Gustav Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres). Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores. Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica. En 1877 su hermano Ernst -que con el tiempo se convertiría en grabador, como su padre- también fue admitido en la escuela. Los dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un colectivo que se hacía llamar la «Compañía de artistas», colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena. Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra.

En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena. Fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron, Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de la definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt conoció también a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del artista y se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce niños durante esta relación.

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Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la ‘Sagrada Primavera’). La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa -de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud-. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros. A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental -aunque sus obras eran generalmente detestadas- y pudo construir una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908.

En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron «pornográfica».8 Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos.8 El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas -la «Verdad desnuda»- suponía un paso adelante en su estética personal, pero también constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico «espejo de la verdad», iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:

Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo.

Schiller

En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se había organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se presentaba una monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser expuesto temporalmente, el friso fue pintado directamente sobre la pared con una técnica ligera. Tras la exposición, sin embargo, el friso fue conservado, si bien no volvió a ser expuesto en público hasta 1986. Al año siguiente Klimt viajó por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar. Comenzaba entonces lo que algunos críticos han interpretado como la etapa de madurez artística del pintor: liberado de encargos públicos, Klimt había comenzado en 1890 a viajar con la familia Flöge al lago Attersee, donde realizó numerosos paisajes. Estas obras se convirtieron en una excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde siempre a la figura con enérgica devoción:

«No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante».

Gustav Klimt

Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado,10 y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:

“Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…”

Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece «aplanado» de un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de que Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo.

La «etapa dorada» de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt -representada por El Cumplimiento y La Expectación- significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, «posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación». Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales «de café». Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.

Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus obras solía verse «suavizada» por un enfoque alegórico, o simbólico, que la hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No escribió apenas nada sobre su visión artística o sus métodos. Del mismo modo, nunca llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a Flöge.

En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció.14 , 15 El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, veinte años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, vendido en 2006 por un precio récord de 135 millones de dólares. Neue Galerie, Nueva York.
Las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por 29 millones de dólares,16 una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales de otras de sus obras. En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares). El 7 de agosto de 2006, la casa de pujas Christie’s anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt, obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el segundo retrato de Adele Bloch-Bauer fue subastado en noviembre de 2006 -convirtiéndose en la tercera obra de arte más cara de la historia-,19 el Manzano, I (aprox. 1912) fue vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de dólares,20 y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31 millones. En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones de dólares.

Estilo y temas recurrentes

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.

Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales -como Durero- o exóticos -como los artistas de la escuela Rinpa japonesa. Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.

Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su obra. Sus dramáticas composiciones -utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos- subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior.

La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no solo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Kunsthalle, en 1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte.22 También se han realizado películas sobre su vida -la más conocida de ellas, protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda).

