, llegan los personajes de Quino a las redes sociales bajo el nombre MafaldaDigital.
Diciembre de 2012: Es lanzada por primera vez la página oficial de Mafalda, en el sitio web oficial de Quino.
Febrero de 2013: Quino y Panarea Digital lanzan la primera aplicación oficial de la tira cómica Mafalda. Es lanzada para iPad.