Obras

Judith con la cabeza de Holofernes, 1901. Belvedere, Viena.
Avenida en Schloss Kammer Park, 1912. Belvedere, Viena.
Dánae, por Gustav Klimt, de 1907. Colección privada, Viena.
Las amigas, 1916-1917
Mäda Primavesi. 1912. Óleo s/lienzo. 150 × 110 cm. Metropolitan Museum of Art, Nueva Y
Mujer echada, (1916).Pinturas de Klimt para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena
Friso del Palacio Stoclet en mosaico, Bruselas, Bélgica
Fábula (1883)
Teatro en Taormina (1886-1888)
Auditorio del viejo Burgtheater de Viena (1888)
Retrato del pianista y profesor de piano Joseph Pembauer (1890)
Muchacha de Tanagra, antigüedad griega (1890 – 1891)
Retrato femenino. Algunos especialistas de arte han identificado a la mujer retratada con la esposa del doctor Heymann. (1894)
La música I (1895)
Amor (1895)
Escultura (1896)
Tragedia (1897)
La música II (1898)
Palas Atenea (1898)
Agua en movimiento (1898)
Retrato de Sonja Knips (1898)
Sangre de pez (1898)
Schubert al piano (1899)
Después de la lluvia (Huerta con gallinas en Santa Agatha) (1899)
Ondinas (Peces plateados) (1899)
Las Sirenas (1899)
Filosofía (1899–1907)23
Nuda Veritas (1899)
Retrato de Serena Lederer (1899)
Medicina (Hygieia), decoración del techo del Aula Magna de la nueva Universidad de Viena (1900–1907)
Música (Litografía) (1901)
Judith I (1901)
Bosque de abedules (Birkenwald) (1901)
Peces dorados (dedicado a sus críticos) (1901–1902)
Retrato de Gertha Felsovanyi (1902)
Retrato de Emilie Flöge (1902)
Bosque de hayas (1902)
Bosque de hayas I (1902)
Friso de Beethoven (1902)24 25
Bosque de hayas (1903)
La esperanza I (1903)26
Peral (1903)
La vida es una lucha (El caballero dorado) (1903)
Jurisprudencia (1903–1907)27
Serpientes acuáticas I (1904–1907)
Serpientes acuáticas II (1904–1907)
Las tres edades de la mujer (1905)
Retrato de Margaret Stonborough-Wittgenstein (1905)
Jardín (1905–1906)
Jardín con girasoles (1905-1906)
Friso Stoclet (1905-1909)
Retrato de Fritsa Reidler (1906)
El girasol (1906-1907)
La esperanza II (1907-1908)
Dánae (La lluvia dorada)(1907)
Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907)
Prado con amapolas (1907)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter I (1908)
El beso (1907 – 1908)
Dama con sombrero y boa (1909)
Árbol de la vida (1909)
Judith II (Salomé) (1909)
El sombrero de plumas negro (1910)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter III (1910)
El parque (1910)
Jardín con crucifijo (1911-1912)
Manzano I (1912)
Casa de guardabosques en Weibenbach, a orillas del lago Atter (1912)
Retrato de Mäda Primavesi (1912)
Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912)
La virgen (Die Jungfrau) (1913)
Iglesia de Cassone (1913)
Mujer medio desnuda recostada (1913)
Mujer medio desnuda sentada, con los ojos cerrados (1913)
Retrato de Eugenia Primavesi (1913-1914)
Lovers, drawn from the right (1914)
Baronesa Elisabeth Bachofen-Echt (1914)
Mujer medio desnuda tumbada (1914-1915)
Retrato de Friederike Maria Beer (1916)
Casas en Unterach a orillas del lago (1916)
Muerte y vida (1916)
Sendero de jardín con gallinas (1916)
Las amigas (1916-1917)
Mujer sentada con los muslos separados (1916-1917)
La bailarina (1916 – 1918)
Leda (Destruido) (1917)
Retrato femenino (inacabado) (1917-1918)
La novia (inacabado) (1917-1918)
Adán y Eva (inacabado) (1917-1918)
Retrato de Johanna Staude (inacabado) (1917-1918)

La «Moneda de Oro» de pintura

Por su imponente legado artístico y su relación familiar con el grabado en oro, Gustav Klimt ha sido tema frecuente de los artistas de medallas y monedas de colección. La más reciente es una moneda de oro timbrada en 100 €, acuñada el 5 de noviembre de 2003. En el envés, la moneda muestra a Klimt en su estudio, con dos obras inacabadas sobre sendos caballetes.

La Virreina Centre de la Imatge acull la cinquena edició de l’OjodePez Photo Meeting Barcelona

La Virreina Centre de la Imatge i La Fábrica organitzen la cinquena edició de l’OjodePez Photo Meeting Barcelona, la gran cita internacional de la fotografia documental nascuda al voltant de la revista OjodePez. Del 15 al 17 de juliol, Barcelona acollirà una nova trobada professional, centrada en la promoció del diàleg i el debat entre especialistes, fotògrafs i participants interessats en la fotografia documental.

La nova edició, que presenta temes específics d’actualitat, treballs fotogràfics i un apartat professional i pedagògic, és més participativa que mai. A l’oferta de presentació de dossiers fotogràfics, taules rodones, converses i tallers, s’hi afegeixen diverses activitats obertes al públic, entre les quals hi ha tres conferències i un programa de projeccions fotogràfiques al pati de la Virreina, els autors de les quals han estat seleccionats en una convocatòria oberta.

La cinquena edició de la trobada gira a l’entorn de la figura de l’autor i del seu procés des de la concepció d’una idea o treball fotogràfic fins a convertir-la en una cosa tangible. Així, s’ofereix un programa complet d’activitats en què els fotògrafs, editors i experts d’arreu comparteixen les seves experiències personals per convertir les fotografies en projectes integrals, tot donant les claus necessàries per adaptar-los a suports editorials, multimèdia i expositius, distribuir-los per canals com agències o convocatòries de premis, o aprendre noves formes de col·laboració amb altres artistes o institucions, sense oblidar els diferents mètodes de treball.

L’OjodePez Photo Meeting Barcelona atreu els grans noms internacionals de la fotografia documental, concentrant gran part dels actors rellevants del sector en 3 dies. En aquesta ocasió aplega fotògrafs de la talla de Cristina García Rodero, Olivia Arthur, Carlos Spottorno, Konrad Pustola, Mariela Sancari, Aleix Plademunt, Laia Abril, Marco Casino o Samuel Bollendorf amb altres professionals reconeguts del sector i experts com Eefje Ludwig, Celia Davies, Giuseppe Oliverio i Bridget Coaker.

PROGRAMA D’ACTIVITATS

Conferències. Laia Abril, fotògrafa i artista multidisciplinària que acaba de publicar The Epilogue, oferirà la conferència Multi-platform storytelling. El fotoperiodista francès Samuel Bollendorff, expert en noves formes de narració i difusió, ha titulat la seva: Interactive Narration: Increasing the Moment of Photography. Per part seva, Marco Casino, fotògraf multimèdia especialitzat en reportatge social, abordarà el fotoperiodisme a l’era d’Internet.

Taules rodones. Eefje Ludwig, directora de projectes del departament d’educació de World Press Photo; Isabel Salgado, directora del departament d’exposicions d’art de l’àrea de cultura de la Fundació ”la Caixa” i Giuseppe Oliverio, creador del Photographic Museum of Humanity, primer museu online dedicat a la fotografia, abordaran el paper dels premis i la formació en fotografia. L’estat de la fotografia al Regne Unit serà el tema de la taula que formaran la directora de la revista Photoworks, Celia Davis, l’editora gràfica de mitjans com The Guardian Bridget Coaker, el comissari independent Moritz Neumüller i Harry Hardie. Agus Morales i Anna Surinyach, acompanyats per un representant de MeMo, presentaran la Revista 5W, un projecte d’informació internacional amb una aposta radical per la narració i la imatge que busca una experiència integral per al lector. La comissària Natasha Christia, col·laboradora de mitjans com Eyemazing i Next Level i fotoeditora del número 41 d’OjodePez, presentarà l’últim número de la revista, dedicat a l’autoretrat.

Cara a cara. El comissari i responsable de la Kursala, Jesús Micó, i el fotògraf Aleix Plademunt; el director general de La Fábrica, Álvaro Matías, i la fotògrafa Argentina Mariela Sancari; la fundadora de Bec Zmiana Foundation for New Culture Bogna Swiatkowska i el fotògraf polonès Konrad Pustola; Joan Sánchez, d’El País, amb la fotògrafa Consuelo Bautista, es reuniran en trobades a dues bandes. Parelles que s’enfronten i s’acompanyen en un debat amè en què el públic és també protagonista.

Cafè amb… Els participants mantindran trobades informals, tot fent un cafè, amb Celia Davies, Giuseppe Oliverio, Bogna Swiatkowska, Eefje Ludwig, Bridget Coaker i el fotògraf Juan Valbuena.

Presentació de dossiers fotogràfics. Fotògrafs professionals mantenen cites individuals amb un grup de professionals format per Natasha Christia, Celia Davies, Álvaro Matías, Jesús Micó, Harry Hardie, Moritz Neumüller, Bridget Coaker i Eefje Ludwig. Amb ells comentaran els seus treballs extraient-ne tot tipus de consells i recomanacions per a la millora i la possibilitat de difusió i publicació.

TALLER FOTOGRAFIA DOCUMENTAL SOBRE PAPER: CONSULTORIA I ASSESSORAMENT

La cinquena edició de l’OjodePez Photo Meeting Barcelona aborda de manera extensa el procés d’edició de treballs editorials, multimèdia o expositius. Juan Valbuena, fundador de l’agència NOPHOTO, professor al Màster Internacional de Fotografia EFTI i director de l’editorial PHREE, i Harry Hardie, director de projectes culturals per a Panos Pictures i fundador de l’editorial Here Press, imparteixen un taller en què s’analitzarà la selecció d’imatges i les formes de producció. Una oportunitat per compartir experiències i rebre pautes a l’edició, lectura i disseny.

CONFERÈNCIES GRATUÏTES OBERTES AL PÚBLIC

Durant els tres dies de la trobada, el pati de La Virreina Centre de la Imatge acollirà conferències gratuïtes obertes al públic a les 20.00 h. El dimecres 15, Olivia Arthur presentarà la seva trajectòria fotogràfica; el dijous 16 ho farà Cristina García Rodero i el divendres 17 serà el torn de Carlos Spottorno.

PROJECCIONS OBERTES AL PÚBLIC

Una selecció de nous fotògrafs seleccionats mitjançant una convocatòria oberta projectarà per al públic els seus treballs al pati de La Virreina Centre de la Imatge el dimecres 15 i el dijous 16 de juliol, entre les 13.30 i les 14.30 h. Els participants seleccionats són Begoña Pérez, Bet Sabe Ribas i Escoda, Elena López, Ferran Taberner, Karine Versluis, Luigi Abanto, María Torres Solanot i Nestor Díaz.

COM S’HI POT PARTICIPAR

Per assistir a la trobada cal inscriure-s’hi a través de la web photomeeting.ojodepez.org. La inscripció permet l’assistència a totes les activitats programades. La inscripció a la presentació de dossiers dóna dret a tres cites amb experts en fotografia.

PREUS D’INSCRIPCIÓ

Activitats (conferències, debats, cara a cara i projeccions) + visionat: 150 € Activitats (conferències, debats, cara a cara i projeccions): 60 € Activitats. Una jornada (conferències, debats, cara a cara i projeccions): 30 € *Descomptes especials a estudiants de fotografia i subscriptors de la revista OjodePez

LA SEU

La Virreina Centre de la Imatge (Palau de la Virreina. La Rambla, 99. Barcelona) planteja l’exploració de la imatge com a coneixement i també com a estimulació de noves experiències culturals. El centre es projecta com un espai de referència local, nacional i internacional per a l’exposició i el debat al voltant de la imatge, donant cabuda a diversos discursos i actors, a través d’una mirada àmplia i actual sobre les pràctiques artístiques contemporànies.

UNA REVISTA 100% FOTOGRAFIA DOCUMENTAL
OjodePez acull des del seu naixement els projectes fotogràfics inusuals al fotoperiodisme tradicional. Una revista amb vocació de proclama a favor de la imatge documental, el disseny i la projecció editorial de la fotografia, que s’erigeix com una bandera per a la difusió d’històries contemporànies que aborden qüestions d’actualitat. Està dirigida per l’editora gràfica Arianna Rinaldo, responsable de la selecció dels fotoeditors que escullen a cada número els temes a tractar, així com els fotògrafs que participaran amb les seves feines. OjodePez és una revista de La Fábrica que es distribueix a l’FNAC, botigues VIPS, El Corte Inglés, quioscos, llibreries especialitzades en art, disseny, fotografia i centres d’art.

L’OjodePez Photo Meeting Barcelona és una coproducció de La Virreina Centre de la Imatge i La Fábrica patrocinada per Telefónica i Renault, que compta amb el suport de l’Institut Français Barcelona, l’Institut Polonès de Cultura, El País, Moritz, JMT i BrickBox

Palio de Siena

El Palio de Siena (Palio di Siena) es una carrera de caballos que enfrenta a las contradas o distritos de la ciudad de Siena, Italia. De origen medieval, la competición se desarrolla dos veces al año: el 2 de julio se corre el Palio di Provenzano (en honor a la Virgen de Provenzano) y el 16 de agosto el Palio dell’Assunta (en honor de la Asunción de la Virgen).

En ocasiones excepcionales, como fue la llegada del hombre a la luna, o aniversarios entendidos como relevantes y pertinentes, como el centenario de la Unificación de Italia, la comunidad de Siena puede decidir efectuar un Palio extraordinario, a celebrar entre mayo y septiembre.

La carrera tiene lugar en la céntrica Piazza del Campo de Siena.

La historia del Palio

Según algunas fuentes, fue en recuerdo de la batalla de Montaperti, que ponía fin al peligro florentino, que los sieneses decidieron iniciar el Palio, considerada hoy una de las fiestas históricas más importantes de Italia.

La historia del Palio de Siena es más articulada y compleja; hunde sus propias raíces en una época aún más remota. En las ciudades italianas de los siglos XII y XIII era usual organizar carreras de caballos, fuera como espectáculo público, fuera como competición entre las diversas caballerizas de sus ciudadanos. A este origen se conjugan idealmente las diversas evocaciones históricas que todavía se desarrollan en Italia. Pero este tipo de Palio no es el progenitor directo de la competición sienesa actual.

Paralelamente a los palios de los nobles, los ciudadanos de Siena comenzaron a organizar, más o menos espontáneamente, diferentes tipos de competiciones. Se recuerdan, a partir del Siglo XV, Palios regionales, carreras de búfalos, corridas de toros, una especie de boxeo, Juego de la Elmora, Juegos de San Giorgio, carreras de burros, juegos de pelota. Muchas de estas competiciones eran precedidas por cortejos, representaciones alegóricas o carros triunfales con temas mitológicos griegos.

Noticias de palios han atravesado todo el Siglo XV y XVI, pero en algunos casos es difícil entender si las crónicas se referían a palios de nobles (Palio alla lunga) o a palios alla tonda.
La organización de base regional de la fiesta y de las comunidades tiene su origen, probablemente, en el tipo de organización territorial de las compañías militares que caracterizaba el ejército sienés medieval. Cuando no había guerra, esta organización se volcaba en la competición en los juegos ya citados.
Sobre esta organización interclasista han sido hechas también interpretaciones de tipo antropológico, relativas al carácter territorial de la organización social sienesa, opuesto a aquel clasista más difundido, por ejemplo, en los países anglosajones

La carrera del Palio toma su nombre, y no sólo en Siena, del premio: el Palio, del latín pallium (mantel de lana), era un tipo de tela muy apreciado, que se usaba en distintos ámbitos. En Siena, en general, era destinado a la iglesia de la contrada ganadora. Podía ser utilizado como adorno para la misma iglesia, o para otros usos análogos. Un pallium quincuacentenario parece haber decorado hasta no hace muchos años el altar de la iglesia de San Giuseppe, de la contrada Capitana dell’Onda

Esto se debía a que las contradas se apoyaban para su unión en las parroquias o en las compañías laicas que sostenían y soportaban las órdenes religiosas. Es comprensible cómo, en caso de victoria, el premio era regalado a la iglesia regional, fuera por reconocimiento, fuera por devoción.

Otra posibilidad era la restitución del premio a la comunidad cívica en cambio de su valor en dinero. En este caso el importe podía ser usado, por ejemplo, para hacer de dote para las jóvenes con menos recursos de la contrada o para otros asuntos de utilidad común.

Desde el siglo XVIII se afirma la idea del Palio-dipinto (el más antiguo es el conservado en el museo de la contrada del Aquila, ganado el 2 de julio de 1719) y sólo después de la Segunda guerra mundial para pintarlo no son sólo llamados los artesanos de Siena sino pintores de fama nacional e internacional.

Entre los variados espectáculos y competiciones, en el Siglo XVI, se va lentamente afirmando el Palio alla tonda, ese que conocemos hoy día. Esto se acentúa después de 1555, año en que se termina la guerra de Siena y la ciudad, destruida, se cierra en sí misma ahogando el peso de la pérdida de la libertad en los juegos y en las celebraciones en su interior.

El elemento desencadenante del Palio moderno se encuentra probablemente en un episodio ocurrido durante la ocupación florentina y española de la ciudad. Hacia el fin del siglo XVI una famosa Piedad conservada en un tabernáculo en la región donde había habitado Provenzano Salvani, que se decía haber sido puesta en su lugar por Santa Catalina tres siglos antes, fue ultrajada por un soldado español. Quizás debido al alcohol, disparó a la estatua, muriendo a causa de la explosión de su propio arcabuz. Era el 2 de julio y, para conmemorar el milagro hecho por la Virgen protectora de Siena en contra los ocupantes, los ciudadanos comenzaron año tras año a celebrar con siempre mayor pompa el aniversario. Entre las varias celebraciones, fue natural incluir una carrera del Palio. En el 1611 fue también construida la Basilica di Provenzano que custodia aún hoy aquello que queda de la imagen sacra ultrajada, la Madonna di Provenzano.

Esta carrera difería de las otras organizadas espontáneamente en otras ocasiones:
Participaban las contradas (por ende el pueblo) y no los nobles;
Se corría en Piazza del Campo alla tonda y no por las calles de la ciudad alla lunga (organizado por la nobleza) o en una región específica.

Debemos presuponer que experimentos de este tipo de carrera fueron hechos anteriormente, pero es sólo al inicio del siglo XVII que el Palio moderno se afirma en el gusto lúdico de los sieneses.

Desde el 1656 la Comuna de Siena (Balia por entonces) se hace cargo de la organización del Palio, consolidando esta fiesta. Los costos del Palio estarán a cargo de la aristocracia hasta el 1836.

Los testimonios de la comunidad sienesa relativas a la realización del Palio existen desde el 1659 y es entonces desde este año que se cuentan las victorias «oficiales» de las contradas por parte de la Comuna. Los registros de las victorias anteriores a este año son considerados atendibles sólo si se apoyan en documentos conservados por el barrio o por investigaciones históricas profundas.

En el 1701 se comienza a correr, de manera intermitente porque todavía es espontánea, el Palio dell’Assunta. La fecha del 16 de agosto parece en este caso ‘anómala’ en cuanto sucesiva al día de fiesta de la Asunción de la Virgen. Se elige este día ya que los otros días canónicos de las fiestas de agosto, el 14 y el 15, en Siena estaban ocupados, respectivamente, por el Corteo dei Ceri e dei Censi y por la fiesta de la Asunción, que culminaba en el Palio alla lunga. Este último irá perdiendo poco a poco su importancia hasta ser abolido al inicio del Siglo XIX, en acompañamiento con la propagación de las ideas de la Revolución francesa y la consecuente pérdida de la centralidad de la clase nobiliaria.

Este nuevo Palio de agosto era al comienzo, una prolongación de los festejos del barrio ganador del Palio de julio, que lo organizaba a expensas propias cuando era económicamente posible, de aquí la intermitencia. Desde el 1802 sigue la misma suerte de aquel de julio, comenzando a ser organizado por la ya constituida comuna de Siena moderna.

En 1729, la gobernadora de Siena Violante di Baviera estableció los confines de las contradas. A causa de incidentes ocurridos en los años precedentes, decreta que no puedan participar más de 10 contradas por vez.

Con pocas correcciones y remodelaciones, estas son aún hoy e ininterrumpidamente3 las fechas en cuales se corre el Palio desde hace cientos de años.

Es el ayuntamiento de Siena el que organiza el Palio, el que administra el aspecto económico y la justicia paliesca (eventualmente sanciona a jinetes o contradas que violen el reglamento paliesco): el Palio se autofinancia por la comunidad sienesa y no prevé (ni aceptaría) algún tipo de esponsorización, como se puede ver en las imágenes de la carrera, en las cuales no aparecen nunca carteles ni escritos publicitarios.

Contrariamente a aquello que parece ser la idea más difundida fuera de Siena, el mecanismo del Palio, guiado por un Reglamento oficial, es remodelado continuamente.

De esta forma, el Palio se actualiza y se adapta a la realidad circundante. No se explicaría de otra forma su longevidad y la participación popular que los sieneses todavía hoy infunden en la Fiesta.